Mona Hatoum, + and – en la Bienal de Venecia (publicada por Yleana Hurtado para J u n e J o o n J a x x)
Nora Ancarola
Es probable que el recurrente trabajo relacionado con la traumática experiencia del exilio y la desmitificación de la idea tradicional de «hogar», sean la clave para señalar a Mona Hatoum, artista palestina nacida en Beirut, como una de las artistas más representativas de la escena artística internacional en la actualidad.
El traslado de sus padres de Haifa a Beirut y del propio de Beirut a Londres, exilio forzoso al estallar la guerra en Líbano en 1975, marcan su vida de tal manera que ya en sus primeras performances realizadas en los años 80 ya señalan a esta artista como un paradigma del arte contemporáneo dentro de nuestra sociedad, cada vez más marcada por los desplazamientos y la pérdida del espacio referencial. Esta situación de traslado continuo es representada de manera magnífica por la artista en Light Sentence, donde el movimiento de una bombilla hace que las sobras de una enorme estantería se muevan continuamente dando una sensación inquietante y perturbadora.
De la Byam Shaw School of Art, pasa a la Slade School of Art, también en Londres, donde estudia con grandes esfuerzos y ayudas de la institución. Luego de un periodo de experimentación formal ligada al Minimalismo. Pero es su paso por la Slade lo que le acerca a un trabajo más politizado y le anima a llevar su obra a un terreno más conceptual donde prima su preocupación por las consecuencias de las estructuras de poder, a la vez que cierto posicionamiento respecto al papel de la mujer en los conflictos de la sociedad contemporánea.
Es remarcable la importancia que, para Mona Hatoum, tienen las ayudas que recibió para poder realizar sus estudios. El premio Joan Miró 2011 que se le otorga y ligado al cual tiene lugar esta exposición, fue donado por la artista a la University of the Arts London para su programa de ayudas a estudiantes extranjeros.
En su obra más reciente, el hogar, lejos de ofrecerse como un refugio acogedor, es el lugar de la inquietud, un espacio de reclusión psíquica, una prisión. El peligro habita en este espacio. Desde No Way, el hogar y su centro, la cocina, no funciona como el centro nutricional, de plenitud y realización, sino donde se encuentran objetos vengativos y donde los sueños son impedidos. El rallar, picar, cortar se visualizan como actos de tortura. En Home incluso, lo doméstico adquiere carácter demoníaco. No hay lugar para el sosiego y el descanso. Según sus propias palabras en las impresiones de objetos de la cocina sobre papel de cera, la relación entre ellos y las armas de guerra, minas y granadas, es muy directa. En otros casos el cambio de escala de los objetos cotidianos no solo transforma el sentido icónico que reproducen, sino también les carga de nuevos contenidos, asociaciones y referencias.
En la entrevista hecha por Janine Antoni[1], Mona Hatoum reflexiona sobre su preocupación ante las expectativas que puedan tener los espectadores sobre su obra: “si procedes de un entorno acuciado por problemas, parecería que tu obra debería articular la lucha o la representación del pueblo. Realmente es mucho pedir, a veces incluso siento deseos de contradecir esas expectativas». Quizás es con esta “transgresión” respecto las expectativas que los que leemos y esperamos de la artista un compromiso social y político, que esta exposición hace alianza, en estrecha colaboración de la artista con Martina Millà, encargada de Proyectos y programación de la Fundación Miró, descontextualizando la obra en un esfuerzo considerable por relacionarla con las vanguardias históricas. Esfuerzo más que considerable si tenemos en cuenta que la obra de Mona Hatoum está considerada como una de las obras más politizadas de la escena contemporánea. Creo también que sus propias palabras no hacen más que reafirmar su actitud reflexiva frente al contexto social.
El texto de Catherine de Zegher, en el catálogo de la exposición, realiza una interesante reflexión sobre esta dimensión dual de la obra, poniendo énfasis en el aspecto paradojal de una artista entre dos mundos, pero con una profunda dimensión sociopolítica, reflejo de la complejidad imperante.
En cuanto a las obras de la exposición, es especialmente interesante el conjunto de obras que se abren en el espacio 3, donde podemos ver a la vez las estructuras de hierro, Bunker, y la serie Building, imagen de la destrucción sin concesiones al espectáculo, junto a Hanging Garden (Jardín colgante), visible a través del cristal que da al jardín y dando el punto de esperanza, frente a Nature morte aux grenades (Naturaleza muerta con granadas) y A Bigger Splash (Salpicadura mayor) brutal contrapunto entre los instrumentos sangrientos de guerra realizados en cristal de Murano, representación de la banalidad burguesa.
En las salas 6 y 8, Daybed (Diván) y La Grande Broyeuse (El gran pisa puré) intermediados por Undercurrent (red), colocan a quien observa en un punto de incomodidad entre la intimidad y la inquietud frente a los kafkianos objetos-máquinas de terror.
Turbulence, es la obra que Mona Hatoum realiza para esta exposición. Por asociaciónlingüísticapienso en la turbulencia de Shirin Neshat, asociación que me reafirma lo exenta de narración directa que puede ser la obra de Mona Hatoum. La fragilidad del montaje, la contención y la belleza nos acercan a una obra que contrasta con su propio título.
Finalmente, + and – metáfora de la historia que se inscribe y re-escribe continuamente, junto con You Are Still Here (Todavía está aquí), marcan el final abierto, de una muestra tan bella como descontextualizada.
[1] En el catálogo editado por el Centro Gallego de Arte Contemporáneo y el Centro de Arte de Salamanca, del 2002.
Mona Hatoum. Projecció, Fundación Miró de Barcelona. Del 22 de junio al 24 de septiembre
