EXPOSICIONES EN ESPAÑA 2020

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EXPOSICIONES EN ESPAÑA 2020*
Redacción

La pandemia ha alterado las programaciones de museos y centros. Algunas clausuraron antes de tiempo, pero otras han prolongado su duración. Descubre qué ha quedado, y qué podremos ver en otoño.

 

Nadia Lee Cohen, Not a Retrospective, La Pasión, Valladolid. Hasta 8 de noviembre 2020.

Nadia Lee Cohen (Reino Unido, 1990) es una fotógrafa, cineasta y artista de autorretrato inglesa que reside en Los Angeles (EE UU). Es esta la ciudad que más le inspira desde su primer viaje a Estados Unidos en 2014, y consecuencia de su fascinación por la Americana y el suburbio, y la conformista vida en esas zonas residenciales; ambientes que transmiten la idea de la perfección y, por ello, idóneos para hacer una punción directa y trasgredirla. Nadia cuenta historias que suceden tanto en el interior de esas casas en las que los protagonistas femeninos combaten ese sofocante conformismo con el escapismo sexual, como en los exteriores, donde los rótulos y luminosos de las grandes marcas de consumo que dominan las escenas junto a guiños al mundo pop alimentan las referencias culturales de la narración.

 

 

 

 

Feminismo mágico. Una conexión con el pasado, Red Itiner Centros de la Comunidad de Madrid. Del 6 de febrero al 17 de diciembre de 2020.

Este proyecto expositivo nace de la acción artística online “Tal día como hoy”, un proyecto personal de la artista Diana Larrea (Madrid, 1972) que consiste en publicar periódicamente en las redes sociales las biografías y obras de mujeres artistas históricas. Con esta acción se revaloriza y reivindica el trabajo de cientos de mujeres que ha sido ignorado o relegado a una posición marginal dentro de la historia del arte. Se trata de una revisión histórica enfocada en la recuperación del trabajo artístico de las mujeres que ha sido desestimado y minimizado por el discurso hegemónico androcéntrico. A partir de esta acción, Diana Larrea ha logrado acumular un archivo de 450 artistas visuales que está recogido en la web www.taldiacomohoy.es para consulta de cualquier interesado. Como si hubiera nacido un nuevo movimiento artístico, la exposición “Feminismo mágico” refleja el descubrimiento de este imaginario artístico femenino colectivo que se nos había ocultado hasta ahora y ha sido revelado hace poco. Larrea ha invitado a artistas actuales de su misma generación a mostrar obras inspiradas en estos nuevos referentes femeninos. Las artistas Paula Noya, María Gimeno, María María Acha-Kustcher, Elena González Torres, Marina Vargas, Aurora Duque y la propia Diana Larrea, presentan una serie de trabajos de pintura, fotografía, dibujo, collage, objetos escultóricos y vídeo. El propósito común consiste en manifestar una vinculación y una conexión especial con las creadoras del pasado, para visibilizar su relevancia dentro de la historia del arte y que puedan ser apreciadas por el público como figuras artísticas clave e imprescindibles al mismo nivel que sus compañeros masculinos.

 

 

Gema Intxausti, Entre la multitud, observando el resto, Artium, Vitoria. Del 7 de febrero al 15 de noviembre de 2020.

La producción de Gema Intxausti (Gernika-Lumo, 1966) está vinculada con los nuevos lenguajes de la escultura que desarrollan en el País Vasco en los noventa. Es a finales de esta década cuando Intxausti comienza a interesarse de manera continuada por el uso del texto, el dibujo y la fotografía, lo que le lleva a desplazarse al Reino Unido, donde cursa estudios de cine y vídeo. A este período corresponde la serie de trabajos que realiza usando los fotomatones localizados en espacios públicos de ciudades como Bilbao y Londres. La adopción de esta tecnología, que determina estrictos límites de movimiento y tiempo, produce una serie de narrativas construidas a través de un número limitado de imágenes, en las que son habituales los guiños a las historias del cine y el arte. En este sentido, es frecuente encontrar en sus obras citas y apropiaciones recurrentes que desplazan el sentido narrativo de los materiales originales hacia espacios en los que se alteran y multiplican las interpretaciones posibles de texto e imagen, evidenciando el carácter político de todo lenguaje. Operaciones sugerentes en las que la fragmentación, la repetición o la omisión se presentan como estrategias clave en la construcción de sus piezas. Comisariado: Xabier Arakistain y Beatriz Herráez.

 

Hemen dira hutsunean igeri egindakoak. Tururu, Artium, Vitoria. Desde el 7 de febrero de 2020.

Esta investigación parte del estudio del movimiento feminista entre mediados de la década de los setenta y los años noventa, y sus vinculaciones con la obra de las artistas del periodo. Se trata de un esfuerzo por recoger, escribir y visibilizar otras historias que provienen de los márgenes, nombres, ideas, conexiones, coincidencias, colaboraciones, influencias y demás elementos que, a consecuencia de haberse mantenido en la penumbra, no han aparecido en ninguna historiografía oficial.

Comisariado: Garazi Ansa.

 

 

 

Disidencias, IACC Pablo Serrrano, Zaragoza. Del 19 de febrero al 25 de octubre de 2020.

