Fotografía de Marisa González, detalle
NUEVA YORK: BIENAL WHITNEY, CHELSEA
Marisa González, artista
En esta primavera, el arte contemporáneo domina la escena artística de Nueva York gracias a la Bienal del Whitney. Por primera vez se celebra en el nuevo edificio, las salas se abren a unas imponentes terrazas que dan al río Hudson, en estos bellos espacios de tamaño descendente, se despliegan los trabajos de jóvenes creadores americanos y de artistas residentes de otras nacionalidades, con un gran numero de latinos.
Pero, para empezar, hago el recorrido por las galerías ubicadas en Chelsea porque el Soho ya no es lo que era, las galerías y los estudios de artistas han desaparecido y casi todas se han trasladado a Chelsea. Además, en Brooklyn está floreciendo otro nuevo sector.
A principios de los años 70 los artistas descubrieron en la zona sur de la isla una zona deprimida con talleres y almacenes de grandes dimensiones que denominaron Soho, era el espacio perfecto para ubicar sus estudios y las galerías les siguieron y bajaron de los espacios de lujo de la 5ª Avenida, para instalarse junto a los artistas en inmensas naves que modificaban creando espaciosos lofts, únicos en la ciudad. Poco a poco los fueron ocupando y esta zona durante los 80 y 90 se convirtió en “the place to be”. Los artistas y galeristas fueron los que levantaron el Soho, pero sucedió lo inevitable, empezaron a instalarse tiendas de moda y restaurantes, se gentrificó y los precios se elevaron desmesuradamente, tanto en propiedad como en régimen de alquiler, por esta razón las galerías y los estudios de artistas tuvieron que buscar otra localización y se trasladaron a otra zona industrial en el lado oeste de Manhattan, en Chelsea. Esta zona entre la calle 21 y 24 donde se encuentra la Dia Foundation acoge a las grandes galerías multinacionales al igual que otras mas jóvenes, que pueblan el distrito concentrando en muy pocas calles toda la actividad. Los espacios son mucho mayores que los del Soho, por lo tanto ha propiciado el despliegue de medios hasta la desmesura. Primera pregunta, ¿cómo un artista puede llenar estos inmensos espacios si no está respaldado por el mercado?. Debo decir que la mayoría de los visitantes, eran como nosotros, visitantes artistas o estudiantes, pero de vez en cuando aparecía una limousine con chofer del que descendían un matrimonio de relucientes chinos que desprendían su poder adquisitivo. La curiosidad me hizo seguir a alguno de ellos para ver lo que compraban y compraban «pintura», las galerías han vuelto a exponer lo que mas «se vende»: la pintura.
En este recorrido, las galerías de los grandes nombres eran las más visitadas; las otras galerías, estaban casi vacías. Quiero destacar que la persona que estaba ante el ordenador y atendía a los clientes y visitantes en casi todas las galerías era una joven china.
Empecemos por decir que la pintura se mantiene con gran fuerza, ya se sabe que en época de crisis, los artistas no se arriesgan con propuestas poco comerciales.
Hanne Darboven, Cultural History 1880 -1983, Dia Foundation, vista de sala
CHELSEA
La exposición de una gran mujer, la mejor exposición de toda la zona es la obra de la alemana Hanne Darboven cuyo trabajo se presenta en la nueva sede de la Día Foundation con un impresionante despliegue de obras. Al principio presuponía que me iba a encontrar con «lo de siempre», puesto que repite el formato de la serialización, y además tras ver la monumental instalación en la Documenta Kassel 2002, pensé que ya lo tenía todo visto, pero mi gran sorpresa fue cuando compruebo que la Dia Foundation, el nuevo descomunal espacio a pie de calle, ubicado frente al anterior edificio en la calle 22, es invadido literalmente por salas y salas contiguas, con paneles de suelo a techo con módulos de la medida que ella utiliza siempre, 50×70 cm y cada unidad enmarcada en madera.
Hanna Daboven, Cultural History 1800 -1983, Dia Foundation, vista de sala
Lo más sorprendente es que todas estas salas, albergan una sola obra perteneciente a la Dia Foundation, el cuerpo de la obra consta de 1590 unidades de su medida standard, y 19 esculturas de tamaño natural. La mayoría del material utilizado para componer cada unidad procede de objetos encontrados o fotocopias, mediante el proceso del collage y el montaje repetitivo y ordenado arma las series. Incluso las esculturas proceden de zonas de juegos infantiles, o de otros espacios.
