EXPOSICIONES EN CARTELERA SEPTIEMBRE 2024
Redacción
Todas las exposiciones en instituciones que te interesan, ordenadas por comunidades autónomas.
ANDALUCÍA
MÁLAGA
INSIDE Matisse. Un dispositivo de Stéphanie Marin, Centro Georges Pompidou, Málaga. Hasta febrero de 2025.
May Herman, Poética de la fragilidad, Ateneo, Málaga. Del 6 de septiembre al 31 de octubre de 2024.
May Herman es una jardinera de naturalezas de la fragilidad. Sensible y con la maestría de la taxidermia botánica, les devuelve a las flores la vida en un armónico ecosistema plástico y sensorial. Corolas, gineceos, filamentos, arterias, haikus dactilares del organismo de las flores y su cromatismo. Una danza epidérmica, sutilmente sujeta a la urdimbre del dibujo, y en otros estanques de atmósferas, definidas por la abstracción lírica de sus tonos, poliniza sus texturas y transparencias con ingrávida delicadeza pictórica que emana un silencio zen. En sus paisajes se zambullen los pigmentos en un éter iridiscente, y del sosiego nace un pétalo, una garza, una emoción. El baile de la luz de la brisa con el limbo de las hojas.
May Herman es Licenciada en Psicología Clínica y en Bellas Artes. Ha ejercido su actividad profesional como psicóloga en paralelo a su actividad artística, mostrando su obra desde finales de los años ochenta en muestras individuales y colectivas. Actualmente, sus intereses creativos se centran en la experimentación con diferentes soportes y vías de expresión. Pertenece a los colectivos: Mujeres en las Artes Visuales «MAV» y Observatorio Cultural Feminista «OCF».
Ángela Vargas (Geli), Miradas migrantes, Ateneo. Málaga. Del 6 de septiembre al 25 de octubre de 2024.
Exposición de pinturas (acrílico sobre lienzo) inspirada en las historias de mujeres migrantes y es el resultado de la experiencia personal de su creadora, quien ha migrado desde 2013, viviendo en países como Colombia, Cuba, Chile, Alemania y España. La motivación para esta serie surgió en Alemania, donde comenzó a cuestionar las complejas emociones y desafíos que enfrentan los migrantes, especialmente las mujeres, en su búsqueda de un nuevo hogar. Durante su estancia en Alemania, la artista se vio impactada por la llegada de refugiadas debido al conflicto entre Rusia y Ucrania, lo que influyó en la creación de retratos basados en las experiencias de estas mujeres, así como de latinoamericanas. Estas mujeres representan una diversidad de orígenes y vivencias, enfrentando retos como la discriminación, la violencia de género y la adaptación cultural en sus nuevos entornos.
El proceso creativo no se limita a la representación física de las mujeres, sino que implica una cuidadosa selección y composición de imágenes. La artista se sumerge en los testimonios, emociones y recuerdos de cada mujer para dar vida a las protagonistas en los lienzos. La paleta de colores utilizada en estas obras desempeña un papel fundamental en la narrativa visual. El rojo simboliza el valor y la determinación que arde en el corazón de cada mujer, impulsándolas a dejar atrás su tierra natal en busca de un futuro mejor. El amarillo irradia la alegría y la esperanza que encuentran en su viaje, incluso en medio de las adversidades. Estos colores se mezclan con el azul, blanco y violeta en los lienzos, como pinceladas de esperanza y lucha, relatos visuales de historias reales y el profundo anhelo de un nuevo horizonte.
Cada trazo refleja la pasión y la fortaleza interior de estas mujeres, quienes, a pesar de los obstáculos y desafíos, avanzan con determinación hacia un futuro mejor. La serie «Miradas migrantes» no solo es una representación artística, sino también un testimonio de resiliencia y coraje de mujeres que, en su travesía, tejen nuevas historias y aportan valiosos aportes a las comunidades que las acogen.
