INTERSECCIÓN 2019
Redacción
El festival Intersección focaliza su programación en obras creadas por artistas en el cruce del arte contemporáneo y el cine de vanguardia, los cuales manejan tanto códigos estéticos como lenguajes y procesos de creación innovadores. Esta programación se completa con actividades de generación y transferencia de conocimiento, de encuentro y formación profesional, y de diálogo abierto con los diversos públicos, como talleres para adultos y niños, MasterClass de artistas, mesas redondas, presentaciones, conferencias, encuentros con el público, performances o conciertos. El festival tiene lugar en A Coruña y está financiado, entre otros, por la Diputación de A Coruña y la Fundación Luis Seoane, museo que también es su sede.
En la programación de vídeos destaca que, en sus Focos: sobre artistas y videocreación en Galicia, las videocreadoras son protagonistas y por mayoría. De tres Focos sobre artistas, dos están dedicados a Dora García y Salomé Lamas. Lo mismo ocurre en el Foco Galicia con doce propuestas, donde ellas cubren tres cuartas partes del programa.
FOCO GALICIA
Verónica Vicente, Figuras decorativas, 2018. Premiere
Figuras decorativas plantea un acercamiento al cuerpo desde una orientación contemporánea. Verónica Vicente propone convertir el cuerpo literalmente en objeto decorativo. Los límites corporales quedan definidos no como entidades humanas sino como materia propia de los objetos. El resultado es completamente estético, atractivo, el cuerpo se cincela para adaptarse al medio tomando una postura que no le es propia y renunciando a su estado anterior.
Carla Andrade, Transfiguración, 2019. Premiere
Una puesta de sol observada mediante las propias limitaciones de nuestras capacidades cognitivas. Los efectos ópticos revelan fidelidad a la realidad y son, al mismo tiempo, un puente a los procesos alquímicos que se producen durante este encuentro diario con la alteridad radical.
Carla Andrade, Cuando os ollos no bastan, 2019. Premiere
Los textos de la poeta Nieves Neira Roca se fusionan con imágenes del lugar donde crecí, en una huida hacia atrás como respuesta a la imposibilidad de representar una realidad más allá de la propia.
Carme Nogueira, Llamada a la escuela, 2019. Premiere
Llamada a la escuela es un trabajo que deconstruye un pasaje (la visita a la escuela) de Las Hurdes tierra sin pan de Buñuel (1933). Sobre el audio de la versión sonorizada con la voz de Paco Rabal, la autora trabaja poniendo a la luz una serie de materiales de archivo que visibilizan otras realidades coetáneas a la película: la de las clases de dos profesores que trabajaron con metodologías innovadoras en dos pueblos de las Hurdes. Las imágenes de Llamada a la escuela son los materiales resultantes de esta experiencia artística cuya intención es agrandar el espacio de la imaginación y la posibilidad.
Lara y Noa Castro, Correspondencia, 2019. Premiere
Las piezas audiovisuales que componen esta propuesta están planteadas a modo de cartas, en una especie de correspondencia entre Galicia y Rumanía. El empleo específico del medio audiovisual posibilita ese intercambio de información que trasciende a las palabras, las agranda, desplegando un espectro más amplio de significados. Así, nos apropiamos de los códigos de la narración epistolar, buscando que en las cartas la forma se sobreponga a los contenidos y a su cronología, pero que de alguna forma exista una reacción directa o indirecta, causada en algunos casos por el afán de contar, y en otros, por la necesidad de responder.
Alberte Pagán, 6 x 9, 2019. Premiere
75 viejas fotografías encontradas en el mercado de Hietalahti de Helsinki a finales de agosto de 2019 y compradas por 60€. 83 rostros anónimos que nos miran, a veces de reojo, desde hace más de un siglo. Pero los nombres de los y las fotógrafas sí que permanecen perfectamente impresos en los cartones. La falsedad del arte: fotografiamos a una mujer, una familia, para «inmortalizarla». Lo único que se conserva 150 años después es el nombre del estudio fotográfico. No puede haber interpretación de estas vidas congeladas en el papel. Solo su tamaño: 6 x 9 centímetros.
Iria Velázquez, Ensaio, 2019. Premiere
Ensaio, forma parte del proyecto Telos, que comprende y entrelaza distintos campos y disciplinas (fotografía, vídeo, danza, performance). Es un proyecto de investigación artística, que se da en forma de laboratorio, en colaboración con artistas procedentes de diferentes disciplinas. Reflexiona, principalmente, sobre los elementos y conceptos que intervienen en el proceso de generación de una obra.
Cillas Rodríguez, Twins, 2013. Premiere
Twins es una vídeo instalación compuesta por dos proyecciones de vídeo. Ambas proyecciones recogen un único plano-secuencia de un mismo recorrido y poseen la misma duración. Con todo, uno de los vídeos se reproduce más lentamente que el otro. Este trabajo interpreta la paradoja de la relatividad del espacio-tempo.
Teresa Búa, Jeada, 2018
Jeada es una pieza de consciencia lingüística. En ella la artista se acerca a la lengua gallega a través del fenómeno fonético de la gheada, como si se tratase de un retrato de su zona geográfica. La pronunciación de dicho fenómeno se corresponde con el fonema /x/. La forma es automática y repetitiva. La pieza expone una lengua cóctel a la que denominamos “castrapo”, convirtiéndose en un retrato de la situación lingüística gallega, pero realmente ¿cuánto de gallego tiene?