Hanne Darboven, Cultural History 1800 -1983, Dia Foundation, vista de sala
La obra se titula «Cultural History 1880-1983», es decir abarca 203 años. Agrupadas las obras por períodos políticos ya que hace referencias a la I y II Guerra Mundial, temas personales, documentos testimoniales, donde las fotos, cartas, archivos, postales, textos, objetos encontrados, se yuxtaponen acumulados, alineados en perfecto equilibrio fragmentado manteniendo su estructura secuencia modular. Imposible «leer» tanta información, la mirada se detiene arbitrariamente en algún punto pero el conjunto ofrece una panorámica tan monumental que el visitante tiene que recorrer paso a paso para percibir, en su recorrido, la magnitud de la obra. Darboven tardó en realizar esta obra más de 3 años. Hay una novedad, y es que en cada sala, en el espacio central hay una escultura casi siempre de figura humana a escala real, por lo tanto la lectura se hace de panel a objeto y de objeto a panel, de micro a macro o a la inversa.
Eva Hesse, galería Hauser & Wirth
También en Chelsea, la poderosa galería suiza Hauser & Wirth presenta una gran exposición colectiva con el nexo común de la serialización titulada “Serialities». Abre la sala un gran panel de retratos de la actiz francesa Isabelle Huppert realizados por la artista alemana Roni Horn, estas obras datan de 1993/2008, además de varias esculturas tituladas «Key and Cue» de 1994. Escultura es también la obra de Eva Hesse acompañada de dibujos a color de 1964 y 1967. De Sophie Calle se muestra un grupo de 12 fotografías bajo el titulo “Collateral Damage” del año 1990-2003, son retratos de jóvenes delincuentes utilizados como dianas durante el entrenamiento de los policias en la ciudad de M, EE UU. Hay otras artistas como Cindy Sherman, Karin Sander, Isa Genzken, hasta completar unos 30 artistas, de los cuales podríamos decir que casi la mitad son obras de mujeres, de las “grandes figuras” del arte.
Olafur Eliasson, The listening dimension, galería Tanya Bonakdar
Hay dos exposiciones de dos hombres que también quiero mencionar. La propuesta del holandés Olafur Eliasson, «The listening dimension» en la galería Tanya Bonakdar, donde presenta magnificas, inteligentes y complejas instalaciones participativas, como son siempre sus trabajos de aparente sencillez. Todos los visitantes, interactuamos con las instalaciones con nuestros dispositivos móviles, propiciando un juego lúdico entre la obra y los selfies del espectador.
Vik Muniz, Epistemes, galería Sikkema Jenkins 6 Co
El otro gran artista es el brasileño Vik Muniz, con el titulo «Epistemes» en la galería Sikkema Jenkins & Co, nos ofrece una variadisima propuesta realizada en EE UU en la que combina diferentes materiales y soportes, y de nuevo, el autor hace un guiño con el espectador, falseando la realidad y sugiriendo lo que no es para generar el equívoco, la sorpresa.
Nan Goldin, The Ballad of Sexual Dependency, MoMA
La tercera de los grandes, lo relato en el orden en los que visité las exposiciones según el recorrido en el plano, es el MoMA presenta dos exposiciones de sumo interés que han concluido el 16 de Abril, ambas requerían una lectura minuciosa ya que constan de un despliegue de documentos, archivos, fotografías, objetos y vídeos. La exposición de “Nan Goldin: The Ballad of Sexual Dependency” se compone de setecientos retratos que responden a su personal narrativa basada en sus experiencias en Boston, Nueva York y Berlín principalmente durante los años 70 y los 80. Según sus palabras “The Ballad of Sexual Dependency is the diary I let people read… The diary is my own form of control over my life. It allows me to obsessively record every detal. It enables me to remember” (“La balada de la dependencia sexual es el diario que permito que la gente lea … El diario es mi propia forma de control sobre mi vida. Me permite registrar cada detalle obsesivamente y ser capaz de recordar”).
Tony Oursler, MoMA, detalle
La otra exposición en el MoMA es la del vídeo artista “Tony Oursler: Imponderable”. Esta exposición muestra su enciclopédica colección de mas de 2.500 imágenes y objetos únicos, algunos de ellos datan del siglo XVIII, desplegados a lo largo de las salas en paredes y vitrinas, además de un nuevo vídeo de 50 minutos. De nuevo, esta exposición requiere una atención imposible de seguir. La vista se detiene aleatoriamente de un lugar o en otro.
