PREVIEW DRAWING ROOM 2018
Redacción
En Madrid, ya huele a feria, a las seis o siete ferias que coinciden en la capital entre el 21 y 25 de febrero. Durante esos días, corremos apresuradxs de una a otra sede. Como no queremos perdernos nada, terminamos sin ver muchas obras, sin detenernos ante piezas de artistas que merecerían nuestra atención en otras circunstancias.
Para estar preparadxs, esta temporada comenzamos con Drawing Room, la feria que requiere una atención más pausada. En su tercera edición, se traslada al Salón de baile del céntrico Círculo de Bellas Artes. Dirigida por Mónica Álvarez Careaga, se presentan treinta propuestas. Aquí va nuestra selección, sobre el papel.
Ángeles Agrela, Retrato, 2017. Galería Yusto/Giner, Marbella
Desde que comenzara su itinerario expositivo en la década de los noventa, Ángeles Agrela (Úbeda, Jaén, 1966) ha sido reconocida con el Premio BMW de Pintura en 2015, el Premio de Artes Plásticas del Gobierno de Cantabria en 2010 o el Pre- mio Andalucía Arte y Deporte en 2004, entre otros galardones y becas. Las series de dibujos “Fanzine” y “El favor de las bellas” introducen una crítica a los roles representados por las mujeres a lo largo de la Historia del Arte. Las referencias pop, los cómics o las revistas de moda sirven de marco a unas composiciones protagonizadas por mujeres sobre fondos decorativos que apuntan diversos géneros vinculados a lo femenino, como el bodegón, la naturaleza, la intimidad del hogar, la artesanía o el bordado. La ironía sirve a la artista para cuestionar los estereotipos y la homogeneización de nuestros comportamientos.
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Berta Cáccamo, Sin título (Bubbles), 2017. Galería Trinta, Santiago de Compostela.
La pintura de Berta Cáccamo (Vigo, 1963) es abstracta y conceptual, dentro de la no figuración, con amplias manchas de tonos tenues y dominio de colores ocres y negros. Existe una composición geométrica en sus composiciones. Deliberadamente elementalizadas, con vagas referencias formales. Suele usar lienzos de gran formato. En sus dibujos propone un juego poético y colorista emparentado con la escritura automática de los surrealistas, frente al empeño deliberado en cambiar el uso del color que muestra en sus cuadros. Su obra está presente en el Centro Galego de Arte Contemporánea, en el Museo de Pontevedra y en colecciones particulares como la de Unión Fenosa de A Coruña. En 2017 recibió el Premio Cultura Galega de las Artes Plásticas.
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Anna Talens, Reparando el horizonte dorado, 2017. Galería Paz y Comedias, Valencia
La artista, investigadora y profesora valenciana residente en Berlín Anna Talens (Carcaixent, 1978) es autora de objetos e instalaciones de materialidad e identidad poética que recuperan procesos de fabricación tradicionales, manuales y primitivos y usan recursos artísticos como la repetición, la arbitrariedad y la acumulación. Cultivando un minimalismo pervertido por la presencia del color y la textura del material, Talens impregna sus creaciones de una poética que encuentra su formalización en el contrates entre naturaleza y artificio. En el último trabajo de Anna Talens procesos y materiales gráficos heterodoxos reflexionan sobre la representación del vacío. La línea, traducida en un horizonte dorado, es la forma gráfica que representa el nivel y la dirección en la que proyectar nuestros objetivos vitales. Imagen, gráfica y materialidad han servido para representar, de un modo intuitivo y conceptual, una idea de búsqueda esperanzada.
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Catarina Leitão, Drawing Box, 2017. Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa
Catarina Leitão (Stuttgart, Alemania, 1970) es una artista cuyo trabajo se estructura en torno al dibujo, la escultura, la instalación y el libro. Ha venido desarrollando series de narrativas ficcionales que parten de un análisis de nuestra relación con la naturaleza, una relación que es culturalmente condicionada. A la par de esta vertiente, investiga las posibilidades del diseño en el espacio tridimensional y el concepto de portabilidad. Construye la idea de la obra portátil y mutante: que puede estar cerrada o abierta, en reposo o actuar en el espacio cuando es manipulada por un espectador. Los elementos en los que se basa su trabajo son el sentido, el sentido del humor y el contrasentido. Entre premios y residencias destacan en su carrera The New York Foundation for the Arts Fellowship (2009), Center for Book Arts (2007), Triangle Arts (2006), Sharpe Foundation (2004), Lower Manhattan Cultural Council (2003), Pollock-Krasner Foundation Grant (2001), Foundation Calouste Gulbenkian y Fundación Luso-Americana (1997-1999).