Se trata de la I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por Mujeres, organizada por la Plataforma de Mujeres en el Arte Contemporáneo (PMAC). La exposición se plantea desde la multidisciplinariedad artística, incluyendo pintura, instalación, collage, fotografía, videoarte, performance, etc. La Muestra cuenta con la participación de 32 artistas, de las que la mayor parte llevan a cabo su trabajo artístico en el panorama estatal e internacional. El recorrido de la exposición sigue un eje que «vertebra las diferentes propuestas artísticas, respetando su diversidad creativa y conceptual. Este eje es la elaboración de discursos disidentes, que cuestionan la conceptualización del arte contemporáneo que proponen la ‘Academia’ y las instituciones museísticas. En este sentido, el discurso plantea tres itinerarios: propuestas realizadas desde las disidencias individuales; propuestas realizadas desde las disidencias artivistas; propuestas realizadas desde las disidencias fronterizas», comentan desde la organización de esta muestra. Disidencias individuales: «Discursos, desde planteamientos estéticos personales, para analizar los diálogos y confrontaciones que establecen las mujeres y sujetos de identidades no hegemónicas respecto a los grupos sociales en los que se hayan inmersas». Artistas: Disidencias individuales: Rocío Agudo, Judit Castillo, Charo Costa, Chikita, Mónica Machín, Ana Orcal, Sylvia Pennings, Sarah Shackleton, Alicia Vela, Prado R. Vielsa. Disidencias artivistas: «Discursos críticos desde los movimientos y producciones teóricas transfeministas y queer, reflexionando sobre las normas binarias que naturalizan sexo y género. Estas propuestas se distancian de ideas, doctrinas, creencias y esquemas socioculturales establecidos, cuestionando discursos estéticos patriarcales, que legitiman y promueven las violencias machistas». Artistas: Silvia Ariño, Paloma Marina, Nora Monge Blesa, Raquel Planas, Beatriz Plaza, Andre Plube, María Romero Alves, Paloma Sánchez Michavila, Lorena Sanz, Dune Solanot, Myriam Thorn (la Thorn). Disidencias fronterizas: «Discursos que nos acercan al ‘art brut’ y a la teoría crip a través de obras creadas por mujeres con diversidad funcional». Las artistas forman parte del Taller-proyecto de artes plásticas ‘Andar de Nones’, impulsado por la Asociación TEAdir-Aragón. Dicho taller promueve la igualdad de oportunidades desde la crítica al capacitismo y ofrece un espacio de creación artística en el que las artistas puedan trabajar con autonomía y desarrollar su talento creativo. Artistas: Nuria Asenjo Larrosa, Lea Clara Ballarín, Zoé Baudouin, Siryne Belaide, Sandra Buisán Gracia, Lucile Notin-Bourdeau, Patricia, M.ª Pilar Rey Martín, Silvia Roche Pastora, Elena Vaiana, Laetitia Vanacker.

 

 

Carmen Laffón, La sal, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 22 de febrero al 30 de agosto de 2020. Itinerancia posterior en CAAC, Sevilla.

Concebida y realizada junto al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, la exposición La sal de Carmen Laffón (Sevilla, 1934) reunirá una docena de obras de gran formato realizadas por la artista en fechas recientes. Laffón, una de las pintoras más importantes activas desde la segunda mitad del siglo pasado, trabaja en los ámbitos de la pintura y la escultura. Las obras reunidas en esta exposición ofrecen una mirada atenta a las salinas de Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), de ahí su título. La muestra presenta también un importante conjunto de bajorrelieves en torno al mismo motivo realizados en fechas recientes.

 

Eva Lootz, El reverso de los monumentos y la agonía de las lenguas, Museo Patio Herreriano / Museo de Escultura, Valladolid. Del 22 de febrero al 8 de noviembre de 2020.

Este proyecto específico de Eva Lootz para la Capilla de los Condes de Fuensaldaña y la sala 9 del museo contiene un elenco notable de posibilidades discursivas, narrativas y formales vinculadas al concepto de progreso y a sus derivas históricas, una lectura que arroja tantas luces como sombras, toda vez que Lootz pone de manifiesto que el avance de las civilizaciones se encuentra inextricablemente ligado a cierta noción de trauma. Del mismo modo, al elenco discursivo y formal se une un programa de modalidades expositivas que reúnen lo específico y lo retrospectivo, pues a las piezas pensadas para el espacio se une la voluntad del museo de reunir algunas de las piezas emblemáticas de la artista, sus lenguas, realizadas en un amplio abanico de materiales, entre las que se encuentra la perteneciente a la Colección Arte Contemporáneo, que tiene su sede en este museo. La invitación que ha cursado el Museo Patio Herreriano a Eva Lootz parte de un interés por mostrar el trabajo de una de las artistas más relevantes su generación que pasa por ser, además, una de las mejor representadas en la colección.

 

Charo Carrera, Si tu, si yo, intervención anual 2020 en Escalera de acceso a la Colección. Centre Pompidou, Málaga. Desde 22 de febrero.

Sobre un entramado pictórico, simbolizando una estructura vital y con sentido ascendente, cuando bajamos las escaleras, y descendente, cuando las subimos, Charo Carrera plantea la posibilidad de cambio a través de frases rotuladas a mano y compuestas de verbos en un mismo tiempo: el condicional imperfecto de subjuntivo. Si yo fuera o fuese, si tú supieras o supieses,… hace hincapié en la posibilidad de cambio, en el deseo de cambio, en lo que podría ocurrir si sucediera tal cosa. ¿Qué pasaría si yo pudiera cambiar, si tú desearas cambiar? La intervención es un alegato al cambio urgente de una sociedad equivocada y amenazada. Somos el problema y somos la solución.