LA BIENAL DEL WHITNEY, fundada en 1932, este año 2017 presenta su 78ª edición de marzo a junio 2017, está situada en el nuevo edificio del museo a orillas del rio Hudson en la zona del Meatpacking District. Comisariada por dos jóvenes, Christopher Y. Lew de 36 años y Mia Locks de 34. Consta de 63 participantes, artistas norteamericanos, o por lo menos residentes, ya que hay muchos de origen foráneo, asiáticos, latinos, afroamericanos. Como es sabido el multiculturalismo predomina en la sociedad americana. La bienal ha sido patrocinada por la valorada joyería Tiffany ubicada en la 5ª Avenida, junto a la Torre Trump, dicho edificio está acordonado día y noche y son muchos los curiosos y activistas que se manifiestan en la puerta del edificio, unos a favor y otros en contra.
La situación política de descontento que atraviesa el país, se ve reflejada en las obras de muchos artistas. Las tensiones sociopolíticas, los problemas raciales, la desigualdad económica son temas que les afectan y por lo tanto, se manifiesta en sus obras. Obras que adoptan muy diversas formas de representación y de medios, desde la pintura, de nuevo omnipresente, pasando por esculturas, fotografías, vídeos, instalaciones y videojuegos.
La Bienal se despliega en todas las salas del nuevo museo, cada una de las 6 plantas cambia su tamaño, según íbamos descendiendo, el espacio se va agrandando hasta llegar a la planta primera donde el espacio museistico adquiere grandes dimensiones fraccionadas para presentar las instalaciones de las propuestas de los artistas.
En la Bienal la presencia de las mujeres es más o menos al 50 %, y la mayoría son muy jóvenes, es sabido que con el paso de los años, se pierden muchos valores en el camino, sobre todo de las mujeres.
Kaari Upson, Bienal Whitney
De todas ellas, destaco el trabajo de una mujer, Kaari Upson, 1972, nacida y residente en California, realiza sus piezas a tamaño real de objetos encontrados en las calles desde Las Vegas a Los Angeles mediante muebles de gran tamaño, colchones, objetos invertidos todos ellos tintados, retorcidos, algunos colgados del techo, otros en el suelo recrea unos espacios a gran escala, aparentemente domésticos pero de una gran violencia.
La artista Cauleen Smith nacida en California en 1967 y residente en Chicago, presenta una colección de banderolas colgadas del techo como las utilizadas en las procesiones con imagenes de un lado y frases en el otro, formando un poema secuencial con frases como “We were never meant to survive”.
Jessi Reaves, Bienal Whitney
Jessi Reaves nacida en Portland en 1986, y residente en Brooklyn NY, presenta unos sillones desplegados por todo el museo incluso en la sala de conferencias, realizados también de objetos encontrados, telas, foam, en una mezcla entre mueble y escultura, mas lírica que funcional.
En épocas de crisis, los artistas agudizan el ingenio para crear sus obras mediante reciclaje de objetos encontrados, por lo que la historia del objeto se renueva y recrea cambiando el sentido de la propia historia.
Maya Stoval, 1982, nació y vive en Detroit, presenta un video mezcla de intevención urbana y observación antropológica, dicho vídeo transcurre en su ciudad natal Detroit, ella danza por las calles delante de bares, en una mezcla de ballet y danza contemporánea. Despues de cada performance, invita a los dueños de los bares y a los transeúntes a compartir sus recuerdos y predicciones que graba en video, para obtener una visión del barrio y del abandono que sufre.
El catálogo, en el articulo de introducción, escrito por el director del museo comienza con esta frase: “Los artistas a menudo predicen acontecimientos ya que son sensibles a las señales y no temen afrontar las realidades de la cultura actual y la retransmiten, transforman y definen”.
En la pagina web de la bienal, vemos que presentan las imágenes de las obras rompiendo la linealidad horizontal:
http://whitney.org/Exhibitions/2017Biennial
En un momento en el que el National Endowment for the Arts, institución de gran solvencia cuyo fin es ayudar a los artistas, fenece lamentablemente, en el que la función pública no existe ya que todo está privatizado, la supervivencia de los artistas depende de los patrocinadores privados, y del mercado. Podemos sacar nuestras conclusiones.
Whitney Biennial, Nueva York. Del 17 de marzo al 11 de junio de 2017.
http://www.marisagonzalez.com/
