PHOTOESPAÑA 2019
Redacción
La vigésimo segunda edición de este festival se celebrará desde el 5 de junio hasta el 1 de septiembre con 85 exposiciones, 296 artistas y 40 sedes distribuidas en ocho ciudades: Madrid, Alcobendas, Alcalá de Henares, Segovia, Zaragoza, Barcelona, Lanzarote y, por primera vez, Santander.
Entre las exposiciones individuales, o bien protagonizadas por solo dos artistas, encontramos 72 nombres. Destacamos las 27 exposiciones de autoría femenina: lo que supone un 37’5% que, en conjunto, no llega a alcanzar la paridad.
.
DÉJA VÙ
La británica Susan Bright es la comisaria invitada en la edición de 2019. Su programa de cinco exposiciones, Déja Vù, supone una reflexión en torno a la tradición y la contemporaneidad. La comisaria invitada afirma que le gustaría destacar las obras que se apoyan en las tradiciones e ideas del pasado para crear obras que son completamente relevantes para nuestros días.
La escritora afincada en París ya ha comisariado exposiciones internacionales en instituciones como: Tate Britain, The National Portrait Gallery en London y The Museum of Contemporary Photography, en Chicago, entre otras. Entre sus trabajos más destacables se encuentra la exposición How we are: Photographing Britain que supuso la primera gran exposición de fotografía británica en la Tate.
En su selección, encontramos cinco exposiciones: destacamos las individuales de Elina Brotherus y de Clare Strand, más la exposición de la pareja formada por Sharon Core y Laura Letinsky.
.
Elina Brotherus, Playground, Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez, Madrid. Del 5 de junio al 21 de julio de 2019.
Elina Brotherus es una artista finlandesa cuyo trabajo oscila entre la investigación rigurosa sobre la historia del arte y los proyectos autobiográficos por medio de la fotografía y el vídeo. Después de un intenso periodo de trabajo autobiográfico, Brotherus recurrió a los event scores (acontecimientos), surgidos originalmente dentro del movimiento Fluxus en la década de los sesenta. En Playground (Patio de recreo) la artista sigue instrucciones o partituras y las interpreta por medio de la fotografía y el vídeo. Esta nueva forma de trabajar a través de la performance produce imágenes surrealistas, extrañas, a menudo absurdas, pero siempre llenas de energía: representan una liberación de las preocupaciones autobiográficas que han sido un tema recurrente a lo largo de sus veinte años de carrera. Hacen gala de una delicadeza y una relación con el juego que encajan a la perfección con el trabajo de sus predecesores en la historia del arte. Brotherus evidencia una vez más que las estrategias de la historia del arte resuenan en su obra, y las hace imprescindibles cuando las trasladamos al contexto actual. Esta continuidad contemporánea no solo cuestiona al artista, sino que además permite al espectador replantearse la naturaleza del arte, la historia, la repetición, la documentación, la autoría y la interpretación. Esta muestra contiene obras realizadas entre 2016 y 2018. Por la primera parte de la serie, fue nominada en Suiza al Premio Elysée de 2016. Y por los trabajos realizados en 2017 –en colaboración con Vera Nevanlinna– recibió el premio Carte Blanche PMU en Francia. Asimismo, se incluyen colaboraciones recientes con el escultor Erwin Wurm y la artista feminista de vanguardia austríaca Valie Export.
Comisaria: Susan Bright.
.
Clare Strand, El canal discreto con ruido, Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez, Madrid. Del 5 de junio al 21 de julio de 2019.
Esta exposición muestra el ultimo trabajo de la fotógrafa y artista britanica Clare Strand. El canal discreto con ruido es un conjunto de obras complejo y difícil de catalogar en las que analiza qué sucede cuando la información es confusa, mal entendida o reinterpretada. En el caso de Strand, esa pérdida de información se da cuando traslada el experimento a su obra, donde un medio, la fotografía, se transforma en otro, la pintura. En este proyecto, Clare Strand trabajó mano a mano con su marido Gordon McDonald, aunque estuvieron separados físicamente. Gordon eligió 10 imágenes de un grupo de 36, todas con un tamaño estándar, procedentes de periódicos de su colección. Mediante una comunicación telefónica, los Strand trataron de traducir distintos valores tonales de la fotografía a la pintura. Esta exposición muestra esas 10 pinturas y fotografías, así como una obra anterior titulada Material. Continuando con el tema de lo material, tanto las herramientas presentes en el proceso de investigación como la investigación en sí misma son presentados para destacar la ficisidad del proceso y la importancia de su materialidad. La intervención del ser humano es vital para poder valorar si la fotografía puede comunicar información o no.