 

Hao Jingban, Opus One, Matadero, Madrid. Del 25 de febrero al 1 de noviembre de 2020.

Profundidad de campo, el programa dedicado a la muestra y estudio de las prácticas audiovisuales de Matadero Madrid, cuenta con una nueva entrega. En esta ocasión, se exhibirá en la Nave 0 la obra audiovisual de Hao Jingban, ganadora del Premio de Producción de Vídeo Arte Fundación Hans Nefkens – ARCOmadrid 2019. Hao Jingban fue elegida como ganadora de este prestigioso galardón, que consiste en la producción de un trabajo de vídeo arte, por la fuerza estética y la capacidad de autorreflexión crítica de su obra, que resulta estéticamente impecable y proyectada hacia la práctica a largo plazo. En línea con el tema central de ARCOmadrid 2020 «Es solo cuestión de tiempo», desde el que se observarán prácticas artísticas a partir de la obra de Félix Gonzáles-Torres, Hao Jingban ha producido Opus One, una obra que toma como referencia el título simbólico de la obra de Gonzáles-Torres Perfect Lovers. Con esta obra, que podrá visitarse en la Nave 0 de Matadero Madrid, la artista está llamada a continuar la reflexión sobre los temas vitales del amor, la vida y el tiempo. Opus One es una videoinstalación de dos canales, que entrelaza dos puntos aparentemente distintos en tiempo y espacio, en la historia de la música y su movimiento. El primer punto de partida es Harlem, Nueva York, en los años 1930, cuando los diferentes estilos de baile de swing como Lindy Hop o The Charleston, se volvieron tremendamente populares conforme la gente se interesó en el baile, después de la Gran Depresión. El siguiente punto, tiene como protagonistas a una joven pareja china en el Beijing actual, en la búsqueda del así llamado “jazz auténtico”, coreografiando una serie de bailes, mientras exploran referencias de tópicos de bailes callejeros, que se pueden encontrar en TikTok, la popular plataforma digital china. En diálogo con Opus One, una obra anterior de esta artista completará esta exposición: From South Lake Park to Red Flag Street (2018) es una videoinstalación de dos canales que aborda el pasado del Nordeste de China, un término geográfico conformado por tres provincias que comparten una cultura y un dialecto común. Allí se sitúa la Asociación de cine Manchukuo, un lugar que actuó como altavoz propagandístico desde 1937 hasta el final de la Segunda guerra Mundial y escenario central de esta obra donde Jingban llevó a cabo varias entrevistas, tanto a trabajadores chinos como japoneses, con la intención de dar voz a las complicadas relaciones que históricamente existen entre estos dos países.

 

Lygia Clark, Pintura como campo experimental, 1948-1958, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 6 de marzo al 25 de octubre de 2020.

Una visión fundamental de la importante figura de vanguardia brasileña Lygia Clark en su primera década de producción. Entre 1948 y 1958 la artista experimenta con pinturas que oscilan entre la figuración y la abstracción, y que articularán el lenguaje visual de su futura e innovadora obra de arte. Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães.

 

 

Julia Galán, Un grito a voces, MUVIM, Valencia. Del 8 de marzo al 8 de noviembre de 2020.

Como cada 8 de marzo, con motivo del Día Internacional de la Mujer, el MuVIM quiere destacar el trabajo de mujeres artistas, exponiendo obra creada ex profeso para el Vitral del museo, como es el caso del artista Julia Galán, que dice «sí» a reivindicar los derechos y la dignidad de las mujeres y dice «no» a las normas y los roles socialmente impuestos por el simple hecho de ser mujer.

 

 

Maribel Domènech, Acciones cotidianas, Centre del Carme Cultura Contemporània, Valencia. Del (13 de marzo) 15 de junio al 11 de octubre de 2020.

El trabajo de Maribel Domènech gira en torno a la reflexión de la vida cotidiana: donde se entrecruzan lo íntimo y lo social en narraciones visuales, emocionales y performativas, que expresan el compromiso con la experiencia vivida y reclaman la participación de sus destinatarios, a través de esculturas, instalaciones, fotografías, vídeos y proyectos colaborativos. Esta exposición muestra su escultura en hierro en la década de los ochenta, cuando su objetivo es ya narrar la vida cotidiana. Comprende su etapa posminimal, en la que predominan piezas de aluminio y ambientes lumínicos con los que explora una narratividad emocional ligada al habitar. Espacios desde los que proyecta las primeras instalaciones y piezas translúcidas blandas dirigidas a mostrar experiencias de vulnerabilidad, que derivan en la creación de indumentarias interactivas con evidente perspectiva de género. Desde mediados de los noventa, Maribel Domènech utiliza cables eléctricos conductores de comunicación para crear figuras y palabras empoderantes que explicitan su posición feminista, en instalaciones contra la violencia de género y de resistencia ante los embates de la vida. El eje longitudinal de la exposición está protagonizado por piezas de resonancia autobiográfica que subrayan la reflexión sobre el transcurso vital y el compromiso arraigado en la experiencia, enfatizando la coherencia de toda su trayectoria inscrita en la reflexión sobre la vida cotidiana. Comisaria: Rocío de la Villa.

