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LECTURAS PARA RE (DES)CONECTAR
Redacción
Todavía quedan algunos días para leer. Tal vez estés acabando tus libros de ficción, tal vez prefieras empezar a reconectar sin presiones y deadlines. Para ponerse al día, aquí van algunas novedades editoriales.
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Maura Reilly, Activismo en el mundo del arte, Alianza Forma, septiembre 2019.
«Activismo en el mundo del arte: hacia una ética del comisariado artístico» parte de un principio básico: el mundo del arte como institución jerárquica y hegemónica (integrada por historiadores, museos y salas de exposiciones, mercados de subastas, editoriales, periodistas, críticos y, también, comisarios de exposiciones, etc.) privilegia determinados modos de hacer arte y a ciertos artistas, por lo general blancos y occidentales, a costa de excluir y silenciar el resto de artistas y propuestas creativas procedentes de países y colectivos marginados. Este libro es, al mismo tiempo, un manual de Historia del Arte, relatada a través de las exposiciones más transgresoras y reivindicativas organizadas desde la década de 1970 hasta la actualidad, y un Manifiesto de alcance ético y cultural, formulado con la intención de promover entre todos los agentes implicados, especialmente entre los críticos de arte y los comisarios de exposiciones, un cambio profundo en el mundo del arte que permita y garantice la expresión de la diversidad.
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Articulado en tres bloques –«Una cuestión de valores» (centrado en Benjamin y Adorno), «Nuevas políticas de la mirada» y «Arte sin territorio»–, la propuesta de este libro es hacer un repaso de los enfoques, tanto de los teóricos como de los artistas más relevantes en la actualidad, frente al viejo problema de la relación entre el arte y la política, desde después de la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días, para poder revisar el debate en el contexto de un mundo saturado de imágenes.
No se trata de revisar las prácticas artísticas de los «modernos» desde una mirada política que no tenga que ser forzosamente destructiva, ni de hacer una cartografía del arte de las últimas décadas poniendo sobre la mesa sus posiciones, con sus aciertos y sus contradicciones. Se trata, más bien, de revisar la posibilidad de una mirada política desde el arte hacia nuestro contexto. El arte no es la política, efectivamente, pero quizá sí tiene algo que ver con lo político, quizá todavía tiene algo que decir en ese terreno, sin prisas.
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Carmen Gaitán Salinas, Las artistas del exilio republicano español, Ed. Cátedra, 2019.
Con el estallido de la Guerra Civil española, Latinoamérica se convirtió en el principal refugio de los exiliados que huían del horror que asolaba el país. Entre ellos se hallaban las artistas republicanas españolas y sobre ellas versa este libro. En sus páginas encontramos creadoras como Maruja Mallo, Remedios Varo, Roser Bru o Marta Palau, junto a otras como Elvira Gascón, Manuela Ballester, Victorina Durán o Mary Martín. A través del estudio de las condiciones socioculturales en que las mujeres desarrollaron su actividad artística y las complejidades que estos procesos conllevaron para ellas, este trabajo propone nuevos relatos que enriquezcan los discursos sobre nuestra historia artística reciente y los estudios en torno a la diáspora republicana. Dentro de sus producciones, a menudo fuera de los parámetros impuestos por las bellas artes, se dan cita la ilustración de revistas y libros, el diseño de moda, la decoración y la docencia del arte, pero también el muralismo y la escenografía, la pintura y el grabado. Aunque compartieron la misma causa política, estas artistas tuvieron trayectorias muy diversas que conformaron diferentes maneras de ver el exilio, la familia, el arte y, en definitiva, la vida.
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Mujeres en las artes, Comunidad de Madrid, 2019.
Libro que recoge las ponencias de las Jornadas que sobre las mujeres artistas tuvieron lugar el Salon de Actos de Presidencia en marzo de 2018.
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Great Women Artists, Phaidon, septiembre 2019.