Comisaria: Susan Bright.
.
Sharon Core y Laura Letinsky, Otra mirada, Museo Nacional del Romanticismo, Madrid. Del 4 de junio al 22 de septiembre de 2019.
Letinsky y Core han creado esta exposición de doce imágenes en la que muestran su trabajo a través de las tradicionales representaciones de las naturalezas muertas. Este género, que aún perdura, resalta la naturaleza temporal y frágil de frutas, flores y verduras, y se traduce simbólicamente en la mortalidad humana. Con esta reflexión sobre la sociedad y el arte también surge la conciencia de la belleza estilizada, atribuida a las emociones a las que los objetos dan sentido. El trabajo de estas dos artistas es un sofisticado cuestionamiento sobre el medio fotográfico y la naturaleza muerta como género. Ambas recrean sus imágenes en platós fotográficos que interpelan a nuestra cultura dominada por imágenes del mismo modo que la historia. Core recurre a pinturas muy conocidas (en este caso de flores y frutas) y las reproduce en papel cuidadosamente. A pesar de lo que puedan parecer –simples copias– son investigaciones conceptuales sobre el papel de la fotografía en la comprensión y visualización de la pintura. Un proceso que se realiza principalmente a partir de fotografías de la obra de arte en Internet o en libros, en lugar de experimentar la obra original en una galería. Trabajando con un método muy diferente, Letinsky incorpora recortes de revistas de tendencias, publicitarias o artísticas a sus cuadros. Posteriormente adultera estos montajes con objetos y reproducciones, con sus jerarquías despojadas. Juntas, estas artistas presentan una visión totalmente contemporánea del género a través de la producción de unas obras que hablan de la reproducción y distribución de imágenes sin dejar de tener presentes los problemas de reproducción y aplanamiento de color que se producen en el proceso de reproducción.
Comisaria: Susan Bright.
.
SECCIÓN OFICIAL: MADRID
Trece exposiciones componen la sección oficial en Madrid. Destacamos cinco individuales protagonizadas por Berenice Abbott, Kimsooja, Leila Alaoui, Donna Ferrato y Diana Markosian.
.
Berenice Abbott, Retratos de la modernidad, Fundación MAPFRE, Madrid. Del 1 de junio al 25 de agosto de 2019.
La exposición propone un exhaustivo recorrido por la trayectoria de la fotógrafa estadounidense (Springfield, Ohio, 1898 – Monson, Maine, 1991). Su obra, una de las más cautivadoras de la fotografía norteamericana de la primera mitad del siglo XX, hizo de puente entre la vanguardia del viejo continente y la creciente escena artística de la costa este de Estados Unidos de los años 1920 y 1930. La obra de Abbott es un reflejo de su gran habilidad para identificar y retratar los cambios de su entorno. En conjunto, sus fotografías constituyen un excepcional retrato de la modernidad del nuevo siglo, idea sobre la que pivota la presente muestra. La exposición, estructurada en tres secciones temáticas, recorre su carrera a través de casi doscientas fotografías de época. Entre ellas, en diálogo con las de la fotógrafa norteamericana, se exponen once fotografías de Eugène Atget positivadas por la propia Abbott a finales de la década de los 1950.
Comisaria: Estrella de Diego.
.
Kimsooja, Tierra-Agua-Fuego-Aire, Jardín Botánico, Madrid. Del 10 al 30 de junio de 2019.