Ángela Vargas (Geli) (Cali, Colombia,1991), se interesa por las artes y la cultura desde muy temprana edad. Hace más de diez años, decidió explorar diferentes países para enriquecer su experiencia y conocimientos. Su primer destino fue Cuba, donde se dedicó a realizar una especialización en artes y conocer su rica cultura. Durante su estancia en este país, tuvo la oportunidad de investigar sobre los balseros de 1994, un hecho histórico que marcó la migración de miles de cubanos hacia Estados Unidos. Esta investigación despertó su interés por la migración y las historias de personas que se ven obligadas a abandonar sus hogares en busca de nuevas oportunidades. Luego se mudó a Chile para estudiar una maestría en investigación en artes, donde continuó explorando la intersección entre el arte y la migración. Después de su experiencia en Chile, se trasladó a Alemania para experimentar una nueva cultura a través de un idioma diferente. Fue una oportunidad para ampliar sus horizontes y explorar nuevas formas de arte y expresión. A través de su arte, busca inspirar a otros a reflexionar sobre temas relacionados con la migración y la identidad, y crear conciencia sobre la importancia de la inclusión y la diversidad cultural.
Estela de Castro, Retratos de familia, La Térmica, Málaga. Del 13 de junio al 6 de octubre de 2024.
Retrato de Familia es un proyecto a través del cual la fotógrafa Estela De Castro intenta ampliar el espectro de entender lo que es la idea tradicional de familia. En los más de treinta grandes retratos que aparecen en la exposición aparecen personas y animales posando para generar un retrato del ente familiar. Personas humanas y personas de otras especies forman la gran variedad de tipologías posibles y amplían el espectro convencional de entender la familia monoespecie como la única aceptada dentro de nuestro mundo. Este proyecto de Estela De Castro es parte de su discurso animalista ya antes desarrollado a través de las series Zoocosis, The Animals o Persona. En todos ellos se busca dignificar al animal que comparte planeta con el ser humano y se lucha por el reconocimiento que los mismos deben tener en una sociedad que aún los codifica o los tiene en su gran mayoría como seres de segunda categoría. Retrato de Familia ha sido desarrollado a lo largo de los dos últimos años y en él la autora se nutre de su gran dominio de este género así como de la asunción de la larga tradición de representación grupal de toda la Historia del Arte.
María Blanchard, Museo Picasso, Málaga. Del 30 de abril al 29 de septiembre 2024.
Es una amplia exposición monográfica que ofrece un recorrido cronológico por las diferentes etapas en la vida artística de la pintora santanderina María Blanchard (1881-1932). Tiene como objetivo poner de relieve la riqueza simbólica, el compromiso social, la complejidad formal y el carácter innovador propios de su trabajo en su relativamente corta trayectoria artística. Sin duda su consistente obra no fue suficientemente valorada en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina artística. Pintora comprometida con su modo particular de vivir y de crear hasta el final, traspasó los límites de los estereotipos de género.
En conjunto, su obra destaca por su contribución al movimiento moderno, siendo la primera mujer en España que utilizó sistemáticamente el método cubista para construir imágenes. La singular combinación de elementos geométricos y la diestra simultaneidad de perspectivas confieren una personalidad original tanto a sus representaciones más abstractas de la primera época como a los desarrollos figurativos de su obra posterior a 1920. El repertorio temático que ha dejado de maternidades, escenas domésticas, niños o trabajadoras, refleja una sentida preocupación femenina por la vulnerabilidad de la condición humana y el poder evocador de las emociones. Aspectos éstos que se refuerzas con un pulcro dominio técnico y un evidente interés por la historia y la tradición de la pintura europea.
SEVILLA
Delcy Morelos, CAAC, Sevilla. Del 28 de mayo al 13 de octubre de 2024.
La exposición que presenta Delcy Morelos en el CAAC es una producción propia que trabaja con diferentes elementos locales, fusionando la contemporaneidad de la artista con la historia del monasterio de la Cartuja.
Utilizando tierra local, reunirá toneladas dentro del interior del museo para realizar un viaje de reencuentro con la esencia de la naturaleza, intentando renovar nuestro vínculo ancestral con ella.