Este libro es el más extenso de mujeres artistas totalmente ilustrado que se haya publicado. Great Women Artists refleja una era en la que el arte hecho por mujeres es más destacado que nunca. En los museos, galerías y el mercado del arte, las mujeres artistas, anteriormente pasadas por alto, ahora están ganando reconocimiento y valor. Con más de 400 artistas de más de 50 países y más de 500 años, cada artista está representada aquí por una obra de arte clave y un texto breve. Este volumen esencial revela una historia del arte paralela pero igualmente atractiva para una época que defiende una mayor diversidad de voces. Los textos han sido realizados por James Cahill, Louisa Elderton, Elizabeth Fullerton, Orit Gat, Ferren Gipson, PL Henderson, Katy Hessel, Catalina Imizcoz, Louisa Lee, Henry Little, Helen Luckett, Kathleen Madden, Henry Martin, Tom Melick, Rebecca Morrill, Yates Norton, Cleo Roberts, Matthew Price, Gabrielle Schwartz, Robert Shane, Mitch Speed, David Trigg, Ellen Mara De Wachter y el ensayo introductorio por Rebeca Morrill.
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Andrea Giunta, Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo, Ed. Siglo XXI, 3ª ed. 2019.
¿Puede el mundo del arte, con sus razones estéticas universales, declararse al margen de las reglas del régimen patriarcal? ¿Está este campo libre de techos de cristal, mansplaining y estereotipos de género?
Nada de eso parece corroborarse cuando se atiende a los números del sistema oficial: las mujeres tienen menos premios, menor presencia en las exhibiciones y ocupan, salvo excepciones, lugares subordinados en las historias del arte. Frente a este escenario, un intenso movimiento de transformación está en marcha. De la mano del activismo feminista y de género, a partir de los años setenta del siglo pasado el arte ofreció herramientas para un imaginario liberador y puso al cuerpo femenino como lugar de expresión privilegiado de una subjetividad en disidencia.
Feminismo y arte latinoamericano presenta un panorama teórico y cuantitativo de la escena femenina en las artes visuales y se detiene en la intervención de artistas que contribuyeron a construir una imaginación emancipadora en América Latina. La obra de la colombiana Clemencia Lucena, de la argentina María Luisa Bemberg, la filmografía de Narcisa Hirsch, la formación del feminismo artístico en México y la producción de Nelbia Romero y de Paz Errázuriz en los contextos dictatoriales de Uruguay y Chile son los hitos de esta historia. Andrea Giunta recorre en estas páginas la emergencia de nuevos temas –la maternidad, el acoso, la prostitución, los cuerpos divergentes– y nuevas formas de representación, que interpelan no sólo las diferencias entre un arte feminista y un arte femenino, sino también las relaciones de poder inscriptas en los modos de ver y mostrar.
Este libro cuenta la historia de una revolución en curso y en ella se propone como una intervención activa desde el conocimiento. Si todavía hoy el universo del arte replica, bajo las formas de la exclusión y la invisibilización, las distintas violencias contra las mujeres, restituir el sentido político del feminismo artístico no significa reponer un conjunto de nombres en un sistema de poder, sino contribuir a la apertura de una comprensión distinta del mundo.
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Flavia Frigeri, Mujeres artistas, Ed. Blume, 2019.
La mujer ha sido durante mucho tiempo tratada por los artistas como objeto de representación, pero su contribución como creadora de arte es poco reconocida. Aunque las mujeres artistas ya no están obligadas a trabajar en el anonimato ni a aceptar seudónimos masculinos, hace relativamente poco, en 1989, las Guerrilla Girls salieron a las calles de Nueva York para preguntarse si las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Metropolitan Museum. En este libro, la autora explora la vida y la obra de más de cincuenta de las más destacadas artistas femeninas de todos los ámbitos desde el siglo xv hasta la actualidad, entre ellas, Artemisia Gentileschi, Georgia O´Keeffe y Louise Bourgeois.
Bauhausmädels. A Tribute to Pioneering Women Artists, Taschen, 2019.
Con motivo del centenario de una escuela de arte y diseño pionera, este libro celebra la fundación de la Bauhaus con un reconocimiento visual a sus figuras más infravaloradas. Aunque la institución proporcionó a las mujeres nuevas oportunidades para formarse, estas se vieron obligadas a lidiar con expectativas familiares poco razonables, la actitud ambigua del cuerpo docente y la Administración, convenciones sociales obsoletas y, en última instancia, la represión política del régimen nazi.