Kimsooja (Corea, 1957) es una de las artistas coreanas más reconocidas en el panorama artístico internacional. Mediante la creación de instalaciones, fotografías, performances y vídeos, aborda temáticas como el nomadismo, punto clave de su arte, la relación entre el yo y el otro, los roles de la mujer en nuestro mundo… poniendo de manifiesto la importancia del ser humano en el mundo caótico en que vivimos, su soledad y fugacidad.En la instalación Tierra-Agua-Fuego-Aire aborda los cuatro elementos que, utilizados por diversos filósofos desde la antigüedad, designan las entidades últimas que constituyen la realidad material, tanto en la tradición occidental como en la oriental: tierra, agua, fuego y aire son fuente de energía y de vida. Siempre ligados a una gran carga simbólica, estos cuatro elementos han influenciado de manera profunda la cultura y el pensamiento europeos. Kimsooja ha sabido encontrar en la naturaleza volcánica y oceánica de la Isla de Lanzarote la fuerza e inspiración de esos elementos, la energía que los constituye: elementos de la vida, de los que dependemos todos los seres vivientes, pero también invitación a la fantasía, fuente de actividad creadora. Kimsooja nos hace ver fuego en el agua, tierra en el agua, viento en el agua y, por tanto, también lo opuesto: agua en el viento, agua en la tierra, agua en el fuego. A través de estos vídeos, la artista, tomando materiales de la realidad, va más allá de ella. Mezcla realidad y ficción y dota a sus trabajos de un elemento de ambivalencia y misterio, apostando por la creación de nuevos significados.
Comisaria: Oliva María Rubio.
.
Leila Alaoui, Los marroquíes, Casa Árabe, Madrid. Del 7 de junio al 9 de julio de 2019.
Los marroquíes es uno de los últimos proyectos de Leila Alaoui (1982-2016), una de las más prometedoras fotógrafas de su generación, tristemente fallecida en un atentado en Uagadugú en 2016, cuando trabajaba en un reportaje sobre la condición de la mujer para Amnistía Internacional. Tres años más tarde, Casa Árabe, en colaboración con la Fundación Leila Alaoui, presenta esta serie de 30 retratos realizados por la fotógrafa franco-marroquí en su estudio portátil, visitando pueblos y comunidades de su país de origen. Sobre esta serie, Leila Alaoui explicó su intención de inspirarse en su propia herencia, utilizando su posición íntima como marroquí para poder acercarse y revelar la subjetividad de las personas fotografiadas. Esta exposición, comisariada por el fotógrafo y escritor Guillaume de Sardes, refleja, en palabras del comisario, «el carácter de una obra comprometida y humanista. Las imágenes de Leila Alaoui no son fotos robadas, sino retratos en el sentido más fuerte y clásico de este género. Tienen una fuerte dimensión pictórica, y están alejados de toda tentación pintoresquista. El de Leila era un proyecto ético, de afirmación de la dignidad, contrario a todo orientalismo…».
.
Donna Ferrato, Holy, Círculo de Bellas Artes, Sala Minerva, Madrid. Del 6 de junio al 22 de septiembre de 2019.
La fotógrafa Donna Ferrato emprendió hace 50 años un radical viaje a través de EE. UU. mientras las mujeres luchaban por la igualdad tanto en el dormitorio como en los consejos de administración. Holy sigue su jornada desde la revolución sexual de los 60 hasta la era actual del #metoo. La concepción de Holy está forjada en la ira de la mujer contra un mundo que odia a las mujeres. Las fotografías de Ferrato muestran que las mujeres son capaces de sobrevivir. Más que sobrevivir, lo que Holy representa es a las mujeres que prevalecen. Es una invitación a entender cómo se siente el que es despreciado por el patriarcado contra el que lucha y cómo se las arregla para mantener vivo el deseo de vivir y el coraje. Las imágenes de Dona revelan el cuerpo de la mujer en toda su gloria y monstruosidad, incluso el suyo. Quizá estas fotografías consigan emocionar, tanto si el espectador es cis o trans, joven o viejo, hombre o mujer. La supervivencia de la humanidad depende de las mujeres. Ellas deben abrazar sus instintos, deseos, fortaleza mental y energía. El libro que da título a la exposición incluye parte del trabajo presentado en una publicación anterior, Living with the Enemy (Aperture 1991), que vendió cerca de 40.000 copias. En él, Ferrato documentó el efecto de la violencia doméstica sobre las mujeres y sus hijos que la habían sufrido. Fotografiar en salas de urgencias, en los centros de acogida, juzgados o centros de detención, Ferrato ha retratado el lado oscuro de la vida familiar. Desde entonces, Ferrato ha consagrado su carrera a ayudar a visibilizar la violencia ejercida sobre las mujeres a través de su trabajo, y, con ello, ha contribuido a cambiar la visión del público de cómo se percibe el abuso por parte de la sociedad, el personal sanitario y las fuerzas del orden.
.
Diana Markosian, Sobre el arcoíris, Casa de América, Madrid. Del 5 de junio al 31 de julio de 2019.
