EXPOSICIONES EN CARTELERA FEBRERO 2025
Redacción
Todas las exposiciones en instituciones que te interesan, ordenadas por comunidades autónomas.
ANDALUCÍA
CÓRDOBA
Eva Lootz, C3A, Córdoba. Del 22 octubre 2024 al 23 marzo 2025. Fachada mediática.
Eva Lootz ha dedicado gran parte de su carrera a un concepto expandido del arte. En 2005, comenzó a centrarse en los ríos de la península ibérica, consciente de que el agua es un elemento estratégico y político de primer orden. Como resultado, creó nueve exposiciones y fundó el colectivo Tejidos de agua, que busca desarrollar iniciativas que se opongan a la privatización del agua.
Entre los ríos españoles, al Guadalquivir le correspondía un papel especial. Para representar diferentes aspectos de su cuenca hidrográfica, Eva Lootz creó tres esculturas digitales que estarán presentes en el C3A. Para realizarlas, se utilizaron datos de archivo y crear modelos 3D para cortar las esculturas en mármol de Macael mediante máquinas de control numérico. La exposición se completará con la pieza Cuenca suspendida y la fachada que da al Guadalquivir tendrá una frase que dice: “EL AGUA, NO HACIENDO, MUESTRA SU FUERZA”.
Mercedes Azpilicueta, Las mesas danzantes, C3A, Córdoba. Del 27 de septiembre 2024 al 2 marzo 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez Abascal.
Mercedes Azpilicueta es una artista visual y de performance de Buenos Aires que vive y trabaja en Ámsterdam. Su práctica artística reúne a diversos personajes del pasado y del presente, que se manifiestan como voces, formas, textos, rastros y recuerdos en sus obras de múltiples capas.
Se define a sí misma como una “investigadora deshonesta”, navega por múltiples referencias y campos del conocimiento, desde la historia del arte a la música popular, desde la literatura a la cultura de la calle, enamorándose de figuras y trayectorias disidentes -feministas, queer, migrantes- que rondan sus guiones, performances y vídeos. Sin embargo, su obra nunca se deja llevar por la la reverencia o la fascinación
archivística. Al abordar el cuerpo con todos sus defectos y potencialidades -su propio cuerpo, el de sus musas y colaboradores, el de los espectadores, pero también los fantaseados-, Azpilicueta abraza su fragilidad, así como su capacidad de resistencia y cuidado.
GRANADA
VOCES COMPARTIDAS, Sala de exposiciones de los Servicios Centrales de la Fundación Caja Rural Granada, Granada. Del 24 enero al 26 febrero de 2025.
“Voces compartidas” es la exposición de arte contemporáneo que muestra los resultados creativos del primer taller de producción artística de FACBA 25 con la artista invitada Inmaculada Salinas y alumnado de la Universidad de Granada.
En esta ocasión, como primera actividad de la XVI edición del Festival de Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes de Granada y a lo largo de una semana, una veintena de estudiantes seleccionados vía convocatoria han trabajado con la artista en las instalaciones museísticas y formativas de la Sede de Servicios Centrales de la Fundación Caja Rural Granada, principal entidad patrocinadora de esta actividad cultural y didáctica.
La idea del taller ha sido poner en práctica unas metodologías de trabajo artístico que incentiven a las personas participantes a experimentar nuevas fórmulas que les permitan abrirse a reflexionar y crear. Con estas propuestas, centradas en modos ya contrastados, se intenta apoyar sus específicas particularidades para conseguir confianza al enfrentarse a argumentos y maneras de pensar lo artístico.
De este modo, tal y como explica la propia Salinas, han estado enfocados en los procesos creativos tomando como referencia los suyos propios. Para la muestra, según comenta la artista, “hemos materializado diversos trabajos, obras que son una muestra de esas voces compartidas, las propias, las de este grupo y, por extensión, las otras. Tantas nos han precedido que han dejado sus huellas como posos de memoria acumuladas en nosotros, restos naturales de lo que somos hoy y que servirán a su vez a quienes vendrán. Voces analizadas, acumuladas, repetidas, recordadas y proyectadas que hablan de lugares comunes”.
En el taller y la exposición “Voces compartidas” participan los siguientes artistas en formación: Lucía Maestre Acevedo, Larissa Rodrigues Carvalho, Manuel Gómez López, Lucía Fernández García, Ana Ruiz Holgado, Marina Carrasco Fulgado, Carmen Marín Martínez-Iglesias, María Dueñas Jiménez, María Esperanza Gallardo Ramírez, Nuria Polo Peinado, Olivia Mercedes Braunsteiner, Celia Vera Gómez, Eva Galindo García, Amalia Isabel Celmare, Marina Nicolás Sanz, Marta Díaz Martínez, María del Mar Alcalá Andújar, Ángela Matilde Gómez Arroyo, Rocío Arjona Arévalo y Alba Carrasco Caracuel.
MÁLAGA
Elo Vega, Pas éternel, Sala de Exposiciones Rectorado UMA, Málaga. Del 27 de enero al 8 de marzo de 2025.
Comisariada por la propia artista y por Javier Cuevas.
Esta exposición reúne una selección de obras derivadas de la investigación que Elo Vega viene desarrollando en torno a la diversidad, y la recurrencia, de determinadas inflexiones y dinámicas intertextuales en la representación del cuerpo femenino; en las prácticas artísticas principalmente, pero también en otros medios contemporáneos de producción iconográfica.
Las obras se configuran a modo de un ensayo visual en torno a la representación del cuerpo femenino como territorio en el que se encarnan y se disputan las obsesiones, sueños, fantasías y, cómo no, los miedos de una sociedad en mutación.
Para la artista, en esta exposición las piezas están dialogando unas con otras, para ir tejiendo un discurso basado en tres pilares fundamentales: la creación artística contemporánea, la teoría crítica y el feminismo crítico. Además, su esencia se basa en su carácter colectivo, porque la propia artista se nutre de referentes teóricos e históricos, así como de alusiones a varios artistas contemporáneos.
Alisa Sibirskaya, Belleza furtiva, Museo Ruso, Málaga. Del 7 de noviembre 2024 al 23 de febrero 2025.
Entendiendo, con Baudrillard, el trompe-l’œil como un ejercicio más metafísico que pictórico, Alisa Sibirskaya (Krasnoyarsk, Siberia, 1989) compone a partir de la fotografía escenas y mundos que nos trasladan a diferentes períodos de la historia de la pintura para reflexionar sobre el presente desde los lenguajes formales y temáticos del pasado.
Concebida como una revisión de los credos pictóricos y morales del pasado, Belleza furtiva presenta un diálogo con la tradición que aspira a cuestionar, con el género de la vanitas como principal hilo conductor, la vacuidad de unos discursos que pretendían convencernos de la futilidad de los placeres mundanos ante la certeza de la muerte.
Si las vanitas mostraban naturalezas muertas con frutas, flores y animales en estados de descomposición para ilustrar el carácter efímero de los placeres terrenales, Sibirskaya actualiza este tema para hablar de la cultura material de nuestro presente, exacerbada por la ausencia generalizada de sentido respecto a nuestra trascendencia.
La muestra ha sido comisariada por Natàlia Chocarro, asesora de arte de presidencia de la Fundació Vila Casas, dentro del programa “Puntos de fuga”, una propuesta que parte de los artistas del fondo de la colección para crear nuevas propuestas expositivas proyectadas dentro y fuera del territorio.
Desnudos. Cuerpos normativos e insurrectos en el arte español (1870-1970), Museo Carmen Thyssen, Málaga. Del 8 de octubre al 9 marzo 2025.
Un siglo de desnudos en 90 obras que van del erotismo más sugerente a la radicalidad experimental. De los cuerpos perfectos a los fragmentados, un relato sin normas pintado por Joaquín Sorolla, Mariano Fortuny, Maruja Mallo, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Joan Miró…
INSIDE Matisse. Un dispositivo de Stéphanie Marin, Centro Georges Pompidou, Málaga. Hasta febrero de 2025.
MARBELLA
Isabel Martín, Días perfectos, Museo del Grabado Español Contemporáneo, Casco Histórico de Marbella. Del 28 de noviembre hasta el 10 de febrero de 2025.
Isabel Martín cierra con esta su exposición el ciclo anual que el Museo del Grabado ha venido realizando bajo el título de «Las artistas premiadas», y en el que han participado Ana S. Matías, Elena Jiménez y Mónica Vázquez Ayala, todas ellas merecedoras de galardón en las anteriores ediciones de los Premios Nacionales de Grabado convocados en el propio Museo.
En palabras de Jeremy Lennon, autor del texto introductorio del catálogo: «Tras cumplir la mayoría de edad , Isabel Martín dejó Marbella para viajar a Londres. Mientras trabajaba de Au Pair se enroló en la escuela de arte privada Heatherley. Esto le hizo ganar una plaza para cursar los estudios de Fundación en la Escuela de Arte y Diseño de Chelsea. La consecuencia de esto fue la entrada al prestigioso Colegio Universitario de Londres Slade, dejando una vez más entrever su gran talento, que ha sido reconocido por sus contemporáneos, como la artista Ángela de la Cruz, Chris Ofili o Jason Martin. Durante esos años de aprendizaje se incluyen entre sus profesores la escultora Phyllida Barlow, Paula Rego o Bruce McLean.
Una de las cualidades del trabajo pictórico de Isabel Martín es la tensión dramática. Las piezas abstractas en la muestra cumplen con esas dramáticas leyes, donde coexisten entropía y extropía. ¿Se desmorona el mundo o se une? Nosotros decidimos. En pleno dominio de técnica y materiales, esta pintora describe nuestra particular existencia con un lenguaje personal.»
SEVILLA
Pepa Caballero, CAAC, Sevilla. Del 13 de diciembre 2024 al 4 de mayo 2025.
Comisarias: Isabel Garnelo y Carmen Cortés
La trayectoria de la artista granadina Pepa Caballero (Granada, 1943 – Málaga, 2012), destacó por su interés en el entorno geográfico y cultural del Mediterráneo, en el que indagó desde la cercanía que los viajes y la inmersión visual directa le proporcionaron. No olvidó, empero, a los grandes maestros, cuyo estudio le hizo plantearse procesos de investigación y traducción a la abstracción de enorme interés y belleza.
El relato que pretendemos hilar en esta exposición de Caballero tendrá momentos de intimidad y momentos de mayor potencia expansiva, en consonancia con la arquitectura de las salas. Ello nos ayudará a definir el encuentro de las diferentes series según el color, hasta ahora inédito, jugando con el contraste de las dimensiones y formatos en los que trabajó la creadora.
Las posibilidades de generar estos nuevos recorridos, que se apartarían de la cronología, nacen de un trabajo de años sobre el legado de la artista y el conocimiento de la experiencia personal y vital de la creadora.
Delcy Morelos. Profundis, CAAC, Sevilla. Del 28 de mayo de 2024 al 9 de marzo de 2025.
Delcy Morelos (Tierralta, Colombia, 1967) investiga en las cosmovisiones mitológicas universales, y particularmente en las precolombinas, para insistir en la interdependencia entre los seres humanos, los animales, las plantas y los espíritus, nacidos todos de la misma semilla, la de la Pachamama de las culturas incaicas, la de la Bachué de los chibchas de su tierra natal, la de la «Madre Tierra», término recogido por las Naciones Unidas para referirse a nuestro planeta (2009). Para ello, utiliza desde la acuarela de gran formato hasta grandes instalaciones hechas con tierra que transforman el espacio que las acoge.
Delcy Morelos estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cartagena y comenzó su carrera como pintora que trabajaba sobre superficies tradicionales con preferencia hacia los rojos —«Sentía que el rojo no era un simple color, lo percibía como una sustancia en sí misma que emanaba de mis dedos»—, pero, desde que empezó a trabajar con tierra, su investigación del color la llevó por otros derroteros: «La tierra puede ser de muchos colores: azul, gris verde, café claro, café oscuro, amarilla, ocre, naranja, negra o roja. […]. En mis primeras obras con tierra, la tierra es de color rojo. Lo que hace que la tierra sea roja es la gran cantidad de hierro que contiene, el mismo elemento que hace que la sangre que corre por nuestras venas sea roja. Hay una profunda relación entre nosotros, los humanos, con la tierra, y hemos perdido esa conciencia».
Virginia Santos Itoiz, La ceguera verde, CICUS, Sevilla. Del 4 de diciembre al 14 de febrero 2025.
Dibujos de grafito sobre papel realizados por Virginia Santos Itoiz. Es el proyecto ganador de la convocatoria de proyectos artísticos CICUS 2024.
La Ceguera Verde es un jardín gráfico construido a base de grafito sobre papel. Un espacio vegetal monumental, en ausencia de color, cuya vocación es la de atraer la atención sobre las plantas que nos rodean, promoviendo actitudes más respetuosas, atentas y comunicativas hacia lo vegetal.
Una obra en la que se trata de reconocer la presencia cultural y ecológica de las plantas (tan fundamental, pero a la vez tan invisibilizada) y, con ello, provocar nuevos encuentros, consideraciones, percepciones y relaciones frente a la denominada “ceguera vegetal”.
Éste “espacio” vegetal se genera a partir de pedazos de naturaleza que previamente se van fotografiando en un entorno urbano. Es decir, está compuesto por especies vegetales que nos rodean habitualmente en las ciudades. Un espacio verde fragmentado por el que todas nosotras pasamos diariamente sin tan siquiera percibirlo. Un muro vegetal creado a partir de una mezcla de arbustos, ramas y hojas que no necesariamente crecen juntas, sino que están colocadas dependiendo de una voluntad estética, representando a su vez esa obsesión humana de domesticar la Naturaleza.
En 1999, dos profesores de biología, J.H. Wandersee y E.E. Schussler, describieron el término “plant blindnes”, para definir el creciente desconocimiento y falta de apreciación que había en la población joven de Estados Unidos hacia el mundo vegetal y la preferencia por el mundo animal.