 

Inma Femenía, Bombas Gens, Valencia. Del (13 de marzo) 23 de junio al 17 de enero de 2021.

La artista plantea un cuidadoso estudio del espacio que parte de sus piezas más recientes y de las obras de la serie In Tension (2016), pertenecientes a la colección Per Amor a l’Art. Inma Femenía (Pego, 1985) desarrollará distintas instalaciones y obras ex profeso que analizarán la percepción de la luz, el contraste y la tensión entre materiales diversos y su relación con la arquitectura donde se instala.

 

Susan Sontag. Sobre la fotografía, La Virreina, Barcelona. Del 14 de marzo al 4 de octubre de 2020.

Esta muestra parte de la hipótesis según la cual «Sobre la fotografía», el emblemático libro que Susan Sontag publicó en 1977, puede ser explorado como un ejercicio curatorial. O, al menos, que la autora elaboró su ensayo siguiendo una metodología próxima a los usos digitales de las imágenes, sin la pretensión de construir otro nuevo «museo imaginario». En 1977 Susan Sontag publica, bajo el título Sobre la fotografía, una recopilación de textos escritos entre 1971 y 1977 para la mítica revista The New York Review of Books. Inmediatamente el libro adquiere una gran notoriedad, convirtiéndose en un verdadero manifiesto de combate: a finales del «siglo de la imagen» –según se denominaba al siglo XX– empieza a imponerse una literatura visual que enlaza divulgación y sofisticación, y que replica tanto a los corsés teóricos de la época como a las narraciones historicistas.

 

 

Nalini Malani, No me oyes, Fundación Joan Miró, Barcelona. Del (20 de marzo) al 29 de noviembre de 2020.

La artista india Nalini Malani (Karachi, 1946), galardonada con el Premio Joan Miró 2019, presenta una selección de obras de toda su trayectoria artística, marcada por el pensamiento feminista y la denuncia y condena de la violencia. Las obras de Malani evocan la vulnerabilidad y la precariedad de la existencia humana con una iconografía personal que bebe de mitologías antiguas y universales. La justicia social, feminista y ecológica constituye el corazón de su trabajo artístico y toma forma en la exposición con un conjunto de instalaciones inmersivas de gran formato –proyecciones de películas y animaciones, sombras chinas y paneles pintados–. La artista también ha creado un mural y una performance específicamente para la Fundació Joan Miró. El título, No me oyes, interpela directamente al patriarcado, un interlocutor que, para Nalini Malani, se muestra indiferente e insensible a las demandas justas de las personas vulnerables, en especial de las mujeres.

Comisaria: Martina Millà.

 

 

 

Celia Eslava, Develare, Museo de Navarra. Del 19 de junio 2020 al 14 de marzo de 2021.

Celia Eslava ha explorado a lo largo de su trayectoria cuestiones relativas a la corporalidad y la naturaleza, desde una perspectiva autobiográfica, estrechamente ligada a la condición de lo femenino y la construcción de la propia imagen y la identidad como mujer. El tejido y la cerámica, la esencialidad de la materia y los ritmos y los procesos que le son propios son inseparables de esta búsqueda.

En esta exposición la artista mantiene los intereses y materiales de su trayectoria, pero en un espacio, la capilla del Museo de Navarra, que por primera vez excede el alcance de su cuerpo y provoca su deseo de ir más allá. Ese «más allá», lo inaccesible, aquello que, para ser descubierto, debe primero permanecer velado, da título a la exposición.

 

Pauline Oliveros, C3A, Córdoba. Del (25 de junio) al 13 de enero de 2021.

El C3A presenta la primera muestra retrospectiva de la compositora Pauline Oliveros (Houston, 1932-2016). Pauline Oliveros es una pionera de la música electrónica y creadora del concepto de Escucha Profunda. En los años 60 participa en la fundación del San Francisco Tape Center, del que será primera directora tras su integración en Mills College. Su trabajo en el ámbito de la improvisación, la meditación, la performance, la música electrónica y su labor como académica, editora y activista, desborda cualquier intento de clasificación. Su investigación en torno a la escucha y el sonido, culmina con la creación de la Deep Listening Band y la fundación del Deep Listening Institute. Pauline Oliveros colabora con muchos de los grandes músicos, coreógrafos y artistas de su época, entre los que están Steve Reich, John Cage, David Tudor, Merce Cunningham, Elaine Summers, Alison Knowles, Allan Kaprow, Paula Josa-Jones, Deborah Hay, Susan Marshall e IONE. La muestra incluye una selección de documentos inéditos, fotografías, grabaciones y audiovisuales mediante los que se recorre la trayectoria creativa de esta compositora.

 

 

Elisa Terroba, Tejer los referentes, Fundación Laxeiro, Vigo. Del 17 de julio al 4 de octubre 2020.

Tejer los referentes se propone como un ejercicio de post producción con el que la artista busca desmontar, disolver y fragmentar el libro para volverlo a montar de forma diferente, deconstruyendo y pervirtiendo sus estructuras, construyendo un nuevo orden matemático e incidiendo en la realidad híbrida que el libro vive en la actualidad y en la modificación de su lenguaje en la sociedad digital.

Comisariada por Yaiza González y Pedro Gallego de Lerma.

 

Gülsün Karamustafa, IVAM, Valencia. Del 23 de julio al 18 de octubre 2020.

