Sharon Lockhart, When You’re Free, You run, 2016
EXPOSICIONES PARA VIAJAR POR EUROPA
Redacción
Viajamos con aviones, barcos, trenes y automóviles, y también con la imaginación. Todavía podemos ver algunas de las exposiciones más interesantes planteadas en 2017. Esta selección puede servir también para revisar diversas modalidades de proyectos feministas y desde la perspectiva de género, cada vez con más presencia en Europa.
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LONDRES Y REINO UNIDO
Además de la retrospectiva de la primera ganadora del Turner Price 1993 Rachel Whiteread en la Tate Britain londinense, también puedes visitar la retrospectiva de Rose Wylie. Si viajas a Liverpool, podrás ver una interesante muestra de la ganadora del Turner este 2017. Y muchas cosas más, en la capital británica y a lo largo y ancho del Reino Unido.
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Rose Wylie, Quack, Quack, Serpentine Sackler Gallery, Londres. Hasta el 11 de febrero de 2018.
La exposición sobre la artista británica Rose Wylie (Reino Unido, 1934) incluye pinturas desde finales de los años noventa hasta la actualidad. Wylie encuentra su inspiración para sus pinturas a gran escala en sus encuentros diarios y en infinidad de fuentes, desde la historia del arte, el cine, los cómics y la naturaleza a noticias, anécdotas verbales, historias de famosos y en el deporte. Pueden incluir desde una escena del icónico film Kill Bill de Quentin Tarantino a un autorretrato comiendo una galleta.
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May Morris, Art & Life, William Morris Gallery, Londres. Hasta el 28 de enero de 2018.
Una de las más importantes figuras del movimiento Arts and Crafts, May Morris ha sido eclipsada durante mucho tiempo por su padre, William Morris, como se atisba en la actual exposición en la Fundación March madrileña. En Londres puede verse la exposición más amplia hasta la fecha dedicada a May Morris, con ochenta piezas procedentes de todo el Reino Unido, muchas antes nunca mostradas, subrayando su radical influencia. Fundadora de Women’s Guild of Arts in 1907 en respuesta a Art Workers Guild, formada solo con hombres y que solo aceptó mujeres a partir de 1964), May luchó para promover el trabajo de artistas mujeres. Además de bordados, la exposición muestra papeles pintados, joyas, vestidos, diseño de libros, bocetos y acuarelas, junto a diarios y cartas, ofreciendo claves de su biografía, como su relación con Dante Gabriel Rossetti y con el dramaturgo George Bernard Shaw.
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Lubaina Himid, Meticulous Observations and Naming the Money, Walker Art Gallery, Liverpool. Hasta el 18 de marzo de 2018.
Ganadora del premio Turner, 2017, Lubaina Himid (Zanzibar, Tanzania, 1954) ha seleccionado obras de la Arts Council Collection realizadas por artistas mujeres junto a veinte figuras de su mayor instalación Naming the Money. En el centro de la sala se halla su serie de acuarelas de 1978, Scenes from the life of Toussaint L’Overture, sobre los primeros esclavos que se levantaron en la revolución de Haiti. La instalación completa Naming the Money fue donada por la artista al International Slavery Museum. Hace referencia a cómo las clases dirigentes europeas se adineraron y aumentaron su poder usando mujeres y hombres esclavos de África durante los siglos XVIII y XIX. La importante individualización de estas figuras, cada una con su profesión y su historia, demuestra cómo la esclavitud fue disfrazada y glamourizada.
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Alina Szapocznikow, Human Landscapes, The Hepworth Wakefield, Wakefield, West Yorkshire. Hasta el 28 de enero de 2018.
Se trata de la primera retrospectiva en el Reino Unido de la artista polaca Alina Szapocznikow (1926-1973), cuyo trabajo ha sido revalorizado en la última década. La exposición muestra cómo partiendo de la escultura clásica, llegó a producir sus «objetos incómodos», políticamente cargados y con influencias surrealistas y pop. Se exhiben más de cien obras creadas entre 1956 y 1972, incluyendo dibujos, fotografías y esculturas, con la incorporación del característico uso de Szapocznikow de vaciados de partes del cuerpo, que también transformó en objetos cotidianos como lámparas o ceniceros, que aluden a su experiencia en campos de concentración nazi.
