BIENAL DE VENECIA 2019: MAY YOU LIVE IN INTERESTING TIMES
Redacción
Ralph Rugoff, curador de la 58ª Bienal de Venecia ha justificado su proyecto de exposición en el Padiglione y Arsenale bajo el lema “May You Live In Interesting Times”. Aquí va su explicación:
“En un discurso pronunciado a fines de la década de 1930, el parlamentario británico Sir Austen Chamberlain invocó una antigua maldición china de la que se había enterado por un diplomático británico que había servido en Asia, y que tomó la curiosa forma de decir: Que vivas en tiempos interesantes. No hay duda de que la maldición ha caído sobre nosotros, observó Chamberlain. Nos movemos de una crisis a otra. Sufrimos una perturbación y un shock tras otro. Este resumen suena increíblemente familiar hoy en día. Sin embargo, en un momento en que la difusión digital de noticias falsas y «hechos» corroe el discurso político y la confianza de la que depende, vale la pena deteniéndose siempre que sea posible para reevaluar nuestros términos de referencia. En este caso resulta que nunca hubo tal «antigua maldición china», a pesar del hecho de que los políticos occidentales hayan hecho referencia a ella en discursos durante más de cien años. Es un sucedáneo de una reliquia cultural, otro «orientalismo» occidental, y sin embargo, a pesar de su estatus ficticio, ha tenido efectos retóricos en importantes intercambios públicos. Al mismo tiempo sospechoso y rico en significado, este tipo de artefacto incierto sugiere posibles líneas de exploración que vale la pena seguir en el presente, especialmente cuando los «tiempos interesantes» que evoca parecen estar con nosotros una vez más. Que vivas en tiempos interesantes sin duda incluirá obras de arte que reflejan aspectos precarios de la existencia actual, incluidas las diferentes amenazas a las tradiciones clave, instituciones y relaciones del «orden de posguerra»… De una manera indirecta, tal vez el arte puede ser un tipo de guía sobre cómo vivir y pensar en ‘tiempos interesantes’. La 58ª Exposición Internacional de Arte no tendrá un tema per se, pero destacará un enfoque general para hacer arte y una visión de la función social del arte. Como abrazar tanto el placer como el pensamiento crítico. La exposición se centrará en el trabajo de artistas que desafían los hábitos de pensamiento existentes y abren nuestras lecturas de objetos e imágenes, gestos y situaciones. En múltiples perspectivas: teniendo en cuenta aparentemente contradictorias e incompatibles. Nociones y malabares con diversas formas de dar sentido al mundo. Artistas que piensan en ofrecer alternativas al significado de los llamados hechos al sugerir otras formas. Conectándolos y contextualizándolos”.
Ralph Rugoff, nacido en Nueva York en 1957, director de la Hayward Gallery de Londres desde 2006, ha sido curador de importantes exposiciones temáticas tanto en Europa como en Estados Unidos, entre ellas «Psycho Buildings: Artists Take On Architecture» y «The Painting of Modern Life». Asesor de la Bienal de Sydney de 2002, de la Trienal de Turín de 2005, y director artístico en 2015 de la Bienal de Lyon, dedicada al concepto de «Moderno», Rugoff cuenta con una amplia trayectoria en el mundo del arte.
De los 79 artistas seleccionados por Rugoff, 38 son mujeres (biológicas o trans). Es interesante destacar que la mayoría de los artistas han nacido a partir de la década de los sesenta y bastantes a finales de la década de los años ochenta: millenials. La Biennale se rejuvenece. Esta no va a ser una edición más de recuperación de artistas seniors infravaloradas.
Y aunque la nacionalidad es una cuestión cada vez menos relevante en este mundo globalizado −donde los artistas de todas las procedencias estudian en centros occidentales, o bien se desplazan continuamente para realizar proyectos y presentar su trabajo en bienales y ferias en cualquier parte del mundo−, por supuesto, ante un listado en el que no se encuentea ningún artista español, ya se han echado las cuentas: participan artistas de 38 países, 27 artistas son europeos (son mayoría Francia, con seis, y Alemania, con cuatro) y 16 de Estados Unidos.
A pesar de que a estas alturas es imposible conocer qué presentarán las artistas en la exposición de Ralph Rugoff, echamos un vistazo a algunas de sus últimas creaciones. Habrá muchas esculturas que hablarán sobre lo material, y pinturas e instalaciones impactantes. Las cuestiones de género y feminismo también tendrán protagonismo.
