BIENAL MIRADAS DE MUJERES 2018:
PROPUESTAS INVITADAS
Redacción
La BMM-2018, en su segunda edición, reúne una serie de iniciativas que visibilizan el trabajo de las mujeres en el ámbito de las artes visuales desde una perspectiva feminista, abordando contenidos comprometidos con el contexto social y las buenas prácticas.
MAV, Mujeres en las Artes Visuales, ha invitado a una serie de museos, centros de arte, fundaciones, universidades, galerías y otros espacios culturales o educativos a que se sumen a la programación de esta edición, abierta a todos los formatos (exposiciones, encuentros, ciclos, talleres, etc.), a lo largo de 2018.
Estas son las propuestas que podremos ver durante los meses de marzo y abril, programadas desde distintos espacios de Sevilla, Las Palmas, Gijón, Madrid, Vitoria, Salamanca, Valladolid y Palma de Mallorca:
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Charo Corrales y Aline Part, De corazón a corazón, 2016
Charo Corrales y Aline Part: «Benditas. Nosotras que nos queremos tanto»
19/01/2018 – 20/04/2018
Esta exposición de las artistas Charo Corrales y Aline Part en 13espacioarte de Sevilla es una muestra intimista de carácter autobiográfico. Bajo el epígrafe «Benditas», que puede significar bendecidas, cuando esta práctica artística se convierte en una necesidad y a la vez en una obsesión, el colectivo Bendita Mujer ha reunido una serie de piezas que desvelan su experiencia personal, así como sus sentimientos y reflexiones sobre el concepto de “ruptura emocional” como situación traumática que ambas artistas han experimentado y que, lejos de quedarse y recoger únicamente la experiencia de dolor, evidencia y revela el cambio que provoca esa ruptura, un cambio que en su caso se expresa como un renacimiento, un nuevo comienzo y toma de conciencia. Ellas recogen los trozos rotos y dispersos para construir algo nuevo, dejan de ser víctimas para tomar las riendas de su vida. Benditas. Nosotras que nos queremos tanto habla de Charo Corrales, de Aline Part, de Bendita Mujer y de todas las mujeres a las que nos han educado para un papel secundario, una educación en la que ha prevalecido el otro y no el nosotras. Se trata de un proceso de búsqueda, de transformación a través del arte, para poder querernos un poquito más. Es una llamada a la reflexión sobre la situación de vulnerabilidad en la que se encuentra la mujer y la importancia de su papel en nuestra sociedad contemporánea, una llamada al activismo y a recuperar espacios compartidos, públicos.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/benditas-nosotras-que-nos-queremos-tanto/
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Claudia Casarino, Uniforme, 2008. Fotografía: Teresa Alemán
Claudia Casarino: «Iluminando la ausencia»
25/01/2018 – 27/05/2018
Claudia Casarino es la protagonista de esta exposición individual comisariada por Gabriela Salgado en el CAAM-Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria. La artista paraguaya enfoca su trabajo en torno a cuestiones de género e identidad, siendo uno de sus núcleos centrales la violencia contra las mujeres. El proyecto expositivo, precisa la comisaria, “toma como sustento teórico el pensamiento del filósofo camerunés Achille Mbembe, y en particular las ideas exploradas en su reciente libro Crítica de la razón negra. Ensayos sobre el racismo contemporáneo. En dicho ensayo, el autor define la resistencia a la influencia de la necropolítica como la lucha de los cuerpos por hacerse visiblemente presentes frente a la producción de ausencia y silencio impuestos por poder, porque el poder hoy funciona produciendo ausencia: invisibilidad, silencio, olvido”. Claudia Casarino utiliza prendas de vestir de tejidos como el algodón o el tul, materiales vinculados a la historia de su país, con los que crea esculturas e instalaciones en las que alude al cuerpo de la mujer como receptor de la violencia implícita en el sistema patriarcal, el feminicidio o la invisibilidad de las personas que se ven obligadas a emigrar (la mujer migrante es una temática frecuente en su producción, quizás porque la práctica totalidad de las mujeres de su familia lo han sido a lo largo de las últimas décadas). La experiencia que la artista vivió en su país durante la dictadura es la que la ha llevado a “ahondar en las huellas dejadas por el estado de excepción y su cancelación de los derechos civiles que hoy vemos prolifera a nivel global, junto a la normalización de la militarización, la fragmentación de poblaciones y la impunidad del poder, que promueven un estado de dictadura expandida y neoliberalismo económico de efecto altamente destructivo”, explica la comisaria Gabriela Salgado.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/claudia-casarino-iluminando-la-ausencia/
