BARCELONA GALLERY WEEKEND 2018
Redacción
El programa presentado por Art Barcelona ofrece cinco días de arte y actividades especiales en las galerías, con variadas actividades en la ciudad. Veintiocho galerías de arte con una programación especialmente concebida para el festival, que permite conocer a los artistas con encuentros, debates, presentaciones y eventos especiales. Y cinco intervenciones artísticas en lugares únicos de la ciudad, que en total reúne las obras de más de cincuenta artistas nacionales e internacionales.
En conjunto, un programa en el que se hace énfasis en la participación del público. Sin embargo, el planteamiento falla de raíz ante la muy desigual participación de artistas: la discriminación sexista en la selección realizada por las galerías, que se ha plasmado en la práctica exclusión de mujeres, no casa bien con el aparente énfasis democrático, ni con la celebración festiva. Siete de 28 galerías nos parece una representación bajísima y que no representa la realidad actual.
Destacamos las poquitas excepciones en un programa, en el que la participación de artistas mujeres a menudo parece consentirse solo en forma de «duetos».
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Margaret Harrison, Ejaculator, 2007. Cortesía de la artista y ADN Galeria
Margaret Harrison, It hasn’t changed: and babies? Galería ADN
Margaret Harrison cuestiona las nociones preconcebidas de género a través de la feminización del cuerpo masculino y del análisis de la situación laboral de la mujer mediante estrategias de alteración de los roles de poder tradicionales. Sus obras buscan poner el arte al servicio del movimiento feminista. Procedente de los ‘liberales’ años 60, esta activista británica en seguida se dio cuenta de que lo privado es político y representó esta misma idea en subversiones satíricas de los roles de género asignados por la sociedad y los medios de comunicación. Harrison ha expuesto individualmente en instituciones como el New Museum en Nueva York y Azkuna Centroa en Bilbao. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en instituciones como Tate Modern y Victoria & Albert Museum en Londres, el Museo de Arte Contemporáneo en Los Ángeles y el Museo Chiado en Portugal. Sus obras se encuentran en diferentes colecciones institucionales, como Tate Modern y Tate Britain, Victoria & Albert Museum, Kunthaus en Zurich y la Universidad de California. Ha ganado varios premios como el Northern Art Prize en 2013 o el Intersection for the Arts ‘Artist in Residence Award de San Francisco en 2010. El 28 de septiembre a las 12 h. tendrá lugar el dueto Miguel Amado & Margaret Harrison (en inglés).
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Quisqueya Henríquez, Serie Formal/Informal (Enlace de Tres), 2018. Cortesía de la artista
Nayda Collazo-Llorens, Quisqueya Henríquez, Alana Iturralde y Engel Leonardo, Un hecho de diferencias. Galería Ana Mas Projects
El Caribe no es un territorio determinado o una región en un mapa con un conjunto de coordenadas geográficas que delinean claramente sus límites. Es un hecho geográfico e histórico… un meta-archipiélago, sin fronteras y desprovisto de un centro, que se compone de diferencias. Los procesos históricos en curso de conquista, colonización y migración que constituyen el Caribe como espacio producen prácticas artísticas que fluyen libremente entre los sentidos, los sistemas de conocimiento y las formas. Un hecho de diferencias reúne obras de cuatro artistas del Caribe cuyas prácticas artísticas se encuentran en este espacio indeterminado: entre lo formal y lo informal, la historia del arte occidental y el conocimiento afro-caribeño e indígena, lo imaginario y lo real. Desatendidos de las categorías y jerarquías entre las manifestaciones culturales –y eludiendo los significados culturales que podrían apuntar a entendimientos estrictamente regionales– las obras de arte en la exposición negocian formas, influencias e historias para articular procesos sincréticos y objetos. Comisaria: Carla Acevedo Yates.