Esta es la primera gran muestra de la obra de Gülsün Karamustafa (Ankara, 1946) en España. Se trata de una gran oportunidad para conocer el trabajo de la artista turca viva más internacional y una de las voces más singulares del mundo del arte contemporáneo.

Difícilmente se puede entender su trabajo sin tener en cuenta lo que representa la ciudad de Estambul tanto en su vida personal como en su labor profesional. Estambul, tanto para Turquía como para el resto del mundo, es mucho más que una gran ciudad. Situada en el cruce de caminos entre Asia y Europa, entre el Este y el Oeste, podemos decir que Estambul es casi un mundo en sí misma.

Históricamente Estambul ha sido una ciudad cosmopolita con una gran riqueza étnica, cultural y confesional; un geográfico melting pot que la convierte en la verdadera antítesis de la cultura homogénea. La convivencia y los intercambios entre muy diferentes comunidades han sido una sólida garantía de su riqueza cultural.

Por ello, la obra de Gülsün Karamustafa asienta sus sólidas raíces en su cultura y su gente, al tiempo que se proyecta alrededor del mundo, lo que incide en que sea una artista implicada y comprometida con su tiempo, que se interesa por ampliar conceptos, materiales, ideas y espacios artísticos. Una artista que se sitúa a caballo entre dos mundos (que a menudo se han dado la espalda), para aportarnos lo mejor de cada uno. Una artista fundamental para entender que ya no se puede plantear la existencia humana basada en un mundo de opuestos irreconciliables.

 

 

Concha Jerez, Que nos roban la memoria, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 29 de julio al 11 de enero de 2021.

La artista Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941), ganadora del Premio Velázquez de artes plásticas 2017, presenta esta retrospectiva comisariada por Joao Fernandes, que tiene como eje principal el tema de la Memoria, y que exhibe sus trabajos desde los años setenta a la actualidad a través de objetos, dibujos a partir de noticias de prensa, escritos ilegibles y vídeos. La guerra civil y su represión posterior, la censura en la época de la transición, la reivindicación de los seres olvidados y anónimos –mujeres, emigrantes– o la relación entre la memoria y su represión, son algunos de los asuntos tratados en cuatro instalaciones que ocuparán otras tantas escaleras del antiguo Hospital, hoy reconvertido en Museo, y dialogan con su espacio y con su historia. Es la primera vez que una exposición utiliza esos cuatro espacios singulares y de gran belleza.

 

La Ribot, Manual de uso, CGAC, Santiago de Compostela. Del 18 de septiembre al 13 de diciembre.

Manual de uso es una exposición de La Ribot (Madrid, 1962) en la que se muestra un recorrido por sus trabajos de los últimos veinte años. Las obras que integran la exposición están, como todo su trabajo, en unión compacta de la danza con las artes visuales. Para una artista que se mueve entre ambos mundos, entre teatros, auditorios, salas de exposiciones, museos e incluso ferias de arte, muchas de sus creaciones han sido concebidas en estas oportunidades que tiene para poder abordar diferentes trabajos en los que uno de los condicionantes principales es la temporalidad, una cuestión que será tratada en este proyecto en el CGAC, en el que podremos ver en directo la Pièce distinguée nº 45, además de algunas de sus obras en vídeo, instalaciones y fotografías.

Desde principios de los noventa comienza a trabajar en la construcción de una obra distinta en la que empieza a desarrollar las Piezas distinguidas: solos de corta duración que iría acumulando en series/espectáculos desde 1993 y que juegan con los límites entre disciplinas artísticas. Algunos de estos trabajos llegaron incluso a ser adquiridos por coleccionistas, planteando cuestiones sobre lo efímero, lo inmaterial y el mercado del arte.

Sus coreografías tienen una duración que va desde apenas treinta segundos hasta las seis horas de Laughing Hole, una performance que tras su estreno en la feria Art Basel en 2006, pudo verse en Galicia en el MARCO de Vigo y continúa representándose por todo el mundo, como muchas otras de sus creaciones.

 

 

 

Anna-Eva Bergmann, Palacio de Velázquez, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 22 de octubre de 2020 al 4 de abril 2021.

La artista noruega Anna-Eva Bergman (1909-1987) consideraba el ritmo como elemento estructural de la pintura, un ritmo que surgió del empleo de determinadas materias –hojas de metal, pan de oro, plata o cobre–, formas, líneas y colores. En sus inicios, su obra estuvo marcada por la influencia de los artistas alemanes de la Nueva Objetividad pero, a partir de la década de 1950, experimentó un giro radical cuando se dedicó a la abstracción pictórica, construyendo un universo singular en torno a la línea y el ritmo. El paisaje se convirtió entonces en la referencia esencial de su obra: motivos naturales, mitología escandinava –planetas, montañas, barcas, fiordos– o la luz nórdica. Su relación con España se inició en 1933, cuando se instaló durante un año en Menorca junto a su pareja, Hans Hartung. En 1962 realizó un viaje a Almería que marcaría su obra de manera determinante; allí comenzó a crear sus primeros horizontes, motivo que retomará al volver a pintar los paisajes noruegos. Este vínculo entre Noruega y España –norte y sur– desembocó en una formalidad semejante, aunque de tonalidades muy diferentes, entre ambos paisajes. Las piedras son otro elemento recurrente en Bergman, que surgen a principios de la década de 1970 después de haber viajado por España y Portugal, como se muestra en su serie Pierres de Castille [Piedras de Castilla, 1970]. En sus viajes, la artista realizó un gran número de fotografías que utilizaba como rastro, memoria o recuerdo, de este modo pintaba sus paisajes a partir de la distancia entre la pintura y lo percibido, transformado por el paso del tiempo. 