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Raquel Paiewonsky, Bitch Balls, 2008
Raquel Paiewonsky: «Yo soy mi propio paisaje»
08/02/2018 – 17/06/2018
Se trata de la primera exposición monográfica en España de la artista dominicana Raquel Paiewonsky. La muestra en el CAAM-Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria reúne una selección de una decena de obras creadas entre 2008 y 2017, en disciplinas diversas. El trabajo de Raquel Paiewonsky se inscribe y gira en torno a la identidad y a la relación entre paisaje y cuerpo, principalmente el femenino, y el impacto que genera en él, lo que ella denomina como las construcciones culturales y los estereotipos. Desde el 2008 forma parte del colectivo Quintapata, con la intención de crear proyectos conjuntos que fomenten el arte y el diálogo artístico en República Dominicana y que creen lazos con otros contextos y espacios.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/yo-soy-mi-propio-paisaje-raquel-paiewonsky/
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Colectivo OffMothers
Colectivo OffMothers: «Casa tomada»
16/02/2018 – 12/05/2018
El Colectivo OffMothers, integrado por Susana Carro, Natalia Pastor, Roxana Popelka, Blanca Prendes, Elena de la Puente, Gema Ramos y Eugenia Tejón, constituye un espacio de trabajo conformado por estas artistas e investigadoras que buscan subvertir los referentes tradicionales de la maternidad. Esta exposición en Laboral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón (Asturias) se centra en la idea de hogar como el lugar que alberga todo el entramado conceptual asociado a la crianza, la familia y la distribución de funciones por razón de género, donde las diferencias biológicas se van configurando como desigualdades políticas y donde la mujer queda definida por su condición de madre, esposa y ama de casa. «Casa tomada», que fue uno de los proyectos ganadores de la Convocatoria de Residencias Artísticas 2017 de LABoral, propone una redefinición del concepto de hogar, no como un cautiverio, sino como una guarida, como un lugar permeable a sus proyectos personales, un taller, un espacio propio para su tiempo y sus proyectos. Ofrece una visión antagónica a la presentada en su proyecto anterior «Animales domésticos», que las artistas mostraron en el Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón, en el que la mirada se centraba en la casa como espacio de reclusión para las mujeres que imposibilita el crecimiento personal.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/colectivo-offmothers-casa-tomada/
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Ala Younis, Nefertiti, 2008
Ala Younis
16/02/2018 – 10/06/2018
El CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, acoge la primera exposición individual en España de la artista de origen kuwaití afincada en Jordania Ala Younis. Artista, comisaria, investigadora e implicada en numerosos proyectos colectivos, su trabajo se materializa en instalaciones de objetos, maquetas, vídeos, material documental, fotografías y dibujos con los que compone investigaciones en las que lo político y social colapsa en lo personal. Ala Younis investiga diferentes narrativas mediante las que se han ido construyendo diversos imaginarios visuales, intelectuales y afectivos de Oriente Próximo. La exposición recoge una buena parte de sus proyectos de los últimos 10 años, desde el más temprano, titulado “Nefertiti” (2008), que ya puso de relieve una perspectiva feminista sobre los procesos de modernización característicos de los años 50 y 60 en Oriente Medio, hasta el más reciente realizado expresamente para esta exposición, en colaboración con la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla. En el año 2011 participó en la Bienal de Estambul con la instalación “Tin Soldiers” (Soldados de plomo). Un año después, en 2012, fue una de las artistas seleccionadas para la Trienal del New Museum de Nueva York y para la Bienal de Gwangju (Corea del Sur). Posteriormente, en 2015 fue invitada por Okwui Enwezor para participar en la sección oficial de la Bienal de Venecia con su proyecto “Plan for Greater Bagdad” (Plan para el Gran Bagdad), expuesto en el Arsenale. En 2016 participó en la exposición del Guggenheim de Nueva York titulada “But a Storm Is Blowing from Paradise: Contemporary Art of the Middle East and North Africa”, pasando su trabajo a formar parte de la colección de esta importante institución neoyorquina. Recientemente ha inaugurado una exposición individual en Londres, en Delfina Foundation, en la que hace una revisión feminista de su trabajo sobre el movimiento moderno en Bagdad.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/ala-younis/