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Njideka Akunyili Crosby (Nigeria, 1983), residente en Nueva York, realiza piezas a gran escala con técnica mixta de pintura, telas y transferencias fotográficas para expresar las identidades híbridas formadas a partir de la comunión entre la cultura en la que se nace y aquella en la que se crece. “De donde quiera que mires el trabajo puedes reconocer algo. Pero no reconocerás todo porque hay una mezcla de tiempos, lugares, culturas, continentes y clases”, explica Akunyili Crosby a la revista Bomb para luego especificar que “hay muebles de IKEA de mi sala de estar de Baltimore junto a un sofá de nuestra casa en un pueblo de Nigeria. Al leer la pintura, quiero que te preguntes ¿qué está pasado?, ¿por qué la mujer con ese peinado provincial está en una situación cosmopolita? Son contradicciones que también existen en mi propia vida. He vivido en todos esos lugares diferentes. Soy una mezcla de ellos”. “Si la gente no lo sabe, si la gente no lo ve y no le importa, ¿cómo existe? Sentí la necesidad de reclamar mi propia existencia social haciendo que la representación ocurriera. Empecé a recopilar imágenes como una forma de mantenerme conectada con la Nigeria que yo conocía, que no era la misma que se percibía en Estados Unidos”, relata Akunyili Crosby a The White Review. Y añade: “Tenía el deseo de compartir la Nigeria que conocía de una manera real o sincera. Ésta fue mi vida, ésta sigue siendo mi vida. En Nigeria también hay gente que viven sus vidas pese a todos los problemas. Quería dar a la gente una visión de este otro espacio con el que no estaban familiarizados”. Además, Njideka Akunyili Crosby, fue incluida en el Top 20 de mujeres artistas de Artprice en 2018, en el puesto 19. Tres pinturas y un dibujo fueron vendidos, todas ellas dentro del rango de precios esperable o por encima de él. La falta de oferta también es una buena noticia para los coleccionistas, que no esperan una bajada de sus precios. Esta situación es ideal para la joven pintora que ha visto sus obras ascender meteóricamente tras su exposición en la galería Victoria Miro en Londres en octubre de 2016.
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Las esculturas e instalaciones de Nairy Baghramian (Irán, 1971, residente en Berlín) actualizan formas y conceptos heredados para tratar nociones como la funcionalidad, la abstracción o el feminismo. Con claras referencias a la Historia del Arte y a la arquitectura moderna, concretamente al minimalismo y al surrealismo, la artista cuestiona las tensiones entre función y ornamento, industria y artesanía, entre otras. Las esculturas presentadas en esta exposición, realizadas en cristal, metal galvanizado y resina, adoptan formas orgánicas que presentan protuberancias y cavidades en las que resuenan tanto la fisiología humana y la subjetividad como el diseño de interiores y los objetos decorativos. La obra de Nairy Baghramian ha sido objeto de exposiciones monográficas en diversas instituciones, como el Museo Serralves de Oporto (2014), el Art Institute de Chicago (2014), el Museo Tamayo de Ciudad de México (2015), el Walker Art Center de Mineápolis (2016), o el S.M.A.K de Gante (2016). Ha participado también en la 54ª Bienal de Venecia (2011), en la documenta 14, en Kassel y en Atenas (2017) y recientemente en El Museo Reina Sofía (Palacio de Cristal), 2018.
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Las esculturas de camillas no monumental de Alexandra Bircken (Colonia, 1967) están informadas por su experiencia en diseño de moda e interés por los aspectos radicales de la cultura artesanal. Una serie fragmentaria de objetos irregulares y formas orgánicas, a menudo coloreadas por el artista, se cuelga y se muestra en cuerdas y barras de aluminio. También los detritus, la lana, los troncos y los trapos que se abren camino en las redes de Bircken recuerdan a las arquitecturas temporales y al hecho de incorporar alternativas de comunidades alternativas en los márgenes de la sociedad en general. El tejido y la artesanía involucrados en su método también trae a la mente la política feminista del arte de los años 60 y 70. Cuando se muestran juntas, sus obras pueden aparecer como un estilo de vida radical: Gesamtkunstwerk. «Estoy interesada en desmantelar las jerarquías de valor prevalecientes en relación con estos objetos y materiales para conectarlos, y así colocarlos en un nuevo contexto entre ellos. Es un sistema o ciclo alternativo».
