¿QUIÉNES SON LAS ARTISTAS MUJERES QUE PARTICIPAN EN LOOP FAIR 2018?
Joana Baygual
Desde el 20 al 22 de noviembre de 2018 vuelve a Barcelona la Loop Fair 2018. Desde sus inicios un comité de selección es el encargado de elegir las galerías y lxs artistas que participan en la feria, compuesto por Isabelle y Jean Conrad Lemaître (presidente), Haro Cumbusyan, Renée Drake y Josée & Marc Gensollen. Además de un interés comercial, esta feria se mueve por la disposición a mostrar la producción y exhibición del pensamiento crítico generado por artistas, sin el cual el arte de nuestro tiempo mostraría un aspecto de vacuidad y desconexión con lo real.
En cada edición de la feria se premian las obras que selecciona un jurado profesional y este año está compuesto por Ferran Barenblit (director del MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), Marcella Lista (comisaria del Centre Pompidou, París) Dirk Snauwaert (director de Wiels, Bruselas) y Benjamin Weil (director artístico del Centro Botín, Santander). El resultado de las obras premiadas este año se sabrá el día 20 de noviembre de 2018.
En este artículo vamos a centrarnos en las obras de las artistas mujeres que se presentan este año en la feria.
Elke Andreas Boon: La Gargouille. Annie Gentils Gallery, Amberes
La Gárgola, es una instalación de dos pantallas, en una de las cuales, una enfermera se encara con el espectador y le expulsa agua o un líquido, mientras que en la otra pantalla parece que le vierte el mismo líquido. “La base del trabajo de Boon está formada por su fascinación innata por las personas, sus conexiones, sus emociones e incertidumbres. Las tensiones creadas en «responder a» o «escapar de» patrones de expectativas sociales, que giran en torno a la edad, la belleza o el género, siempre se repiten en el trabajo de Boon”*.
Hayoun Kwon: 489 years. Galerie Sator, París
En este proyecto la artista coreana habla de la DMZ, la franja que separa Corea del Norte de Corea del Sur. Una franja desmilitarizada que permanece así desde la Guerra de Corea, siendo este el lugar donde se produjo la última batalla de esa Guerra. Una franja que contiene tal cantidad de minas terrestres que se tardaría 489 años en eliminarlas todas. A partir de un ex soldado de Corea del Sur nos adentramos en sus recuerdos pasados y accedemos a la DMZ, actualmente un lugar conquistado por la naturaleza y muy visitado por los turistas, que mantiene el peligro subyacente como un recordatorio para toda la humanidad, ya que es la única región del mundo que permanece separada de esta manera.
Chen Qiulin: Another Day. A Thousand Plateaus Art Space, Chengdu
Another Day es un proyecto de la artista china Chen Qiulin, que incluye vídeo, instalación y fotografía. En él la artista nos presenta la vida de las mujeres en la provincia sureste de Guizhou, en una zona rural, las aldeas de Yi, donde las mujeres por tradición están sometidas al hombre y donde “la cama” es el único espacio que les pertenece y que les proporciona un sustitutivo de libertad y privacidad. Un contraste entre la vida rural de un país donde la tecnología y los avances son patrimonio solamente de la vida urbana en las grandes metrópolis.
Desiree Dolron: Complex Systems. HE.RO, Ámsterdam
Complex System consiste en el movimiento de una bandada de estorninos dibujados digitalmente donde se dispersan en patrones siempre cambiantes. Este proyecto constituye una metáfora de las intrincadas interacciones entre los seres humanos y los componentes de una sociedad compleja como es la humana.
Sarah Choo Jing: Consecutive Breaths. A.I., Londres
Consecutive Breaths es una colección de grabaciones en más de 80 estaciones de Mass Transit Railway en Hong Kong, donde la artista de Singapur se presenta como una voyeur anónima que da testimonio del tránsito de personajes extraños con los que en algunos casos pretende conectar e interaccionar. Un proyecto sobre la incomunicación de las sociedades hiperconectadas y desarrolladas.
Núria Güell: De putas. Un ensayo sobre la masculinidad. ADN Galería, Barcelona
Núria Güell describió su vídeo de la siguiente manera: «Decidí contratar los servicios de varias prostitutas para decirme, a través de su experiencia y conocimiento, cuál era su idea de la masculinidad. El resultado de estos encuentros se muestra a través de un vídeo que se repite en bucle una y otra vez. El contenido del trabajo puede dañar la sensibilidad de los adultos»*.