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Cristina Ferrández, Wanderers, 2018
Cristina Ferrández: «The Non-Visible»
02/03/2018 – 07/04/2018
Cristina Ferrández presenta en el Centro de Arte de Alcobendas (Madrid) un proyecto inédito que se nutre de la geografía, la exploración y la metafísica, para poner en escena varias claves de nuestro tiempo. Con una escenografía envolvente armoniza ética y estética, partiendo de sus anhelos de descubrimiento como pretexto de partida, para viajar hacia lo indómito y adentrarse en territorios no mancillados ni expoliados. Hacer visible lo invisible, recuperar estrategias íntimas en la naturaleza, dar nombre a lo desconocido, y descubrirse a uno mismo fueron algunas motivaciones de los grandes exploradores de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, en numerosas conquistas individuales y colectivas. Ferrández profundiza en una suerte de renovación cósmica sobre la historia y sobre su devenir personal, viajando espiritualmente a la Antártida y al Polo Norte, con dos montajes simultáneos donde confluyen fuerzas complementarias, que buscan la Utopía a través de diversos planos (geofísico, cartográfico, expresivo) y se retroalimentan visual y conceptualmente. La instalación «Rupes Nigra et Altísima», despliega un volumen simbólico realizado con sílice y roca negra. En el montaje que da nombre al proyecto dos grandes dibujos inspirados en los casquetes polares y dispuestos sobre paredes enfrentadas, se unen mediante haces de luz, generando una suerte de energías. Estos dibujos sutiles y delicados son una interpretación libre de las cartas batimétricas de las geografías boreal y austral, en ese juego norte-sur, incorporando aquí también elementos geopolíticos, las líneas de partición territoriales de varias naciones que reclaman su posicionamiento en estos recursos naturales por explotar. En la última década, la obra de Ferrández viene analizando territorios de encuentros y claves para desvelar la fragilidad del paisaje desde un posicionamiento ecológico, en la añoranza de ideales que expresa con fotografías, audiovisuales, dibujos e instalaciones.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/the-non-visible-cristina-ferrandez/
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Cabello/Carceller, Casting: James Dean (Rebelde sin causa), 2004
Colección Artium: «ARTres. El museo como deba ser»
02/03/2018 – 26/08/2018
Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, ha programado una selección de fondos de la colección con una mayor presencia de artistas mujeres con el objeto de «proponer el museo como deba ser». La exposición incluye obras de Ángeles Agrela, Elena Aitzkoa, Juncal Ballesteen, Zigor Barayazarra, Cabello/Carceller, June Crespo, María Luisa Fernández, Miriam Isasi, Iratxe Jaio & Klaas van Gorkum, Concha Jerez, Aníbal López, Liliana Porter, Mabi Revuelta, María Ribot, Ixone Sádaba, Montserrat Soto y Eulàlia Valldosera. Frente a la muestra «El Arte», en la que comprobaron que esa mirada que hicieron en 2017, aún expuesta, correspondía a un modo de hacer, de coleccionar y de mostrar perteneciente al siglo pasado, esta propuesta pretende construir puentes entre la institución y los públicos. La condición previa era reunir en la medida de lo posible obras de reciente adquisición que demostrasen que el Museo ha mantenido su atención puesta en los movimientos del arte actual, especialmente en el contexto vasco, y mostrar cómo tanto hombres como mujeres utilizan los mismos caminos para expresar sus intereses.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/artres-el-museo-como-deba-ser/
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Instalación en la Plaza Mayor de Salamanca
Idarte y Mujeres Dos Rombos: «Rostros del olvido»
07/03/2018 – 06/05/2018
«Rostros del olvido» es una instalación comisariada por Pepa Badiola y Maria Ortega, y coordinada por Amalia Campos e Inmaculada Sánchez Barrios en el marco del VIII Centenario de la Universidad de Salamanca. El proyecto de Idarte y Mujeres dos Rombos reúne la memoria de todas aquellas mujeres que estudiaron en la Universidad de Salamanca a lo largo de sus 800 años de historia y que, injustamente, quedaron en la sombra. Partiendo de los veintidós medallones anónimos y vacíos de la Plaza Mayor de Salamanca, esta propuesta quiere reparar simbólicamente esa omisión, instalando la interpretación que han realizado veintidós artistas de los rostros olvidados de veintidós pioneras estudiantes de la Universidad de Salamanca que destacaron en diferentes disciplinas. La exposición puede visitarse en la Casa de las Conchas de Salamanca del 17 de marzo al 6 de mayo de 2018.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/rostros-del-olvido/