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La práctica diversa de la estadounidense Carol Bove (1971, reside en Nueva York) abarca la escultura, la instalación y el dibujo, utilizando una amplia gama de materiales, como el acero, el hormigón, los libros, la madera de deriva, las plumas de pavo real, las conchas y la espuma. Su obra juega con cuestiones de materialidad, presentando y actualizando estrategias históricas de exhibición. Bove es quizás más conocida por sus esculturas a gran escala, que ha descrito como «grandes, pesadas, pero frágiles». Sus esculturas se muestran a menudo fuera o en espacios públicos. Por ejemplo, la escultura de madera y acero petrificado de Lingam se instaló en el City Hall Park de Nueva York como parte de la exposición colectiva de verano 2016, The Language of Things, mientras que la muestra de 2013 de Bove, Caterpillar, presentó siete esculturas a gran escala específicamente creadas para el High Line en los patios de ferrocarril en Nueva York. Las obras anteriores de Bove varían en forma y en medio, desde dibujos en tinta de mujeres desnudas tomadas de revistas de Playboy antiguas hasta esculturas compuestas de estantes con volúmenes de los años sesenta y setenta. Bove también ha incluido el trabajo de otros artistas en sus instalaciones.
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Lee Bul (Corea del Sur, 1964). Su trabajo cuestiona la autoridad patriarcal y la marginación de las mujeres al revelar ideologías que impregnan nuestras esferas culturales y políticas. Estos temas toman forma en esculturas frías, mecánicas e instalaciones que reflejan los ideales de una sociedad futurista. Se ha centrado en dar forma a la opresión de las mujeres, a la comercialización del sexo, etc., que se intensifican en una sociedad dominada por los hombres a través de diversas representaciones y objetos.
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Ludovica Carbotta (Turín, 1982, reside en Barcelona) es una artista cuya práctica se centra en la exploración física del espacio urbano y en cómo los individuos establecen conexiones con el entorno en el que habitan. Explora sobre los límites entre la realidad y la ficción, sus obras recientes combinan instalaciones, textos y representaciones que reflejan la noción de lugar, identidad y participación. Enfoca su atención especialmente en lo que ella llama especificidad de sitio ficticio, una forma de práctica orientada al sitio que considera lugares imaginarios o combina lugares reales con contextos ficticios, recuperando el papel de la imaginación como un valor para construir nuestro conocimiento. Carbotta completó un MFA en la Universidad Goldsmiths de Londres. Participó en el proyecto ON, en el espacio público de Bolonia y en la exposición Art Situacions en Matadero, Madrid. Recientemente, en 2018, ha participado en las colectivas Te toca a ti, EACC Castellón y Regreso al futuro, La Casa Encendida, Madrid. En España es representada por la galería Marta Cervera.
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Jesse Darling es un artista (nacida mujer, pero actualmente se considera transmasculino) afincado en Londres y Berlín que trabaja en escultura, instalación, texto, sonido y «dasein by design». En un proyecto en curso para desnaturalizar el ecosistema teológico de la modernidad capitalista como «un cuento de hadas arbitrario y violento», el trabajo y la investigación de Darling consideran al cuerpo social, físico y narrativo como un sitio donde se manifiestan y transforman estructuras arquitectónicas, biográficas, políticas y sociales.
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Las pinturas al óleo figurativas de Nicole Eisenman (Verdún, Francia, 1965, vive y trabaja en Nueva York) a menudo juegan con temas de sexualidad, comedia y caricatura. Aunque es conocida por sus pinturas, la artista también crea instalaciones, dibujos, grabados y esculturas. Con AL Steiner, es la cofundadora de la iniciativa curatorial queer/feminista Ridykeulous.
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Elementos encontrados y elaborados, como tallas y modificaciones arquitectónicas, estructuras de soporte en forma de pedestales y plataformas, cortinas, vasos y estatuillas, así como páginas de libros antiguos forman el vocabulario visual con el que Haris Epaminonda (Nicosia, Chipre, 1980, vive y trabaja en Berlín) teje narraciones inimaginables.
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Las obras de Lara Favaretto (Treviso,1973, vive en Turín) interactúan con el espacio y con el entorno y la comunidad a su alrededor, y emergen en acciones poderosas, casi violentas, mientras que aparecen con una calidad estética sorprendente.
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Las fotografías de Gauri Gill (India, 1970, vive en Nueva Delhi) a menudo abordan el heroísmo ordinario en entornos difíciles que representan las relaciones a menudo íntimas de la artista con sus sujetos con un espíritu documental y una preocupación humana por los problemas de supervivencia.
