ADQUISICIONES MCU/MNCARS ARCO 2021
Redacción
La Comisión Permanente del Real Patronato del Museo Reina Sofía ha aprobado la adquisición en ARCO 2021 de un conjunto de obras que serán asignadas por el Ministerio de Cultura y Deporte a la colección de este Museo.
El valor global de las 18 obras que engrosarán los fondos del Reina Sofía asciende aproximadamente a 300.000 euros que han sido aportados por el Ministerio. Corresponden a 14 artistas y un colectivo, españoles e internacionales, históricos y jóvenes.
Aunque en esta edición se vuelve a guardar la paridad en autores, como en años anteriores seguimos preguntándonos en el reparto de obras el porcentaje de la cuantía económica total empleado en artistas mujeres, que continuan siendo minoría en la colección del MNCARS. Es una cuestión de transparencia en un presupuesto que es de todas.
Destacamos:
MANUELA BALLESTER, 3 ilustraciones para el libro La Perla que Naixque en lo Fang, 1934. Esgrafiado sobre cartulina negra. 16 x 12 cm cada uno.
Manuela Ballester (Valencia, 17 de noviembre de 1908 – Berlín, 7 de noviembre de 1994). Fue una reconocida pintora, ilustradora, cartelista, escritora, editora y poeta. Artísticamente, pertenece al realismo español, y a la llamada Generación Valenciana de los treinta, con influencia de las corrientes vanguardistas y revolucionarias, cuyo artista más representativo es Josep Renau con quien se casa en 1932. Dirigió la revista Pasionaria, el órgano de expresión de las Mujeres Antifacistas del Partido Comunista de Valencia. Durante los años de la guerra civil realiza una extensa producción de carteles políticos, colaborando con Renau, en aquel momento director general de Bellas Artes, en la organización del Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París. Trabajó como dibujante de la Sección de Prensa y Propaganda del Comisariado General del Ejército de Tierra hasta 1939 y al término de la guerra, se exilió primero a Francia y posteriormente a México donde la comunidad artística la acogió calurosamente y siguió trabajando en distintos proyectos.
ANA PETERS, Cuentaquilómetros, 1966. Acrílico sobre papel encolado a táblex. 130 x 100 cm.
Ana Peters (Bremen, 1932 – Dénia, 2012) es reconocida por su importante labor artística dentro del contexto intelectual y cultural de la España franquista así como por su posterior producción abstracta. Nació en Alemania pero pasó la mayor parte de su vida en España, donde desarrolló también su obra.
Formó parte del grupo artístico Estampa Popular de Valencia, de raíz antifranquista que optaba por un léxico que hundía sus raíces en el lenguaje del cómic y la publicidad, utilizaban la estampa y la serigrafía como medio de difusión. Pero es en 1990 cuando alcanzó el lenguaje pictórico que la caracteriza, los llamados monocromos, que conformaban ya una tradición arraigada dentro del arte del siglo XX. Inicia así lo que podemos denominar su segunda etapa artística en la que se sumerge en el lenguaje abstracto. Los monocromos de Peters están sutilmente tocados por ondas, manchas, huellas o rayas que buscan sugerir movimientos suaves naturales, estados de ánimo y momentos específicos, lo que los mantiene vigentes pese a las diversas relecturas.
CLARA MONTOYA, Llorona I, 2021. Técnica mixta. 333 x 35 cm.
Clara Montoya (Madrid, 1974) vive y trabaja entre Bruselas y Madrid. Para la realización de sus trabajos, le gusta mezclar los materiales más clásicos con las nuevas tecnologías. La artista en sus trabajos hace uso de máquinas, vídeo, perfomance, instalaciones, new media, escultura o dibujo y pintura. Para Montoya cada proyecto es un reto artístico y técnico. “Aprendo siempre algo en cada pieza”, ha manifestado la artista quien piensa que a través de su trabajo explora la belleza de intentar comprender el mundo. En su obra aúna intereses muy diversos en todo lo que tiene que ver con diversas disciplinas científicas: la astronomía, la física o la biología. Sus exposiciones individuales vienen sucediéndose desde 2005, en espacios como el Centro de las Artes de Lille, el Círculo de Bellas Artes, BilbaoArte, o la Fundación Marcelino Botín. Entre las becas y premios que le han sido otorgados destacan los de la Fundación Marcelino Botín, la Cité Internationale des Arts (París), The Cooper Union (Nueva York) o la Real Academia de España en Roma.
BOUCHRA KHALILI, The Tempest Society, 2017. Película digital 2k 60’. Edición 2 de 5
Bouchra Khalili (Casablanca, Marruecos, 1975) es una artista franco-marroquí que actualmente vive en Berlín y trabaja en video, fotografía, dibujo e instalación. Estudió cine en la Sorbonne y artes visuales en École Nationale Supériere de Cergy. A menudo emplea el género del cine documental para redirigir las convenciones por las cuales se pide a los ciudadanos presentarse a sí mismos delante del estado, usando testimonios, retratos y discursos políticos. La artista asume el desafío de desarrollar un planteamiento crítico y ético a cuestiones de ciudadanía, comunidad y agencia política. Ampliamente reconocida a nivel internacional, ha participado en las principales citas del arte contemporáneo: las bienales de Sharjah (2011), Sídney (2012), Moscú y Venecia (2013), además de la Trienal de París (2012) y la última documenta de Kassel (2017). Al mismo tiempo, ha expuesto individualmente en el MoMA de Nueva York, en el Palais de Tokyo de París o en el MACBA de Barcelona.