María Ruido: Mater Amatísima. Imaginarios y discursos sobre la maternidad en tiempos de cambio. Galería Rosa Santos, Valencia
El cuerpo es uno de los territorios fundamentales del control social. María Ruido se pregunta en este proyecto ¿realmente elegimos ser madres? ¿Por qué el cuidado, o el trabajo vital fundamental, se presupone como una tarea especialmente apropiada para las mujeres? La maternidad es un constructo para el mantenimiento del orden social y del patriarcado y ha sido utilizado tradicionalmente e históricamente como arma subyugadora y manipuladora de los sentimientos maternales de la mujer.
Hao Jingban: Off Takes. Blindspot Gallery, Hong Kong
Este proyecto medita sobre semiótica y afectividad entre la imagen y el mensaje a partir de las tomas desechadas de las filmaciones de salones de baile en Beijing, desde el 2012, las cuales reorganiza, reactiva y descontextualiza en referencia a los contextos políticos que se desarrollaron en China, relacionándolos con las dos oleadas de bailes de salón a principios de la década de 1950 y a finales de la década de 1970, después de la Revolución Cultural.
Charlotte Dumas: Shio. Andriesse Eyck Galerie, Ámsterdam
Shio, la palabra japonesa para «marea», es muy importante para las personas que viven en las islas en el suroeste de Japón. Filmada en la isla Yonaguni, la isla más al sudoeste de Japón, donde permanecen aislados y prácticamente abandonados más de 120 caballos, imposibilitados de abandonarla por sus propios medios. La isla cada vez más deshabitada por los humanos es un lugar estratégico por la colocación de una torre de radar y una base militar en 2016. Una metáfora de la colaboración entre la naturaleza humana y la naturaleza animal para afrontar retos.
Angelika Markul: Si les heures m’étaient comptées. Galería Solo, Madrid
Artista comprometida con la conservación del medio ambiente, recibió en 2016 el Coal Award, que reconoce a lxs artistas cuyo arte está involucrado con el medio ambiente. En este proyecto habla del descubrimiento de la Capilla Sixtina de los Cristales (de Selenita) en la mina de plomo y plata en Naica, México, donde los trabajadores se ven expuestos a condiciones muy extremas de trabajo, que son las ideales para la conservación de esta maravilla de la naturaleza. A la artista, más que interesarle la sobrecogedora belleza del lugar, es la fascinación que evoca, así como la tecnología científica y la explotación estética aplicada en la extracción, lo que le inquieta.
Irina Botea: Stone. Paper. Skin (en colaboración con Jon Dean). Anca Poterasu Gallery, Bucarest
“La película revela un resultado menos conocido de la revolución húngara de 1956, un safari iniciado por el estado húngaro diseñado para completar la colección nacional de trofeos africanos. El guión entrelaza fragmentos tomados de las entrevistas de 1959 a refugiados húngaros, celebrados en la Universidad de Columbia (NY), una entrevista al camarógrafo que filmó tanto el Levantamiento Húngaro de 1956 como el safari africano, junto con piezas de ficción extraídas de Frankenstein de Mary Shelley”*.
Olga Chernysheva: Steamboat Dionysius. Galerie Iragui, Moscú
La artista muestra el viaje de una pareja rusa en el barco turístico Dionisio, por el río Vologda, donde se manifiestan las costumbres sociales y la formas de pasar una jornada de asueto de las sociedad trabajadora de una ciudad media de provincias.
Rä di Martino: The Portrait of Ourselves. Monica De Cardenas, Milán
En esta obra di Martino “usa expresiones que se relacionan con el juego y muestra a una niña boca abajo por sus tobillos. La joven está boca abajo y, sin embargo, tiene un aspecto completo y tranquilo. Como la figura de los ahorcados o colgados, la carta 12 de los arcanos principales de los tarots. A pesar de que se refiere al traidor, la figura se refiere a una actitud y una perspectiva que, en la adivinación, se asocia con la capacidad de ir más allá de las convenciones y observar el mundo desde un punto de vista más espiritual. Al representar el mundo de los muertos, la figura humana está también al revés, un mundo al revés, que sin embargo refleja lo real”*.