Esto incluye fenómenos tales como no darse cuenta de las plantas en el entorno circundante, no reconocer la importancia de la vida vegetal para toda la biosfera y para los asuntos humanos, una visión filosófica de las plantas como una forma de vida inferior a los animales y/o la incapacidad de apreciar características o estética únicas de las plantas.
Elaine Sturtevant, El eco de la innovación, CAAC, Sevilla. Del 27 febrero al 21 septiembre 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez
Es la primera retrospectiva de la artista norteamericana en España, coincidiendo con el centenario de su nacimiento y contará con más de 40 obras procedentes de instituciones como el Museo Whitney de Nueva York y la Colección Pinault de París.
Claribel Calderius, Sensemayá. Cantos para matar la culebra, CAAC, Sevilla. Del 27 febrero al 21 septiembre 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez.
Un proyecto específico de la artista cubana para la Capilla de San Bruno. Calderius establece un diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo, explorando los rituales y simbolismos de las dinámicas transformadoras de su herencia cultural.
ARAGÓN
ZARAGOZA
Veneradas y temidas. El poder femenino en el arte y las creencias, Caixaforum, Zaragoza. Del 4 de diciembre 2024 a 23 de marzo 2025.
En colaboración con el British Museum, repasa 5.000 años de creencias espirituales alrededor de la mujer y la feminidad a través de piezas ancestrales y contemporáneas. El poder femenino adopta aspectos muy diferentes en las distintas creencias de todo el mundo.
Juana Francés, con voz propia, IAACC Pablo Serrano, Zaragoza. Del 12 de marzo 2024 a febrero 2025.
Más allá de la sistematización de la obra de Juana Francés en series y su avance cronológico, su producción responde a sus inquietudes, reflexiones y a la búsqueda de respuestas. En esta exposición, que conmemora el centenario del nacimiento de la pintora alicantina, se ha articulado en torno a esos temas recurrentes que la artista expresa en sus obras a lo largo de toda su trayectoria.
Comisariada por el director del centro, Julio Ramón, la muestra reivindica el papel de Juana Francés como uno de los nombres propios del arte español de la segunda mitad del siglo XX, fundadora del grupo El Paso y autora de una pintura rotunda que la hace inconfundible. La artista se posiciona en el mundo mediante su obra, buscando respuestas, planteando interrogantes, reflexionando sobre los temas que a ella le inquietan.
De hecho, el escritor y premio Nobel español Camilo José Cela escribía en 1986 que Juana Francés tenía el raro talento de acertar con la representación concreta de las nociones abstractas – el dolor, la rebeldía y la ausencia – y en sus lienzos flota, como en la mar inmensa y dramática que ignora todas las fronteras, el sentimiento de que el universo se va creando a medida que, un pie tras otro, vamos trazando el sendero que lo cruza de lado a lado. Sus piezas responden a los grandes temas que inquietan a la artista y afectan a la condición humana, unos temas que siguen vigentes. Más actual que nunca, Juana Francés es una artista con voz propia.
Junto a ella se expone obra de Pablo Serrano, con quien desde 1956 unió su camino, dando respuesta a través de sus esculturas a las mismas inquietudes que Juana Francés. Se exponen en total 24 obras de Juana Francés y 15 esculturas de Pablo Serrano.
ASTURIAS
AVILÉS
Laia Abril, On Abortion, Centro Niemeyer, Avilés. Del 22 de noviembre de 2024 al 2 de marzo de 2025.
La artista multidisciplinar Laia Abril, que obtuvo el Premio Nacional de Fotografía 2023, documenta y conceptualiza los peligros y daños causados a las mujeres por su falta de acceso al aborto de forma legal, segura y gratuita.
La exposición recoge el primer capítulo de un proyecto a largo plazo de la fotógrafa titulado A History of Misogyny, una investigación visual sobre la misoginia realizada a través de comparaciones históricas y contemporáneas. En A History of Misogyny, Laia Abril despliega una década de investigación visual que examina los sistemas de opresión de las mujeres en la sociedad, mostrando la naturaleza no-lineal de las políticas misóginas. En su primer capitulo, On Abortion, Laia Abril explora las repercusiones de la falta de acceso a un aborto seguro, legal y gratuito: desde maternidades forzadas y daños físicos y psicológicos hasta encarcelamientos e incluso muertes.
A través de testimonios de persecuciones y amenazas en el ámbito clínico, confesiones católicas y la exposición de métodos clandestinos, Abril construye una narrativa visual, textual y auditiva meticulosamente elaborada. Esta instalación teje un entramado complejo de preguntas éticas y morales que desvela cómo estos sistemas de control sobre los cuerpos de las mujeres han sido, y continúan siendo, silenciados e invisibilizados. En 2016 Laia Abril presentó A History of Misogyny, Chapter One: On Abortion, en Les Rencontres d’Arles, obteniendo el Prix de la Photo Madame Figaro-Arles y la Beca Fotopress. En noviembre de 2018 el fotolibro On Abortion (editado por Dewi Lewis) ganó el Best Book Award Aperture-Paris Photo y también fue nominado al Deutsche Börse Award.
On Abortion. Históricamente, una mujer podía quedar embarazada hasta quince veces a lo largo de su vida, con el nacimiento de diez hijos y la supervivencia de siete de ellos. A lo largo de los siglos, la humanidad ha buscado maneras de retrasar o interrumpir el embarazo, reflejando la tensión constante entre la biología femenina y las estructuras sociales que intentan regularla.
Hoy, a pesar de que existen métodos seguros para realizar abortos, casi 30.000 mujeres mueren anualmente debido a procedimientos clandestinos. El hecho de que tantas mujeres continúen arriesgando sus vidas no solo evidencia la falta de acceso a estos servicios, sino que también refleja cómo los intereses político-económicos, religiosos y sociales siguen interfiriendo en la autonomía reproductiva de las mujeres, restringiendo sus derechos fundamentales.
Este ciclo de opresión no es nuevo, sino recurrente. La reciente anulación de Roe v. Wade en Estados Unidos destaca lo frágiles que pueden ser los derechos reproductivos, capaces de desmoronarse en cuestión de años. En países como España o Italia, aunque el aborto es legal, la objeción de conciencia por parte del personal médico limita drásticamente el acceso efectivo, mostrando cómo las leyes progresistas a menudo se ven socavadas por barreras invisibles y culturales. Estos avances y retrocesos reflejan la naturaleza pendular de los derechos reproductivos, siempre vulnerables a los vaivenes políticos y sociales.
GIJÓN
Natalia Pastor, Barricada doméstica. De dentro a afuera, Museo Barjola, Gijón. Del 18 de diciembre al 23 de febrero 2025.
Un año más, el Museo Barjola cierra su programación anual con la muestra resultante del séptimo Premio Museo Barjola, siempre una instalación específica para la Capilla. En esta edición la artista Natalia Pastor (Pola de Laviana, 1970), presenta “Barricada doméstica – de dentro a afuera”, en ella y según palabras de Semíramis González para el texto del catálogo que acompañará la instalación: “recoge procesos artísticos que Pastor ha estado utilizando desde hace años: desde el textil y el bordado al dibujo y la fotografía, para presentar una instalación en la que se entrecruzan esfera pública y espacio privado a partir de elementos como una gran barricada con objetos de uso doméstico (colchones, sillas, toallas, muebles, utensilios, productos de limpieza o juguetes), una montaña de carbón, distintos elementos textiles bordados, una gran fotografía y una pieza sonora. Cada uno de estos objetos alude a distintas vertientes conceptuales que articulan el trabajo de Pastor desde hace décadas. Por un lado, es esta una propuesta artística situada, que no puede dejar de mirar al contexto concreto en el cual la artista ha desarrollado su trabajo y donde vive: la Cuenca Minera del Nalón. Pastor quiere, con esta serie de piezas que irrumpen en el espacio, reclamar el reconocimiento de las labores que llevaron a cabo las mujeres en la industrialización y en la minería.
NVSBLS, Mujeres invisibles en la historia del arte, Laboral Centro de arte, Gijón. Del 18 de septiembre 2024 al 25 de abril 2025.
NVSBLS es un proyecto expositivo que descubre el trabajo de diez artistas mujeres a lo largo de la historia del arte. Estas mujeres, al igual que muchas otras en distintas disciplinas, han sido ocultadas y olvidadas en el relato canónico hasta que, en los años 70, historiadoras como la estadounidense Linda Nochlin, se preguntaran por qué no aparecían mujeres artistas en los libros de arte.
Desde entonces, las investigaciones al respecto no han hecho más que crecer. En la última década se han producido en España numerosas publicaciones sobre mujeres artistas. Una de las primeras fue Ellas mismas, de la escritora e historiadora del arte asturiana, Ángeles Caso, publicada en 2016.
De manera paralela, son muchos los museos y centros de arte que se han comprometido con la revisión, investigación e inclusión de la obra de artistas mujeres y su mirada en sus colecciones y exposiciones.
OVIEDO
Noemi Iglesias Barrios, Landscapes of Affection, Museo de Bellas Artes de Asturias, Oviedo. Del 19 de diciembre al 23 de marzo 2025.
Landscapes of Affection es una instalación realizada con una serie de piezas de porcelana que moldean y reproducen el espacio negativo de los restos minerales recogidos en Blaafarveværket, un complejo de extracción y exportación de cobalto en Modum, Noruega.
El objetivo de la instalación es simbolizar escultóricamente las consecuencias más inmediatas derivadas de los procesos de extracción mineral, respondiendo de manera concisa a las cuestiones ambientales y los paradigmas sociales derivados de nuestro acelerado tiempo tecnológico y digital.
Las relaciones contemporáneas se construyen, gestionan y almacenan a través de nuestros dispositivos móviles, lo que nos puede llevar a considerar estos aparatos como una parte activa de nuestro organismo, es decir, una extensión corporal de momentos íntimos y relaciones humanas. Una parte importante de nuestro almacenamiento sensorial, se encuentra en un concepto abstracto y etéreo al que nos referimos como “la nube”. Esta nube, clasificada como una materialidad inmaterial, esta sin embargo formada por un una combinación de componentes minerales preextraídos de la superficie y de las profundidades de la tierra, y procesados posteriormente hasta convertirse en mercancía, perpetuando los regímenes acumulativos de nuestro apresurado estilo de vida. Una vez que estos dispositivos dejan de funcionar, completan su ciclo vital retornando a las capas terrestres como residuos electrónicos permanentes, convirtiéndose así en sedimento y en el legado geológico de nuestra hiperconectada y precipitada contemporaneidad.
La propuesta Landscapes of Affection plantea utilizar vidrio, porcelana y el cobalto reciclado de las baterías de los los teléfonos móviles obsoletos, como materiales que permitan establecer una articulación activa desde la que repensar nuestra huella mineral, respondiendo a las consecuencias geológicas derivadas de nuestro tiempo tecnológico y digital.
BALEARES
MALLORCA
JESSICA STOCKHOLDER. CARDINAL DIRECTIONS, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 31 de enero al 24 de agosto 2025.
Comisariado: David Barro y Soad Houman
Jessica Stockholder (Seattle, 1959) es un ejemplo paradigmático de la pintura expandida y una de las artistas más influyentes de su generación. Su pintura se construye en base a objetos cotidianos, proponiendo la pintura como realidad y ejemplo de expansión hacia lo escultórico y arquitectónico, a pesar de que nos permite continuar hablando de pintura en términos de composición, espacio, color o ritmo, puesto que todo nos remite a la tradición de la pintura excepto la superación definitiva del concepto de marco.
CANARIAS
LANZAROTE
Hannah Collins, Entre volcanes, Sala El Aljibe de El Almacén, Lanzarote. Del 27 de enero al 5 de abril 2025.
Comisaria: Alicia Chillida.
Esta muestra es un proceso abierto dedicado al volcán mexicano Paricutín, en el que ha trabajado in situ los últimos años. El proyecto ofrece una reflexión sobre temas como la ecología, la sostenibilidad y el futuro de la tierra, del valor mítico del fuego y de la observación del cielo, desde Lanzarote y Michoacán, siguiendo las premisas de la 12.ª Bienal de Lanzarote.
LAS PALMAS
Teresa Arozena. Kanarischen Landschaften, CAAM, Las Palmas. Del 7 de noviembre de 2024 al 9 de febrero de 2025.
Artista, fotógrafa profesional y profesora en la Universidad Europea de Canarias dentro del Grado de Comunicación Publicitaria. Realiza sus estudios de Bellas Artes entre Tenerife (Universidad de La Laguna), Madrid (Universidad Complutense) y Francia (Ecole des Beaux Arts de Toulouse). Ha impartido clases en la Universidad de La Laguna dentro del Diploma Universitario en Tecnologías para la Creación. Es doctora por la Universidad de La Laguna, con una investigación centrada en la imagen y las nuevas tecnologías para la comunicación y la creación.
Su trabajo como artista se desarrolla en torno al medio fotográfico y las nuevas tecnologías para la comunicación y la creación en el marco de los nuevos medios digitales. Su obra se ha expuesto en múltiples Museos y Centros de Arte, como pueden ser, el Centro Atlántico de Arte Moderno-CAAM en Las Palmas de Gran Canaria, el Centro de Arte La Regenta, en Las Palmas de Gran Canaria, el Centro de Arte Juan Ismael, en Fuerteventura, el MIAC en Lanzarote, el Nabi Art Center en Seoul, Corea, en la Bienal de Dakar o en los Encuentros de Fotografía de Arles.
Ha participado en eventos como el «How lattitudes become forms», «Art in global Age», muestra online de arte electrónico y nuevos medios organizada por el Walker Art Center de Mineápolis. Ha sido artista invitada en el «FILE Festival, Electronic Language International Festival», celebrado en Sao Paulo, Brasil.
Además, ha desarrollado distintos talleres, impartido conferencias y publicado numerosos ensayos sobre imagen en libros y revistas. También son numerosas sus participaciones en mesas redondas.