Sin precedentes en la literatura actual, Bauhausmadëls presenta a 87 artistas y artesanas a través de textos y retratos fotográficos, muchos de ellos inéditos hasta ahora. Recientes descubrimientos en los archivos recuperan las biografías de los talentos más conocidos. En la década de 1920, la expresión “chicas de la Bauhaus” mostraba una admiración tácita hacia las mujeres jóvenes y valientes que eludieron los roles de género tradicionales para construir un futuro diferente y creativo. Entre ellas figuran Marianne Brandt, la primera mujer admitida en el programa de metalistería de la Bauhaus cuyos diseños todavía comercializa Alessi; Gertrud Arndt, a quien la universidad intentó disuadir de estudiar arquitectura pero brilló como fotógrafa y diseñadora de alfombras; Lucia Moholy, que tomó fotografías emblemáticas de los edificios de la Bauhaus pero pasó el resto de su vida intentando recuperar los negativos que le fueron ocultados. Además, gracias a este volumen recordamos a otras artistas cuyos nombres, prácticamente olvidados, también representan las primeras luchas por la igualdad de género, mujeres que se negaron a seguir el camino marcado por la sociedad y sus familias.
Con más de 400 retratos fotográficos tomados entre 1919 y 1933, Bauhaus Gals crea una impresión visual de las artistas que formaron parte de la escuela de arte más progresista del siglo XX y, desde ella, contribuyeron a cambiar el mundo del arte, la arquitectura, el diseño e incluso la política. La extensa información biográfica nos desvela la lucha individual de cada artista, su persistencia frente a la adversidad y sus increíbles logros. En este gran álbum familiar le invitamos a descubrir a un grupo de vanguardistas únicas cuyo legado abrió el camino a las artistas de las generaciones futuras.
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Lourdes Cerrillo, Moda y creatividad. La conquista del estilo en la era moderna, 1789-1929, Ed. Nerea, 2019.
Este libro explora un periodo absolutamente innovador y fructífero en el mundo de la moda, que abarca dos fechas de alta significación histórica: el comienzo de la Revolución francesa y el final de los felices años veinte.
Para la moda, este periodo supuso su entrada en la modernidad, avalada por el desarrollo de la confección en serie, la creación de la alta costura y por una solvente capacidad estilística. De manera que, iniciada esta nueva trayectoria, la moda dejará de ser uno de los más suntuosos símbolos de poder y lujo, para pasar a entenderse como certera expresión del “espíritu del tiempo” y como exponente de un capital estético capaz de ampliar el horizonte personal de los individuos.
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Catherine Millet, El arte contemporáneo, Ed. La Marca, 2019.
Objetos inauditos, gestos excéntricos, pero también fotografías, videos y pinturas de factura tradicional: todo eso conforma el arte contemporáneo. Para quien se aventure en el mundo artístico, este libro es entonces un vademécum, una fuente de referencias. Y para el lector curioso, la autora ofrece una serie de observaciones críticas y sugiere temas de reflexión. ¿Desde cuándo el arte “moderno” es “contemporáneo”? ¿Cómo explicar que recorra caminos tan contradictorios? ¿Por qué los artistas han querido transformar el vínculo entre los espectadores y las obras? Y cuando las fronteras que lo separan de la moda, la arquitectura, el documental o incluso los objetos rituales se vuelven borrosas, ¿todavía es posible formular una definición que abarque cabalmente este tipo de arte?
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Txetxu Aguado, Sexualidades disidentes, Ed. Dykinson, 2019.
¿Puede liberarse la sexualidad del puritanismo y la imaginería de la prostitución y la pornografía machistas? ¿Se puede escapar de la disyuntiva entre un placer necesitado de la violentación del cuerpo de alguien y otro saturado de remilgos y normas represoras? ¿Alumbraremos lenguajes sobre el sexo, el placer o el deseo abiertos, sinceros, sin hacerle ascos a lo explícito y buscando la excitación, que además sean críticos con la sexualidad al uso, se hable del sexismo inherente en lo matrimonial, en la prostitución o en la pornografía? ¿Es posible discurrir cuerpos participados de sexualidades alternativas a las conocidas sexistas desde el ámbito de la prostitución y la pornografía? Se mire por donde se mire en la prostitución o en la pornografía habituales solo se encuentran cuerpos deformados, manipulados y torsionados, pervertidos por un mirar cautivado en exclusividad por glándulas y órganos, por volúmenes y tamaños, por aperturas de mayores o menores estrecheces. Y, sin embargo, mientras aquí se es muy crítico con la prostitución y la pornografía como se conocen en la mayoría de sus instantes, se reivindican sus espacios para la exploración, descubrimiento y elaboración de sexualidades no patriarcales, esto es, disidentes por su voluntad de crítica y revulsivo radical de la sexualidad normativa, esa prevalente y hegemónica, naturalizada como normal, al mismo tiempo que profundamente desigual e insatisfactoria.