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Gluck, Art and Identity, Brighton Museum & Art Gallery, Brighton. Del 18 de noviembre de 2017 al 11 de marzo de 2018.
El trabajo de Hannah Gluckstein o como se hizo conocer Gluck rivaliza con la importancia de su figura. A lo largo de su carrera, Gluck realizó bodegones de flores, retratos de mujeres de clase alta y paisajes detallados. Hoy se celebran también sus elecciones y distintiva identidad. La mayor parte de su obra la realizó entre los años veinte y los treinta, décadas de ampliación de la emancipación de las mujeres. Gluck fue pionera en el cambio de aspecto de las mujeres modernas, optando por un estilo de vestuario masculino y corte de pelo garçon, revolucionarios en aquella época. Estando la cuestión de la identidad en el centro de su trabajo, con el tiempo ha llegado a ser un icono para las comunidades LGTB, para el rol lesbiano y prototipo trans masculino.
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Rebecca Warren, All the Heaven Allows, Tate St. Ives. Hasta el 7 de enero de 2018.
Últimas semanas para conocer la producción reciente de la escultora británica Rebecca Warren (1964), premio Turner en 2006.
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LISBOA
Ana Hatherly, Ana Hatherly e o Barroco. Num jardim feito de tinta, Fundação Calouste Gubelkian, Lisboa. Hasta el 15 de enero de 2018.
Artista plástica, realizadora, traductora, escritora, Ana Hatherly (Porto, 1929 – Lisboa, 2015) fue también profesora catedrática de Literatura Barroca. Con su investigación revalorizó ese período histórico, revelando una profunda afinidad entre los experimentalistas del siglo XX, de los que formaba parte, y sus antecesores de los siglos XVII y XVIII. Esta exposición‑ensayo procura mostrar esa relación de familiaridad. En los ensayos de Ana Hatherly encontramos las categorías de mundivisión barroca que se revelan también en la obra plástica y poética de la artista: el Laberinto, el Tempo, la Alegoría, y la locura de interpretación que promueve o la Metamorfosis entre pintura y poesía, entre dibujo y escritura. Son estos caminos los que continuamente se bifurcan en este «jardim feito de tinta».
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Mariana Silva, Olho Zoomórfico / Camera Trap, Fundação Calouste Gubelkian, Lisboa. Hasta el 26 de febrero de 2018.
Esta exposición comisariada por Leonor Nazaré propone una reflexión sobre la extinción en masa de especies animales y las prácticas de captura de imágenes en hábitat natural; pero también sobre la relación humana con las imágenes virtuales y con la tecnología. Oscilando entre estereotipos y subjetividades, rutina e excepción, ciencia e visión nostálgica, la representación del mundo y da su fallo ecológico surge una exposición como ficción y documento, narrativa e reflexión, presente y futuro, pasado y pos-humanidad.
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Do outro lado do espelho, Fundação Calouste Gubelkian, Lisboa. Hasta el 5 de febrero de 2018.
Compuesta de 69 obras, número-espejo, la exposición está dividida en cinco núcleos temáticos, o preguntas: ¿Quién soy? el espejo identitario, el espejo alegórico, la mujer ante el espejo: una proyección del deseo, espejos que revelan y espejos que mienten, y el espejo masculino: autorretratos y otras experiencias.
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Sharon Lockhart, Meus pequenos amores, Museo Coleçao Berardo, Lisboa. Hasta el 28 de enero de 2018.
Desde 1990 Sharon Lockhart se ha dedicado a una observación atenta de la vida cotidiana y de sus protagonistas, realizando películas, fotografías e instalaciones, que revelan cualidades humanas únicas a través de composiciones estudiadas y coreografiadas. Las más simples acciones de un determinado campo cultural o comunidad son encuadradas con frontalidad, dando lugar a la exposición de cuadros vivos, que sintetizan aspectos particulares de la vida y manifiestan una oscilación entre una determinante cultural y un comportamiento específico que ahí se inscribe. La exposición muestra una selección de trabajos de la última década, centrada en los derechos de la infancia y la autoconfianza.