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Ana H, del Amo, Sin título, 2017. Set Espai d’Art, Valencia
El trabajo más reciente de Ana H. del Amo (Cáceres, 1977) constituye una reflexión sobre la pintura, su materialidad y objetualidad. Licenciada en Bellas Artes, en la especialidad de pintura, por la Universidad de Barcelona, obtiene el Diploma de Estudios Avanzados con una investigación sobre la pintura en la era digital. Los dibujos de las serie “Rombos” muestran diferentes estructuras geométricas de madera pintada al óleo, planteando diferentes situaciones de equilibrio y disposiciones en el espacio. En ocasiones, introduce notas de color en los cantos de los listones de madera, subrayando la naturaleza pictórica de su proceso creativo, ya que de alguna manera remiten al propio bastidor. La asociación de madera y pintura dota de un carácter escultórico a estos dibujos, proponiendo una reconversión de la práctica pictórica hacia otro paradigma basado en el reciclaje y ensamblaje de fragmentos encontrados.
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María Bueno, Manos y Camas, 2017. Espacio Olvera, Sevilla
María Bueno (Málaga, 1976) ha sido aprendiz de la artista belga Christl Lidl y de la coreógrafa tangerina Teresa Nieto. Fruto del trabajo con ambas creadoras, Bueno ha ido centrando paulatinamente su área de interés en el concepto “mise en âbime de l’espace” a través de la pintura, el dibujo, el grabado y la escultura. Por otra parte, a partir del 2005, ha centrado su trabajo en España estando presente en la Fundación Picasso o en Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, entre otros muchos contextos artísticos. También ha desarrollado un trabajo internacional de relevante importancia, así como formado parte de ferias como Arco, Kuns y Toronto. Haciendo uso de todo tipo de materiales, nuevos y reciclados, construye objetos artísticos que se convierten en verdaderos amuletos a los ojos del espectador. Sus dibujos traducen un pensamiento singular derivado de un laborioso trabajo previo con las emociones y el color. Las obras parten de un punto de vista tanto individual como colectivo.
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Chelo Matesanz, Dibujos pegados con chicles, 2014. Espacio Olvera, Sevilla
Profesora titular de la facultad de Bellas Artes de Pontevedra y, por lo tanto, consciente de la seriedad que concierne al arte, Chelo Matesanz (Reinosa, Cantabria, 1964) aborda con ironía y humor su obra. Partiendo de temas que derivados del propio existir, como la familia o la sexualidad, y otros como la crítica social o cultural, junto con la subversión de los procesos técnicos, logran un discurso ácido que nos remueve por dentro. El silueteado o el abocetado hacen de su dibujo algo aparentemente sencillo, que esconde bajo sus líneas simples un lenguaje elevado, el cual busca un cuestionamiento de su propio discurso humorístico. Con multitud de exposiciones, tanto individuales como colectivas, a sus espaldas, y el peso de su visión teórica sobre la retórica del objeto, hacen de cada una de sus obras un espacio de reflexión irónico a la par que riguroso.
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Nuria Rodríguez, Borges, 2016. Galería Shiras, Valencia
La taxonomía es la ciencia de la clasificación. Sus acciones: descubrir, encontrar, nombrar, categorizar y clasificar son parte fundamental del modo creativo de Nuria Rodríguez (Valencia, 1965), una artista que recolecta hallazgos sorprendentes, azarosos, para integrarlos posteriormente en sus complejos proyectos multidisciplinares. Sus cuadernos de notas funden imágenes científicas o documentales, propias de antiguos gabinetes de maravillas, con otras de su fecunda imaginación, donde tiene cabida lo más frío y lo más cálido. Todo lo real interesa, al igual que todo lo ficticio, porque estos materiales se yuxtaponen y relacionan en pinturas al óleo y en instalaciones donde los objetos adquieren significados nuevos. A estos ingredientes se añade el tiempo y lo literario en su último proyecto, “Cronologías del azar”, que reúne una serie de pinturas de gran formato, collages, dibujos y objetos surrealistas donde la artista recrea un viaje alrededor de su biblioteca personal.