 

DES/ORDEN MORAL. Arte y sexualidad en la Europa de entreguerras. IVAM, Valencia. Del 22 de octubre de 2020 al 21 de marzo 2021.

 

 

Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931), Museo del Prado, Madrid. Desde 5 de octubre.

Esta exposición, realizada primordialmente con fondos del propio Museo del Prado, aborda el papel de la mujer en el sistema español de arte en el siglo XIX y los primeros años del siglo XX. A través de un recorrido estructurado en dos grandes ámbitos, permite, en primera instancia, reconocer la imagen de la mujer que el Estado legitimó mediante premios, exposiciones y museos, así como el lugar que ocupaba en la sociedad. Y a continuación, y gracias a la exhibición de algunas de las obras de artes plásticas más importantes producidas por mujeres en la centuria antepasada en España –ordenadas en ámbitos que analizan las distintas dedicaciones que estas desempeñaron–, ofrece un mapa básico sobre el papel subsidiario que el sistema concedió a las mujeres. La exposición también muestra el camino, a veces épico, que algunas mujeres debieron recorrer hasta librarse de las ataduras impuestas a su género.

 

Julia Spínola, Vis, Fundación Joan Miró, Barcelona. Del 24 de septiembre al 8 de noviembre 2020.

Las esculturas de Spínola invitan a revisar algunas de las certezas que rigen el campo de la experiencia, a la vez que proponen una articulación particular de los espacios en los que se insertan. En su trabajo de investigación más reciente, Spínola nos confronta con las trampas que nos pone nuestra percepción. Ante los gestos replicados o los espacios que se duplican, nuestros sentidos pueden anular la condición sólida de los cuerpos y presentarnos los objetos atomizados y enrarecidos o como el resultado de un movimiento petrificado.

 

 

Fina Miralles, Soy todas las que he sido, MACBA, Barcelona. Desde 5 de noviembre al 5 de abril 2021.

Fina Miralles (Sabadell, 1950) es una de las artistas más significativas del Estado español desde los años setenta hasta la actualidad. Su obra surge en el contexto dictatorial del general Franco, en un entorno hostil, limitador y castrador, en el que la censura controlaba cualquier forma de expresión bajo imposiciones morales, determinadas por el enorme poder de la Iglesia católica auspiciada por el régimen. El trabajo de Fina Miralles rompe con las propuestas academicistas que se enseñaban en las escuelas de arte de la época y con las formas de comportamiento establecidas. Su práctica reconfigura el concepto de lo artístico, dentro de esa multiplicidad de actitudes que desdibujan lo que la historiografía tradicional había englobado bajo el epígrafe de arte conceptual. La historia del arte ha adscrito la producción de Miralles al conceptual, al land art o incluso al feminismo, sin atender a la amplitud y complejidad de sus propuestas, que desbordan los límites de esas etiquetas. Quizás por este motivo su obra es tan poco conocida en el ámbito internacional. Este proyecto es un recorrido amplio por una trayectoria de enorme trascendencia. Comisaria: Teresa Grandas..

 

Azucena Vieites, Playing across papers, Sala Alcalá 31, Madrid. Desde 26 de noviembre al 17 de enero 2021.

Se trata de una reflexión sobre las jerarquías del dibujo convencional, articulada mediante un montaje expandido, con el fin de componer distintos conjuntos fragmentarios y construir diversas repeticiones rítmicas y aleatorias.

 

 

Lee Krasner, Color vivo, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 18 de septiembre al 10 de enero 2020.

Lee Krasner es una de las figuras más destacadas del Expresionismo Abstracto, aunque su trascendencia se vio eclipsada durante mucho tiempo por su relación con Jackson Pollock. Esta exposición, la primera gran retrospectiva en Europa dedicada a su trayectoria, mostrará de manera íntegra su obra y su vida, a través de sus más importantes pinturas, collages y dibujos. Exposición organizada por Barbican Centre, Londres en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao.

 

 

 

Isabel Baquedano, De la belleza y lo sagrado, Museo Universidad de Navarra, Pamplona. Sin fecha.

La exposición De la belleza y lo sagrado, coproducida en colaboración entre el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo Universidad de Navarra y el Museo de Navarra supone la primera retrospectiva de la pintora navarra Isabel Baquedano (Mendavia, 1929 – Madrid, 2018), una de las artistas más personales de la pintura española de la segunda mitad del siglo XX. Figura preeminente de la conocida como Escuela de Pamplona, y profesora de pintura de la Escuela de Artes y Oficios de dicha ciudad, Baquedano fue maestra de gran parte de los pintores navarros contemporáneos. Partiendo de una estética realista, la artista fue evolucionando en su trabajo embebiéndose de las diferentes corrientes vigentes en su tiempo, dentro de su interés general por la Historia del Arte, pero interpretándolas de manera personal, siempre movida por su voluntad de aprender y disfrutar del proceso pictórico más que del resultado final, sin importarle ni el reconocimiento ni la fama. Su obra abarca una temática diversa, desde los temas con un claro componente social de sus primeras épocas, a los vinculados con el mundo clásico o la historia sagrada de su etapa final, pasando por otros vinculados con la estética simbólica, los paisajes urbanos o su entorno cotidiano.