Las niñas celebran la transición a la condición de mujer con una ostentosa fiesta, en la que se visten como princesas. La exhibición de riqueza es importante, incluso en la Cuba comunista, donde el rito se ha transformado en una actuación, con especial énfasis en la documentación del evento. Las chicas contratan fotógrafos para crear imágenes de sí mismas en elaboradas poses, a veces atrevidas, a veces con la apariencia de ensoñaciones. Las fotografías y los vídeos, un símbolo de lujo y fortuna, ofrecen una visión diferente de Cuba, y permiten a las niñas vivir una fantasía y un ideal de feminidad que recordarán siempre aunque solo represente un día en sus vidas. Diana Markosian es una artista armenia-estadounidense cuyo trabajo explora la relación entre la memoria y el lugar. Nacida en la antigua Unión Soviética, su familia emigró a los Estados Unidos cuando era niña, dejando atrás a su padre. En 2010, se graduó en la School of Journalism de Columbia University. Su trabajo se puede encontrar en publicaciones como National Geographic Magazine, The New Yorker y The New York Times. En 2016, se convirtió en candidata a formar parte de la prestigiosa agencia Magnum y dos años más tarde, recibió el premio Elliott Erwitt Havana Club 7 Fellowship.
Comisario: Roderick van der Lee.
.
EN ALCOBENDAS.
Paula Anta, Nudos: Topologías de la memoria, Centro de Arte Alcobendas. Del 23 de junio al 28 de agosto de 2019.
En esta exposición se muestra la obra más reciente de Paula Anta –un proyecto realizado in situ para el Centro de Arte de Alcobendas–, una colección de cúmulos vegetales que, tras una apariencia caótica y aleatoria, descubren la existencia de un orden universal. Esta maraña corresponde a un orden universal, aunque su apariencia sea confusa y nos ocasione desconcierto. La belleza de esta vorágine vegetal radica en su descubrimiento y sus múltiples ramificaciones visuales en nuestro entorno. Podemos encontrarla, por ejemplo, en la red de finos hilos perfilados por las conexiones neuronales (neuronal forest) o en las líneas imaginarias que dibuja nuestra mirada cuando observa (eye tracking). En esta exposición la luz sobre la que se dibujan esos nudos de líneas aparentemente caóticas está representada como el origen de la propia naturaleza fotográfica, generando visiones extraordinarias.
.
EN ZARAGOZA
Hou I Ting, Tejiendo identidades, Centro de Historias La Cripta, Plaza de San Agustín 2, Zaragoza. Del 11 de julio al 15 de septiembre de 2019.
Taiwán es un país de rasgos poscoloniales capaz de fusionar culturas de todo el mundo y de generar un sentimiento local en ese proceso. Aporta además una perspectiva transversal, crítica y enriquecedora a la revisión que los artistas contemporáneos están desarrollando sobre la memoria colectiva de nuestras sociedades. En este sentido, los primeros trabajos de Hou I Ting utilizaban el autorretrato para reflexionar sobre el paradójico contraste que han generado en su país las diferentes influencias provenientes del exterior. Esta exposición tiene como hilo conductor la identidad de la mujer. En el aspecto formal combina el bordado sobre fotografías con el vídeo y las instalaciones. La utilización de archivos de fotografía vernácula y su posterior bordado, que realiza colaborando con otras mujeres, subrayan la influencia de los estereotipos presentes en la educación y en la representación de lo femenino en el arte, e invitan al espectador a cuestionar los roles tradicionales que la sociedad adjudica a las mujeres.
.
Carmen Calvo, Quietud y vértigo, Museo Pablo Gargallo, Zaragoza. Del 13 de junio al 1 de septiembre de 2019.
Carmen Calvo rescata antiguas fotografías de álbumes familiares encontradas en mercadillos (fundamentalmente de las décadas de los cuarenta y de los cincuenta) para descontextualizarlas y dotarlas de nuevos significados. Imágenes sacadas del olvido que tienen una segunda vida y se cargan de otros sentidos con la intervención de la artista sobre ellas. La artista valenciana ha construido con su obra un mundo complejo, misterioso, no exento de humor e ironía, en el que el feminismo, la crítica social, moral y religiosa se entrelazan; en el que la interrogación sobre las formas de comportamiento y de relación entre los seres humanos es una constante.
Comisaria: Oliva María Rubio.
.
FESTIVAL OFF: 30 GALERÍAS EN MADRID
Pilar Pequeño, Naturalezas muertas, Galería Marita Segovia, Lagasca 7, Madrid. Del 30 de mayo al 15 de julio de 2019.