Renata Poljak: Yet Another Departure. Galerija Kranjčar, Zagreb
“Yet Another Departure es la continuación de una investigación visual que comenzó dentro del proyecto Partenza (2016). El tema central de la instalación de tres canales es el hundimiento deliberado del buque insignia de la marina yugoslava Vis, muy lujoso y uno de los más importantes del estado. El barco se hundió el 22 de mayo de 2016 en la cala Polje cerca de Premantura en Istria. Además del hundimiento de la nave, el material visual también incluye escenas recientemente filmadas en las islas de Brijuni, protagonizada por la misma actriz que en Partenza. La pieza busca difuminar los límites entre el tiempo y el espacio, la memoria colectiva y la pérdida personal”*.
Efrat Nathan: Phoenix. Uma Lulik, Lisboa
A partir de la figura del Ave Fénix, Efran Nathan rememora unos hechos de su infancia. El incendio en el Kibutz Kfar Ruppin donde residió unos años de su vida y donde un hecho le marcó profundamente. Fue un incendio accidental que ocurrió en uno de los hogares de los niños del kibutz, y donde una mujer lxs logró salvar, quemándose ella la cara y las manos. Ese kibutz representa la desafección de un sistema por las relaciones familiares en una comunidad cerrada y cómo el ser humano, como el Ave Fénix, arde una y otra vez, se regenera o renace cíclicamente.
Glenda León: Talking to God. Galería Senda, Barcelona
“Hablando con Dios analiza la mala colocación de la tecnología como fenómeno contemporáneo, y la desacralización y descentralización de lo que es canon”*. En el vídeo se muestran una serie de individuos en un entorno sagrado, una iglesia. Un lugar para alejarse de el mundanal ruido y centrarse en lo espiritual. Pero ni siquiera en este espacio nos podemos desconectar de la tecnología. Los teléfonos celulares suenan e impiden trascender y hablar con Dios.
Adéla Babanová: Neptune. Zahorian & Van Espen, Praga
“La historia de la película Neptuno se basa en los acontecimientos reales que ocurrieron en Checoslovaquia en 1964, cuando se descubrieron documentos secretos de los nazis en el Lago Negro en el sur de Bohemia. Años después, la historia resulta ser una campaña de propaganda comunista con el nombre de Neptuno. La película de Babanová toma esta historia para desplegar los mecanismos de propaganda de los medios de comunicación, como una forma de articular ficción y realidad, a través de dos personajes: un periodista escéptico y un oficial de policía que tratan de revelar la operación estatal de desinformación”*.
Parisa Aminolahi: Away. Ag Galerie, Teherán
Away nos explica la historia de una joven pareja iraní y de la joven esposa que no acaba de adaptarse a las circunstancias que le rodean en su nuevo hogar de los Países Bajos. La única salida que encuentra es dormir para escapar de la realidad y poder reencontrarse con su vida pasada. Nos habla de la añoranza y el desamparo que sufren lxs exiliados en sus nuevos países de acogida.
Ira Eduardovna: On Foreign Made Soles. Chelouche Gallery for Contemporary Art, Tel-Aviv
“El trabajo de Ira Eduardovna Sobre suelas hechas en el Extranjero aborda las migraciones, el desplazamiento y un conflicto perpetuo entre el anhelo y la crítica de un hogar perdido. Este vídeo recrea una fantasía muy privada, pero común, de personas que nunca regresaron a sus lugares de origen: la posibilidad de volver a casa aunque sea por un tiempo”*. Este trabajo nos habla de los sentimientos encontrados entre los migrantes que abandonaron Uzbekistán y los que no quisieron abandonarlo, generándose una sensación de traición, frustración y tristeza entre ambos grupos.
Lúa Coderch: Not I. Ángels Barcelona, Barcelona
“Yo no es un monólogo dramático de trece minutos que fue escrito en 1972 y estrenado ese mismo año en el Forum Theatre, Lincoln Center, Nueva York. En 1975, Samuel Beckett hizo una versión de televisión para la BBC, interpretada por Billie Whitelaw y dirigida por Bill Morton. Lúa Coderch recuperó dicha versión para la exposición Chicas sin Noos en su boca, en la que una boca humana filmada de cerca recitó un monólogo fragmentado compuesto por frases sincopadas sobre un individuo, que tratan temas relacionados con la idea del habla. Lúa Coderch, utilizando la investigación no para convertirse en un experto en un tema en particular, sino para explorar la superficie de las cosas y la materialidad de las narrativas personales e históricas, utiliza una amplia gama de medios y estrategias para preguntar sobre el aspecto estético de temas como la sinceridad, el entusiasmo. Valor o engaño”*.
*Extractos tomados de la web: http://loop-barcelona.com/loop-fair/
Más información:
http://loop-barcelona.com/loop-fair
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