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PARÍS
En la capital francesa, hay mucho interés por artistas poscoloniales y programas feministas. También merecen una vista Sophie Calle y la carta blanca a Camille Henrot en el Palais de Tokyo.
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Nalini Malini, La Rebelion des Morts. Rétrospective 1969-2018, Centre Pompidou, París. Hasta el 8 de enero de 2018.
En colaboración con el Castello di Rivoli, es la primera retrospectiva en Francia de la obra de Nalini Malini, pionera del cine, la fotografía, el videoarte y la performance en India. La práctica de Nalini Malani, nacida en Karachi en 1946, se nutrió de la experiencia precoz de las consecuencias de la partición de India, por lo que su familia se refugiará primero en Calcuta y después en Bombay. Su obra pone en tensión los mitos, el imaginario popular y los estereotipos culturales para denunciar la explotación de los pueblos, sometidos a los nacionalismos. La investigación de la subjetividad femenina y la condena de la violencia es para ella un constante llamamiento sobre la vulnerabilidad del ser y la precariedad de la existencia. Las colaboraciones de Malani con intelectuales y artistas como el antropólogo y sociólogo Arjun Appaduri, la actriz Alaknanda Samarth, la bailarina Harada Nobuo y el director de teatro Amuradha Kapur, testimonian su búsqueda de formas más interdisciplinares para explorar sujetos políticos y personales. Sus obras suscitan confrontaciones temporales entre pasado, presente y futuro. Operan una síntesis dinámica entre memoria, fábula, verdad, mito, traumatismo y resistencia. Esta exposición presenta obras desde 1969 a 2018, series de pinturas recientes de la artista, y también un mural efímero, Huellas. Su trabajo ha recibido el reconocimiento internacional, después de dOCUMENTA (13) en 2012, y su exposición en MoMA en 2016-2016.
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Women House. La maison selon elles, La Monnaie, París. Hasta el 28 de enero de 2018.
Women House es el encuentro de dos nociones: un género (el femenino) y una especie (lo doméstico). La arquitectura y el espacio público han sido masculinos, mientras que el espacio doméstico durante mucho tiempo ha sido una prisión o un refugio para las mujeres. 39 artistas mujeres del siglo XX y el siglo XXI se hacen cargo de este tema complejo e introducen a la mujer en el centro de una historia donde estuvo ausente. Después de la etapa parisina, Women House se expondrá en el National Museum of Women in the Arts en Washington DC a partir del 8 de marzo de 2018.
Los ocho capítulos de la exposición reflejan la complejidad de posibles puntos de vista sobre el tema no son solo feministas (Desperate Housewives), sino también poéticos (Une Chambre à soi), políticos (Mobile-Homes) o nostálgicos (Maisons de Poupées). Las 39 artistas de Women House proceden de cuatro continentes, desde la histórica Claude Cahun hasta una nueva generación: la artista mexicana Pia Camil, la iraní Nazgol Ansarinia, la portuguesa Joana Vasconcelos, la alemana Isa Melsheimer o les francesas Laure Tixier y Elsa Sahal… Algunos nombres son bien conocidos (Louise Bourgeois, Niki de Saint Phalle, Martha Rosler, Mona Hatoum, Cindy Sherman o Rachel Whiteread), otros son resultado de descubrimientos recientes vinculados a una lectura de la historia del arte más paritaria (Birgit Jürgenssen, Ana Vieira, Letícia Parente o Heidi Bucher). La exposición ha sido comisariada por Camille Morineau y Lucia Pesapane.
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Sophie Calle y Serena Carone, Beau doublé. Monsieur le marquis!, Musée de la chasse et de la nature, París. Hasta el 11 de febrero de 2018.
Bajo el comisariado de Sionia Voss, esta exposición es la primera presentación museística en Francia después de su retrospectiva en el Centro Pompidou en 2003. La obra de Sophie Calle es construida sobre las fronteras porosas entre la autobiográfía y el relato ficcional. En el centro de su trabajo se cotejan cuestiones existenciales como la mirada, la alteridad, la amistad o la muerte, trascendidas por los rituales y el juego. La exposición permite descubrir algunas piezas de la artista en el contexto singular de la colección del museo y revela otras obras especialmente concebidas para la ocasión. La artista Serena Carone ha sido invitada por Sophie Calle para dialogar con ella, con la presentación de muchos objetos de su bestiario artístico. Su obra constituye una suerte de gabinete de curiosidades nacido de la experimentación y del trabajo con materiales diversos. A las antípodas de la estrategia conceptual de Sophie Calle, Serena Carone propone un mundo a la vez maravilloso e inquietante y aporta una mirada singular sobre el mundo viviente y su relación con la muerte.