Parte de las obras cierran un círculo simbólico entre Europa y América a través de las plantas que llegaron del nuevo continente y que hoy forman parte de un mundo global. Semillas que muchas de ellas pasaron por la actual sede del CAAC.
Esa misma tierra donde germinan es la que ella modela para crear un ambiente envolvente que conecta al espectador con su entorno, a ese vientre materno, la madre tierra, apelando a valores femeninos y ecológicos.
Veneradas y temidas, Caixaforum, Sevilla. Del 18 de julio a 27 de octubre de 2024.
Con esculturas, objetos sagrados y obras de arte de varios continentes y desde el mundo antiguo hasta la actualidad, esta exposición nos muestra cómo diosas, demonios, santas y otros seres espirituales han tenido un rol relevante para nuestra comprensión del mundo. Desde la sabiduría, la pasión y el deseo hasta la guerra, la justicia y la misericordia, se hace un recorrido transcultural por diferentes expresiones de los poderes espirituales femeninos en todo el mundo.
La selección de 154 piezas del British Museum, en diálogo con una selección de artistas contemporáneos de renombre, nos invita a reflexionar alrededor del poder femenino y de la feminidad hoy.
ARAGÓN
ZARAGOZA
The Feminine Mystique, de la Inspiración a la Percha, Escuela Superior de Diseño de Aragón, Zaragoza. Hasta el 3 de noviembre de 2024.
El proyecto regresa a los años 60 del siglo pasado para presentar la evolución de un proceso creativo que recorre fases de inspiración social, cultural y estética, los bocetos, las pruebas de patronaje, confección y técnicas y los productos finales y la comunicación del proyecto.
Se trata de una muestra de moda que acude a una década de cambios sociales rápidos y profundos, de la revolución sexual y de la mujer. La propuesta nace de cinco estudiantes de de diseño de moda de la ESDA (Escuela Superior de Diseño de Aragón): Astrid Sahagún, Carmen Mercado, Eva Oliveros, Paula Franco y Alba Fuster. En el espacio Cripta del centro, los moodboards (collages donde se sustancia el concepto), las formas, los colores, la ilustración y la comunicación, entre otros, logran crear una atmósfera de lo que se pretende en la colección.
A partir de ellos, los looks se pueden materializar manteniendo unas formas sesenteras, pero renovando el estilo de la época y aportándole algo nuevo. Para una colección de diez prendas, es necesario mantener una cohesión, originalidad y filosofía que englobe cada una de las prendas. Para ello, se realizan toiles (pruebas de confección en glasilla) que permiten corregir errores de patrón o de concepto. The Feminine Mystique está inspirada en el libro del mismo nombre por la teórica y activista feminista Betty Friedan en 1963. Este libro fue clave en la segunda ola del feminismo y trata «el malestar que no tiene nombre», aludiendo a la vuelta de las mujeres a la esfera casera y familiar en los años 50 y su retirada de la fuerza laboral.
En su libro, Friedan examina cómo las expectativas sociales y culturales sobre la feminidad habían creado un sentido de insatisfacción y alienación entre las mujeres modernas. A través de entrevistas y análisis sociológicos varios, muestra cómo muchas de ellas experimentaban una sensación de vacío y falta de propósito en sus vidas, incluso cumpliendo con las normas sociales de la época.
The Feminine Mystique argumenta que las mujeres necesitan oportunidades para realizar su potencial completo más allá de los roles tradicionales de género. Se aboga por la educación, la participación en la fuerza laboral y el acceso a oportunidades profesionales como medios para que las mujeres encuentren satisfacción y realización personal.
La comunicación se ha realizado a partir de una sesión de fotos en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Zaragoza que refleja el espíritu revolucionario de la colección. Los modelos utilizados, además de ser femeninos, incluyen hombres llevando prendas femeninas para de esta forma lograr una estética que integre las ideas de la revolución del 68 con un espíritu moderno. Elementos como pancartas o poses radicales también son una parte integral de la comunicación de la colección. En la exposición se podrán ver los diez conjuntos junto con fotografías a modelos, patrones y las telas utilizadas. La paleta de colores cuenta con rosas, naranjas, amarillos y plateados.