Asimismo ha realizado trabajos curatoriales como el llevado a cabo en el TEA Tenerife Espacio de las Artes, año 2011, en el marco de la Bienal Internacional de Fotografía «Fotonoviembre11», a partir de los fondos fotográficos de la COFF (Colección Ordóñez Falcón de Fotografía). Ha trabajado como freelance para profesionales como arquitectos, urbanistas y artistas; también para Centros de Arte y para empresarios de otros sectores como el turismo rural, la moda, o la restauración.
M. Nieves Cáceres, Cuerpo en medio, CAAM- San Antonio Abad, Las Palmas. Del 30 de enero al 25 de mayo de 2025
Comisaria: Semíramis González Fernández.
A lo largo de su trayectoria, M. Nieves Cáceres ha trabajado la poesía, la acción fotográfica, la escritura y la creación visual vinculada a la performance y a la acción. Su trabajo entronca con una línea de investigación feminista que comienza en los años setenta y se despliega sin descanso desde entonces hasta hoy, ampliando los límites de los feminismos para incorporar miradas transversales e interseccionales. El cuerpo de la artista está presente, ya sea como huella, como evocación o de manera más precisa.
Macarena Nieves Cáceres nace en Lanzarote, Islas Canarias. Realizó sus estudios universitarios en la Universidad de La laguna, Tenerife. Vive y trabaja en Las Palmas de Gran Canaria. Trabaja la poesía visual y la acción fotográfica, escritora y Artista Visual vinculada a la performance y a la acción feminista. Pertenece al equipo promotor y editor de la revista Al-harafish desde 1997. Coordina la edición poética al-harafishedita desde 2004. Colabora con el grupo de profesionales Artemisia Mujeres+Arte. Ha participado en diferentes proyectos de formación y pasantía sobre Mujeres y Desarrollo en México (1997), en Madrid y Nicaragua (1998-1999).
Cristina Déniz Sosa, Fumi aurum templum, Centro de Arte La Regenta. Las Palmas. Del 31 de enero al 22 de marzo de 2025
Este proyecto, de carácter instalativo, está formado por troncos quemados recuperados del terreno incendiado en Valleseco en 2019 que han sido intervenidos con pintura y pan de oro otorgándoles un carácter ritual o sagrado.
Aborda temas críticos como la sobreexplotación de los espacios naturales, nuestro creciente distanciamiento del medio ambiente y el abuso de los recursos naturales.
Cristina Déniz presenta la exposición a través del siguiente texto:
«Esta instalación nos sumerge en un paisaje que evoca un bosque quemado o un cementerio de árboles, transformado en un templo. Los cuerpos de troncos se disponen asidos a la pared y el suelo y a modo de altar de cenizas, un homenaje al árbol caído. Entre los restos de árboles quemados, una chapa metálica deformada por el fuego que alguna vez señalaba un coto de caza, pertenecía a uno de ellos. El oro cubre la herida y recuerda que se está ante un objeto con alto valor, sagrado.
Los materiales empleados tienen una profunda carga simbólica. Como parte de un ritual personal y artístico, la artista visita los lugares afectados por los incendios, recolectando los troncos calcinados. Los troncos pertenecen a una zona del incendio forestal de Valleseco de 2019, en la cumbre de Gran Canaria. En este lugar aún se pueden observar multitud de pinos enteros carbonizados en el suelo. Este paraje natural de orografía complicada había sido reforestado con otra especie de pino foráneo, alargado, fino y de raíz escasa y poco resistente a altas temperaturas.
Este trabajo es el resultado de una observación activa sobre nuestra relación con el entorno y el patrimonio natural, proponiendo protocolos de conexión que sugieran nuevas formas de coexistencia y demarcando el territorio entre lo vivo y lo no vivo. La instalación plantea preguntas urgentes sobre la explotación de la naturaleza, la desconexión humana con el medio ambiente y el uso irresponsable de los recursos. Es un recordatorio de nuestra responsabilidad compartida: el ochenta por ciento de los incendios forestales tienen origen humano, ya sea por accidente o intencionalidad. Esta obra nos invita a reflexionar sobre el impacto de nuestras acciones y a considerar formas más conscientes de habitar y de cuidar nuestro planeta».
TENERIFE
CANTABRIA
SANTANDER
Maruja Mallo, Homenaje a Revista de Occidente. Naves de Gamazo, Santander. Del 5 de septiembre al 9 de febrero 2025.
Una selección de seis litografías que fueron realizadas en 1979 por la artista en un libro litográfico de gran tamaño, del que sólo se hicieron 200 ejemplares. Las obras de Maruja Mallo forman parte de la Colección ENAIRE desde 1999.
Maruja Mallo (1902-1995) es una de las grandes pintoras españolas del surrealismo figurativo una de las más representativas figuras de la Generación del 27. Mujer de gran personalidad, con gran carácter crítico, cosmopolita y muy libre, lideró el grupo de “las sin sombrero” reivindicando en su obra la libertad e igualdad entre géneros. Comenzó a ser conocida en Madrid a finales de la década de 1920 gracias a la exposición que Ortega y Gasset le organizó en la sede de la Revista de Occidente, con la que colaboró posteriormente.
Las obras de Maruja Mallo que se presentan en las Naves de Gamazo fueron realizadas en 1979 en Homenaje a la Revista de Occidente. Se trata de un libro litográfico de gran tamaño del que sólo se hicieron 200 ejemplares, con seis litografías basadas en algunas de las portadas que la artista realizó en los años 30 para la Revista de Occidente. En ellas, desde la libertad del surrealismo figurativo, la artista representa frutos y elementos vegetales con un equilibrio y armonía geométrica y un significado mágico.
Con esta muestra expositiva, la Fundación quiere rescatar del olvido y poner en valor las obras de mujeres artistas que forman parte de la Colección ENAIRE de Arte Contemporáneo, ofreciendo al público una visión global de la historia del arte.
CASTILLA-LA MANCHA
CIUDAD REAL
CUENCA
TOLEDO
CASTILLA Y LEÓN
ÁVILA
BURGOS
Rosana Largo Rodríguez, Científicas olvidadas jamás contadas, Sala de exposiciones del Teatro Principal, Burgos. Del 29 de noviembre al 2 de marzo 2025.
La muestra divulga el legado de trece científicas e inventoras a través del lenguaje de los cuentos tradicionales. El acceso de la mujer a la investigación es hoy una realidad, pero no siempre ha sido así. ‘Científicas olvidadas jamás contadas’ propone un recorrido a través del trabajo y la peripecia vital de estas trece científicas e inventoras a lo largo la historia.
La singularidad de la muestra reside en que las científicas exponen sus descubrimientos a través de las protagonistas de los cuentos, abarcando distintos campos científicos: astronomía, entomología, matemáticas o biología molecular.
La exposición cuenta con tres apartados, uno de mujeres científicas, otro de mujeres inventoras y otro dedicado al cuento de ‘El principito’. Cada cuento está representado por una instalación artística, que recreará en su interior las secuencias más significativas del mismo, vinculándolo siempre con la científica de la que se trata.
El apartado de científicas relaciona el cuento de ‘Alicia en el País de las Maravillas’ con la matemática, astrónoma y filósofa Hypatia de Alejandría; el de ‘Pulgarcita’ con la entomóloga Maria Sibylla Merian; ‘Ricitos de Oro’ con la astrofísica Henrietta Swan Leavitt; ‘Caperucita roja’ con la física Marie Curie; ‘La princesa y el guisante’ con la genetista Ruth Sager y el cuento de ‘Blancanieves’ con la bióloga molecular María Blasco.
El área dedicada a las mujeres inventoras conecta el cuento de ‘La sirenita’ con el telescopio submarino de Sarah Mather; el de ‘Cenicienta’ con el lavavajillas de Josephine Cochrane; ‘La bella y la bestia’ con la tecnología alimentaria y el sistema de envasado al vacío de Amanda Jones; ‘La casita de chocolate’ con las cookies de Ruth Wakefield; ‘El mago de Oz’ con el GPS de Hedy Lamarr y el cuento de ‘La lechera’ con la máquina transportadora de leche de Fermina Orduña.
Otra sección especial de la exposición está dedicada al cuento de ‘El principito’ y al nuevo planeta que, si Antoine de Saint-Exupéry viviera, dedicaría a las mujeres astrónomas del XIX, conocidas como las ‘Computadoras de Harvard’.
LEÓN
SALAMANCA
Ana Pavón, Resistencia, DA2, Salamanca. Del 28 de noviembre de 2024 al 23 de febrero de 2025
Resistencia supone una continuación de los proyectos precedentes de la artista Ana Pavón, en los que se exploran las capacidades plásticas de la idea de lo oculto como método de seducción, con el fin de crear una suerte de erótica de la pintura, producida al generar atracción por aquello a lo que no podemos acceder.
Se trata de crear la imagen que no se deja tragar, la imagen espesa y opaca, que afirma la planitud de su superficie, impide la penetración en el cuadro para detenerte en su apariencia. Frustrando al espectador, lo obligamos a rellenar los huecos con lo conocido de antemano, se produce una imagen que al instante se resiste y, enseguida, se presta a terminarse en la cabeza.
La poética del misterio en la que el proyecto siempre se ve inundado, se nutre del imaginario grecorromano y de la lírica superviviente escrita por mujeres de esta época. Se conjuga un tratamiento contemporáneo de la pintura con los poemas y fragmentos que han sobrevivido a más de dos mil años de antigüedad para crear un espacio pictórico que aboga por lo poético, por la sugerencia más que por la descripción y por la experiencia más que por la interpretación.
Así, la inaccesibilidad de la imagen se combinará con la inaccesibilidad del texto: pintura y poesía inalcanzables. Se reivindicará un espacio y una experiencia pictórica en la que la mirada subjetiva será protagonista: leer el cuadro será, en definitiva, movilizar nuestros recuerdos y experiencias del mundo visible, para poder rellenar los huecos, las zonas vacías o mal definidas que, deliberadamente, sitúo y dispongo con cuidado en la sala de exposiciones.
SEGOVIA
Fuencisla Francés: procesos, ritmos y vibraciones, Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia. Del 18 de octubre de 2024 al 1 de junio de 2025.
Comisaria: Margarita Aizpuru.
Fuencisla Francés, (Segovia, 1944), es una extraordinaria artista que experimenta continuamente con formas, materias y procesos, investigando las construcciones de obras realizadas con fragmentos de papel, lienzos y maderas pintados, con las que efectúa composiciones llenas de ritmo de gran fuerza constructiva, conceptual y estética, y en las que el espacio y la arquitectura del lugar, son elementos fundamentales de sus composic, ones.
Realiza creaciones visuales que se ejecutan tanto en el ámbito de lo bidimensional como de lo tridimensional, siguiendo procesos de trabajo que obedecen tanto a procedimientos compositivos, a juegos espaciales rítmicos y vibratorios, de resonancias del sonido y la música más experimental.
Un orden orgánico, lleno de ritmos compositivos, con una pintura que se expande y llena el espacio con sus formas, transformándose en esculturas o instalaciones o mestizajes de ambos, con sus abstracciones llenas de energía. Una plástica, la de la artista, que es transgresora, que se salta los límites con sus explosiones de formas, fragmentos y tonos invadiendo con energía y fuerza plástica los espacios.
La exposición que ahora presentamos, Fuencisla Francés: procesos, ritmos y vibraciones, está inmersa en esas ideas, formas de crear sus obras y planteamientos artísticos. Es una muestra que ocupa gran parte de los espacios del Museo Esteban Vicente de Segovia. Y es, además, el resultado de una selección de piezas, integradas por varias grandes instalaciones, más otras de medio formato, collages, pinturas, esculturas en papel o híbridas con pinturas, dibujos, objetos, y documentación diversa.
Nieves Correa, Steampunk, Palacio Quintanar, Segovia. Del 15 de noviembre de 2024 al 2 de marzo de 2025.
Comisaria: Marta Mantecón.
Estructurada en tres capítulos y un epílogo, esta exposición reconstruye la genealogía personal de Nieves Correa a través de objetos, recuerdos, mitologías y leyendas familiares, el propio contexto histórico y algunas ficciones que se muestran en una serie de acciones registradas en vídeo o en audio, fotografías, escritos y documentos; todos ellos dispositivos que abren la dimensión sensorial de lo memorable.
Nieves Correa recompone a través de las artes visuales su propio linaje, explorando la posibilidad de generar una historia desde los afectos, lo que permite establecer conexiones inesperadas entre tiempos discontinuos y trabajar con la imaginación material de lo que ya no está.
VALLADOLID
Luisa Roldán, Museo Nacional de Escultura, Valladolid. Del 29 de noviembre al 9 de marzo 2025.
Luisa Roldán aunó excelencia, versatilidad y habilidad para romper las barreras de género y llegar a lo más alto como artista: fue nombrada escultora del rey por Carlos II, cargo que mantuvo con Felipe V. Además, fue la primera artista española en ingresar en la Academia de San Lucas en Roma, un hito nunca antes alcanzado por escultores hispanos.
Pero Luisa Roldán. Escultora real también es el producto de una reivindicación y de una necesidad de hacer presente la trayectoria de una de las más destacadas artistas españolas. De hecho, nunca cayó en el olvido y autores como Antonio Palomino (quien la conocería personalmente), Antonio Ponz o Juan Agustín Ceán Bermúdez alabaron su obra. Sin embargo, el hecho de que fuera considerada por muchos como autora de menor calidad que su padre, identificando con él buena parte de su producción, ha pesado en algunos de los estudios que se realizaron sobre su figura. Como también que se le adjudicaran sobre todo obras de devoción, delicadas y de pequeño formato en barro cocido, «más propias de su condición y sexo», según autores como el propio Ceán Bermúdez, dejando en un lugar secundario su rica y extraordinaria producción de obras en madera y de mayor formato.
La dedicación de Luisa Roldán al oficio de la escultura sólo fue posible por su nacimiento en el seno de una familia dedicada a esta disciplina. Su padre, Pedro Roldán fue el gran artista del mercado sevillano y de buena parte del andaluz durante la segunda mitad del siglo XVII. La artista, cuyas dotes para el oficio se desvelaron en época muy temprana, heredó de él la inquietud por el mejor conocimiento del arte.
