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TRIBUTOS FEMINISTAS
Redacción
Este año 2019 son varios los tributos que se rinden ante artistas absolutamente referenciales para el feminismo, con importantes retrospectivas de las pioneras –auténticas leyendas vivas y en activo– Judy Chicago, Suzanne Lacy, Yoko Ono, Betye Saar y Nil Yalter.
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Judy Chicago
Importante despliegue de exposiciones que desgranan los sucesivos periodos y trabajos colaborativos de la artista hasta la actualidad. Pintora, escultora, educadora, escritora y pionera del arte feminista estadounidense Judy Chicago (Chicago, 1939) es conocida por sus grandes piezas de instalación de arte colaborativo sobre imágenes de nacimiento y creación, que examinan el papel de las mujeres en la historia y cultura, como The Dinner Party, que se muestra permanentemente en el Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art en el Brooklyn Museum. The Dinner Party celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es considerada como la primera obra de arte épica feminista.
Judy Chicago, A Reckoning, ICA Miami. Del 4 de diciembre de 2018 al 21 de abril de 2019.
Esta exposición destaca la transición iconográfica de Chicago de la abstracción a la figuración, y explora las formas en que la fuerte voz feminista de la artista transforma nuestra comprensión del modernismo y sus tradiciones.
Judy Chicago, Birth Proyect, The Harwood Museum of Art, Taos, Nuevo México. Del 2 de junio al 10 de noviembre de 2019.
Judy Chicago colaboró con más de 150 trabajadoras de agujas entre 1980 y 1985 para crear docenas de imágenes que combinan pintura y costura que celebran el proceso del nacimiento, desde lo doloroso hasta lo mítico. A veces ingeniosa y siempre original, esta serie celebra la capacidad de dar a luz a las mujeres junto con su espíritu creativo. Los trabajos de Birth Project se han exhibido en más de cien lugares en todo el país. Esta exposición se basa en la colección Harwood’s, así como en el Museo de Arte de la Universidad de Nuevo México, Through the Flower, la organización de arte feminista sin fines de lucro de Judy Chicago y otras colecciones de Nuevo México.
Judy Chicago, The Beginning, Jeffrey Deitch, Los Ángeles. Del 6 de septiembre a diciembre de 2019.
Se centra en el trabajo de Judy Chicago en Los Ángeles desde la década de 1960 y principios de 1970.
Judy Chicago, The End: A Meditation on Death and Extinction, National Museum of Women in the Arts, Washington. Del 19 de septiembre de 2019 al 20 de enero de 2020.
Visualmente impactante y emocionalmente cargado, el más nuevo cuerpo de trabajo de la icono feminista Judy Chicago continúa su compromiso de desafiar el status quo y abogar por el cambio. Cerca de 40 obras de porcelana pintada y vidrio, así como dos grandes esculturas de bronce, comprenden The End: A Meditation on Death and Extinction. A través de esta serie, la artista reflexiona sobre su propia mortalidad y apela a la compasión y la justicia para todas las criaturas terrenales afectadas por la codicia humana. El estilo gráfico y audaz de Chicago comunica visceralmente la emoción intensa que experimentó al contemplar su propia muerte, así como la muerte de toda la especie.
Lanzamiento del portal Judy Chicago: 17 de octubre de 2019
Judy Chicago Portal une las colecciones de Judy Chicago alojadas en tres instituciones: Penn State University, el Museo Nacional de las Mujeres en las Artes y la Biblioteca Arthur y Elizabeth Schlesinger sobre la Historia de las Mujeres en los Estados Unidos. Reunir una biblioteca universitaria pública, una biblioteca institucional privada y un museo permite, en esta colaboración excepcional, el potencial de cada repositorio para considerar y abrazar nuevas audiencias y sus intereses colectivos en la obra de Judy Chicago y el impacto general.
https://judychicagocollaboration.org
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Suzanne Lacy
Suzanne Lacy (1945, Wasco, California) es una artista, educadora y escritora estadounidense, profesora de la Escuela de Arte y Diseño Roski de la USC. Ha trabajado en variedad de medios, incluyendo instalación, vídeo, performance, arte público, fotografía y libros de arte, centrada en temas sociales y asuntos urbanos.
Suzanne Lacy, We Are Here, YBCA y SFMOMA, San Francisco. Del 20 de abril al 4 de agosto de 2019.