Los 70 son nuestros y los 80 también, Sala Juana Francés de la Casa de la mujer, Zaragoza. Del 7 de marzo al 18 de septiembre de 2024.
La exposición ‘Los 70 son nuestros y los 80 también’ reúne el trabajo realizado por catorce artistas zaragozanas a lo largo de estas dos décadas, cuyo objetivo es dar visibilidad a estas autoras a través de una revisión de las obras de la Colección Patrimonial del Ayuntamiento de Zaragoza y que continúa la línea abierta en la anterior edición dedicada a las mujeres artistas que comenzaron el ejercicio de su profesión durante 1950 y1960. En esta exposición confluyen artistas de dos generaciones distintas. Por un lado, aquellas que mantienen en los años 70 una pintura más tradicional como es el caso de María Ángeles Cañada, Carmen Faci, Pilar Nicolás Vadillo, Llanos Guerra o María Antonia Orús Sacacia, junto a otras que en esta década iniciaban un lenguaje más personal como es el caso de Iris Lázaro, Ana Aragües o Maribel Lorén Ros. Los años 80 traen una nueva generación de artistas jóvenes que están empezando su carrera profesional y que muestran un lenguaje renovado, apropiado a los nuevos tiempos siendo más arriesgadas en sus planteamientos pictóricos, como es el caso de Carmen Pérez Ramírez, Rayo de Luna, Alicia Vela, Pilar Viviente, Ana Isabel Gandú y en el grabado Cristina Gil Imaz.
ASTURIAS
AVILÉS
Anastasia Samoylova. Image Cities, Centro Niemeyer, Avilés. Del 12 de junio al 13 de octubre de 2024.
Exposición al aire libre.
Mujeres artistas en la colección Pérez Simón, Casa municipal de la Cultura, Avilés. Del 19 de junio al 30 de septiembre de 2024.
Exposición comisariada por la doctora Alicia Vallina con obras de la colección particular del mecenas asturiano-mexicano Juan Antonio Pérez Simón.
Un total de 17 obras entre pinturas y esculturas realizadas por mujeres artistas de los siglos XX y XXI, entre las que destacan la pintora surrealista británico-mexicana Leonora Carrington, la rusa Liubov Popova de referencias constructivistas, la norteamericana Margaret Marley Modlin o la japonesa afincada en Francia Kimiko Yoshida, además de Patricia Gadea, Cristina Iglesias Fernández, Isabel Guerra, Amelia Mendivil, Liliane Caumont y Esperanza d’Ors.
Elisa Torreira, HARA, Centro de Servicios universitarios de Avilés. Del 6 de junio hasta 30 de septiembre de 2024.
Exposición multimedia. La artista visual y poeta Elisa Torreira reflexiona sobre la salud física y mental.
Joana Vasconcelos, LSD –Libertad, solidaridad y democracia, La Central Artística de Bueño, Ribera de Arriba. Hasta el 3 de noviembre de 2024.
La muestra rinde homenaje, no sólo al lugar y sus tradiciones, sino también a las figuras femeninas que marcaron la historia de Asturias, pero también de España, en su lucha por la libertad.
La obra, que es un reflejo de una trilogía de valores que siempre han estado presentes en las aspiraciones más legítimas de los pueblos de todas las naciones, se acerca a la figura de La Pasionaria, líder revolucionaria, luchadora social, política y escritora feminista, que fue elegida dos veces diputada por Asturias a las Cortes.
Con forma de corazón y presencia de claveles, los mismos que con la Revolución de Los Claveles, símbolo de libertad y democracia pusieron fin al régimen dictatorial de Portugal, hecho que acaba de celebrar su 50 aniversario el 25 de abril de 2024, la instalación tiende un puente entre Portugal y España, recrea la lucha por la Libertad y está dedicada, a través de esta gran mujer, a todas las mujeres valientes que siempre han luchado por aquello en lo que creían.