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Carolina Sanabria, Ofelia fementida. Transescrituras desde la literatura, la pintura, el cine, Laertes, 2019.
El pasaje de la muerte de Ofelia es el eje que articula este libro, que parte de su no escenificación en la escena crucial del drama hasta su recuperación en la pintura del siglo XIX y en las cinematografías y visualidades posteriores. Todo lo anterior conduce al paso de un personaje femenino subsidiario a uno de centralidad creciente, con la complejidad de su estatus iconográfico en narrativas que consuman progresivamente su autonomía. Ofelia fementida analiza la progresiva visualización y constitución visual del personaje literario en adaptaciones fílmicas así como en narrativas independientes a la tragedia shakesperiana con remisiones más o menos mínimas, escamoteadas, diluidas, no siempre tan claras por estar sometidas a una alta, compleja elaboración en otros códigos que contribuyen a desdibujarla más en cada traducción, en cada transescritura que contribuye a su metamorfosis exponencial.
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Rituales cotidianos. Mujeres en acción, Ed. Turner, 2019
Aislarse por completo o celebrar fiestas multitudinarias, recurrir a los estupefacientes o a la vida saludable, renunciar a los hijos o dejar que pululen por el estudio… Los modos de enfrentarse a la creación son innumerables, como refleja el irónico y sagaz testimonio de las protagonistas de este libro.
Pintoras, compositoras, escultoras, científicas, cineastas e intérpretes revelan las pequeñas y grandes decisiones que tuvieron que tomar en su vida cotidiana. Nos muestran cómo han logrado vencer los obstáculos que afronta cualquier artista, pero también los que tenían por el hecho de ser mujeres: la conciliación familiar, la presión social o la intendencia del hogar.
Aparecen, entre otras, Pina Bausch, Nina Simone, Diane Arbus, Louisa May Alcott, Dorothy Parker, Grace Paley, Marlene Dietrich, Susan Sontag, Marie Curie, Virginia Woolf, Emily Dickinson, Patti Smith, Joan Didion…
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Laura Teresa García Morales, Jane Millares Sall. Identidad, género y tricontinentalidad en la ultraperiferia española, Ed. Sílex, 2019.
Descubrir nuevas historias sobre mujeres artistas es un hecho esperanzador, en la tarea de devolver la voz a esas creadoras, cuyo trabajo ha sido silenciado durante décadas. Jane Millares Sall (Las Palmas de Gran Canaria, 1928), es uno de esos ejemplos de fortaleza y talento demostrados a lo largo de más de sesenta años de entregada trayectoria, en los que supo abrirse camino en un entorno convulso y plagado de limitaciones. Su pintura es un reflejo inmediato de sus emociones más profundas, directamente relacionadas con sus experiencias vitales, sus anhelos y la realidad de su tiempo, en una marginada Canarias.
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Rebeca Sanmartín, La mujer lectora, Archivos Vola, 2019.
La mujer lectora se convierte en una figura mítica en el siglo XIX que explica buena parte de las inquietudes y sentimientos de una época. Para entender esta figura, a la que varias obras dan una dimensión quijotesca, este libro aborda la imagen de la mujer escritora, artista y lectora en el siglo XIX occidental, haciendo especial hincapié en la lectora, para, finalmente, descubrir cómo configura este personaje un movimiento artístico-literario que presta mucha importancia al género femenino: el Realismo. En el recorrido que realiza este libro se aportan ejemplos de novelas y pinturas europeas y, especialmente, de escritos de mujeres y novelas españolas.
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Stéphan Mallarmé / Paul Valéry, Berthe Morisot, Archivos Vola, 2019. 
La singularidad de Berthe Morisot (1841-1895) fue vivir su propia pintura y pintar su propia vida, casi como una función natural y necesaria, ligada a su régimen vital, que juega con la observación y la acción, con la voluntad creadora y la luz. Ella cogía, dejaba y volvía a retomar, del mismo modo que una idea nos llega, se nos desvanece o regresa. Y esto confiere a sus obras el encanto muy particular de una relación estrecha, casi indisoluble, entre el ideal del artista y la intimidad de una existencia.