Tras dejar el taller paterno se estableció en Sevilla junto a su marido, Luis Antonio de los Arcos. De allí se trasladaron a Cádiz, metrópoli comercial del momento, y posteriormente el matrimonio y sus hijos fijaron su residencia en Madrid. Allí la escultora pudo entrar al servicio de la Corte, alcanzando el mayor éxito y reconocimiento al que cualquier artista de la época podía aspirar.
Damaris Pan, Oalddilal V. Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 19 de octubre de 2024 al 9 de marzo de 2025.
Pensada de manera específica para la Sala 8 del Museo, la obra de Damaris Pan -Premio BMW 2024- se reúne por vez primera en un contexto institucional con pinturas y trabajos tridimensionales realizados en los dos últimos años. Renovadora de no pocas opciones plásticas en los campos de la pintura y la escultura recientes, Damaris Pan ya formó parte de la exposición colectiva “Turno de Réplica. Construcción/Composición”, que tuvo lugar en la planta 2 del Museo entre 2021 y 2022 y en la que, precisamente, entraba en contacto con pintores y escultores de generaciones y contextos muy diversos. Tiene su pintura una cualidad ambivalente que le otorga un amplio elenco de singularidades. Por un lado, hay una tendencia inapelable a lo pictórico, a cuanto de masa y textura trae la pincelada consigo, y, por otro, su obra ofrece un universo ingente de opciones iconográficas en el ámbito de la representación, siempre expuesta a la mordaz temperatura de la que ha hecho una ineludible seña de identidad. Con rangos de color encendidos, las figuras se inscriben en amplios campos de color que, en ocasiones, no son sino fragmentos de otros objetos y cuerpos, pues lo antropomorfo tiende a estar en el centro de su ideario. Estas figuras irrumpen ahora aquí desde una materia que se despega de la bidimensionalidad de la pintura, constituyéndose en formas escultóricas exentas, fragmentarias e igualmente grotescas, tan absurdas como cómicas. Profesora de pintura en la Universidad del País Vasco, Damaris Pan ha realizado exposiciones individuales en espacios como Ana Más Projects (Barcelona), Galería Fermay (Palma de Mallorca), Halfhouse (Barcelona), Fundación Bilbao Arte (Bilbao), y colectivas en Azkuna Zentroa (Bilbao) o Caixaforum (Barcelona).
Lara Almarcegui, Gravas y arenas, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 28 de septiembre 2024 al 9 de marzo 2025.
Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) es hoy una de las artistas más relevantes en el ámbito de la reflexión en torno a la materialidad. Empezó a trabajar en los años noventa a partir de un conjunto de acciones con el que ponía de manifiesto un sentir crítico hacia los patrones normativos de la arquitectura y el urbanismo de nuestro tiempo. Los proyectos que ha venido realizando desde entonces, y por los que ha recibido un reconocimiento unánime, tienen una clara impronta minimalista, si bien subvierten muchos de los atributos del movimiento que modeló la estética y el arte de los años sesenta y setenta. El perfil de los proyectos de Lara Almarcegui es el de una imperturbable consciencia ante ciertos hábitos de la construcción y, por consiguiente, de los materiales utilizados para ello. Su trabajo pretende, en muchos casos, frenar, entorpecer o trabar determinados procesos constructivos a partir de acciones y gestos en apariencia mínimos, tal vez proclives a una repercusión solo relativa, pero indudablemente ricas en su significación. La exposición que, bajo el título “Gravas y arenas”, puede verse en los amplios espacios del Museo Patio Herreriano consta de dos proyectos realizados en Valladolid: por un lado, Almarcegui acude al material característico de la arquitectura histórica de la región, la piedra de Campaspero, con la que realiza una intervención específica. Por otro, presenta una guía de un descampado de las afueras de la ciudad, una gravera abandonada en el sur de la ciudad que ejemplifica muchos de los métodos y rutinas de la construcción en este contexto, un tipo de proyecto que la artista ha realizado en alrededor de una docena de espacios de todo el mundo. Además, la salas 1 y 2 acogen un conjunto de trabajos realizados en diferentes momentos de la trayectoria de la artista que dan contexto a los nuevos proyectos y que permiten conocer, además, los orígenes conceptuales de la artista y sus preocupaciones estéticas.
Lara Almarcegui ha realizado proyectos en centros de arte, museos o bienales de todo el mundo. En 2013 representó a España en la Bienal de Venecia.
Arte de épocas inciertas. María Luisa Caturla, Museo Nacional de Escultura, Valladolid. Online. Esta muestra reúne una cuidada selección de obras que tratan de materializar algunas de las ideas desarrolladas por la historiadora del arte, María Luisa Caturla en su desconocido ensayo Arte de épocas inciertas. La exposición mostrará objetos artísticos de autores relevantes como Jean Arp, María Blanchard o René Lalique, además de un San Sebastián atribuido a Juan de Juni, recientemente adquirido por el Museo. Este proyecto sirve como complemento a la primera exposición digital elaborada por el MNE y que será accesible en: artedeepocasinciertas.com.
CATALUNYA
BARCELONA
Marta Palau, Mis caminos son terrestres, Fundación Tàpies, Barcelona. Del 27 de febrero al 22 de junio 2025.
La obra multidisciplinar de Marta Palau transita entre varios lenguajes artísticos, pero es en el tapiz donde encuentra el espacio de representación que le permite crear un diálogo entre dostradicionesdistintas,lacatalanaylamexicana Conlosaños,hallaráuncaminopropio matérico y temático que ahondará en los conceptos de migración, frontera, pertenencia a la tierra y los cuidados, entre otros Formada en el taller de Josep Grau-Garriga en uno de sus pocos viajes a Europa, sus tapices se caracterizan por el uso de elementos naturales o tradicionalesvinculadosasutierradeacogida,comoelyute,elmaízazulolacuerda Palau nunca quiso que la etiquetaran en ninguna corriente o tendencia y siempre consideró su arte como un espacio único y propio que no podía ser categorizado Sin embargo, en sus escritos declaró su admiración por la obra de Tàpies y Rothko, artistas a los que consideraba cercanos por su modo de concebir el arte y su práctica
Esta será la primera vez que pueda verse en Barcelona la obra de esta artista catalanomexicana, cuya práctica se quiere recuperar y dar a conocer La exposición será uno de los primeros proyectos de esta nueva etapa del Museu Tàpies que busca abrirse y dar visibilidad a algunos de los artistas a los que los discursos hegemónicos han dejado fuera de las instituciones
Marta Palau (Albesa, Lleida, 1934 – Ciudad de México, 2022), se exilió a México en 1940 junto con su familia, a consecuencia de la Guerra Civil española y de las posiciones políticas y de militancia que ostentaban algunos de los miembros de su familia Marta Palau tenía 6 años y nunca volvió a vivir a Catalunya, pero su conexión con sus raíces y con la tierra catalana la acompañaron durante toda su vida, como delatan algunas de sus obras.
Teresa Solar, MACBA, Barcelona. Del 21 de noviembre de 2024 al 9 de febrero de 2025.
La resistencia del lenguaje y la morfología del habla son dos características presentes en toda la obra de Teresa Solar (Madrid, 1985). Su trabajo parte de una constante búsqueda de múltiples conceptos presentados como enormes instalaciones escultóricas que, en los últimos años, se han ido complejizando a través de formas relacionadas con la resistencia, la oquedad, el cuerpo o la estructura ósea. Si en un primer momento la artista partía del dibujo y el vídeo como herramientas fundamentales de trabajo, con el tiempo, su producción se ha centrado en la práctica de la escultura y los nuevos materiales. Con ellos, ha ido articulando un despliegue de formas que retoman elementos emparentados con lo orgánico y conducen a un mundo de metáforas relacionadas con los flujos de corrientes, los vacíos y la conectividad entre orificios y huecos.
Este proyecto surge del interés del Museo CA2M y del MACBA por mostrar en una exposición individual la obra de Teresa Solar producida durante los últimos años. Comisariada por Tania Pardo (subdirectora del Museo CA2M) y Claudia Segura (comisaria de Exposiciones y de la Colección en el MACBA), la idea principal de la muestra es aludir a la relación con la materia, el lenguaje y la producción corporal a través de una museografía que varía, cambia y se expande de forma muy distinta en cada una de sus sedes.
El proyecto arranca con la presentación en el Museo CA2M, entendida como «espacio de contracción», para posteriormente viajar al MACBA, donde se ampliará con nuevas piezas, pasando a la fase de «espacio de dilatación». En el primero de estos dos capítulos, titulado El codo y el cuchillo, se hace hincapié en dos grandes instalaciones que condensan las investigaciones más recientes de Teresa Solar. En el segundo capítulo, titulado provisionalmente El codo, el cuchillo y la lengua, se establece un diálogo entre lo ficticio y lo real, ahondando en las narrativas sobre el proceso en las que se yuxtaponen nuevas formas y acabados plásticos que aluden a lo orgánico, junto con remates de estética industrial de acabados lisos y brillantes. Combinando obras recientes con proyectos primerizos, la exposición refuerza la presencia de la escultura con la práctica del dibujo, entendida aquí como reflexión y organización articulada sobre la percepción y la experiencia del origen de cada forma, así como las ideas que las orbitan.
Tras su presentación en el MACBA, la muestra viajará a Turín para ser expuesta en la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, donde estará comisariada por Irene Calderoni, curadora jefa de esta fundación, quien desarrollará una nueva relectura de la obra de Teresa Solar manteniendo algunas de las instalaciones mostradas en las sedes anteriores. Se trata, pues, de una exposición que va mutando en cada sede y que explora otras formas de complicidad entre instituciones, donde la práctica de la artista se expande y según el espacio en el que se encuentre.
Kima Guitart, “PLOUEN PREGÀRIES”, Fundación Felícia Fuster, Barcelona. Del 20 de noviembre al 14 febrero 2025.
Una instalación donde lo sagrado y trascendente confluye con las emociones más íntimas. “PLOUEN PREGÀRIES” es la interpretación de Kima Guitart de las banderas de plegarias tibetanas. En las banderas tibetanas de oraciones los conceptos son simbolizados o caligrafiados: Compasión, Paz, Fluidez, Amor, Armonía, Alegría o Sabiduría, entre otros, se materializan y, a través del viento que las traspasa, se transforman en bendiciones al entrar en contacto con un ser vivo. Kima Guitart ha caligrafiado o simbolizado también estos deseos en sus banderas, esparciendo signos de pan de oro o plata para enfatizar su sacralidad. Ha escogido la seda natural como soporte de su pintura por dos causas. Una, formal, porque es una seda bastante rígida, ligera y muy transparente y es como pintar el aire. La otra, por motivos simbólicos, pues la artista considera la organza un tejido con un fuerte valor simbólico, ya que ha acompañado hasta hace poco a las mujeres en los principales “rituales de paso” de sus vidas: bautizo, comunión y boda. Todos, rituales de VIDA. Hace varios años que la artista medita esta práctica, que además de ayudarle en el ámbito personal profundo, ha influido también en su forma de pintar. Le ha llevado a pintar como si fuera una meditación activa, con fluidez y dejando espacio para el azar y la improvisación. Cuando pinta, para ella es muy importante que todo fluya, que un color llame al otro y que el gesto surja sin pensar. La mano, el brazo y el gesto, en contacto directo con el pincel sobre la superficie de la seda, establecen una colaboración, una conversación. Sentir la vibración y escuchar su sonido.
Regina Silveira, Destructuras del poder, La Virreina, Barcelona. Del 16 de noviembre al 30 de marzo 2025.
Artista multimedia y figura clave del arte conceptual latinoamericano e internacional, Regina Silveira (Porto Alegre, 1939) es una de las pioneras en la experimentación con las nuevas tecnologías de reproducción técnica y circulación de imágenes en Brasil. A lo largo de más de seis décadas, su obra se ha centrado en analizar, criticar y desmantelar los sistemas convencionales de representación. Desde los años setenta, Silveira ha cuestionado y expandido las posibilidades de la percepción visual y de la perspectiva a través de aberraciones, anamorfosis, simulacros y paradojas. Llenos de ironía y desvíos conceptuales, sus proyectos gráficos, audiovisuales, performativos y tridimensionales comentan el pasado, cuestionan el statu quo y proyectan otras realidades y futuros posibles.
Esta exposición abarca gran parte de la investigación, experimentación y producción artística de Silveira. La muestra incluye un importante corpus de obras realizadas durante la dictadura cívico-militar brasileña (1964-1985), en un contexto de censura, violencia y represión. Se trata de una parte de su producción poco conocida, que dialoga con los tiempos presentes. Por un largo periodo, la creación y circulación de su trabajo se dio en contextos y sistemas alternativos y marginales, ajenos al mercado. En su trayectoria, fueron cruciales las redes de intercambio artístico y el arte postal, del mismo modo que la docencia y la investigación académica.
A través de juegos ópticos, de la deformación de sombras y de la intervención sobre imágenes en su mayoría tomadas de los medios de comunicación de masas y la historia del arte, Silveira llama la atención sobre las estructuras jerárquicas y los símbolos de poder, incluyendo el sistema artístico, las instituciones y los monumentos. A la vez, la artista invita a desarticularlos. Ya en la década de 1970, se anticipó a los debates sobre cuestiones sociales y ambientales proponiendo una reflexión crítica sobre la imaginería colonial exotizada y comúnmente asociada a Brasil. En la década de 1990, amplió este cuestionamiento político y social a toda América Latina.
Inicialmente bidimensional, su producción comenzó gradualmente a responder al cubo blanco, a arquitecturas específicas y a espacios públicos en forma de gráficas expandidas que estimulan la participación y alteran la percepción y la experiencia de los lugares. Además de sus obras y series más emblemáticas, esta exposición incluye bocetos y maquetas de algunas de sus intervenciones arquitectónicas y urbanas a gran escala, puesto que otro aspecto central en la trayectoria de Silveira es la búsqueda por dialogar con el espacio común y democratizar la experiencia artística. La muestra desborda las salas y apela al público de las Ramblas con una pieza de realidad aumentada que se ubica en el patio del Palau de la Virreina.