FOCO DORA GARCÍA
Dora García, artista multidisciplinar, posiciona al espectador como elemento clave de sus obras, de forma que este se convierte en parte de aquellas, se vuelve personaje, alterando su percepción, su experiencia, en diferentes grados. Aunque sus trabajos conceptuales se materializan en diversas técnicas y formatos, siempre cuentan con cierta performatividad o al menos, implican algún tipo de interactividad con el espectador o el espacio. En sus piezas todos los detalles están generando diferentes capas de lectura, de forma que para quien mira todo adquiere significación e interés.
Dora García, Segunda vez, 2018
Esta pieza es un trabajo analítico, de observación minuciosa, autoconsciente y autocrítico, que emplea la repetición y la mirada para abrir diversas líneas de pensamiento en torno al arte, a la figura del artista, y todo lo que supone lo performativo y los elementos que lo rodean, desde lo más artístico o conceptual, hasta lo más cotidiano, concreto, político.
Dora García, Heartbeat, 1999
Heartbeat es una obra metafórica que, a pesar de permitir un despliegue diverso de interpretaciones y sensaciones, remite a la alienación individual, a la huida hacia el interior de uno mismo, hacia un lugar profundo y solitario, donde uno se siente en paz hasta que se ve a oscuras. Heartbeat marca el ritmo al que nos perdemos, o tal vez nos encontramos, consciente e inconscientemente.
Dora García, The breathing lesson, 2001
The breathing lesson es impactante y extraña. Tratando la confianza y la dominación, explora los límites de las relaciones interpersonales y del propio autocontrol que, paradójicamente y en ocasiones, depende menos de lo que uno hace, que de lo que uno permite hacer a otros.
Dora García, The glass wall, 2002
The Glass Wall nos planta como voyeurs ante una situación perturbadora, en la que, como ocurría en The breathing lesson, se da una relación de dominación y sumisión, aunque de forma más violenta en su planteamiento, entre una joven y la voz que le da órdenes a través de unos auriculares, que reconocemos como una mujer mayor. La pieza genera una situación demencial en absoluta tranquilidad, donde la voz irracional de la narradora pasa del autoritarismo a la amabilidad de forma manipuladora y cruel, generando poco a poco una serie de cuestiones complejas en torno a las relaciones familiares, de poder, etc.
FOCO SALOMÉ LAMAS
Salomé Lamas es una artista cuya obra no se adscribe a ningún género, sino que se produce en la intersección de muchos como algo personal e independiente, siempre impulsada por un afán innovador y rupturista. Sus piezas, que en muchas ocasiones son enormemente comprometidas, juegan con la narratividad literaria, el texto y el lenguaje, para profundizar en la memoria y la historia de forma crítica e ingeniosa, mezclando irónicamente lo real y lo ficticio.
Salomé Lamas, A Comunidade (La comunidad), 2012
A Comunidade (La Comunidad) es un sencillo corto documental, en el que el camping de caravanas más antiguo de Portugal se muestra como un collage compuesto de imágenes tremendamente pictóricas, testimonios y rutinas, en un tono ligero pero sincero que despierta y alimenta la curiosidad.
Salomé Lamas, Le Boudin, 2014. Premiere
Le boudin presenta un testimonio terrible sobre un hombre que siendo muy joven fue obligado a alistarse en la legión, y todo lo que ello supuso. La historia, que en su mayor parte es contada en primera persona por un actor adolescente, va generando una reflexión en torno a la identidad, la violencia, y la libertad, como un juego teatral en el que la persona no importa y todo queda al servicio del espectáculo de la guerra.
Salomé Lamas, Self Portrait, 2016-2018. Premiere
Esta obra surge durante el conflicto fronterizo que la autora y su equipo tuvieron en 2015 con el KGB durante el rodaje de Extinción, entre Moldavia y Ucrania. La forma en la que se nos presenta la pieza alude de manera visual a la falta de protección y de libertad dentro del territorio, así como a los procesos de censura e incomunicación que acaban forzando el silencio, de la vista y de la mente.
Salomé Lamas, Coup de Grace, 2017
Leonor regresa de un viaje un día en que su padre no la esperaba. Este tejerá una realidad alucinatoria y fantástica, en torno a su propia subjetividad y la de su hija, que no da crédito ante la inesperada situación.
Salomé Lamas, Hangar, metro, terminal, 2016. Premiere
En Hangar, metro, terminal, Lamas abstrae de vez en cuando las formas, creando espacios ambiguos sobre arquitecturas silenciosas, en una suerte de maqueta audiovisual realizada para La Biennale di Venezia – Architettura.
Salomé Lamas, The Raft os the Medusa, 2019. Premiere
Extraction: The Raft of the Medusa es una meditación sobre el rediseño masivo del planeta por parte de la humanidad y un panfleto distópico sobre el Antropoceno. La obra muestra un breve momento de euforia en el que los ocupantes a la deriva en la balsa, esperando y rezando ser rescatados, parecen vislumbrar una posibilidad de salvación. Casi podemos escuchar los gritos roncos a través de los cuales intentan llamar la atención sobre su desesperada situación, reuniendo sus últimas fuerzas ante el vacío. Esta es su última oportunidad de sobrevivir. Extraction: The Raft of the Medusa, se refiere al paradigma colonial, la cosmovisión y las tecnologías que marcan las regiones de alta biodiversidad, para reducir la vida a su conversión en un recurso a través del capitalismo, con un enorme impacto ambiental y social. Es una alegoría de los estados de emergencia en política ambiental, clima y migración, con un propósito ético-político.
Textos: Sara Donoso.