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Dominique Gonzalez-Foerster (Estrasburgo, 1965) es conocida por su gran variedad de trabajos en proyección de vídeo, fotografía e instalaciones espaciales. Ha trabajado en paisajismo, diseño y escritura. «Siempre busco procesos experimentales».
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Los medios de Shilpa Gupta (Mumbai, 1976) abarcan desde objetos encontrados manipulados hasta vídeo e instalación interactiva por computadora. Gupta está interesada en la percepción humana y en cómo la información, visible o invisible, se transmite e internaliza en la vida cotidiana. A Gupta le atrae constantemente la forma en que se definen los objetos, ya sean lugares, personas, experiencias y su trabajo se relaciona con las zonas donde estas definiciones se ponen de manifiesto, ya sean fronteras, etiquetas e ideas de censura y seguridad.
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Martine Gutierrez (Berkeley, California, 1989) es una artista trans latina de Brooklyn que bebe de los medios eclécticos, actuando como protagonista, artista y musa, y documentando su metamorfosis personal en varios roles imaginarios. A través de la transformación del espacio físico, Gutierrez investiga la identidad individual y colectiva.
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Rula Halawani (1964) es una fotógrafa y educadora palestina que vive y trabaja en Jerusalén. Antes de dedicarse a las artes visuales, trabajó como fotoperiodista freelance para varias revistas y periódicos.
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Anthea Hamilton (Londres, 1978) es famosa por sus grandes instalaciones. Ella crea obras de arte extrañas y surrealistas en las que podemos entrar y pasear. Utiliza muchos materiales y técnicas diferentes: performance, escultura, pintura, vídeo, diseño de moda…
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Con base en Kiev, la artista y escultora Zhanna Kadyrova (1981) trabaja en la tradición del arte de lugares específicos creando objetos, instalaciones, mosaicos y esculturas. Su arte está dirigido principalmente a cambiar la cara de una ciudad y su carácter urbano. Según la artista, brinda la oportunidad de interactuar con una ciudad todo el tiempo para conocerla mejor y, con frecuencia, sus proyectos dependen en gran medida del entorno exterior, tanto del espacio físico como del contexto social.
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Yu Ji (Shanghai, 1985) se graduó en Shanghai Fine Art College en 2011. Los materiales comunes y desechados proporcionan una base rigurosa para las investigaciones materiales, somáticas, filosóficas y espirituales de Yu. Sus exposiciones incluyen “Solo puedes pensar en algo, si piensas en otra cosa” (Times Museum, Guangzhou, 2014), “Market Forces – Erasure: From Conceptualism a la abstracción” (Osage Art Foundation, Hong Kong, 2014) y “Inside China: L’Intérieur du Géant” (Palais de Tokyo, París, 2014 y Hong Kong, 2015). Parte de su práctica artística es el espacio de arte AM, que Yu Ji cofundó en 2008. Se ha convertido en uno de los pocos espacios sin fines de lucro y dirigidos por artistas activos en Shanghai.
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La artista Mari Katayama (Saitama, Japón, 1987) nació con hemimelia tibial y «entre vivir en una silla de ruedas o cortarme las piernas y poder andar» se quedó con lo segundo. Ahora dibuja tatuajes en sus prótesis y ha convertido su cuerpo en obra de arte: lo adorna con cristales, pelo y conchas marinas, narra historias con sus poses y hasta crea réplicas que imitan su esqueleto.
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Maria Loboda (Cracovia, 1979) tiene una inclinación por los mensajes cifrados y los significados. Lo bello y lo inofensivo en sus esculturas, instalaciones y collages ocultan la esencia en parte extraña y en parte amenazante de las cosas. En el proceso, Loboda desarrolla una forma muy especial de arqueología contemporánea en la que crea interpretaciones y asociaciones completamente nuevas al reorganizar los signos y reajustar los símbolos antiguos. En consecuencia, sus piezas hacen referencia a leyendas y protagonistas enigmáticos, así como a circunstancias históricas, en las que también se unen para formar una narrativa nueva y en constante cambio. “La austeridad es una decisión estética mía muy consciente. Usualmente construyo las piezas con lujosas historias de fondo, pero le doy a las obras una forma simple de desviarse de las referencias más bien barrocas y llevar al espectador a un estado diferente de percepción y sentimiento de confianza. No quiero que los espectadores luchen contra la forma; deberían rendirse a la estructura aparentemente armoniosa, que en última instancia puede irritarlos y molestarlos una vez que descubran la historia detrás de ella”, sostiene Maria Loboda.