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Agente Morillas, Lago en llamas, 2016. Galería Pepita Lumier, Valencia
Mamen Morillas (Málaga, 1978) es técnico superior en gráfica publicitaria e ilustración por la Escuela de Artes y Oficios San Telmo de Málaga y la Escola Massana de Barcelona, respectivamente. Ha recibido también distintos cursos de formación artística, dibujo, modelado e ilustración, web y animación. Empezó a publicar profesionalmente sus ilustraciones tras ganar un concurso de ilustración organizado por La Vanguardia y la Generalitat, ilustrando las portadas de un suplemento dominical de dicho periódico. Su particular estilo la ha posicionado como uno de los referentes de la ilustración española, desenvolviéndose sin problema en ámbitos tan dispares como la moda, el humor gráfico, la prensa o la pintura en directo y mural. Paralelamente a su faceta como ilustradora, desarrolla su carrera artística en la que lleva a cabo un trabajo mucho más íntimo y personal, en el cual explora otras disciplinas como la pintura o la escultura.
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María García-Ibáñez, Molecule, 2016. Galería Paz y Comedias, Valencia
El proyecto “Geometría de un hueco” de María García-Ibáñez (Madrid, 1978) explora la representación del vacío, tomando como punto de partida la estructura de las colmenas, su repetición modular y su relación con el paisaje y el territorio. La artista, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid ha sido reconocida en 2017 con la Residencia Basu Art Foundation Award (Calcuta, India) y el Premio Adquisición Colección DKV en la feria Drawing Room 2017, así como con la Ayuda a Creadores de la Embajada de España en México en 2012 y la Residencia para Creadores de Iberoamérica en México (AECID) en 2009. Afincada en la actualidad entre Madrid y México, trabaja con líneas, siluetas y geometrías que le permiten desenvolverse en distintos medios. Es el caso del tejido en el telar, el papel recortado a láser, los ladrillos esmaltados o la acuarela y el gouache; procedimientos todos ellos que remiten al dibujo, que se convierte en el vehículo expresivo elegido para investigar las posibilidades gráficas del hueco y, por extensión, del vacío.
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Ángela Sánchez, Sin título, 2016. Galería Arte Periférica, Lisboa
La impronta de nuestro cuerpo sobre la naturaleza crea los perfiles abstractos, circulares, enmarañados, que caracterizan el trabajo de Ángela Sánchez (Badajoz, 1974). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, su interés por el dibujo pasa por una investigación que se expresa con limitados colores y lo relaciona con otras técnicas, como el grabado y el collage. La memoria de la naturaleza, creadora de motivos insospechados, de líneas sinuosas, de reverberaciones, tanto como sus propias reflexiones sobre lo gráfico inspira los papeles de Sánchez. Las composiciones de la artista parecen proceder de la visión confusa de paisajes difuminados, de las misteriosas trayectorias de las aves en el cielo o de los círculos que provoca el choque de una piedra con la superficie del agua. Son dibujos que derivan de acciones solo parcialmente controladas, propuestas terapéuticas que proponen liberar nuestro pensamiento hacia una belleza irreflexiva.
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Daniela Alfarano, Precious, 2017. D406, Modena
Los dibujos sobre madera de Daniela Alfarano (Módena, Italia, 1976) exploran las relaciones entre la luz y la oscuridad y suelen presentarse como instalaciones site-specific que indagan en los valores espirituales. Así será en el proyecto “Un día recogeré mis plumas y volaré” que presenta en Drawing Room 2018. En las últimos años la artista ha estado dibujando obsesivamente plumas que hace brotar de la vacuidad del papel, cegando con grafito el espacio que las rodea. Las plumas se alimentan en el aire, desafiando la gravedad y transmitiendo un estado de ligereza y libertad. Alfarano comenzó a mostrar su trabajo en 2005 y ha desarrollado una importante carrera que incluye exposiciones en la Artefact Gallery de Nueva York, la Biennale del Disegno de Rímini y la Friedman Home Gallery de Ámsterdam.
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Tiziana Pers, The Broken Line – Pig escapes from the slaughterhouse then adopted by the Police, 2017. aA29 Project Room, Milán
Tiziana Pers (Italia, 1976) es una artista visual y activista de los derechos humanos y de los animales. Sus obras están llenas de significados metafóricos sobre la conciencia del respeto por la vida animal, con el objetivo de conmover al espectador. Trata el papel y la responsabilidad del arte contemporáneo en relación con la alteridad representada por los animales y, más en general, con la necesidad de repensarnos a nosotros mismos y a nuestro mundo a través del biocentrismo. Pers fue primer premio honorífico de su licenciatura en Literatura Comparada por la Universidad de Udine y colabora con filósofos e historiadores del arte en diferentes publicaciones y ensayos filosóficos. Se trata de una artista polifacética ya que su obra se plasma en dibujos, pinturas, fotografías, instalaciones, esculturas y performances. Ha sido valorada con premios tan importantes como Premio Mario Razzano en 2015 y el Premio Celeste en 2006. Vive y trabaja en Trivignano Udine, Italia.
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