Pionera del arte en la práctica pública socialmente comprometida, promoviendo el diálogo y las colaboraciones con las comunidades (artistas, activistas, organizaciones, escuelas) desde la década de 1970, ha utilizado estrategias de organización comunitaria e intervenciones en los medios de comunicación para impulsar las discusiones sobre temas sociales apremiantes, como el feminismo, la violencia contra las mujeres, el racismo y los derechos laborales. Estos proyectos a menudo culminan en presentaciones a gran escala, altamente coreografiadas, que reúnen a diversos grupos de participantes para compartir sus historias. Coorganizada por SFMOMA y Yerba Buena Center for the Arts (YBCA), Suzanne Lacy: We Are Here es la primera retrospectiva completa de la artista con sede en Los Ángeles. En SFMOMA, los visitantes pueden explorar toda la carrera de Lacy, desde su primer trabajo feminista hasta sus últimas instalaciones de video inmersivas. Varios proyectos a la vista honran las voces y contribuciones de las mujeres a la vida pública. La presentación de YBCA ofrece un nuevo enfoque experimental para la autoría y la participación, revisando proyectos de colaboración clave a través de la lente de hoy. Esto incluye un enfoque en profundidad en The Oakland Projects (1991-2001), una serie sobre empoderamiento juvenil, educación en medios y política. Los visitantes también pueden participar con obras de artistas contemporáneos del Área de la Bahía y con organizaciones de activistas y artes juveniles. Ambos lugares albergarán activaciones en vivo en las galerías y una amplia gama de programas públicos.
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Yoko Ono
Yoko Ono (Tokio, 1933) pertenece a la aristocracia japonesa y formó parte del grupo Fluxus. Gran parte de la obra de Yoko (artes plásticas y música) trata de temas como libertad de pensamiento, paz, lucha contra el racismo, la homofobia y el sexismo y la valoración de las pequeñas grandes sensaciones cotidianas. Editó un célebre libro de dibujos y piezas de arte, Grapefruit (Pomelo), varias películas conceptuales (como Fly) e innumerables discos marcados por el experimentalismo. Entre ellos se destacan las obras Yoko Ono/Plastic Ono Band, Fly, Approximately Infinite Universe (años 1970) y Season of Glass (años 1980). En los años 1990, sacó dos discos que fueron muy bien recibidos por la crítica: Rising y Blueprint for a Sunrise. En los últimos años, un proyecto de remezclas de sus antiguos clásicos ha tenido muchísimo éxito, y muchas de sus más clásicas y hasta entonces desconocidas canciones accedieron a los primeros puestos de las listas Dance/Club Play Songs de Billboard, como «Walking on Thin Ice», «Hell in Paradise», «Everyman, Everywoman» y «Open Your Box».
Yoko Ono, Looking for… (Cambridge 1969). Del 2 de marzo al 31 de diciembre de 2019.
Celebrando la primera visita de Yoko Ono a Cambridge en 1969, hace medio siglo, se presenta el trabajo de Yoko Ono en la ciudad de Cambridge por primera vez. La exposición evolucionará a lo largo del año 2019, presentando instalaciones, intervenciones, presentaciones, proyecciones de películas y un simposio, que tendrá lugar en varios lugares y sitios públicos. Con más de noventa trabajos anteriores, recientes y nuevos, la mayoría de los cuales son participativos y evolucionarán a medida que se desarrolle la exposición, Yoko Ono: Buscando… ofrecerá la oportunidad de sumergirnos por completo en el mundo multifacético de Ono, demostrando el amplio alcance de su práctica artística, que abarca una variedad de medios que incluyen texto, pintura, escultura, instalación, performance, eventos, música, películas y vídeos. Un programa diverso de eventos que incluye intervenciones, instalaciones, presentaciones, proyecciones y un simposio se llevarán a cabo en Lady Mitchell Hall, The Heong Gallery, Howard Theatre, Alison Richard Building, Ruskin Gallery, Mumford Theatre y Cambridge Junction, así como en muchos sitios públicos en la ciudad al aire libre. Este conjunto de eventos culmina las exposiciones y eventos de Yoko Ono celebrados en Liverpool y en la Universidad de Leeds en el primer trimestre de este año, después de las itinerancias de la retrospectiva en grandes museos que comenzó en el Guggenheim en 2017.