Con esta exposición, Pilar Pequeño culmina a través de un larga reflexión y experiencia fotográfica, un proyecto iniciado en 1993, el trabajo más amplio y representativo de su obra, se compone de diferentes series relacionadas entre sí. En las naturalezas muertas no se da el “momento decisivo”; hay que crearlo analizando el sujeto, el encuadre o modificando la luz. Las transparencias originadas por el agua son un elemento fundamental en este proyecto. La autora busca la ambigüedad que produce la luz sobre las plantas vistas a través de un elemento traslúcido.
.
Nagore Legarreta, Imágenes de fuego, Aspa Contemporary, C/ Galileo 19, Madrid. Del 30 de mayo al 15 de julio de 2019.
Nagore Legarreta ha desarrollado este proyecto fotográfico en varios viajes a la India realizados entre 2013 y 2017, construyendo sus cámaras estenopeicas a partir de cajas de cerillas y dos carretes de negativo en color. Con esta muestra –que se compone de 37 fotografías y un mural– ha querido captar la intensidad de la luz y el sol de la India sin ningún tipo de lente o intermediario que lo modifique. Las fotografías, poco nítidas, son acogidas por la autora como un juego visual,que cobra sentido al acompasarse con el lenguaje de la luz y el color.
.
María Moldes, Ultimátum a la tierra, Puxagallery, C/ Santa Teresa 10, Madrid. Del 30 de mayo al 27 de julio de 2019.
María Moldes presenta una selección de 30 fotografías realizadas en los últimos tres años en el entorno del Mar Menor, que se nutren de ideas acerca del concepto de Antropoceno, estudiando el impacto del ser humano sobre el entorno natural. La tragedia y los guiños al cine americano de ciencia ficción de los años cincuenta sirven para enfatizar el absurdo humano y el poder devastador de la civilización actual, en un momento histórico decadente, dominado por el consumismo y la alienación social.
.
Karina Skvirsky, Geometría sagrada, Galeria Ponce + Robles, Madrid. Del 30 de mayo al 11 de julio de 2019.
El proyecto “Geometría sagrada” se desarrolla en Ingapirca, un complejo arqueológico y turístico construido por los Incas en Ecuador. Hay hoy en día misterio y debate sobre cómo los incas construyeron sus edificios, Karina Skvirsky lo investiga y materializa usando para ello el archivo arqueológico y el de google que ya existe para entender esta zona, mientras que fotografía las piedras que hay allí recontextualizándolas como obras de arte.
.
Marisa González, Amor y Memoria, Freijo Gallery, Madrid. Del 4 de junio al 3 de agosto de 2019.
La exposición muestra una selección de obras de Marisa González (España, 1945) como la serie Transgénicos-Desviaciones que capta el mensaje corporal de algunos frutos, transmitiendo una gramática visual capaz de generar un cúmulo de sensaciones y lecturas. Amor y Memoria también rescata una serie realizada en su estudio entre los años 1992 y 1993 en la que aborda el género del retrato. Soledad Lorenzo o Joan Fontcuberta son algunos de los rostros relacionados con el mundo del arte que se asomaron a su objetivo. En la serie Arqueología tecnológica recupera el equipo gráfico Lumena, que Sonia Sheridan donó a Marisa González, y en Matadero Express, proyecto realizado en 2003, un vídeo nos muestra ráfagas de presencia femenina huyendo y retrocediendo sincopadamente.
.
Soledad Córdoba, Trilogía del alma. Renacimiento, Galería Blanca Berlín, Madrid. Del 5 de junio al 31 de julio de 2019.
Trilogía del alma. Renacimiento, es la segunda parte de un proyecto, realizado con la Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2017 de la Fundación BBVA, en el que el cuerpo de Soledad Córdoba, elemento central de toda su obra, se funde con el desierto como un organismo animado, como región irreductible donde explorar diferentes estados del alma y donde se produce la génesis de sus visiones poéticas. En esta serie gravitan los símbolos que construyen su mitología personal: fotografías, vídeos y dibujos dialogan entre sí y son expresión universal del alma caleidoscópica de la mujer, capaz de trascender la realidad y volver a nacer.
.
Elina Brotherus, A New Sense of Order, Galería Cámara Oscura, Madrid. Del 5 de junio al 21 de julio de 2019.