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Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980) es una artista visual enfocada en la cultura digital. En sus obras utiliza la pintura, las impresiones, el diseño, el vídeo y la instalación. La crítica de la pintura como género, su uso, contexto e historia, se convirtió en uno de los elementos centrales de su trabajo. Esta perspectiva crítica la vinculó con la teoría y el activismo feminista y queer y con el pensamiento de Donna Haraway. Como tema destaca el cuerpo humano y cuestiones de género, mezclando erotismo y geometría.
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Artista conceptual, fotógrafa, videógrafa y diplomada en medicina forense mexicana. la obra de Teresa Margolles (México, 1963, vive en Ciudad de México y Madrid) se centra en explorar las causas sociales y consecuencias de la muerte denunciando la violencia que azota México con el objetivo de posicionar los asesinatos en las mesas de debate públicas.
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Julie Mehretu (Etiopía, 1970, vive y trabaja en Nueva York) es bien conocida por sus pinturas de múltiples capas de paisajes abstractos a gran escala. Sus pinturas, dibujos y grabados representan los efectos acumulativos de los cambios sociopolíticos urbanos a través de la alteración de la arquitectura, la topografía y la iconografía del paisaje.
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Zanele Muholi (Durban, 1972) es fotógrafa y activista visual. La mayor parte de su vida la ha pasado en Sudáfrica tratando de erradicar la intolerancia hacia la sociedad de tez obscura con preferencia homosexual, en particular a las mujeres con preferencia lesbiana y personas transexuales, por medio de sus obras fotográficas. Ella trata de documentar esta sociedad de una forma artística, con el fin de rescatar la importancia de estos temas para futuras generaciones. Especialmente se enfoca en captar los momentos positivos, felices, con un enfoque de anti-violencia y de unidad. Todo esto lo hace esta artista con el fin de alentar a toda la sociedad a unirse como una raza que somos, sin discriminación
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La práctica de Jill Mulleady (Montevideo, 1980, reside en Los Angeles) cambia entre las observaciones cercanas de la realidad cotidiana y los mundos imaginarios altamente elaborados. En su trabajo, las referencias a la pintura histórica se ponen en comunicación con imágenes tomadas tanto de la cultura popular como de la vida personal, creando una extraña sensación de temporalidades fusionadas y multiplicadas. Estas pinturas pueden verse como alegorías de la experiencia contemporánea de la imagen como interfaz: no solo una imagen, sino un medio para movilizar la atención, los cuerpos y los afectos dentro de un espacio social cada vez más virtualizado.
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Ulrike Müller (Austria, 1971) aborda las preocupaciones contemporáneas feministas y de género, que se extienden desde los movimientos feministas de la década de 1970 y en adelante. Es miembro del colectivo feminista genderqueer LTTR, con sede en Nueva York, así como editora de su revista homónima. Utiliza técnicas de pintura, performance, escultura, publicaciones, geometría, abstracción, vídeo/audio y textiles para explorar cuestiones de política de identidad y cuerpo e interrumpir y criticar los binarios de género.
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La contemplación de Nabuqi (Ulanqab, 1984) sobre la ontología de los objetos se refleja en sus esculturas: los objetos que nos rodean también existen independientemente de la percepción humana. Se graduó en la Academia Central de Bellas Artes, Beijing, en 2013. Sus trabajos se mostraron en exposiciones individuales y colectivas en Beijing y Nueva York, así como en la Bienal de Gwangju en 2016. Actualmente vive en Beijing.
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Otobong Nkanga (Kano, Nigeria, 1974) cultiva la performance, instalación, la fotografía, el dibujo y la escultura. Su trabajo se cuestiona varios aspectos de la identidad en distintos ambientes y contextos. Centrada en el poder de comunicación y de sensibilización del arte, Nkanga es capaz de combinar la seducción visual con una reflexión sobre las fuerzas destructoras que rodean al ser humano y la posibilidad de un futuro apocalíptico. Con fotografías, acuarelas, instalaciones y vídeo esta artista denuncia la explotación de los recursos naturales y la ambición humana. Su interés no es tanto por la realidad que creemos ver y conocer sino por lo que decidimos ignorar.
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Frida Orupabo (Oslo, 1986) es socióloga y artista. Su trabajo consiste en collages digitales y físicos en varias formas, que exploran cuestiones relacionadas con la raza, las relaciones familiares, el género, la sexualidad, la violencia y la identidad.