 

Alicia Framis, Sisters hoop, CAAM – Sala San Antonio Abad, Las Palmas. Sin fecha

 

Ellen Gallagher, Centro Botín, Santander. Sin fecha

La primera exposición individual de Gallagher (Providence, Rhode Island, EEUU, 1965) en nuestro país supone una retrospectiva que abarca dos décadas de producción, desarrollada en diferentes soportes. Así, se mostrarán diversas pinturas y obras sobre papel seleccionadas de tres de sus series: Black Paintings / Pinturas negras, serie de obras monocromas producidas en 1998 mediante las que la artista intenta transmitir que la psicosis de las relaciones raciales está profundamente enraizada en la historia de la abstracción occidental; Watery Ecstatic / Extático acuoso, serie de obras sobre papel iniciada en 2001 y todavía en proceso, en las que Gallagher se inventa unas complejas formas biomórficas que relaciona con Drexciya, un legendario reino submarino habitado por las mujeres africanas embarazadas y sus hijos, que fueron arrojados por la borda durante el comercio del tráfico trasatlántico; y Sea Bed / Fondo marino, serie pictórica reciente que repasa temáticas relativas al tráfico de esclavos y la memoria que la migración forzosa ha dejado en el océano. La muestra se completa con un conjunto de instalaciones fílmicas en las que lleva tiempo trabajando junto al artista holandés Edgar Cleijne.

 

Ana Laura Aláez, Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío, Azkuna Zentroa, Bilbao. Sin fecha.

Hablar de la obra de Ana Laura Aláez es adentrarse en el paraíso artificial de las apariencias. Un mundo donde los cánones son invertidos, las identidades son poliédricas y la ambigüedad es un valor. La obra que viene realizando desde principios de los noventa se basa en una mirada que pone de relieve el lado hedonista de la vida, a partir de una estetización de diferentes comportamientos humanos y sociales en el marco de la cultura contemporánea. En un contexto como el vasco, donde el arte tiene una fuerte impronta de la tradición escultórica heredada por Oteiza, Ana Laura siempre ha reivindicado la diferencia como belleza. Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío reúne algunos de los últimos trabajos de Ana Laura Aláez en diálogo con otros del inicio de su trayectoria. La exposición se propone como un giro al origen, ir al punto de partida para trabajar entre las fisuras de los temas que han acompañado su trabajo en los últimos veinte años: el cuerpo como peana, la peana como escultura, la escultura como canción, la noche como material, la identidad como conflicto, la impostura como posibilidad. La idea es indagar en la búsqueda de representarse como lenguaje, eje de su trabajo en todo este tiempo. En esta ocasión, el proyecto busca hablar desde un lugar elusivo, evitando las alusiones directas, un espacio ruidoso que no tiene que ver tanto con el sonido como con una rebelión calmada. Como traslada entre líneas el título de la exposición, título a su vez de uno de sus trabajos menos conocidos, un lugar contundente y evanescente a la vez.

Comisaria: Bea Espejo.

 

 

Alejandría Cinque, BilbaoArte, Bilbao. Sin fecha

 

 

 

Paula Bonet, Pintas como un hombre, La Nau, Valencia. Del 16 de septiembre al 19 de noviembre de 2020. Fechas a revisar.

Paula Bonet aborda esta exposición a base de obra original y única, como es ella. Pintura, grabado y lápiz le servirán para llenar la Sala Estudi Acadèmia de lo que hasta ahora no se ha hablado porque no tenía nombre, y quizá por eso, cuando Paula Bonet lo ha hecho, no se le ha entendido. Con su primer libro Qué hacer cuando en la pantalla aparece The End ya daba pistas sobre el timo del amor romántico en el que se nos educa a las mujeres. Con alguna de sus ilustraciones más reproducidas, como Yogurito, ya planteaba el derecho de las mujeres a tener la misma libertad sexual que los hombres y a no ser juzgadas por ello. Con La sed dio el manotazo definitivo en la mesa y puso en valor a aquellas mujeres que han hecho también nuestra historia sin tener el mismo reconocimiento que los hombres o incluso sus maridos, en ocasiones. Con Roedores nos ha hablado de lo que no se hablaba ni entre las mujeres, las pérdidas, como si sufrir una, dos o las que sea, nos convirtiera en taradas. Esta exposición es un camino de todo ello. Las obras de Paula Bonet nos harán atravesar el espacio para efectuar un trayecto en el que están presentes las reflexiones sobre la invisibilidad, la falta de reconocimiento de la mujer o el surgimiento de la sororidad tras años de constantes cuestionamientos por parte de los hombres, pero también de las mujeres. En definitiva, un paseo por lo que en muchas ocasiones ha significado ser mujer, según vivencias personales que se tornan pensamientos plásticos más matéricos que nunca. Comisaria: Cristina Chumillas.

 

Saioa Olmo, Fundación BilbaoArte, Bilbao. Del 8 de enero al 5 de febrero 2021.