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Larissa Sansour, Nation Estate, 2012
«Waste Lands / Tierras Devastadas»
08/03/2018 – 20/05/2018
Comisariada por Piedad Solans en Casa Árabe de Madrid, esta exposición colectiva reúne un selección de obras de diez artistas procedentes de Afganistán, Argelia, Azerbaiyán, Egipto, Emiratos Árabes Unidos, Irán, Marruecos, Líbano y Palestina: Tamara Abdul Hadi, Zoulikha Bouabdellah, Amina Benbouchta, Rana Effendi, Yara El-Sherbini, Mariam Ghani, Kinda Hassan, Larissa Sansour, Parastou Forouhar y Raeda Saadeh. La muestra aborda los paisajes y entornos urbanos, sociales y arqueológicos en países destruidos y empobrecidos por las guerras, la especulación y la voracidad depredadora de las grandes compañías de gas y de petróleo, la herencia poscolonial, el terrorismo y la violencia de los estados y las luchas locales, políticas y religiosas y los desiertos sin esperanza del exilio y la emigración. Las artistas que configuran la exposición proceden de historias y narraciones diferentes. Su condición es la de sujetos fronterizos: habitan en los cruces entre culturas, lenguas, mundos múltiples y dispersos. Conocen, a través de su propia memoria y la de sus pueblos, las migraciones forzadas, la guerra, el exilio, la extranjería. Sin embargo, no aceptan ser víctimas. Cuestionan las construcciones ideológicas y se apropian de los códigos semióticos y culturales de la sociedad occidental, desarticulando los tópicos y mitologías del orientalismo colonial, con sus representaciones imaginarias y simbólicas del “otro” desconocido, entre el rechazo y la sublimación. No son solo supervivientes: son ciudadanas, activistas, viajeras entre fronteras, destructoras de muros ideológicos, sujetos políticos con capacidad de decisión y crítica. Su mirada no es autorreferencial: va dirigida al otro, a la tierra, a las comunidades humanas, al mundo. Plantean el sufrimiento y la pobreza que el terror y los abusos del poder producen en la población. Denuncian y documentan la violencia y la injusticia, el dolor y la soledad de las personas vulnerables. En sus obras muestran las posibilidades del arte como instrumento político, social y reflexivo, así como la inagotable capacidad de resistencia para sobrevivir al trauma de la historia en condiciones adversas.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/waste-lands-tierras-devastadas/
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Amaya Bombín
Amaya Bombín: «Raíces ancestrales»
09/03/2018 – 03/06/2018
Este proyecto, que forma parte de la programación especial de la Fundación Alberto Jiménez-Arellano del Palacio de Santa Cruz de Valladolid en torno al Día Internacional de la Mujer, consta de varias instalaciones site-specific en las que la artista utiliza materiales sencillos muy característicos de la provincia de Valladolid y de sus paisajes: piedras y sarmientos. A ellos se suman los hilos de color rojo que unifican las obras y les dan un simbolismo especial, puesto que el rojo es el color que simboliza la madre tierra, lo terrenal, tanto en África (el eje de nuestra colección) como a nivel mundial. Todos estos elementos en sus obras intentan profundizar, echar raíces, buscarlas, encontrarlas y destaparlas. Las piedras, desde la Antigüedad, han sido un material que simboliza la permanencia, la unión a la tierra, la identificación con un lugar o consolidación de una identidad. Los hilos rojos a su vez, son símbolo de unión, de conexión entre personas y tradicionalmente vinculados a la tradición femenina. Con la mezcla de materiales, la autora intenta enlazar tradición y modernidad, profundizando en la relación entre el presente y la tradición africana, donde la idea de continuidad de la vida, vinculada al poder reproductor de la mujer, está siempre presente.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/amaya-bombin-raices-ancestrales/
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Rebecca Horn, Feather Finger. Performances II, 1973
Rebecca Horn: «Gabinet»
23/03/2018 – 14/10/2018
Comisariada por Nekane Aramburu, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma acoge una muestra que revisa las obras audiovisuales de la artista Rebecca Horn desde principios de los años setenta. «Gabinet» incluye registros en formato vídeo de performances artísticas y dos largometrajes en los que la artista nos acerca a diferentes referencias metafísicas, alusiones al sexo, el deseo, el cuerpo, así como a lo intuitivo y lo científico, unidos a su particular forma de incluir referentes poéticos y literarios. La artista alemana, con un particular vínculo con Mallorca, donde posee su segunda residencia, ha trabajado inspirada en cine underground norteamericano y la exploración en lo audiovisual, presentando así referencias