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Camille Henrot, Days are Dogs, Palais de Tokyo, París. Hasta el 7 de enero de 2018.
Carta blanca a Camille Henrot (París, 1978, reside en Nueva York), que ha tomado posesión de todo el museo, con una exposición en siete partes, dedicadas a cada día de la semana. Ella ha invitado a un grupo de artistas multidisciplinares, como David Horvitz, Maria Loboda, Nancy Lupo, Samara Scott, Avery Singer y el poeta Jacob Bromberg, para que llevaran su visión de la vida a la exposición.
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ROMA
Elizabeth Peyton y Camille Claudel, Eternelle Idole, Villa Medici, Roma. Hasta el 7 de enero de 2018.
En el ámbito del ciclo de exposiciones UNE, ideado por Muriel Mayette-Holtz y bajo el comisariado de Chiara Parisi, la Academia de Francia en Roma Villa Medici presenta esta exposición que reúne pinturas, dibujos y grabados de la artista americana Elizabeth Peyton junto a esculturas de la francesa Camille Claudel. Las obras de las dos artistas, nacidas a un siglo de distancia, interactúan para revelar dos aproximaciones diversas al retrato, el mito y el gesto.
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TURÍN
Con su feria Artissima e importantes fundaciones y museos, Turín se ha convertido ya en una de las capitales europeas del arte contemporáneo.
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Anna Boghiguian, Castello di Rivoli, Turín. Hasta el 7 de junio de 2018.
Comisariada por Carolyn Christov-Bakargiev y Marianna Vecellio, esta exposición es la primera gran retrospectiva dedicada a la artista egipcia-canadiense de origen armenio. La muestra reúne cuadernos, dibujos, fotografías y esculturas junto a algunas de sus grandes instalaciones.
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Niki de Saint Phalle, Museo Ettore Fico, Turín. Hasta el 14 de enero de 2018.
Exposición dedicada a la única representante del Nouveau Réalisme. Organizada en colaboración con Niki de Saint Phalle Foundation en Santee, California, MAMAC en Niza y con la aportación de importantes colecciones privadas.
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BERLÍN
¿Por qué Berlín? En esta ciudad donde residen artistas de toda Europa también encontramos interesantes programas feministas y una importante retrospectiva de Jeanne Mammen.
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Parker Rebecca Hirschmüller, Non-Binary, Youth Museum en Schëneberg Museum, Berlín. Del 2 de diciembre de 2017 al 25 de marzo de 2018.
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Reframing Worlds. Mobility and Gender in a Potcolonial, Feminist Perspective, Galerie im Körnerpark, Berlín. Del 4 de noviembre de 2017 al 21 de enero de 2018. nGbK/ neue Gesellschaft für bildende Kunst, Berlín. Del 2 de diciembre de 2017 al 21 de enero de 2018.
Artistas: Akinbode Akinbiyi, Maria Thereza Alves, Hasan Aksaygın & Aykan Safoğlu, Nathalie Anguezomo Mba Bikoro & Anaïs Héraud-Louisadat, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Antye Greie aka AGF, Rajkamal Kahlon, Susanne Kriemann, Marisa Maza, Judith Raum, Mathilde ter Heijne, Katrin Winkler y Moira Zoitl.
Reframing Worlds es una exposición que reúne trabajo de artistas representadas en galerías de Berlín junto a vidas y obras de un grupo de mujeres, incluyendo a Gertrude Bell, Agatha Christie, Maria Mandessi Bell Diop, Mia May, Sayyida Salme Princess of Oman and Zanzibar alias Emily Ruete e Ida Pfeiffer. La influencia colonialista está todavía presente en la imagineria y las categorías de conocimiento. Sus estructuras deben ser examinadas. La exposición no solo revela cambios en la historiografía, sino también cambios en el conocimiento que fue producido en el contexto de proyectos coloniales y circularon por Europa. ¿Quién produce conocimiento sobre el mundo y de qué modo? ¿Cómo las complejas intersecciones entre racismo y sexismo nos continúan afectando, y cómo imaginar y practicar feminismo transculturalmente y en solidaridad?