Mar Arza, Sotaveu, La Virreina, Barcelona. Del 16 de noviembre al 30 de marzo 2025.
Sotaveu es la primera exposición antológica sobre la obra de Mar Arza (Castelló de la Plana, 1976). En ella se presentan siete piezas inéditas, concebidas para esta muestra, junto a una serie de trabajos que se realizaron entre 1997 y la actualidad.
La trayectoria de Mar Arza evoluciona desde el interior de una poética sutil, minuciosa y al mismo tiempo rotunda, en la que somos convocados a «leer intensamente». Así, contra cierta prepotencia implícita en cualquier discurso ―el autor investido de autoridad―, sus proyectos solicitan una mirada e incluso una posición atenta a lo que se repliega y se resiste a ser percibido de manera inequívoca.
El lenguaje, o mejor, la retaguardia de las palabras, los modos en los que estas contribuyen al disenso, adopta un papel crucial en las gramáticas de la artista, quien no solo se ocupó de las abstracciones que sostienen todo mensaje, sino especialmente de sus más estrictas materialidades, desde el significado de una tipografía hasta los sistemas de construcción de imágenes o la corporeidad de un símbolo.
El escritor colombiano Juan Cárdenas identifica la ligereza como «una seña del gran arte, ese que parece flotar y evita verse grave». Efectivamente, lo ligero, es decir, las ideas emancipadas de la pesada solemnidad doctrinaria, se halla como fundamento en buena parte de los trabajos de Mar Arza, incluso en aquellos que desenmascaran cómo las artes han representado y estigmatizado el lugar social de las mujeres, y cómo han influido históricamente sobre él.
De ahí proceden sus rescates acerca de las políticas de la femineidad desarrolladas como corrientes subterráneas, sus relecturas de insubordinaciones que conspiraron frente a sus sucesivas hegemonías, que se tejieron en las fisuras de la memoria, indetectables pero firmes, a veces frágiles y secretas, siempre adelantándose para señalar qué está dispuesto a volar y qué se hunde.
Toda la obra de Mar Arza se sitúa en una suerte de parpadeo epistemológico que permite ver el rostro y las herramientas de lo apremiante y de lo que merece ser pensado de nuevo, transmitido de otra forma. Y es que, cuando las certezas escasean, cuando el nihilismo deviene un ornamento vacuo y, sobre todo, cuando hay que tomar la palabra, necesitamos que los artistas hagan de la perplejidad un manifiesto, que hilvanen las urgencias con las metáforas.
Pilar Aymerich, memoria de vida, Centro de Arte Tecla Sala, L’Hospitalet de Llobregat. Del 24 de octubre al 30 de marzo 2025.
Pilar Aymerich (Barcelona, 1943) inicia su trayectoria profesional en la fotografía a finales de los años sesenta, en el marco del tardofranquisme y la Transición española. Su cámara será testigo de manifestaciones, huelgas, celebraciones y movimientos sociales, siempre desde una conciencia social, humanista y feminista.
Inicialmente se forma en dirección teatral en la Escuela de Arte Dramático Adrià Gual, en Barcelona. Después de un periodo de formación en Londres y en Francia, vuelve a Barcelona el año 1968, donde empieza su trayectoria en la fotografía, publicando a partir de entonces en múltiples revistas y rotativos, como Sierra de Oro, Triunfo, Destino, El Viejo Topo o El País.
Las imágenes de Aymerich se caracterizan desde sus inicios por poseer un potente carácter narrativo que fluye en paralelo a los textos que acompañan. Sus reportajes fotográficos se constituyen en secuencias en que se puede identificar un principio, un desarrollo y un final de la situación o la acción que se captura.
El fotoperiodisme que practica Aymerich rehuye la distancia, la supuesta objetividad del documental. Sus imágenes surgen del conocimiento de una situación dada, de la familiaridad con el entorno y de las relaciones interpersonales que construye. Su obra constituye un referente para el fotoperiodisme de la segunda mitad del siglo xx, en un ámbito en que las mujeres eran una minoría.
La exposición actual, comissariada para Neus Miró, que incluye fotografías y una proyección desconocida, es el primero que se organiza entorno a su trayectoria, merecedora del Premio Nacional de Fotografía el año 2021.
Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas, CaixaForum Barcelona. Del 23 octubre al 16 de febrero 2025.
No es solo un personaje literario. A lo largo de 160 años, Alicia se ha convertido en símbolo, metáfora e incluso fenómeno de masas. Desde el Victoria and Albert Museum de Londres llega la exposición más ambiciosa dedicada a la influencia de Alicia en el país de las maravillas en el imaginario colectivo actual, desde el mundo del arte y la moda hasta el psicoanálisis o el cine.
Antonia del Río, Una poética del uso: hacer servir la biblioteca, Fundació Suñol, Barcelona.
Este proyecto consta de una parte presencial, que tendrá lugar en la biblioteca de la Fundació Suñol, y otra online, que podrá encontrarse en nuestra web en el marco del proyecto Shortcut. La propuesta presencial de este proyecto parte de la activación de la biblioteca como espacio creativo de la Fundació Suñol. La artista ha seleccionado un conjunto de monografías de algunos artistas consagrados que forman parte o han formado parte de la Colección Suñol Soler, y que se encuentran ampliamente representados en la biblioteca. Antònia del Rio selecciona fragmentos que hacen referencia a la construcción del discurso historiográfico sobre el artista genio y las obras de arte consideradas obras maestras, y destaca la información personal, con especial interés sobre la paternidad de estos autores y las implicaciones de esta condición en sus trayectorias profesionales, así como la profesión de artista en la saga familiar o aquellas citaciones que transcriben voz de los mismos autores. Los libros intervenidos en la biblioteca de la fundación forman una constelación de señales amarillas en los lomos que nos permiten identificarlos. En el interior encontramos encartados unos acetatos transparentes que han servido para subrayar el texto. De esta manera, se hace visible un contenido que ya formaba parte de la Fundació Suñol pero que, a través de la mirada del artista, emerge en clave crítica para proponernos un contrarrelato posible, a la vez que invita a encontrar otros. En el apartado online, titulado S/T Mapa de relaciones, Antònia del Rio presenta un mapa de relaciones que parte de la información extraída del proyecto de la biblioteca. En este mapa de relaciones o sociograma, conecta una serie de artistas que se conocieron personalmente, según aparece de manera explícita en los catálogos que ha leído. Otras informaciones que podemos encontrar en el mapa son: si los artistas son padres, si podemos conocer los nombres de los respectivos hijos e hijas, si sus progenitores eran artistas o si los artistas en cuestión siguen vivos en la actualidad.
GIRONA
Roser Bru, Superar la distancia, Museu d’Art de Girona. Del 23 de noviembre 2024 al 30 de marzo 2025.
Està dedicada a l’obra i figura de l’artista catalana-xilena Roser Bru i Llop (Barcelona 1923 – Santiago de Xile 2021). Roser Bru va néixer a Barcelona i de ben petita va viure un primer exili familiar a París, durant la dictadura de Primo de Rivera. Retornats a Barcelona van viure intensament la proclamació de la República i seguidament un segon i definitiu exili que portaria a la família, primer a França i seguidament a Xile, embarcats en el vaixell Winnipeg, llogat per Pablo Neruda, el qual llavors era cònsol a París.
Roser Bru va estudiar Belles Arts a Santiago i va mantenir una gran amistat amb Neruda, així com amb altres exiliats catalans, especialment amb l’escriptora Montserrat Abelló. De fet, malgrat que va desenvolupar tota la seva carrera artística a Xile, Bru sempre va mantenir vives les arrels catalanes i els contactes amb artistes i escriptors catalans. La seva obra primera va estar influenciada per les iconografies del romànic català, especialment les figures totèmiques de les marededeus, i també una evident influència de l’informalisme català, sobretot de l’obra de Tàpies, que va descobrir en un primer viatge de retorn a Catalunya l’any 1958.
Pintora i gravadora, va esdevenir una de les artistes més destacades i reconegudes a Xile, on va ser guardonada amb el Premio Nacional de Artes Plásticas, el 2015. El 2018 va rebre la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes Españolas, com a reconeixement i homenatge a la seva figura. Cinc anys més tard va rebre la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya.
Bru va morir amb 98 anys el 2021. Just l’any passat es va celebrar a Xile en centenari del seu naixement, que es fa extensiu ara amb l’exposició del Museu d’Art de Girona.
LLEIDA
TARRAGONA
EXTREMADURA
BADAJOZ
Victoria Gil, Coser el río, MEIAC, Badajoz. Del 20 de septiembre de 2024 al 26 de marzo de 2025.
Comisaria: Esther Regueira.
Coser el río es un relato visual y afectivo generado con el trabajo de Victoria Gil (Badajoz, 1964), una de las primeras artistas españolas cuya práctica ha estado posicionada en las corrientes feministas desde sus inicios a finales de los años ochenta. Obras creadas específicamente para esta exposición se muestran junto a otras anteriores que contextualizan su trabajo y ayudan a generar un espacio que elude formas de control e invita a dejar fluir los pensamientos y los deseos. Cuadros, dibujos, documentación de performances o prácticas textiles, plagados de referencias históricas y políticas, en los que la artista propone una clara desjerarquización de los géneros, formatos y técnicas establecidos a lo largo de la historia. Propuestas que versan sobre de las violencias de género, la construcción política de los cuerpos, los tabúes impuestos por la religión, las consecuencias de los procesos decoloniales y los efectos del capitalismo en nuestras identidades, deseos, cuerpos y subjetividades, temas a los que podemos añadir el amor y las relaciones que se derivan de las interpretaciones siempre subjetivas de este sentimiento, abordados con dos de las herramientas fundamentales de la práctica de Gil: la transgresión y un particular sentido del humor. Victoria Gil no solo homenajea a mujeres conocidas que han pasado a la historia con nombre propio como Teresa de Ávila o las piratas Mary Read y Anne Bonny, entre muchas otras, sino también a las ciudadanas anónimas cuyas vidas y labores son tan fundamentales como las de las otras: trabajadoras del campo, cuidadoras, colonizadas palilleiras gallegas o bordadoras extremeñas en piezas en las que recupera la memoria doméstica de las mujeres que los relatos oficiales han obviado. Para ello, recurre a las artes textiles como lenguaje artístico entendiendo que la costura, el bordado y el tejido no son un pasatiempo de las mujeres relegado al ámbito de lo doméstico, sino una acción política feminista con el potencial de activar debates sociales. Esta artista afirma trabajar desde la intuición, pero la suya es, sin duda, una “intuición” formada e informada, alimentada por lecturas, películas, exposiciones, conversaciones y experiencias, así como por reflexiones, que comparte con nosotras, para que juntas podamos coser muchos más ríos.
CÁCERES
GALICIA
A CORUÑA/ SANTIAGO DE COMPOSTELA
Mar Caldas, Mujeres, Trabajo y memoria, CGAC, Santiago de Compostela. Del 31 enero al 25 de mayo 2025.
Comisaria Monse Ceo.
En el marco de su programa de artistas de media carrera, el CGAC presenta una muestra individual de la artista Mar Caldas, pionera del arte feminista en Galicia. Su obra, fundamentalmente fotográfica, renueva siempre su cariz reivindicativo para atender a los diferentes obstáculos que, por su condición, atenazan la vida de las mujeres.
En esta ocasión, nos invita a un recorrido por su obra reciente, en la que el trabajo de las mujeres y la denuncia de su escasa consideración, pasada y presente, ocupan la centralidad del discurso. Su propuesta nos habla de la realidad laboral de las mujeres gallegas durante tres generaciones. Nieta de sindicalista fusilado, Caldas reclama su identidad como víctima transgeneracional del franquismo: nieta de viuda abocada a la escasez y las privaciones e hija de madre telefonista que perdió su trabajo por el hecho de contraer matrimonio. La exposición se desarrollará en tres salas y contará, además, con un anexo documental. Con la fotografía como protagonista, desplegará un amplio abanico de formalizaciones: collage fotográfico con imágenes apropiadas, series fotográficas de creación propia en gran formato, la imagen fotográfica proyectada a modo de instalación y como base de una obra fílmica… e incluso una pieza fotográfica en formato “tarjeta para llevar”. La tercera sala estará dedicada al proyecto Retrato de familia, realizado ad hoc para esta exposición.
Concha Jerez y José Iges. Resignificaciones, CGAC, Santiago de Compostela. Del 14 febrero al 1 junio 2025.
Comisaria: Alicia Murria.
Con relevantes trayectorias individuales Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941) y José Iges (Madrid, 1951) han desarrollado de forma paralela, desde hace más de tres décadas, una producción común que se contamina y enriquece en la diferencia de sus respectivos lenguajes. Partiendo del concepto de resignificación, esta muestra conjunta reúne obras realizadas entre 1989 y 2023. Bajo esta idea, lo que Iges y Jerez plantean es, en sus propias palabras, “una operación que permite asignar a un objeto, medio o situación cualidades hasta ese momento inesperadas, imprevistas”. En la filosofía de estas obras subyacen planteamientos que enunció Guy Debord tanto en su libro La sociedad del espectáculo (1967) como en su obra fílmica.
A través de imágenes fijas y en movimiento, objetos reutilizados, sonidos cotidianos, fotografías, entrevistas, obras ideadas para radio, videoperformances y documentos —muchos de ellos procedentes de los medios de comunicación y su ruido—, Jerez e Iges componen una especie de paisajes visuales y sonoros que analizan, tensan, describen, y parodian a veces, el mundo que nos rodea. Se trata de un trabajo en el que confluyen lenguajes que, como el vídeo, la performance, el arte radiofónico o las instalaciones, han complejizado las prácticas artísticas tradicionales.