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Esther Ferrer y Tom Johnson, Canon a cinco voces, 2018 Cortesía de los artistas y de Àngels Barcelona
Esther Ferrer & Tom Johnson, Números, músicas y formas. Galería Àngels Barcelona
Dos creadores cuyos trabajos proporcionan ejemplos fascinantes de cómo las matemáticas actúan como base para la producción artística de ambos. Este proyecto es fruto, no sólo de la estrecha relación entre tres disciplinas, sino también, de la colaboración entre ambos autores cuyas obras se formalizan de maneras minimalista y conceptual a partir de su común pasión por ellas.
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Gina Thorstensen, Ricard, 2016 / Laia Arqueros Claramunt, La Gynopia, 2017
Laia Arqueros y Gina Thortensen, Cosmogonías. Galería Cromo
Reúne una selección de piezas de las artistas Laia Arqueros (Almería, 1985) y Gina Thorstensen (Gjerdrum, Noruega, 1980).
Las obras de Laia Arqueros pertenecen a la serie Baubo me salve, ensayo para un ritual y las de Gina Thorstensen a Brotan, ambas realizadas durante los años 2016 y 2017. El trabajo de Laia Arqueros parte de la iconografía y mitología clásicas para generar un discurso completamente personal, con reminiscencias bizantinas, grecorromanas o japonesas. Su particular arqueología de género es narrada a través de figuras antropomórficas, principalmente femeninas, a veces misteriosas e incluso crípticas. Al igual que las esfinges o las arpías, sus figuras poseen un significado simbólico, en este caso nuevo, ligado a la experiencia personal de la artista y a su propia vida.
Por otro lado, la obra de Gina Thorstensen se caracteriza por la búsqueda constante que le permita abandonar las formas de la tradición figurativa. A partir de la observación de la naturaleza, de la materia y de lo orgánico, la artista crea un universo propio donde la vida parece emerger como una constante que no se agota. A través de diferentes disciplinas como el dibujo, el grabado, la escultura, la performance o la videocreación, estas dos artistas generan universos complejos y personales: dos universos diferenciados, dos mundos paralelos que conviven en un mismo espacio temporal estableciendo intensos diálogos entre ambos. Sus cosmogonías nos llevan a reflexionar sobre el paso del tiempo, el orden y el caos, sobre el micro y el macrocosmos, y sobre las relaciones entre la creación artística y la vida.
El 29 de septiembre a las 19:30 h. tendrá lugar «Ensayo para un ritual», una acción sonora, una performance de Laia Arqueros con Mar Cianuro y Larry Rodríguez.
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Dominica Sánchez, Sin título, 2016. Cortesía de la artista
Ramon Enrich y Dominica Sánchez, Formas i Silenci. Pigment Gallery
Diálogo entre la obra de dos artistas catalanes: Ramon Enrich y Dominica Sánchez, de distinta generación pero ambos con un largo recorrido. Sus obras, austeras y geométricas, tienden a eliminar lo superfluo o decorativo. Estableciendo una relación sensible con la geometría, los espacios de contemplación, la intimidad y los silencios. Todo ello desde una marcada introspección, donde forma, línea, estructura y color crean sus distintos lenguajes en un discurso de contenida emoción.
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Dora García, Mad Marginal Charts, notes on The Plague #1, 2018. Cortesía de ProjecteSD
Dora García, La Peste. ProjecteSD
El trabajo de Dora García está lleno de referencias a la literatura, al teatro, al psicoanálisis. En La Peste, acude de nuevo a la literatura refiriéndose a la novela de Albert Camus para desplegar una nueva serie de obras basadas en el dibujo y la performance. Dora García (Valladolid, 1965) representó a España en la Bienal de Venecia (2011) y participó en la dOCUMENTA (13) (2012). García ha tenido exposiciones individuales en el CGAC de Santiago de Compostela (2009), la Galleria Civica de Trento (2010), la Power Plant de Toronto (2011), la Kunsthaus Bregenz (2013), la Universidad Torcuato di Tella (Buenos Aires, 2014) y el MNCARS (Madrid, 2018). El 29 de septiembre a las 19 h. tendrá lugar «The Drawing on the Floor», una performance de Dora García a cargo de Geoffrey Carrey. Aforo limitado. Inscripción previa en: info@projectesd.com.