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Anna Beer, Armonías y suaves cantos. Las mujeres olvidadas de la música clásica, Acantilado, 2019.
Desde el nacimiento de la música clásica, las mujeres que se atrevieron a componer fueron tratadas, en el mejor de los casos, con condescendencia: su vida sexual era objeto de escrutinio y a menudo servía para cuestionar su autoría. Sin embargo, las ocho protagonistas de este ensayo —Caccini, Strozzi, Jacquet de la Guerre, Von Martines, Hensel, Schumann, Boulanger y Maconchy— desafiaron las convenciones sociales que trataban de excluirlas del ámbito artístico y, pese a las adversidades, lograron fraguar una obra propia. Desde la Florencia renacentista hasta el Londres de la década de 1940, Anna Beer nos acerca a las extraordinarias vidas y obras de estas compositoras, narra las vicisitudes que experimentaron, explora las circunstancias en las que crearon sus principales piezas y considera los motivos por los que, aún hoy, éstas siguen sin interpretarse. Armonías y suaves cantos es una celebración del talento y la tenacidad de unas creadoras injustamente ignoradas por el canon musical, y un retrato informado e inspirador de unos logros artísticos dignos de nuestro legado cultural.
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Pasión por los insectos. Mujeres pioneras en la entomología, Turner, 2019.
Las aventuras de ilustradoras, viajeras y coleccionistas que contribuyeron al estudio de los insectos. Las vidas de las mujeres que protagonizan este libro son muy diversas, pero todas ellas compartieron una vocación, la entomología.
Desde el siglo XVII algunas han logrado el reconocimiento propio de expertas en la materia, como Maria Sibylla Merian, conocida como la “madre de la entomología”, o Miriam Rothschild, que estudió por primera vez cómo las pulgas logran saltar tanto. Sin embargo, otras han pasado inadvertidas. A pesar de la condescendencia con que fueron tratadas y de las dificultades que se interpusieron en su camino, ellas viajaron, estudiaron, analizaron, coleccionaron e investigaron, colaborando con su curiosidad y su trabajo a ampliar y enriquecer el estudio de la naturaleza.
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Ellas cantan, Ellas hablan, Ed. Sílex, 2019.
Entre Mavis Staples y Jorja Smith hay 58 años de diferencia. Entre medias, un nutrido grupo de mujeres que cantan y hablan. Un total de 101 que toman la palabra de la música y las riendas de sus vidas. 101 entrevistas hechas por Toni Castarnado, con una parte de archivo y otra exclusiva para este libro. Las hay de todas las edades y estilos, de sitios cercanos y otras que habitan en lugares más remotos. Féminas en su mayoría conocidas y alguna más anónima, pero con un denominador común: el relato de una historia interesante. De la sabiduría de Patti Smith a la inocencia de Andrea Motis, del gracejo de Martirio a la electricidad de Courtney Barnett, de la mística de Bedouine a la lucidez de Rocío Márquez, de la naturalidad de Natalia Lafourcade al desparpajo de Leonor Watling, de la salvaje mirada de Juliette Lewis a la independencia de Eva Amaral, de la sonrisa de Macy Gray a la prudencia de Carolina de Juan, del activismo de Rozalén al baile frenético de La Yegros, del coraje de Amanda Palmer a las preguntas de Eva Fernández, del compromiso de Anni B Sweet al patrimonio musical de Rosanne Cash, de las verdades de Sharon Jones a la clarividencia de Sole Giménez, de la sensibilidad de Silvia Pérez Cruz a la brillantez de Brittany Howard, del rock n´roll de Ronnie Spector al arte y la sinceridad de las hijas de Morente, de la valentía de Rosalía a la franqueza de Kristin Hersh, del ritmo inteligente de Neneh Cherry al cruce de culturas de Amparo Sánchez, del dialogo de Christina Rosenvinge al atrevimiento de Tori Amos, de la maternal Marianne Faithfull a la simpatía de Núria Graham, de las islas de Maria del Mar Bonet a la magia de Julia Holter. Lo dicho; ellas cantan, ellas hablan.
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Pilar Aguilar Carrasco, El papel de las mujeres en el cine, Ed. Santillana, 2019.
El libro analiza el papel que el cine ha asignado a la mujer a lo largo de su historia, analiza diversos casos y presenta biografías de mujeres con importantes aportaciones al mundo del cine.
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