Una obra como Arenas movedizas, videoinstalación fechada en 2008, ofrece un despliegue de noticias verdaderas que parecen falsas y a la inversa, señales que desorientan a quien los contempla e invitan, entre proyecciones y sonidos, a participar en un juego donde lo real se disuelve en un territorio de inseguridad. Mientras, la pieza Bazar de utopías rotas aborda temas como los acuerdos internacionales en defensa de los derechos humanos, infringidos de forma continuada, y lo hace a través de una gran mesa de negociaciones con espejos, cristales rotos, textos y sonidos, entre otros elementos. En otro orden, Viaje a ninguna parte aborda, mediante cuatro acciones grabadas en vídeo en zonas no accesibles al público en el edificio de Tabacalera en Madrid, una contraposición de tiempos que enfrenta a un espacio que, creado para ser una estructura fabril y abandonada hace varias décadas, vive hoy nuevos usos culturales, reflejando el cambio de los tiempos que ha quedado impreso en sus paredes. Otras piezas nos plantean temas igualmente vigentes como el control ejercido sobre la ciudadanía, la videovigilancia, el funambulismo de la profesión artística, la desinformación o las continuas agresiones a los derechos humanos. Jerez e Iges arrojan luz sobre la actualidad, a veces desde la ironía y otras adoptando un tono poético, pero siempre partiendo de una inteligencia ética.
LUGO
Elas. O Vello Cárcere, Lugo. Exposición permanente.
Se trata de un proyecto en colaboración entre Aurora Marco, que es investigadora, historiadora y profesora de la USC, y varias artistas locales: Chelo Rodríguez, Ehlaba Carballo, Irene Silva Xiráldez, María Manuela, María Xesús Díaz, Novais, Sabela Arias Castro y Vanessa Lodeiro. Tras la investigación de Aurora sobre mujeres gallegas que destacaron como artistas en diferentes etapas de la historia gallega y en distintos campos de creación, las artistas crearon una serie de piezas en homenaje a ELLAS.
PONTEVEDRA
VIGO
“Una imagen de sí”, MARCO, Vigo. Del 5 de diciembre al 9 de marzo 2025.
Con frecuencia, las colecciones de arte son fruto de arranques más ligados al entusiasmo que a la planificación fría. Las que nacen desde un apoyo económico fuerte suelen querer reflejar la historia reciente o la última actualidad; las que parten casi desde el silencio, optan por ir tejiendo una especie de tela de araña en la que se hacen posibles los diálogos, desde un claro compromiso con una contemporaneidad plural. Obras y nombres hacen que se creen relaciones y vaya fluyendo, hasta hacerse visible, nítido, un relato que, con frecuencia, estaba en el origen.
La colección del MARCO, incipiente, señala su campo de incidencia en su primera exposición con fondos propios, reuniendo obra central de tres artistas: una viguesa, otra bilbaína residente en Pontevedra y una tercera cubana residente en México. La intención de la propuesta es clara: poner en relación el mejor arte gallego con el exterior, especialmente el peninsular y el americano, en sintonía con nuestra historia.
De las tres artistas seleccionadas se muestra una amplia representación de su trabajo –casi a modo de pequeñas exposiciones de cámara, con ese ambiente íntimo característico, en el que cada propuesta solo se ve alterada por la presencia de las otras. Se eligen temas afines como son la identidad, el autorretrato, la presencia del cuerpo, la vindicación de la condición femenina, las referencias a la historia, al arte, a símbolos de culturas cercanas por lo vivido o por lo emocional, las preguntas, el compromiso.
Yolanda Herranz Pascual (Barakaldo, 1957) y Andrea Costas Lago (Vigo, 1978) reconocen en Marta María Pérez Bravo (La Habana, 1959) un referente ético y estético, pero a ella le sorprenden la rotundidad y el toque personal de las propuestas de sus compañeras. Y en ese diálogo, en esa complicidad de objetivos, es en donde el espectador asiste a ese juego de miradas, de ecos y sorpresas que está siempre presente en el arte.
“Una imagen de sí” sirve de presentación a un proyecto de colección que terminará concretándose en los próximos años, cuando la tela de araña que empezamos a trazar adquiera una clara presencia física.
Susanne Themlitz, El lenguaje de las cosas mudas, MARCO, Vigo. Del 8 de noviembre hasta el 13 de abril de 2025.
Desde que se dio a conocer, a mediados de los años noventa, Susanne Themlitz (Lisboa, 1968) ha defendido una práctica artística en la que recurre a los medios y materiales más próximos. Sus pinturas iniciales y objetos de pequeña escala y de tratamiento denso, dieron paso a fotografías y recreaciones de paisajes transportables, generalmente habitadas por pequeños personajes. En las últimas décadas, desde su doble residencia, portuguesa y alemana, plantea una obra ambiciosa en la que plasma las ideas en dibujos y pinturas sobre papel o muro, esculturas, fotografías, vídeos, objetos, textos, junto a materiales recogidos de los almacenes de las instalaciones en las que expone.
Su proyecto para el MARCO, además de servir de reflexión sobre la memoria de los materiales, la vida del propio centro y su entorno, revisa los diferentes planteamientos estéticos de la artista, con un montaje que busca la sorpresa del público, al formular de modo diferente cada una de las salas. Susanne Themlitz construye un mundo con autonomía en cada espacio. Una exposición, por lo tanto, que permite repasar los intereses estéticos de la artista, la evolución de su obra, y su mirada sobre la ciudad que acoge la muestra.
C. MADRID
María Medem, Juego infinito de cuerdas bajo el sol, CA2M, Móstoles, Madrid. Del 1 de febrero al 24 de aosto 2025.
Con esta primera intervención gráfica de Maria Medem se abre un espacio de reflexión sobre la ilustración en el Museo CA2M. El universo imaginario de María Medem, reflejado en distintas zonas no expositivas del Museo genera una atmósfera sensorial y experimental donde los límites entre lo real, lo extraño y lo ambiguo se desdibujan y materializan en diversas formas.
Sakiko Nomura, Fundación MAPFRE Sala Recoletos, Madrid. Del 6 de febrero al 11 de mayo 2025.
Las obras Sakiko Nomura (1967), una de las fotógrafas más destacadas de su generación, casi siempre se presentan en blanco y negro, retratando atmósferas nocturnas, misteriosas y llenas de sombras, con grano visible o desenfocadas.
En esta su primera gran retrospectiva los desnudos, donde la tensión erótica se envuelve en una atmósfera de ternura y misterio, conviven otras imágenes de animales, paisajes naturales, calles y carreteras vacías, ciudades, bosques, habitaciones de hotel, plantas, fuegos artificiales o fenómenos atmosféricos para acabar formando una serie de narrativas interrumpidas que evocan ficciones cinematográficas.
Marina Vargas: Revelaciones, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. De 10 de febrero a 4 de mayo 2025.
La exposición Marina Vargas: Revelaciones forma parte del ciclo “Kora” que impulsa, desde el museo, la visibilidad de los trabajos realizados por mujeres artistas de la escena actual, con una perspectiva de género.
Para esta muestra, Marina Vargas (Granada, 1980) trabaja sobre un corpus de investigación en torno al silenciamiento de las mujeres a lo largo de la historia, especialmente en la historia de lo sagrado y lo espiritual, algo que ya investigó en proyectos anteriores, y que ahora focaliza en revelar las aportaciones de las mujeres. A partir de la figura de María Magdalena, estudiada por teólogas feministas como Karen King (Universidad de Harvard), Cynthia Bourgeault (Universidad de Pensilvania) o Meggan Watterson (Universidad de Columbia), Vargas traza un recorrido expositivo que explora las figuras de las mujeres en la historia del arte, en la imaginería, pero también en el relato sagrado a partir de su biografía y su experiencia personal, con una perspectiva actual que busca romper el silencio patriarcal que las ha relegado a un segundo plano. Estas “Revelaciones” muestran lo oculto a través de un trabajo nuevo que se presentará por primera vez en esta exposición.
Almudena Lobera, Secuencia Plano Secuencia, CentroCentro. Desde 12 de febrero 2025.
La artista transformará el espacio de CentroCentro reconfigurado su estructura a través de un site specific y una intervención sensorial. La exposición es un diálogo entre lo superficial y lo profundo que propone un juego constante con las percepciones del espectador.
Huguette Caland, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 19 de febrero al 25 de agosto de 2025
Primera gran retrospectiva en Europa de la artista libanesa Huguette Caland (1931-2019), cuya vida y obra supuso un constante desafío a las convenciones estéticas, sociales y sexuales de su tiempo.
La muestra reúne aproximadamente 200 obras, entre dibujos y pinturas, textiles y collages, procedentes de Oriente Próximo, Europa y Estados Unidos, para abordar una nueva narrativa de la producción de la artista más allá de las más frecuentes lecturas en torno a su libre actitud feminista y su desarraigo cosmopolita.
El discurso transita los centros en los que Caland desarrolló una prolífica obra: su convulso Beirut natal, el liberalismo utópico del París de los años 70 y 80 y la decadencia bohemia de la escena artística de Los Ángeles, concentrada en Venice Beach, en los años 90 y primeros 2000.
En el marco de este mundo simultáneamente descolonizado y neoliberal, se desvelarán una multiplicidad de lenguajes, escritos y plásticos, que configuran los aspectos comunicativos, pero también las expresiones sublimadas de la obra de Caland, en la que la sensualidad de los cuerpos y sus partes, las palabras y sus correlatos, parecen establecer un diálogo constante.
Desde sus más célebres series, como Bribes de corps, pasando por sus particulares kaftanes, hasta otras menos conocidas, como su nutrida producción de autorretratos, la exposición revela, más que una evolución estilística de los diferentes momentos formales de su obra, una serie de recursos y estrategias plásticas construidas sobre colores y formas, líneas y retículas, o repetición de figuras, pero también sobre las palabras que pueblan su obra.
Laia Estruch, Hello Everyone, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 26 de febrero al 1 de septiembre de 2025.
La práctica de Laia Estruch (Barcelona, 1981) aborda la voz humana como un elemento material y las cuerdas vocales como herramientas, explorando así un lenguaje sonoro que va más allá de la mera interpretación de palabras habladas o cantadas. Este proceso de creación se desarrolla normalmente en escenarios escultóricos interactivos, y a menudo monumentales, que la artista crea para cada proyecto vocal específico.
Hello Everyone concentra los proyectos que ha producido desde 2011 hasta la fecha, presentados de manera conjunta como una nueva instalación: un archivo fragmentario y reverberante que incluye la exhibición de esculturas, sonidos, imágenes en movimiento, obras gráficas y partituras visuales, ocupando todo el espacio expositivo. Será, en parte, una exhibición retrospectiva, y a su vez, un almacén transitable que vive y respira.
Una de las principales cuestiones que plantea será la encarnación y performatividad, más allá de la presencia física de su creadora. Su cuerpo de trabajo artístico, la propia corporalidad de Laia Estruch, los cuerpos de sus colaboradoras, así como los volúmenes de las personas que transitan por los distintos espacios, son participantes activos de una experiencia de exploración y de descubrimiento constante del volumen y de la voz.
A pesar de que el proyecto incluye performances y actuaciones en directo de la artista en momentos puntuales, estos no son la modalidad principal a la que queda subordinada la exposición en el Museo Reina Sofía. Sus esculturas se entienden como almacenes-árchivos en sí mismos, es decir, los usuarios podrán acceder a todos los ensayos y activaciones que Estruch ha realizado a lo largo de su carrera.
Mar Solís, Origen, CentroCentro, Madrid. Desde 27 de febrero 2025.
Comisariada por Lorena Martínez de Corral, la artista madrrileña Mar Solís trabaja en una macro instalación escultórica realizada específicamente para el espacio de la planta 4 de CentroCentro.
Joana Vasconcelos, Palacio de Liria, Madrid. Del 14 de febrero al 31 de julio de 2025.
Joana Vasconcelos, una de las creadoras más destacadas del panorama artístico contemporáneo. Conocida internacionalmente por sus esculturas e instalaciones monumentales, la artista lisboeta intervendrá los salones y jardines del Palacio de Liria, fundiéndose con su historia, como ya hizo en 2012 en Versalles.
Su obra se caracteriza por la descontextualización de los objetos cotidianos y la adaptación del concepto de artesanía al siglo XXI para generar un diálogo entre la esfera privada y el espacio público, el patrimonio popular y la alta cultura. De esta forma cuestiona con humor e ironía la condición de la mujer, la sociedad de consumo y la identidad colectiva.
Mª Antonia García de la Vega, Pasajeras en CentroCentro, Madrid. Desde 11 de febrero 2025.
Una muestra del trabajo fotográfico que lleva años retratando a las mujeres de la cultura en España. Reunirá más de un centenar de estos retratos, coincidiendo con la celebración en el mes de marzo del Día Internacional de la mujer.
Gabriele Münter, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. Del 12 de noviembre de 2024 al 9 de febrero de 2025
Primera retrospectiva en España centrada en Gabriele Münter, una de las figuras sobresalientes del expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.
Gabriele Münter (1877-1962) destaca por ser una de las fundadoras de El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), el legendario grupo de artistas expresionistas con sede en Múnich. La exposición presenta más de un centenar de pinturas, dibujos, grabados y fotografías a través de las cuales se puede conocer más a una artista que se rebeló contra las limitaciones de las mujeres de su época.
Las obras de la pintora alemana se caracterizan por el uso de líneas precisas y colores intensos sumergiendo al espectador en su mundo privado. Amantes, amigos, objetos cotidianos, paisajes o ella misma son reducidos a su esencia en sus trabajos.
La muestra da comienzo con un capítulo centrado en sus inicios como fotógrafa amateur y analiza cómo su relación con este medio de expresión moderno fue fundamental para su desarrollo posterior. A continuación, se centra en la creación pictórica con un recorrido cronológico-temático con las obras realizadas en sus viajes por Europa y el Norte de África junto a su pareja Wassily Kandinsky, y prosigue con un capítulo dedicado a sus obras maestras del periodo de El Jinete Azul. Finalmente, la exposición se centra en el periodo de su exilio en Escandinavia durante la Primera Guerra Mundial y los caminos de expresión que encontró tras su regreso a Alemania.