Yoko Ono, Liberté conquérante / Growing Freedom, Fondation PHI, Montreal. Del 24 de abril al 15 de septiembre de 2019.
Esta importante exposición en dos partes destacará las piedras angulares de la acción, la participación y la imaginación en el trabajo de Yoko Ono. Teniendo lugar en los dos edificios de la Fundación, la primera parte, Las instrucciones de Yoko Ono se centrarán en sus trabajos de ‘instrucción’ que enfatizan el papel del visitante en su finalización. Entre los trabajos que se presentarán se encuentran instrucciones basadas en texto como Lighting Piece (1955), así como trabajos participativos que incluyen Mending Piece (1966), Horizontal Memories (1997) y Arising (2013). También se incluye Water Event (1971-2016), que invitará a la participación de 12 artistas de Montreal y otras partes de Canadá. La segunda parte de la exposición, El arte de John y Yoko presentará el arco de proyectos artísticos colaborativos para la paz realizados por Yoko Ono y John Lennon. Entre ellos se encuentran el proyecto Acorn, la campaña War is Over peace y el bed-in de Montreal, que marcará su cincuenta aniversario el 26 de mayo de 2019. A través de un enfoque que destaca la narración de relatos, esta parte de la exposición contará con un variedad de historias de personas que participaron en la cama, contadas con sus propias voces y palabras. Estas historias a menudo conmovedoras dan testimonio del impacto de lo que se convirtió en un evento legendario e histórico, uno de los cuales sigue siendo una referencia clave para la indivisibilidad del arte y la vida, así como la importancia de la acción no violenta para inspirar el cambio político y social. En última instancia, esta exposición desea impartir el impacto masivo de Yoko Ono en las prácticas artísticas contemporáneas, en la recepción artística y en el activismo a través del arte. La urgencia y el espíritu de su trabajo siguen siendo pertinentes y quizás más importantes que nunca.
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Betye Saar
Considerada ya una auténtica leyenda, la artista afroamericana Betye Saar (Los Ángeles, 1926) es conocida por sus narraciones visuales plasmadas en ensamblajes. Formó parte del Black Arts Movement en la década de 1970, revisando mitos y estereotipos sobre la raza y la feminidad, y desafiando las ideas negativas sobre los afroamericanos a lo largo de toda su carrera. Como Saar, también las artistas negras Faith Ringgold (con retrospectiva en la Serpentine Gallery londinense, de junio a septiembre), Adrian Piper, Howardena Pindell y Barbara Chase-Riboud han explorado las identidades afroamericanas y rechazado activamente el racismo del mundo del arte, comprometidas a la vez por la causa de la liberación de la mujer.
Betye Saar, Keepin’ It Clean, New York Historical Society, Nueva York. Hasta el 27 de mayo de 2019.
Esta exposición se centra en su trabajo realizado en los últimos veinte años, desde 1997 a 2017.
Betye Saar, The Legends of Black Girl’s Window, MoMA, Nueva York. Del 21 de octubre de 2019 al 4 de enero de 2020.
La retrospectiva explora los lazos profundos entre el icónico conjunto autobiográfico de la artista La ventana de la niña negra (1969) y sus raras impresiones tempranas, realizadas durante la década de los sesenta. Betye Saar: La ventana de la Leyenda de la niña negra se extrae casi en su totalidad de la colección del Museo, y destaca la reciente adquisición de 42 obras en papel que ofrecen una visión general de la sofisticada práctica experimental de impresión de Saar. La exposición aborda los temas de la familia, la historia y el misticismo, que han estado en el centro de la obra de Saar desde sus primeros días, y rastrea la relación entre sus grabados y los ensamblajes por los que es más conocida hoy en día.
