Frida Escobedo, In her on words, Serpentine
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EXPOSICIONES DE VERANO EN LONDRES
Marisa González, artista
La oferta cultural de Londres no tiene parangón, quizás Nueva York sea su rival. Voy a destacar las magníficas exposiciones individuales de mujeres en las principales instituciones durante este verano. Qué nivel, qué poderío y qué jóvenes son algunas de ellas.
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Katja Novitskova
En la Whitechapel la joven Katja Novitskova (Estonia, 1984) presenta la exposición «Invasion Curves», con imponentes esculturas e instalaciones cuya riqueza de recursos plásticos, la variedad de materiales utilizados mediante formas insólitas de objetos de gran tamaño, luz y proyecciones, proporciona múltiples lecturas según la posición del espectador, en la que imagen y tecnología ocupan espacios que han sido usados como un proceso de mapeo de la vida mediante imágenes capturadas por escáners, cámaras y satélites, creando proyecciones de esculturas vivientes. Parte de esta exposición fue expuesta en el Pabellón de Estonia en la Bienal de Venecia 2017.
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Anthea Hamilton
En la Tate Britain la performer inglesa Anthea Hamilton (Londres, 1978), con el título «The Squash» (la calabaza), ha transformado toda la planta principal del museo alicatándola con azulejos blancos domésticos, para crear un nuevo ambiente en la arquitectura neoclásica, construyendo con este mismo material bancos de diversos tamaños y formas. Además, al fondo del hall principal, se ubica un gigantesco cubo hueco, también alicatado que contiene una calabaza de tamaño real, resaltando así su protagonismo, ya que las formas de la piel de la calabaza han inspirado el traje que viste en sus performances como una segunda piel veteada. Son siete los diferentes trajes que utiliza, todos ellos con estampados de diferentes calabazas. Estos nuevos espacios son intervenidos con la incorporación de esculturas clásicas del museo colocadas tradicionalmente en pedestales de azulejos blancos, que sirven a la autora para realizar sus performances durante los seis meses de la exposición. Vestida cada día con uno de los trajes ocupa estos espacios estáticamente, mimetizándose con las esculturas y desplazándose paso a paso a un ritmo imperceptible, recrea una nueva escultura, adoptando poses similares a la escultura en diálogo. Vaticino su selección como artista inglesa en el pabellón de Gran Bretaña en la Bienal de Venecia en la próxima década.
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Jenny Holzer
En la Tate Modern dos artistas históricas norteamericanas, feministas ambas, presentan sendas exposiciones, Joan Jonas (cuya exposición concluyó el mismo día de mi llegada, 5 de agosto de 2018) y la artista conceptual Jenny Holzer. En los nuevos espacios de la ampliación de la Tate, denominados «artists rooms», Jenny Holzer (Ohio, 1950) presenta la serie «Truisms» (1984) y en la sala 2 «Laments» (2015) y «Towards the clouds» (2017), en la sala 3 «Living series», en la sala 5 «I’ve just been shot» (2017) y «They left me» (2018). Conocemos sobradamente sus trabajos durante décadas representados en espacios públicos, utilizando códigos de la publicidad urbana, o de demandas sociales mediante frases en led en movimiento ascendente y descendente, o bien sus bancos de mármol colocados en espacios públicos como jardines, con frases grabadas en su superficie, pero no se han prodigado en salas de exposiciones sus pensamientos, frases, poesías, aforismos y citas, tan llenas de ideas y mensajes directos, que nos abocan a múltiples preguntas, destacando el poder del lenguaje, presentados en papel a modo de cuadros o empapelando salas y salas contiguas. Sus frases, a cada cual más sugerente, como «women love power» o «you should study as much as posible», son una crítica a los estereotipos; a veces son contradictorias, ya que claman por la paz o bien en otras llaman a la violencia, pero en su mayoría llenan la cabeza del espectador de ideas y preguntas sobre la violencia, el sexo, el amor, la guerra o la muerte. Esta exposición durará hasta el 31 de julio de 2019.