Desde el año 2000, Elina Brotherus ha trabajado sobre experiencias: la presencia y la ausencia de amor o la relación entre fotografía y la historia de la pintura. También ha explorado la figura humana en el paisaje, y la mirada del artista hacia su modelo. En sus últimos proyectos ha tomado como referentes los event scores del arte performativo Fluxus. Tanto con la fotografía como con el vídeo, Elina es una artista con una misión: dar a la mujer el protagonismo que le corresponde tanto en la historia del arte como en nuestra sociedad actual.
.
Paz Juristo y Anuca Aísa, Lo que has leído eres, Galería Álvaro Alcázar, Madrid. Del 6 de junio al 31 de julio de 2019.
En Lo que has leído eres de Paz Juristo y Anuca Aísa, las artistas homenajean a Francisco Calvo Serraller creando un recorrido por todas los países descritos en la literatura leída con él, cerrando así, un viaje que en su conjunto, replantea la mirada.
.
SEDES INVITADAS
Alicia Caldera, 2219, Instituto Iberoamericano de Finlandia, Mercado de San Antón, C/ Augusto Figueroa 24, 2ª planta, Madrid. Del 9 de mayo al 2 de junio de 2019.
2219, título que alude a la distancia en kilómetros de la frontera entre Venezuela y Colombia, es una respuesta al éxodo que ha llevado a una atomización del venezolano hacia una diversidad de países. A través de paisajes, retratos y collages, Alicia Caldera propone una experiencia, un viaje físico y emocional entre los dos países. El proyecto recoge una mirada personal y simbólica en torno a la temporalidad, el desarraigo y la memoria. La exposición encaja con el objetivo del Instituto Iberoamericano de Finlandia de crear puentes culturales entre el país nórdico y el mundo luso-hispánico.
.
Erea Azurmendi, Tierras raras, B the travel brand Xperience Madrid, C/ Miguel Ángel 33, Madrid. Del 1 de junio al 1 de septiembre de 2019.
Las «tierras raras» son llamadas así por poseer minerales valiosos, que han sido extraídos desde finales del siglo XIX en EE. UU., Brasil, India o, China. Su existencia y combinación con otros minerales las hace clave en procesos tecnológicos y científicos contemporáneos: móviles, ordenadores… La propuesta toma el término «tierras raras» para exponer el papel que han jugado los minerales a lo largo de la historia en negociaciones políticas, económicas y bélicas, afectando directamente al paisaje y a lo social. Son estos minerales metáforas vinculadas a la colonización, donde los conflictos y desacuerdos, afectos y la opresión han estado presentes como una suerte de amor y desamor entre continentes. Desde el arte contemporáneo el proyecto plantea la posibilidad de rastrear su ubicación original para entender los procesos contemporáneos de desarrollo tecnológicos, tan complejos y contradictorios.
.
Alejandra Carles-Tolra, Donde pertenecemos, One Shot Hotels, C/ Salustiano Olózaga 4, Madrid. Del 3 de junio al 1 de septiembre de 2019.
El grupo Jane Austen Pineapple Appreciation Society está formado por personas que comparten una gran pasión por esta autora inglesa. Los miembros de esta sociedad, que se definen como «Janeites», han creado una sólida red de apoyo y hermandad creando fuertes lazos entre sus miembros. Esta exposición presenta un trabajo que explora cómo la sensación de seguridad y pertenencia puede empoderar a individuos y fortalecer su propia identidad. También examina el umbral entre ficción y no ficción, y entre pasado y presente.
.
Aimée Zito Lema, La superficie de una imagen, CentroCentro Cibeles, Madrid. Del 28 de junio al 15 de septiembre de 2019.
Aimée Zito Lema ha trabajado en este proyecto en torno a la memoria y a cómo determinados procesos revolucionarios y de resistencia resuenan en el presente de una sociedad. Partiendo de material de archivo sobre los distintos movimientos políticos y sociales que resistieron al franquismo en España presenta una instalación site-specific de objetos/esculturas, impresiones gráficas y fotográficas que trabajan sobre la transformación del material fotográfico. La obra de Zito Lema indaga en el modo en que los acontecimientos son recordados y registrados así como en torno al cuerpo como medio de exploración y agente de resistencia. Partiendo de material de archivo, y desde el vídeo, la fotografía, la escultura, el sonido o la performance, crea constelaciones de elementos desde los que re-imaginar y cuestionar el pasado.
.