ÁNGELA FERREIRA, For Mozambique (Model no.4 of Screen-Tribune-Kiosk celebrating a post-independence Utopia), 2008-2020. Madera, cable de acero, proyección de video de dos canales (color, sonido, 60’, loop). 500 x 270 x 270 cm.
Ângela Ferreira (1958) nació en Maputo, Mozambique, creció en Sudáfrica y obtuvo su maestría en Bellas Artes de la Escuela de Bellas Artes Michaelis de la Universidad de Ciudad del Cabo, y desde los años 90 vive a caballo entre Portugal y Sudáfrica. El trabajo de Ferreira se preocupa por el impacto continuo del colonialismo y el poscolonialismo en la sociedad contemporánea. Con una metodología de trabajo a medio camino entre la razón y la intuición, Ferreira utiliza registros de presentación tan variados como el dibujo, la fotografía, el vídeo o la escultura, mediante los que explora el fracaso impositivo de la modernidad y su impacto y repercusión en el territorio africano. Representó a Portugal en la 52ª Bienal de Venecia en 2007 con una continuación de sus investigaciones sobre los mecanismos a través de los cuáles el modernismo europeo ha querido adaptarse, fracasando en numerosas ocasiones, a las realidades del continente africano, con un proyecto que se concibió a partir de la historia de la “Maison Tropicale” de Jean Prouvé.
LILIANA MARESCA, El Dorado – Ecuación, 1991. Boceto – Tinta, témpera y lápiz sobre papel. 35,5 x 21,8 cm. Pieza única.
Liliana Maresca (Buenos Aires, 1951-1994) fue una figura emblemática en el ámbito artístico argentino desde principios de los años 80 hasta su fallecimiento. Los historiadores del arte que han estudiado su trabajo coinciden en la imposibilidad de definir sus obras y acciones en una única línea de análisis o pertenencia a los procesos artísticos ocurridos en los años ochenta y mediados de los noventa. Sus obras exceden las modalidades disciplinares y se yuxtaponen en un recorrido que articula pintura, escultura, objetos, foto-performances, instalaciones, intervenciones espaciales, entre tantas otras operaciones que pueden destacarse en el frenesí de su hacer.
El MAMBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, presentó en 2017 la mayor retrospectiva de Liliana Maresca, titulada «El ojo Avizor» reuniendo todo el cuerpo de obra de la artista y presentando un importante catálogo de su trabajo. Sus obras forman parte de colecciones como la del Museo Reina Sofía; el MALBA – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; el MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, o la TATE Modern de Londres, entre otros.
MAJA BAJEVIC, Women at Work – Washing Up, 2001. Proyección o pantalla plana. 15.14 min, color, sonido 1/2 AP (Ed. de 5).
Maja Bajevic (Sarajevo, 1967) fundamenta su trabajo en una revisión poética y sutil de las fracturas sociales e históricas, en la que implica la toma de conciencia del espectador como agente o público. Un trabajo en el que se analiza la relación entre violencia, poder y construcción identitaria, se reflexiona sobre el impacto que tienen los conflictos políticos y sociales en la vida cotidiana y se plantea la necesidad (y también dificultad) de ponerse en el lugar del otro. Este conjunto de reflexiones siempre pasa por la implicación activa del espectador. Bajevic empezó a ser conocida a nivel internacional por su proyecto Women at Work (Mujeres trabajando) (1999-2001), una serie de performances en las que participaron cinco mujeres víctimas de la masacre de Srebrenica. En una de estas performances, Washing up, lavaban a mano varios trapos con lemas de la época del dictador Tito hasta que lograban borrar las palabras que había en ellos. Un acto cargado de simbolismo poético y político que, en cierta medida, tuvo un efecto catártico.
COLECTIVO AYLLU, Perrear el dolor (Serie Perrear el dolor), 2018-2020. Seis litografía medidas variables (124 x 204 cm c/u). Ed. 10. Más el registro fotográfico, póster, pancarta Nuestra venganza es sobrevivir y réplicas de las alas de No esperaban que sobreviviéramos, 2020, acción pública.
Colectivo Ayllu es un grupo colaborativo de investigación y acción artístico-política formado por migrantes racializadxs, disidentes sexuales y de género provenientes de las excolonias europeas en América Latina y el Caribe. El colectivo nace en el 2017 (herederxs de Migrantes Transgresorxs, creado en 2009) y propone una crítica a la colonialidad realizando producciones artísticas en múltiples formatos y generando procesos de aprendizaje colectivo, de mediación y producción escritural. Ayllu, que en lengua quechua significa familia extendida o no sanguínea, está basado entre las ciudades de Madrid y Barcelona, y representa una comunidad afectiva, una familia que se teje desde distintos lugares, recuperando la memoria ancestral y transitando con otras poéticas a lugares futuros colectivos. El colectivo Ayllu está compuesto por: Alex Aguirre Sánchez (Quito, Ecyuador); Leticia Kimy Rojas Miranda (Guayaquil, Ecuador); Francisco Godoy Vega (Santiago, Chile); Lucrecia Masson Córdoba (Ombucta, Argentina): Iki Yos Piña Narváez (Caracas, Venezuela). Su punto de partida es el Centro de Residencias de Matadero Madrid que sirve como laboratorio de experiencias, diálogos y de creación.