A lo largo de su larga carrera, Gabriele Münter ha demostrado su capacidad de adaptación, así como sus ansias de experimentación y su falta de prejuicios ante lo nuevo o diferente. La exposición quiere mostrar la riqueza de una artista muy conocida en Alemania pero que solo en los últimos años ha empezado obtener mayor relevancia en el resto de Europa.
Este proyecto es resultado de la colaboración del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza con la Gabriele Münter-und Johannes Eichner-Stiftung y la Städtische Galerie am Lenbachhaus und Kunstbau de Múnich.
Liliana Porter, Huellas y vestigios, Casa de la Moneda, Madrid. Del 7 de noviembre 2024 al 9 de marzo 2025.
El año pasado la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre – Real Casa de la Moneda le concedió el Premio Tomás Francisco Prieto de Medallística en reconocimiento tanto a su trayectoria internacional como a la diversidad de técnicas que ha empleado (dibujo, grabado, fotografía, escultura) en su reflexión sobre los métodos de reproducción y las posibles fronteras de la representación. Actualmente predominan en sus creaciones la fotografía, el vídeo, los collages y las pequeñas instalaciones: figuritas y recuerdos discretos tomados de sus viajes -con trasfondo histórico y geográfico- que dispone sobre fondos vacíos monocromáticos para aludir a cuestiones filosóficas y estados emocionales. Ese galardón está dotado con 20.000 euros e implica el compromiso de diseñar una medalla que después es acuñada por esta institución, además de una antológica en el propio Museo Casa de la Moneda.
Grada Kilomba, Opera to a Black Venus, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 20 de noviembre al 31 de marzo 2025.
La exposición Opera to a Black Venus dedicada a la artista multidisciplinar Grada Kilomba (Lisboa, 1968) reúne una selección de obras de carácter instalativo en la que se articula como la más completa presentación de su trabajo hasta la fecha en España. Formada en psicología clínica y psicoanálisis en el Instituto Superior de Psicologia Aplicada (ISPA), en Lisboa, trabajó en el Hospital Júlio de Matos con supervivientes de la guerra de Angola y Mozambique antes de hacer su doctorado en Filosofía por la Freie Universität de Berlín. Muy influida por la obra del revolucionario filósofo, escritor y psiquiatra Frantz Fanon, Kilomba comenzó a investigar y escribir sobre la memoria, el trauma, la raza y el género para interrogar las conexiones entre el poder, el saber y la violencia. Con esta sólida base académica en el psicoanálisis clínico y la filosofía, así como una larga trayectoria como investigadora, la artista amplió más tarde sus intereses sobre estas cuestiones por medio de distintos formatos, que abarcan la performance, la lectura escénica, el vídeo, la fotografía y las instalaciones escultóricas y sonoras de gran formato. Por medio de estos la artista analiza los sistemas dominantes de producción de conocimiento y propone un proceso de desaprendizaje respecto a la epistemología occidental con la intención de impugnar la linealidad de la historiografía que de algún modo perpetúa la economía colonial.
Su trabajo destaca por una práctica subversiva del storytelling, o narración de historias, con la que crea un imaginario poético que le permite apelar al arte como medio de resistencia: ¿quiénes han sido los sujetos legitimados para contar historias?, ¿cuáles han sido las historias aceptadas como vertebrales?, ¿cómo y dónde se han articulado dichas historias? son algunas de las cuestiones que atraviesan la práctica de esta artista que combina un lenguaje híbrido entre lo académico y lo artístico. Así, por medio de lo que Kilomba describe como Performing Knowledge da cuerpo, voz, forma y movimiento a sus propios textos.
La muestra, que adopta el título del último proyecto de la artista Opera to a Black Venus (2024), reúne una serie de instalaciones que invitan al espectador a cuestionarse su propia posición dentro de la historiografía hegemónica, así como a considerar formas alternativas de relacionarse con el pasado. Insertas en el contexto museístico las obras de Grada Kilomba problematizan la asepsia del cubo blanco como espacio de exhibición neutral y reclaman nuevos modos de responsabilidad e imaginación institucional.
Soledad Sevilla, Ritmos, tramas, variables, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 25 de septiembre al 10 de marzo de 2025.
A lo largo de su carrera, la pintora Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha desarrollado un riguroso lenguaje basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas partiendo de módulos geométricos. Esta exposición, comisariada por Isabel Tejeda, repasa cronológicamente la trayectoria de la artista a través de más de un centenar de obras que abarca desde sus primeros pasos en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid hasta sus producciones actuales, algunas realizadas específicamente para la muestra. La retrospectiva incide en la afirmación de la artista de que ha pintado el mismo cuadro toda su vida, conectando sus primeros trabajos de la década de 1960 con sus últimas series como Horizontes blancos o Sempere, en la que homenajea a su referente y amigo Eusebio Sempere.
Aunque ligada en sus inicios al heterogéneo grupo de artistas españoles adscritos a los presupuestos estéticos de la abstracción geométrica —con los que ha mantenido afinidad toda su vida—, Sevilla pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta plástica. Entre 1980 y 1982, realiza una estancia en Boston fundamental en el desarrollo de su carrera. Allí lleva a cabo, entre otros proyectos, las series Keiko, Stella y Belmont, compuestas por dibujos de líneas individuales, finas y ligeras que preconizaban la sensación de vibración tan característica de su pintura posterior. A su regreso, la línea, las tramas y la luz como vehículos de la emoción llevan a la artista a trabajar sobre dos hitos esenciales de la cultura española, Las Meninas de Diego Velázquez y la arquitectura andalusí de La Alhambra de Granada —ciudad en la que reside en la actualidad—.
Hacia mediados de la década de 1990, una acumulación de pinceladas comienza a invadir sus telas rítmicamente —como se observa en En ruinas II o Díptico de Valencia— y la naturaleza se apropia de sus obras. Un “magma vegetal”, en palabras de la propia Sevilla, compacta la superficie del lienzo para ir dejando ver progresivamente una línea de luz. Las vegetaciones colgantes, las noches de insomnio —representadas en su serie Insomnios— y las arquitecturas agrícolas, conducen al espectador a mirar el mundo a través de la trama. Tramas de hojas o de mallas de plástico inspiradas en los secaderos de tabaco de la Vega granadina.
La generación de instalaciones, con las que Soledad Sevilla expande sus preocupaciones estéticas hacia lo espacial, ha sido otra de las líneas de fuerza de su trabajo desde la década de 1980. Esta exposición documenta alguna de sus intervenciones históricas como Vélez Blanco, realizada en el castillo de Vélez-Blanco de Almería en el marco del Proyecto Plus Ultra con motivo de la Expo ’92; o El tiempo vuela, una suerte de vanitas que pudo verse por primera vez en la Galería Soledad Lorenzo en 1998. Al mismo tiempo, la artista presenta Donde estaba la línea, una nueva instalación site-specific en la que utiliza el hilo de algodón para intervenir el espacio del Museo.
MURCIA
CONTEMPORÁNEAS, Palacete Huerto Ruano, Lorca, Murcia. Del 11 de enero al 8 de marzo de 2025.
Comisariada por Eva Hernández Calderón.
Organizada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Lorca y el Instituto de Arte y Cultura , la muestra, a través de la diversidad, reúne a 30 artistas nacionales e internacionales de diferentes generaciones y disciplinas, reflexionando sobre la estética de lo femenino desde múltiples enfoques.
CARTAGENA
NAVARRA
Luna en el agua, Museo de Navarra, Pamplona. Hasta 23 de febrero 2025.
Luna en el agua tiene su origen en el deseo del Museo de Navarra de mostrar la visión del paisaje, un tema tan tratado en nuestra tierra, de las artistas navarras y su encargo a Celia Palacio Ochoa. La comisaria presenta un proyecto con un triple carácter: reparador de la escasa presencia y visibilidad de la obra artística de autoría femenina en las colecciones públicas y en el panorama artístico hasta hace pocos años; integrador de épocas, disciplinas y propuestas artísticas y didáctico, no solo en el ámbito de las artes plásticas y visuales sino también como valioso material de estudio para una reflexión sociológica y filosófica.
La exposición aborda el género del paisaje desde las diversas miradas de 34 artistas navarras (o relacionadas artísticamente con la Comunidad Foral) nacidas entre 1894 y 1993. Conforman tres generaciones de artistas de quienes se muestran 55 obras.
La amplitud del periodo que abarca determina la diversidad de las obras que reúne, en cuanto a estilos, disciplinas, técnicas y propuestas artísticas. Se muestran pinturas, dibujos, grabados, fotografías, esculturas, instalaciones, collages, fotomontajes, tejidos, cerámica, video, que reflejan los cambios ocurridos durante este tiempo, tanto en el propio paisaje como en la forma de representarlo.
A través de este material artístico, la muestra plantea que, así como el entorno natural y social y su acelerada transformación, permean toda la obra de las artistas, ésta, a su vez, constituye para quien la visita, un material imprescindible para la investigación y la reflexión.
Artistas
Greta Alfaro (Pamplona, 1977)
Lydia Anoz (Pamplona, 1925 -2017)
Iranzu Antona (Pamplona, 1979)
Elena Asins, (Madrid, 1940 – Azpiroz, 2015)
María Azkarate (Vitoria-Gasteiz, 1977)
Piluca Azparren (Pamplona, 1947)
Isabel Baquedano (Mendavia, 1929- Madrid, 2018)
Conchita Bardají (Jaca, Huesca, 1972)
Francis Bartolozzi (Madrid, 1908 – Pamplona, 2004)
Adela Bazo (Cascante, 1905 – Buenos Aires, 1989)
Concha Cilveti (Pamplona, 1942)
Nerea de Diego (Pamplona, 1974)
Pilar García Escribano (Murchante,1942)
Karle Garmendia (Oroz-Betelu 1898, Pamplona, 1983)
Elena Goicoechea (Pamplona, 1922 -2013)
Asunción Goikoetxea (Pamplona,1962)
Elena Goñi Goicoechea (Pamplona, 1968)
Mercedes Goñi Navaz (Pamplona,1945)
Amaia Gracia Azqueta (Pamplona,1985)
Isabel Ibáñez (Pamplona, 1946)
Rosa Iribarren (Tudela, 1894, Madrid, 1958)
Alicia Irigoyen (Zudaire,1962)
María Jiménez Moreno (Pamplona, 1978)
Marisa Mantxola (Donostia-San Sebastián, 1967)
Ana Mari Marín (Elizondo, 1933-2020)
Amaia Molinet (Lodosa, 1988)
Isabel Peralta (Pamplona, 1921- Alicante, 2007)
Txon Pomés (Pamplona, 1956)
Meryan Rivers (Bilbao, 1972)
Teresa Sabaté (Pamplona, 1955)
Carmen Salgado Amado (Lima, Perú, 1960).
Sagrario San Martín (Pamplona, 1952)
Amaya Suberviola (Mendavia, Navarra, 1993)
Gentz del Valle (Lekeitio, 1957)
COMUNIDAD VALENCIANA
ALICANTE
Esther Ferrer, MACA, Alicante. Desde 26 de octubre 2024 hasta 9 de febrero 2025.
Comisaria: Margarita de Aizpuru.
La exposición de la artista plástica y performer Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) se centra en la idea de la mujer y de su cuerpo en interrelación con el tiempo y con el espacio. Un cuerpo, el de la propia artista, desde el cual produce acciones y trabajos creativos. Y, desde el que, recorre y mide el espacio y así mismo, siendo, a su vez, atravesado por el tiempo, mostrando incluso la vejez de una mujer, confrontado a la idea y promoción de la eterna juventud femenina fomentada por el sistema patriarcal.
Un recorrido expositivo multi e interdiciplinar performativo expandido desde la acción a las obras plásticas y a la inversa, su incitación a la realización de acciones por parte del público o su mera evocación, o bien las piezas visuales como huellas o restos de performances. A la vez que nos muestra su propio cuerpo accionado en el tiempo y en el espacio, visto y leído como significado de capas simbólicas y representaciones deconstructoras de la mirada patriarcal sobre el cuerpo femenino. (Margarita de Aizpuru).
Con el vacío, plenos poderes, Las Cigarreras, Alicante. De 19 de octubre de 2024 hasta 8 de febrero de 2025.
Comisarias, Maria Doménech y Paula Lorenzo.
Con el vacío, plenos poderes es la frase que escribe Albert Camus en el libro de visitas de la exposición El vacío, de Yves Klein, en 1958. Con ella, se inaugura la reflexión sobre la potencialidad del vacío en el espacio expositivo y las negociaciones sociales que se establecen en este espacio para considerarlo así. Recogiendo esta frase, en la exposición Amb el buit plens poders, tomamos el vacío como protagonista y cuestionamos su carácter neutral y aséptico, pues entendemos que vaciar de contenido es una cuestión política que socialmente determina cómo se interpreta la memoria, cómo se ocupa el espacio y qué cuerpos pueden y no hacerlo.
Así, las artistas que conforman Amb el buit, plens poders, Azucena Vieites, Carla Marzán, María Tinaut, JJJJJerome Ellis, Jone Erzilla y María Vidal, cuestionan a través de sus obras las nociones violentas, político-sociales y espaciales de la entereza, el vaciado o la neutralidad. Porque, ¿qué implica tomar algo por neutro? ¿quién tiene el poder de hacerlo? En la propuesta expositiva, las artistas proponen formas fragmentarias de ocupar el espacio y el habla, se apropian políticamente de archivos y referencias del pasado para conformar otras poéticas y toman estratégicamente el vacío como lugar de enunciación para evidenciar su carácter subjetivo.
Amb el buit, plens poders es una respuesta crítica con los discursos de poder neutralizadores y señala el carácter político y subjetivo de aquello que nos es dado a través de la escucha, la poesía, la atención al detalle y las formas menores.
Mar Solís, Ingrávidos, Sala Municipal de Exposiciones de la Lonja del Pescado, Alicante. Del 19 de diciembre 2024 al 27 de abril 2025.
La exposición invita al espectador a explorar las tensiones entre gravedad, movimiento y vacío a través de un conjunto de esculturas que desafían las leyes de la física y la percepción espacial.