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Lucy Skaer, Available Fonts, KW Institute for Contemporary Art, Berlín. Hasta el 7 de enero de 2018.
Se trata de la primera exposición individual de la artista británica Lucy Skaer (Cambridge, 1975) en Berlín. Comprende una amplia selección de obras hasta la actualidad. Lucy Skaer dibuja sobre una imaginería preexistente, suya y de otros, para realizar combinaciones en escultura, cine y grabados. Forma, significado y valor son trazados en su trabajo a través de diversos estados de existencia alegórica y formal, gobernados por el uso, la memoria y la producción en masa. La tensión entre los sistemas de representación y la experiencia de primera mano es central en su trabajo.
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Monica Bonvicini, 3612,54 M³ VS 0,05 M³, Berlinische Galerie, Berlín. Hasta el 26 de febrero de 2018
La artista residente en Berlín, Monica Bonvicini (Venecia, 1967) alude en el título de esta exposición al volumen de su ocupación en el espacio en la Berlinische Galerie. Emplea sus grandes instalaciones para reflexionar sobre las nociones de poder, dominación y control dentro de la institución museística.
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Jeanne Mammen, The Observer. Retrospective 1910-1975, Berlinische Galerie, Berlín. Hasta el 15 de enero de 2018.
Durante los años veinte, la artista Jeanne Mammen (1890-1976) se ganó su reputación en Berlín como cronista de la vida de la ciudad. Sus acuarelas y dibujos contribuyeron al arte urbano durante una década con fuertes contrastes sociales. Pero Jeanne Mammen ha pasado a la posteridad por mucho más: su obra durante setenta años, con pinturas y dibujos expresan los trastornos artísticos y del siglo XX. En 1997, la Berlinische Galerie montó la primera gran exposición dedicada a esta artista en Martin Gropius Bau, y el foco fue la década de 1920. La actual retrospectiva pone en valor sus pinturas y revisa toda su trayectoria. Presenta alrededor de 120 piezas, óleos y acuarelas del final de los años veinte, importantes obras cubo-futuristas durante el periodo nazi, y sus importantes obras después de 1960. También algunas pequeñas esculturas. Dibujos, ilustraciones, moda y diseño de escenarios completan el recorrido, flanqueado con material de documentación, como fotografías, revistas y una película. El objetivo es abordar la dialéctica entre vida y obra de una artista inclasificable en un estilo, sea expresionismo, cubismo o nueva objetividad.
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ESTOCOLMO
Louise Nevelson, Moderna Museet, Estocolmo. Hasta el 14 de enero de 2018.
Louise Nevelson (1899-1988), nacida Leah Berliawski, en Perejaslav-Chmelnytskyj, Rusia (ahora Ucrania) en el seno de una familia judía ortodoxa, emigró a Estados Unidos en 1905. Desde los años veinte hasta su muerte vivió en el Downtown neoyorquino. Comenzó haciendo esculturas y ensamblajes a partir de objetos de madera encontrados. Al pintarlos de negro, componía los elementos separados en una totalidad. Para Nevelson, el negro representaba todos los colores en uno. En los años cincuenta, sus esculturas parecen grandes altares. En monocromo negro, y más tarde blanco y dorado, creó posteriormente grupos escultóricos, en una escala cercana a las pinturas del expresionismo abstracto. Sus piezas monumentales evocan algo espiritual y eterno, y expresan una profunda mitología personal. Simultáneamente, Nevelson fue descubriendo otro estilo en collage, en pequeños formatos, con los que explora otros temas: hoja de papel, recortes de periódicos y pequeñas piezas de madera son combinados en poéticas observaciones. Para la exposición “Sixteen Americans” en el Museum of Modern Art de New York (1959), Louise Nevelson creó Dawn’s Wedding Feast, llenando el espacio con esculturas pintadas de blanco y dos figuras tótem. Esta obra puede considerarse precursora del «installation art». La exposición supuso el reconocimiento público de Nevelson, a los sesenta años de edad.
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