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Tacita Dean
La artista inglesa Tacita Dean (Canterbury, 1966 ) expone en tres diferentes instituciones en una colaboración sin precedentes. En la National Gallery «Still Life» (bodegones) y en la National Portrait Gallery «Portraits» (retratos), ambas realizadas en la primavera de 2018. Y hasta el 12 de agosto del mismo año en la Royal Academy presenta la exposición titulada «Landscape» (paisaje). Esta nueva serie sobre paisajes, los utiliza como experiencia biográfica, ya que según sus palabras los exploramos con nuestros cuerpos y nuestras mentes. Ha recorrido el mundo en busca de lugares no explotados, desde montañas en Austria a paisajes de México o EE. UU. Poéticos trabajos que exploran el accidente, la memoria, el tiempo y el espacio. Desde la recuperación de insignificantes objetos naturales, a la representación de eclipses. El vídeo «Antigone» de 56 minutos, filmado en 35 mm, es presentado a dos pantallas en proyección cinemascope y es la obra mas relevante en esta exposición. Toma el título del nombre de su hermana mayor además del personaje mitológico. Es un trabajo biográfico en múltiples capas y puntos de vista, siempre bajo la importancia del tratamiento personal de la manipulación técnica, cuyos resultados proporcionan imágenes construidas y editadas por el azar en un complejo y rico exponente de palabras, imágenes y atmósferas.
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Lee Bul
Otra artista que trabaja con performances e instalaciones es Lee Bul (Corea del Sur, 1964) en la Hayward Gallery. Con el título «Crossing» modifica el espacio de la galería y lo convierte en un paisaje de texturas, para invitarnos a un viaje a otro tiempo y otro lugar mediante la mezcla y transformación de elementos conceptual y materialmente. Creció en un periodo de levantamientos políticos en su país, de ahí que la mayoría de sus trabajos persigan un deseo que trascienda sus límites de idealismo de alcanzar la perfección del cuerpo, la política o la estética, que pueden conducir al fracaso o al desastre. La ciencia ficción, filosofía y experiencia personal se reflejan a gran escala en sus dibujos gigantescos en diversos soportes, y en una diversidad de materiales desde orgánicos a industriales incluyendo sedas, perlas, fibra de vidrio y silicona, además de dibujos, objetos varios, creando espacios barrocos que ocupan de suelo a techo situaciones grotescas. La planta superior de la galería, con el suelo alicatado de espejos, la ocupa un gigantesco globo plateado, como un zepelín, que interactúa con el espectador creando un paisaje ideal ficticio o una arquitectura utópica. La ciencia ficción, la filosofía y sus experiencias personales son sus fuentes para llevar al espectador a un viaje a otro espacio y otro tiempo. En toda la exposición hay un intento de hacer que funcionen al mismo tiempo el cerebro y el cuerpo en el espectador.
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Christo y Jeanne Claude
En la Serpentine, en el edificio pricipal, Christo y Jeanne Claude* presentan su nueva serie con instalaciones realizadas con bidones industriales de metal de gran tamaño, además de múltiples dibujos preparatorios y maquetas de dichas instalaciones realizadas con coloristas tapones de plástico. En el lago de los jardines del Hyde Park, lugar donde está enclavada la Serpentine, Christo ha realizado una instalación en el espacio público colocando una gigantesca instalación de coloristas bidones gigantes flotando creando un islote en forma de pirámide compuesto por 7.506 barriles que pesan 600 toneladas. Al ser vistas desde los diferentes puntos del parque, el espectador forma parte de la obra, planteando una reflexión y crítica a la contaminación.
Además, la Serpentine, en su anual proyecto de intervención arquitectónica, cada año presenta una intervención pública monumental que denomina «Pabellón para recubrir el café». El Pabellón 2018 ha sido diseñado por la mejicana Frida Escobedo, titulado «In her on words». Construye con tejas unos muros que interactúan con la luz, el agua y la geometría, inspirados en las paredes de celosía en su país. En el nuevo edificio de la Serpentine obra de Zaha Hadid, expone la artista alemana Tomma Abts (Kiel, 1967), que presenta una extensa colección de lienzos de igual formato, 48 x 38 cm, cuya representación ondea en formas geométricas que evolucionan en superficies planas, mero lenguaje formal.
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* Cuando estudie en la Corcoran de Washigton, en 1976 acudieron al programa de estudios visitor artist (los viernes por la mañana venía un artista de reconocido prestigio a hablarnos sobre su obra y el proceso). En aquel caso vinieron los dos y cada uno exponía su participacion en el proceso: él dibujaba la idea, pero era ella la conseguidora, la encargada de la producción, las localizaciones, materiales, etc. Por aquel entonces firmaba las obras solo él. Unos años más tarde vi que se había incorporado su nombre a la autoría hasta el fallecimiento de Jeane Claude en el año 2009.
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