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Ruth Morán. Sin título, 2018. Cortesía de la artista
Ruth Morán, Habitar el espacio. Más allá del límite. Sala Parés
El lenguaje es el la estructura mediante la que establecemos una comunicación. Un diálogo que busca conocimiento. Establecemos un vínculo no solo con algo externo, también con esa parte de uno mismo que puede permanecer inconsciente. Algo cercano a la creación, a esa fuerza primigenia que una vez y otra nos atrapa en su propio quehacer. Contemplar el trabajo de Ruth Morán es asistir en un doble sentido a este ejercicio. No solo porque como en cualquier práctica artística esté implícita esta naturaleza epistemológica, sino porque en su caso, lo asume como metodología diaria intrínseca a su trabajo. Ruth Morán afronta el material a partir de un diálogo con el espacio, para, desde ahí, ir perforando mediante la línea, el punto o la hendidura, la superficie que tiene delante. Una y otra vez, sin cese. En esta ocasión, Morán se abre a un nuevo universo y nos descubre nuevos interrogantes a través de la cerámica. Asistir a este nuevo proyecto es constatar una reflexión que la acompaña desde hace años. Es ser testimonio del recorrido que ella ha ido elaborando y que ahora nos ofrece. Pasar de un espacio bidimensional a un diálogo directo con la materia, sin olvidar ese diálogo constante que acecha al conocimiento. Comisaria: Inma Prieto.
El 27 de septiembre a las 19:30-19:45 h. tendrá lugar una performance audiovisual interactiva del proceso creativo de la obra de Ruth Morán, a cargo del artista Xavi Bové.
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Teresa Solar Abboud, Línea de flotación, 2018. © Guadalupe Ruiz
Además, durante el Gallery Weekend se podrá disfrutar del programa «Composiciones», comisariado por Alexandra Laudo y Glòria Picazo. La cuarta edición de este programa parte, igual que las anteriores, del denominador común de descubrir y dar a conocer espacios urbanos singulares, tanto públicos como privados, que por su función, por su especificidad o porque justo acaban de abrirse al público, no forman parte del imaginario colectivo. Y para cumplir esta finalidad, el programa Composiciones propone a una serie de artistas contemporáneos realizar proyectos específicos que pongan de manifiesto tanto los aspectos arquitectónicos, espaciales, urbanos, etc., como los aspectos conceptuales e históricos que los caracterizan. En este programa, el descubrimiento de espacios insólitos supone todo un reto, tanto para las dos comisarias como para los artistas seleccionados, porque al obligarnos a rehuir los espacios expositivos convencionales nos permite abrirnos a toda una serie de condicionantes, que a buen seguro acaban enriqueciendo los resultados finales.
Uno de estos espacios es el de la Real Academia de Ciencias y Artes de Barcelona, cuyos orígenes se remontan al año 1764. Mariona Moncunill ha desarrollado una propuesta que toma como punto de partida algunos de los libros e instrumentos científicos de la colección de esta entidad para hablar de la evolución de las convenciones científicas que han determinado los estándares de medida del espacio y el tiempo.
Anna Dot y Aldo Urbano presentan en las Torres Venecianas una intervención en que repasan la propia historia de estas edificaciones, construidas a imagen del campanario de San Marcos de Venecia con motivo de la Exposición Internacional de 1929. Las diferencias estéticas y conceptuales que existen entre estas dos torres y la torre veneciana original dan pie a los artistas a reflexionar sobre las nociones de copia, espejo y reflejo.
Otro de los espacios de esta edición es la Casa Vicens, la primera residencia privada proyectada por Antoni Gaudí, que ha sido recientemente rehabilitada y abierta al público. Glenda León presenta en ella un vídeo que habla sobre la integración armónica del ser humano y la naturaleza, un tema que es también recurrente en la arquitectura gaudiniana.