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Nil Yalter
Nil Yalter (El Cairo, 1938), de ascendencia turca, recibió su educación en el Colegio Robert en Estambul. Comenzó a pintar a temprana edad y tomó clases de baile y ballet. En 1956 viajó a la India a pie mientras practicaba la pantomima. Tuvo su primera exposición de pinturas inspiradas en este viaje en el Instituto Cultural Francés de Mumbai (Bombay) en 1957. Entre 1963 y 1964 trabajó como escenógrafa y diseñadora de vestuario para compañías de teatro en Estambul. En 1963 participó en la 3ª Bienal de París con composiciones abstractas, dos años más tarde se mudaría a París, donde participó en la contracultura francesa y los movimientos revolucionarios que la impulsaron a alejarse de la pintura constructivista abstracta para comenzar a trabajar con el medio del vídeo y usar su propio cuerpo. En la década de 1970, lideró el inicio del movimiento de arte feminista francés. En 1973, Yalter creó una instalación inspirada en las estructuras de vivienda temporales de los nómadas de Turquía titulada Topak Ev, una carpa de nómadas como un estudio de espacios privados, públicos y femeninos en el ARC Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París. Topak Ev marcó el comienzo del uso de Yalter de los métodos sociológicos y etnográficos en su trabajo.
Nil Yalter, Exile Is a Hard Job, Museum Ludwig, Colonia. Del 9 de marzo al 2 de junio de 2019.
Importante retrospectiva, incluidas pinturas poco conocidas de sus primeros trabajos. e instalaciones de vídeo desde principios de la década de 1970 hasta instalaciones multimedia en las que combina fotografía, vídeo, dibujos y escultura en collages. Las obras de Nil Yalter emergen de situaciones políticas actuales, como la condena a muerte de un activista turco, la vida cotidiana en una prisión de mujeres o las condiciones de vida de los «trabajadores invitados» analfabetos. El lenguaje juega un papel importante para ella, junto con influencias culturales de Oriente Medio, Turquía y Europa occidental. Ella integra con sensibilidad las voces de las personas representadas en sus obras. Utilizando una metodología cuasi-antropológica, refleja la situación de vida de estos individuos y hace visibles a los grupos marginados de personas. Ya en la década de 1970, la artista comenzó a lidiar con temas feministas, incluidas las perspectivas de migrantes y queer. Esto hace que su trabajo parezca más relevante que nunca hoy. En 1974, creó un vídeo titulado The Headless Woman (La danza del vientre), una pieza que se destaca en la historia del arte contemporáneo francés como uno de los primeros clásicos del arte feminista. El video enmarca la barriga de la artista mientras escribe un texto alrededor de su ombligo. El texto es un extracto de Erotique et Civilizations (1972) de René Nelli y afirma que «la sexualidad de una mujer es tanto convexa como cóncava», enfatizando los potenciales orgasmáticos vaginales y clitorales de las mujeres. Yalter luego «activa» el texto mediante la danza del vientre, los giros de su vientre animan las letras. El trabajo es emblemático de algunos de los gestos formales y estrategias críticas que Yalter desarrolló en los años siguientes: creando una inversión de la mirada masculina al objetivar su propio cuerpo a través de la cámara, Yalter se refiere a la liberación sexual de las mujeres del control patriarcal, mientras que al mismo tiempo comenta la erotización orientalista de mujeres del Medio Oriente en el arte occidental. A lo largo de los años 70 y 80, Yalter creó una serie de trabajos que combinaban su interés en los temas de género y el feminismo, con un enfoque en las comunidades marginadas, como las trabajadoras migrantes en Europa y las ex presas. Las viviendas temporales (1977) investigan las condiciones de vida y las experiencias de los trabajadores migrantes tal como las cuentan las mujeres. Una instalación de vídeo creada en colaboración con Judy Blum y Nicole Croizet en 1974, La Roquette, Prison de Femmes reconstruye las condiciones de vida en la prisión de mujeres de Roquette en París con un vídeo y una serie de fotografías y dibujos basados en los recuerdos de la ex reclusa Mimi. Ritos y objetos que describen la experiencia de un espacio panóptico. Yalter fue miembro de varios colectivos de artistas femeninas en París en la década de 1970, como Femmes en Lutte y Femmes / Art, que se reunieron en torno a prácticas socialmente comprometidas y la lucha de las mujeres por la visibilidad en las artes. Para su exposición en el Museo Ludwig, la serie de carteles Exile Is a Hard Job / Walls se mostrarán en lugares públicos de Colonia.Enlucidos en paredes como papel tapiz, los dibujos y fotos de su obra de 1977 se colocan sin autorización en varios vecindarios, con el eslogan “El exilio es un trabajo duro” escrito en los carteles en el idioma dominante de cada vecindario: alemán, turco, árabe, ruso o polaco. El trabajo es por y para los migrantes, cuya existencia es tanto obvia como ausente.
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