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Las pinturas de Avery Singer (Nueva York, 1987) están mezcladas con un humor igualmente irónico. En una entrevista reciente, nombró a Brooks como una de sus mayores influencias, junto con comediantes como Woody Allen y Zero Mostel. El suave sarcasmo incrustado en su trabajo generalmente está dirigido a los estereotipos del mundo del arte. La artista compone sus pinturas con SketchUp, un programa de modelado 3D. El boceto generado por computadora luego se proyecta en un lienzo y Singer renderiza las formas y los formularios utilizando una cinta de enmascarar y un aerógrafo en un proceso que toma semanas para completar. Las obras terminadas suelen tener más de tres metros de largo, un tamaño que amplifica las asociaciones, líneas de tiempo y extrañas yuxtaposiciones que ella conjura. La mayoría de sus pinturas son en blanco y negro, evocando imágenes de películas históricas, fotografías antiguas y documentos de archivo. «No estoy realmente interesada en usar pinceles, y nunca lo he estado, así que supongo estoy tratando de averiguar cómo hacer una pintura sin esa metodología», dice ella. «Cuando miras un cuadro, percibes la toma de decisiones de la gente, estás viendo un proceso detrás de cómo se hacen o se piensan las cosas, así que la forma en que haces un cuadro conlleva la mayor parte de su significado».
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Hito Steyerl (Múnich, 1966) es una realizadora cinematográfica alemana, artista visual, y autora en el campo del ensayo y documental. Sus principales temas de interés son los medios, tecnología, y la circulación global de imágenes.
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Rosemarie Trockel (Alemania, 1952) a menudo critica el trabajo de artistas establecidos y estilos artísticos.
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La mayor parte de la carrera de Kaari Upson (San Bernardino, 1972, vive en Los Angeles) se ha dedicado a una serie única titulada The Larry Project: pinturas, instalaciones, performances y películas inspiradas en una colección de artículos personales de un hombre que encontró en 2003. El trabajo despliega una variedad de medios: dibujo, escultura, vídeo y performance. Ella descubrió que Larry se diseñó a sí mismo después de Hugh Hefner y participó en la Mansión Playboy. También estuvo involucrado en algunos programas de autoayuda diferentes, que incluyen análisis de Jung, limpieza de chakras, terapia Gestalt y capacitación en seminarios de Erhard. Su personaje hiper-masculino de «Hombre de las Damas» se convirtió en un sitio de exploración para las propias actuaciones de Upson de género, poder y deseo.
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La artista rumana Andra Ursuţa, residente en Nueva York, investiga la vulnerabilidad de hombres y mujeres (con una buena dosis de humor) en el mundo contemporáneo.
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Margaret y Christine Wertheim (Brisbane, Australia, 1958), las hermanas gemelas residen actualmente en Los Ángeles, donde fundaron y continúan trabajando en el IFF, una organización sin ánimo de lucro que promueve las dimensiones poéticas y estéticas de las ciencias y las matemáticas, y que que empezó como respuesta a las habilidades artísticas de Daina Taimina, una matemática universitaria. Y ha continuado con otras propuestas sobre ciencia y arte. Su proyecto más conocido es Crochet Coral Reef, con instalaciones gigantes que representaban diversos arrecifes de coral vivientes, el proyecto consistió en la intersección de matemáticas, ciencia, manualidades, ecologismo además de la práctica de arte comunitario. Tiene como objetivo enseñar a las audiencias el concepto de geometría no euclidiana, mientras también mantiene el objetivo de concienciación alrededor del cambio climático mostrando la reducción considerable de arrecifes debido a este problema.
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Anicka Yi (Seúl, 1971, vive y trabaja en Nueva York) es una artista conceptual cuyo trabajo se encuentra en la intersección de la fragancia, la cocina y la ciencia. Es conocida por las instalaciones que involucran los sentidos, especialmente el olfato, y por sus colaboraciones con biólogos y químicos. Ella describe sus obras como «una biopolítica de los sentidos».
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Yin Xiuzhen (Pekín, 1963) es escultora y artista de instalación. Incorpora textiles usados y recuerdos de su niñez en Beijing para mostrar la conexión entre memoria e identidad cultural.
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May You Live in Interesting Times (Que vivas en tiempos interesantes), 58ª Exposición Internacional de Arte La Biennale di Venezia. Del 11 mayo al 24 noviembre de 2019.
Curador: Ralph Rugoff.
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