 

Lynette Yiadom-Boakye, Museo Guggenheim, Bilbao. Sin fecha

Reconocida ampliamente como una de las artistas más importantes de su generación, Lynette Yiadom-Boakye es una pintora y escritora británica aclamada por sus enigmáticos retratos de personas ficticias. A fin de captar un momento único del fluir de la conciencia, ejecuta cada uno de sus retratos en una sola sesión. Según afirma la artista, sus personajes “no son reales”, pero matiza: “Yo creo que les conozco; cada uno de ellos está impregnado de su propio poder, de un eco… de un componente empático de un mundo imaginario”. La obra de Yiadom-Boakye muchas veces contiene alusiones a los retratistas históricos europeos, en particular a Thomas Gainsborough, Francisco de Goya, John Singer Sargent y Édouard Manet, si bien tanto su temática como su técnica son decididamente contemporáneas. Centrado en el retrato de personajes negros imaginados, el trabajo de Yiadom-Boakye plantea importantes interrogantes sobre la identidad y la representación. Las figuras que aparecen en sus pinturas habitan lugares atemporales e indefinidos, que el espectador puede dotar de significado. La artista ha sido galardonada con el prestigioso premio Carnegie en 2018 y fue nominada para el premio Turner en 2013. Su obra se presentó en la exposición Ghana Freedom, en el pabellón de Ghana de la 58ª Bienal de Venecia, celebrada en 2019. La muestra que presenta ahora el Museo, integrada por ochenta pinturas y obras en papel creadas desde el año 2003 hasta la actualidad, representa la mayor exploración dedicada hasta la fecha a la carrera de Yiadom-Boakye.

 

Leonora Carrington, Fundación Mapfre, Madrid. Sin fecha

Pintora, madre, emigrante, exiliada, feminista, intelectual y escritora, Leonora Carrington es una de las artistas más singulares del siglo XX. La exposición presentará su universo artístico y su personalidad intelectual por medio de un amplio y variado repertorio de creaciones que incluirá pinturas, dibujos, tapices, escenografía, vestuario teatral y producción escrita. Junto a ellos, podrá verse material de archivo, libros, películas y fotografías documentales que proporcionarán el contexto histórico de la artista. El resultado será la primera gran retrospectiva consagrada a Carrington tanto en España como en Dinamarca.

 

 

La cámara es cruel. Lisette Model, Diane Arbus, Nan Goldin, C3A, Córdoba. Sin fecha.

 

Guerrilla Girls 1985-2018, C3A, Córdoba. Sin fecha

 

Ana Prada, MUSAC, León. Sin fecha

Muestra dedicada a la zamorana Ana Prada, que utiliza objetos de su entorno próximo que después manipula y asocia, más o menos explícitamente y desde la ironía, a nuevas identidades que los alejan de sus funciones primarias.

 

Mabi Revuelta, Acromática. Una partida inmortal, Azkuna Zentroa, Bilbao. Del 15 de octubre de 2020 al 24 de enero de 2021. Comisaria: Susana Blas. Fechas a revisar.

 

Nagore Amenabarro, Artea arabian, Museo de San Telmo, San Sebastián. Del 16 de octubre de 2020 al 10 de enero de 2021. Fecha a revisar.

La exposición forma parte del proyecto anual para la promoción de artistas emergentes del territorio de Gipuzkoa. Una comisión formada por especialistas del arte contemporáneo selecciona un artista para desarrollar su propia obra a lo largo del año y presentarla en la sala Laboratorio, acompañada de catálogo. Nagore Amenabarro es la artista que abrirá este programa de exposiciones.

 

 

Irati Urrestarazu, Fundación BilbaoArte, Bilbao. Del 16 de octubre al 13 de noviembre de 2020. F

 

Vivian Suter, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 5 de noviembre al 28 de marzo 2021. Pospuesta

La artista Vivian Suter (Buenos Aires, 1949) será protagonista en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro a finales del año 2020. En 1983 establece su residencia permanente en plena selva guatemalteca, y allí, desde su estudio en Panajachel, su obra evoluciona hacia un intercambio cada vez más estrecho con el entorno natural, plasmado en lienzos coloristas y vívidos que se desprenden del marco. Su trabajo se vuelve más orgánica y procesual, generando series pictóricas terminadas por el carácter azaroso de la naturaleza, que Suter expone con las marcas de los restos de las inclemencias meteorológicas. A partir de ese momento, la naturaleza intervendrá casi como coautora de sus obras. La artista empieza a experimentar también con cola de pescado en trabajos que transitan entre la introspección del interior de su estudio y el exterior, donde se impregnan del viento, la lluvia, el barro e incluso pequeños organismos del entorno selvático.

 

Mona Hatoum, IVAM, Valencia. Fecha a revisar.

Exposición con ocasión del Premio Julio González 2020 que concede el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM). Esta creadora multidisciplinar es la segunda mujer que recibe este galardón que, en sus 20 años de historia, ha premiado el trabajo de artistas como Andreu Alfaro, Annette Messager o Christian Boltanski.

 

Lógicas de la visibilización. Políticas de desarrollo de colecciones y la creación de historias en el Museo de San Telmo, Museo de San Telmo, Donostia/San Sebastián. Del 28 de noviembre de 2020 al 30 de abril de 2021. Pospuesta

Esta exposición rescatará del olvido las obras creadas por mujeres artistas y nos permitirá no solo incrementar su presencia en nuestras colecciones, sino también analizar y reflexionar sobre los motivos de esas ausencias en exposiciones y colecciones de museos.

 

* Algunas fechas puede que hayan sufrido modificaciones como consecuencia de la pandemia del COVID-19.