literarias en sus obras a Kafka, Joyce y Faulkner, a la Generación beat, T. S. Eliot y Sylvia Plath, a partir de clásicos revisitados y de sus textos propios. El uso de elementos mecánicos, materiales inéditos y frágiles en sus instalaciones, así como la transdisciplinaridad de su lenguaje le llevaron a colaborar con artistas como Jannis Kounellis, Sven Nykvist, con los actores Donald Sutherland, Geraldine Chaplin y Martin Wuttke y con el escritor alemán Martin Mosebach o el músico Hayden Chisholm. Rebecca Horn, (Michelstadt, Alemania, 1944) presente en la colección de Es Baluard con dos obras, Three Graces in Blue (1993) y La Ferdinanda X-Ray (1981), es una creadora visual con una amplia trayectoria en el desarrollo de instalaciones con vínculos en la tecnología, performances interactivas y la producción de films. La primera película que realizó fue en el año 1970, un corto de 12 minutos, a partir de la performance Einhorn (Unicorn), cuya escultura actualmente forma parte de la colección de la Tate Modern de Londres. En general, su obra se caracteriza por un confluir de performances, películas esculturas e instalaciones espaciales, dibujo, fotografías y un tratamiento especial de lo sonoro y la relación de los cuerpos en el espacio. Durante esta etapa usa accesorios protésicos y extensiones en sus performances que luego convierte en films, con representaciones en las que explora el equilibrio entre el cuerpo y el espacio que luego evolucionarán y darán lugar a una interacción entre sus esculturas mecánicas, donde los actores desempeñan el rol de máquinas disfuncionales. Después, sus piezas irán evolucionando sobre la idea de definir y cortar distancias a través del uso de reflejos de espejos, luz y sonido, incluyendo sus características alusiones a la imposibilidad del movimiento, la incomunicación y la relación con lo espacial como metáfora. Horn concibió su primer largometraje en 1978, Der Eintänzer (The Gigolo), a éste le seguirían La Ferdinanda: Sonate für eine Medici-Villa (La Ferdinanda: Sonata for a Medicci Villa), 1981 y Buster’s Bedroom, 1990. Films muy narrativos en los que queda patente la obsesión de la artista con la imperfección del cuerpo y el equilibrio entre la figura y los objetos. Asimismo, en 2016 pudo verse una selección de este proyecto en la Tate Modern de Londres.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/gabinet-rebecca-horn/
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Mar Sáez
Mar Sáez: «A los que viajan»
11/04/2018 – 12/05/2018
El Centro de Arte Alcobendas en Madrid acoge una muestra individual de la fotógrafa Mar Sáez. Las obras reunidas profundizan en la experiencia del viaje: «Hace dos años que me trasladé a vivir a Madrid: dos años colmados de sentimientos contradictorios. Sentirme de aquí y de allí. Y, casi siempre, sentirme de ninguna parte. Dos años en los que el viaje se ha convertido en una forma de vida. Una etapa en la que he construido una memoria compuesta de retratos a sujetos complejos, de miradas perdidas. Desconocidos con los que he compartido tiempos muertos, de espera y de travesía entre ciudades: “los momentos en los que uno deja de ser” –como dice mi querido amigo Miguel Ángel Hernández. En algunos instantes de nuestras conversaciones, las personas con quienes viajaba me revelaron sus vivencias, me hablaron de sus sentimientos e inquietudes. Comprendí entonces que lo que a veces nos parece único, individual y personal, quizá no lo sea. Que compartimos con el otro más experiencias y temores de los que imaginamos. Que habitamos un permanente espacio de incertidumbre. Tras tomar conciencia de esta situación, este trabajo se ha convertido en un pequeño homenaje a los que viajan y, sobre todo, a los que sienten».
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/a-los-que-viajan-mar-saez/
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Lea Lublin, Dans la nature du modèle de l´art, 1983
Lea Lublin
26/04/2018 – 16/09/2018
El CAAC-Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla se suma a la BMM con una exposición individual de la artista polaca Lea Lublin (Brest, Polonia, 1919 – París, 1999). Comisariada por Juan Vicente Aliaga, recoge obras y documentación de los distintos periodos que atraviesan su trayectoria. Lea Lublin fue una artista versátil cuya recuperación ayudará a entender las relaciones entre la imagen, la crítica social y el deseo subyacentes a su creatividad artística. Aunque inició su trayectoria como pintora, pronto la abandonó por otros medios como el vídeo, la fotografía y la performance, herramientas idóneas para transmitir problemas sociales.
Más información:
http://www.bienalmiradasdemujeres.org/es/propuesta/lea-lublin/
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