Desde los inicios de Composiciones, L’Hospitalet de Llobregat se ha sumado al proyecto presentando en el distrito cultural una de las propuestas artísticas del programa. En esta edición, la artista Teresa Solar Abboud presenta en la antigua Industrial Akroll una instalación escultórica que evoca un paisaje marino intervenido por el hombre, y en el que el horizonte es reinterpretado como frontera.
27, 28, 29 de septiembre: 11-20 h. / 30 de septiembre: 11-15 h.
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EXPOSICIONES EN FUNDACIONES Y MUSEOS DE BARCELONA
El Gallery Weekend también puede aprovecharse para ver exposiciones en Fundaciones y Museos.
Aquí va nuestra selección.
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Melanie Smith, Farsa y Artificio. MACBA. Hasta el 7 de octubre de 2018.
«La comedia depende de una ruptura con el orden racional. Disloca perspectivas y yuxtapone acciones separadas como si se correspondieran. La sensación desorienta, crea patrones de mosaicos aleatorios y capas inquietantes. El sinsentido tiene el poder de deconstruir». Melanie Smith.
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Mar Arza, En vano. La Virreina. Hasta el 14 de octubre de 2018.
Mar Arza (Castelló de la Plana, 1976) investiga el reverso de las tipificaciones, así como ciertas mecánicas polarizadas entre clarificar y aturdir, entre estandarizar e imponer. El trabajo del artista ya no puede encuadrarse en un territorio intangible. Igualmente, la contemplación estética ha abandonado su viejo carácter de epifanía personal. Cuando hablamos de imágenes, también aludimos –sobre todo, nos referimos– a unos usos públicos que estas permiten, o hacia los cuales nos empujan; cuando invocamos a ver, estamos convocando una serie de operaciones colectivas e ideológicas, unas tomas de posición. En vano problematiza cierta dialéctica que históricamente ha marcado la interpretación del arte, el conocimiento y las imágenes, cuyos extremos serían nitidez contra opacidad, transparencia frente a hermetismo, luz versus apagón. Sin embargo, existen numerosos caminos disruptivos, oclusiones, diagonales y parpadeos. La celosía ofrece aquí toda su potencia literal: se trata de un espacio dispuesto para mirar, pero al mismo tiempo es una encrucijada desde donde poco se puede hacer, donde nos vemos obligados a traducir, o a descifrar. Una atalaya y una clausura, un refugio y una prisión, ¿no son ambos «excesos» el peligro de lo visible, los miedos y las imposibilidades de leer, la tentación de callar o el imperativo de decir? Comisario: Valentín Roma.
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Salvador Dalí, Galatea de las esferas, 1952. Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres
© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, VEGAP, Barcelona, 2018
Gala Salvador Dalí. Una habitación propia en Púbol. Museu Nacional d’Art de Catalunya. Hasta el 14 de octubre de 2018.
Gala (7 de septiembre de 1894 – 10 de junio de 1982), nacida en una familia de intelectuales de Kazan (Rusia), vivió su infancia en Moscú. Instalada en Suiza, conoció a Paul Éluard, con quién se trasladó a París y contactó con los miembros del movimiento surrealista, como Max Ernst. En 1929 viaja a Cadaqués, dónde conoce a Dalí, de quién se enamora y con quién comienza una vida en común. Se exilian ocho años en los Estados Unidos y a la vuelta viven entre Portlligat, Nueva York y París. La exposición explora la vida de esta mujer enigmática e intuitiva, que se relacionó con muchos artistas e intelectuales. Mundialmente conocida por ser la mujer de Salvador Dalí, su musa y la protagonista de algunas de sus pinturas, asistiremos a la transformación de Gala en artista de pleno derecho, ya que la pareja inició una cooperación artística, que significó la autoría compartida de algunas obras. Comisaria: Estrella de Diego.
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