Un diálogo entre ciencia, arte y filosofía En «Ingrávidos», Mar Solís nos transporta a un universo donde las piezas escultóricas, inmensas en su longitud vertical y en perpetua rotación, desafían nuestra comprensión de la gravedad y el espacio. A partir de estudios de física moderna, la artista crea un paralelismo entre los fenómenos cósmicos y el universo cuántico, planteando preguntas fundamentales sobre la naturaleza del espacio, la materia, el vacío, y el tiempo.
¿Son estas esculturas «universos en expansión y contracción” o cuerpos ingrávidos suspendidos en una caída infinita? ¿Memoria de agujeros negros? ¿Qué son, o quiénes son, realmente los Ingrávidos? Suscitando infinitas preguntas, Mar Solís construye una narrativa que une ciencia y arte, llevando a los visitantes a reflexionar sobre la interacción entre el observador y el objeto observado.
CASTELLÓN
VALENCIA
Juana Francés, IVAM, Valencia. Del 6 de noviembre al 9 de marzo 2025.
Como tantas otras artistas que desarrollaron su práctica durante el franquismo, Juana Francés aún no goza del reconocimiento que merece. Fue la única mujer miembro del grupo de vanguardia El Paso, aunque lo abandonaría por el menosprecio de algunos de sus compañeros. El IVAM la reivindica en esta magna antológica que descubre obras inéditas.
Rosario de Velasco (1904-1991), Museo de Bellas Artes de Valencia. Del 7 de noviembre de 2024 al 16 de febrero de 2025.
Esta exposición permitirá redescubrir a una de las grandes artistas del siglo XX, con obras y galardones en reconocidos certámenes como la Bienal de Venecia, además de muestras nacionales e internacionales, pero que cayó en el olvido tras su muerte.
Nacida en Madrid, Rosario de Velasco estudió con Fernando Álvarez de Sotomayor, director del Museo del Prado, y junto con artistas como Picasso formó parte de la Sociedad de Artistas Ibéricos creada en 1924 con el fin de incorporar el arte español a las vanguardias.
Esta muestra, realizada en colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y comisariada por Toya Viudes de Velasco y Miguel Lusarreta, hará un recorrido por los primeros años de esta excepcional pintora, y en ella se podrán ver por primera vez obras guardadas durante cerca de un siglo en la familia de la artista y en colecciones particulares, nunca expuestas, además de otras procedentes de instituciones públicas como el Centro Georges Pompidou de París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o el propio Museo de Bellas Artes de València.
Aire Magenta. Inma Femenía, IVAM, Valencia. Del 20 de julio 2024 al 13 de julio de 2025.
Inma Femenía utiliza la luz, el espacio y la materia para transformar la percepción del espectador, invitándole a reconsiderar su entorno visual.
En su última intervención, Aire Magenta, aprovecha la luz natural que incide en la cristalera de la entrada principal del IVAM. Esta luz se dispersa en todas direcciones a través del aire, reflejándose en las superficies del interior del museo y en los cuerpos de los visitantes. El color magenta, que resulta de la combinación de los límites del espectro electromagnético, se convierte en el protagonista, resaltando la presencia de la luz en el espacio.
La elección del color magenta no es arbitraria. Proviene de una reflexión sobre la percepción del color y la luz, donde la artista estudia cómo nuestros ojos perciben el color en comparación con una cámara digital de espectro completo. Este proceso de observación y análisis le llevó a comprender más a fondo la compleja relación entre la luz y el color, y cómo estos pueden influir en nuestra percepción del entorno.
La intervención en la entrada del IVAM es una continuación de esta exploración donde Inma Femenía invita a los y las visitantes a sumergirse en un espacio redefinido por la luz y el color.
María Gomar, Objetos desaparecidos, CCCC Valencia. Online.
El Centro de Carme, dentro de su programa #CCCCenCasa te ofrece una nueva manera de visitar sus exposiciones desde casa, a través de sus tours virtuales, una experiencia inmersiva que permite acceder a contenidos, juegos interactivos y otros detalles específicamente desarrollados Producida por la Delegación de Memoria Histórica de la Diputació de València y el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, la muestra es una aproximación artística a los objetos personales de víctimas del Franquismo en el contexto de las fosas comunes de Paterna (València). ¿Qué valor adquieren estas piezas en las manos de los familiares? ¿Qué representan para nuestra sociedad? ¿Qué mensaje lanzan a la democracia?
PAÍS VASCO
BILBAO
Ixone Sadaba, Escala 1:1, Azkuna Zentroa, Bilbao. Desde 6 de febrero 2025.
Escala 1:1 responde a la investigación fotográfica con la que la artista se acerca al legado material, simbólico y político de la central nuclear de Lemoniz. La exposición desplegará varias secuencias de tomas fotográficas que recomponen muros y vistas del complejo que se levantó en la Cala Basordas entre 1971 y 1982. Las imágenes proyectadas en la sala de exposiciones acercarán a las y los visitantes a ese espacio vetado al acceso público durante décadas.
El proyecto, comisariado por Carles Guerra, invita a imaginar una nueva política de acceso con la que el objeto de la central se abre a un debate público sobre la memoria. Ixone Sádaba plantea este ejercicio de restitución proyectando fragmentos de las construcciones que conforman el complejo de Lemoiz a tamaño real.
Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno, Gugenheim Bilbao. Del 21 de febrero al 1 de junio 2025.
Comisarias: Cecilia Braschi y Geaninne Gutiérrez-Guimarães.
Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.
En la década de 1920, moviéndose entre São Paulo y París, actuó como puente entre las vanguardias de estas dos capitales culturales y puso a prueba su universo iconográfico brasileño pasándolo por el tamiz del Cubismo y el Primitivismo, en boga en la capital francesa. Su pintura inspira entonces los movimientos Pau-Brasil y Antropofagia, cuya búsqueda de un Brasil “auténtico”, multicultural y multirracial tiene como objetivo refundar la relación del país con los “centros” europeos de la colonización.
La dimensión militante de las pinturas de Tarsila de la década de 1930 y su capacidad para acompañar las profundas transformaciones de su entorno social y urbano hasta los años sesenta confirman la fuerza de una obra en sintonía con su tiempo y siempre dispuesta a renovarse, a pesar de las inestables condiciones que debe afrontar, según las épocas y los contextos, una mujer artista emancipada e independiente.
Con su invitación a adentrarnos en una modernidad brasileña que ella contribuyó a forjar aún más de lo que la ilustró, Tarsila do Amaral revela en su trabajo toda la complejidad de este concepto siempre sujeto a debate, que suscita cuestiones identitarias y sociales aún hoy de gran actualidad, tanto en Brasil como en Europa.
Leticia Paschetta, BRUMA. jugar en paisajes brumosos, Azkuna Zentroa, Bilbao. Del 17 de diciembre de 2024, al 2 de marzo de 2025.
Instalaciones centradas en la interacción humana que, tal y como describe su creadora, «exploran la posibilidad de modificar nuestra percepción y la forma en que jugamos, soñamos y sentimos».
«BRUMA. Jugar en paisajes brumosos» se configura como espacios textiles colgantes en las que los cuerpos se hunden y elevan al mismo tiempo en un movimiento indeterminado, cambiante, lúdico y libre.
«La bruma y la niebla son conceptos fascinantes que han inspirado a muchos artistas a lo largo de la historia, explorando la naturaleza de la realidad, la memoria, percepción, simbolizando misterio, estados emocionales, incertidumbre, identidad. En la bruma se borran los límites entre realidad y fantasía creando un espacio ambiguo y complejo donde aquello que vislumbramos, se completa con nuestra imaginación…», explica Leticia Paschetta.
Desde ahí propone al público «jugar en el Paisaje Lúdico de Bruma, entre lo no nítido y difuso, lo que se intuye, aparece, se esconde, se encuentra y nos sorprende».
Elena Aizkoa, Ur Aitzak, Azkuna Zentroa, Bilbao. Del 1 de enero de 2023 al al 25 de abril de 2025
Elena Aitzkoa muestra en el Atrio «Ciénaga Estrellada» y «Arrebol», las dos primeras esculturas creadas en el marco de «Ur Aitzak», proyecto creativo que desarrolla como Artista Asociada a Azkuna Zentroa. «Ur Aitzak» consta de seis esculturas que irán surgiendo paulatinamente en este espacio, ligadas siempre a un trabajo de voz y poesía.
SAN SEBASTIÁN / DONOSTIA
María Paz Jiménez. Desvelar el misterio, Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 7 de febrero al 18 de mayo 2025.
Pantea, Simorgh, Tabakalera, Donostia/San Sebastián. Del 13 de noviembre al 2 de marzo 2025.
Simorgh es una pieza de arte sonoro de la artista iraní pantea creada especícamente para Scala, el programa de arte sonoro en la escalera principal de Tabakalera. Para pantea, cuestiones como la potencia del gesto colectivo, las subjetividades tanto humanas como no humanas y el trabajo con y desde el territorio son fundamentales. A través de diversos medios –que también incluyen otras prácticas adyacentes a la artística, como la escritura especulativa y el archivo colectivo–, pantea ensaya maneras otras de ponernos en relación con nuestro entorno inmediato, desde una sensibilidad ecológica y medioambiental militante. Y para ello, pone la escucha activa en el centro, como estrategia que le permite atender y pensar desde la interdependencia1 .
En Simorgh pantea nos invita a atender al contexto de San Sebastián y Tabakalera desde una acción no-humana, inspirada en la figura del Simurg (/sɪˈmɜːrɡ/; persa ), un pájaro mitológico que acarrea el conocimiento de lo desconocido. Abrimos aquí un proceso de escucha y respuesta sensible, a través de la imitación. Imitación que anida también un ademán de mutación y de cambio, mediante el que insinúa la potencia para una transformación, de formas otras de estar presentes. Escuchamos aquí un catálogo de cantos de hasta 30 especies de pájaros, una para cada día del mes, en una cartografía especulativa que mezcla, intercambia y produce sonidos reales e imaginarios de aves que anidan, cohabitan o simplemente cruzan la gran masa de cemento y ladrillo de Tabakalera y alrededores. Aves que han estado aquí, temporal o permanentemente, en el pasado, en el presente o en nuestra imaginación, entreabriendo el espacio para una subjetividad compartida. Pájaros reales, extintos o imaginados, que nos invitan a pensar sobre migración y fronteras difusas, pero también sobre desplazamiento, flujos forzados y conflictos territoriales y emergencia climática. Con un stream en tiempo real que nos conecta con el ahora y el presente y un gesto, diminuto, poético y remediador, para pensar con ellos, a través de recetas caseras para crear nidos, que toman sutilmente el espacio –también– de tránsito de Scala.
VITORIA
Joëlle Tuerlinckx, El caso de l(a casa) museo(a), ARTIUM, Vitoria. Del 15 de noviembre al 27 de abril 2025.
El trabajo de Joëlle Tuerlinckx (Bruselas, Bélgica, 1958) nos interpela sobre cuestiones tan aparentemente abstractas como el espacio y el tiempo, pero traduciendo esas inquietudes a la experiencia de aquel espectador dentro del espacio expositivo y las temporalidades que contiene. Asumiendo y transformando la herencia del arte conceptual, la performance, las prácticas derivadas de la crítica institucional y la instalación sonora, la artista desplaza y convierte los protocolos y dispositivos, los equipos de trabajo del museo, sus voces y acciones, en materia prima y agentes de su producción. El caso de l(a casa) museo(a) es una exposición que se articula como una suerte de retrospectiva desconcertante en la que Tuerlinckx convoca obras históricas junto a propuestas recientes que, a su vez, son huellas y registros de piezas y exposiciones previas.
Tras varias estancias en el museo y prolongadas conversaciones con sus equipos, Tuerlinckx construye una sinfonía que funciona como una red de ecos y resonancias; un palimpsesto sonoro multilingüe activado por múltiples voces que leen los textos y enunciados propuestos por la artista y a quienes escuchamos responder espontáneamente a preguntas que ella les ha formulado sobre su trabajo y el funcionamiento de la institución.
La obra de Joëlle Tuerlinckx se ha mostrado en exposiciones y citas internacionales como Skulptur Projekte, Münster y documenta X, Kassel, y en museos e instituciones como Kunstmuseum, Basel; Wiels Contemporary Art Centre, Bruselas; Haus der Kunst, Munich; Drawing Art Center, Nueva York; Witte de With, Róterdam, MNCARS, Madrid o The South London Gallery, Londres, entre muchos otros. Esta es la primera exposición retrospectiva dedicada a la artista en el Estado y ha sido producida en colaboración con Kanal Centre Pompidou, Bruselas.
Inés Medina, Investigación analítica plástica, 19978-19995, ARTIUM, Vitoria. Del 28 de febrero al 1 de junio 2025.
Esta exposición presenta la investigación plástica de la artista Inés Medina (Cáceres, 1950) desde sus primeras experimentaciones monocromas, realizadas en 1978, hasta mediada la década de los años 90, coincidiendo con su viaje a Nueva York, donde permanecerá los siguientes 15 años hasta su vuelta definitiva al País Vasco. Organizada por series, el proyecto abarca las dos primeras décadas de su carrera, centradas en el ámbito de la abstracción geométrica y la introducción del ordenador en la investigación sobre la medida y la generación de imágenes, finalizando hacia 1995.
La muestra ofrece un recorrido exhaustivo por la obra de Medina, que participó en el debate con una generación de artistas vinculados a la tradición formalista vasca y que, a finales de los años 70 del siglo XX, se abrió al discurso y las prácticas artísticas internacionales. El suyo es un trabajo que defiende el arte como una herramienta de conocimiento de la realidad y que en gran medida ha permanecido en silencio para ser reivindicado con fuerza en la actualidad. En esta exposición, la artista pone el acento en el proceso de una práctica que acompaña con la investigación teórica, la escritura y el psicoanálisis, en series puramente geométricas con títulos que aluden a la potencialidad de la imagen, uniendo arte, conocimiento y experiencia vital.