La obra está realizada en ganchillo de lana y hecha a mano. Según la artista portuguesa, “así como los corazones, la libertad, la solidaridad y la democracia deben ser conquistados cada día, especialmente en los tiempos difíciles que vivimos”.
Además, la Casa de las Artes acoge la exposición “Manual de vuelo”, de Isabel Cuadrado, artista asturiana cuya trayectoria incluye un amplio abanico de disciplinas artísticas. Esta exposición nos presenta “la experiencia de sentir, más allá de ver, la sacudida de la “libertad” ¿personal, colectiva?”. Comisariada por Laura Gutiérrez, comisaria y directora en la Escuela de Arte de Oviedo, también cuenta con la “visita” de una obra de Joana Vasconcelos, en este caso de la obra Tetris Diagonals, 2023.
Virginia Rivas, Los espacios en blanco, Museo Barjola, Gijón. Desde 13 de septiembre hasta el 1 de diciembre de 2024.
La artista Virginia Rivas presenta una exposición donde aborda la fragilidad de la memoria, partiendo de la enfermedad por Alzheimer de su propia abuela. La muestra, comisariada por Adonay Bermúdez, sostiene un discurso a través de la pintura, el vídeo, la fotografía y la instalación, disciplinas que entrarán en diálogo con la arquitectura barroca para crear un recorrido por las complejidades de la memoria, una exposición íntima que le pone un altavoz a una enfermedad que habitualmente se recluye al ámbito familiar y difícilmente se exterioriza.
“Con Los espacios en blanco, Virginia Rivas evidencia la importancia de la familia y el hogar, de las pausas y los sosiegos, de disfrutar de esos pequeños momentos de felicidad cantando con la abuela un cantar del Cancionero Villuercas Ibores a pleno pulmón. Todo ello lo hace sin premuras ni agobios, entendiendo y asumiendo una etapa de madurez personal y artística. Los espacios en blanco es una gran ironía, aquí no hay nada blanco, todo es luz y color, es un cántico al amor y a la vida, es un homenaje a todas esas personas que nos han ayudado a ser como somos, que han decidido formar parte de una historia conjunta. Los espacios en blanco es un homenaje a la Yeya, a esa mujer que nunca pintó y que, sin embargo, lo ha llenado todo de azul de Prusia, rojo veneciano y verde turquesa.”, indica Adonay Bermúdez.
BALEARES
MALLORCA
Concha Jerez, Inter-acciones, Casal Solleric, Palma. Desde el 21 septiembre de 2024 hasta el 8 enero de 2025.
Concha Jerez es una de las figuras más importantes del arte contemporáneo español, distinguida con el Premio Nacional de Artes Plásticas y el Premio Velázquez, con una extraordinaria trayectoria de exposiciones en museos y galerías, nacionales e internacional, entre las que destaca su retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2020).
Las instalaciones de Concha Jerez tienen un carácter más crítico que épico, aunque recurren, ciertamente, a esa interrupción de las emociones y, en general, de los convencionales «juicios de gusto». La interferencia deber ser entendida como un proceso de extrañamiento deliberado que concluye con la voluntad de intervenir en espacios concretos.
Inter-acciones plantea una revisión de trabajos “performativos” de Concha Jerez. Heredera del “espíritu de Fluxus”, admiradora de la concepción musical de John Cage y, por supuesto, creadora inter-media, lleva más desarrollando, desde los años setenta, un proyecto estético en el que la cuestión del tiempo es crucial. En 1984, Concha Jerez sintió la necesidad de dotar de visibilidad a sus acciones, la primera de ellas en Alboorg (Dinamarca), que pueden dar lugar a performances públicas o a piezas (surgidas de procesos privados o íntimos) que son grabadas en vídeo o documentadas fotográficamente.
Inter-acciones es la primera exposición individual de Concha Jerez en Palma de Mallorca que permite comprender los aspectos principales de su imaginario crítico, abordando cuestiones como la manipulación de los medios de comunicación, la banalización cotidiana, la necesidad de mantener el impulso utópico, la resistencia al olvido o, en general, los límites de la subjetividad que, en ocasiones, conducen a la auto-censura. Las instalaciones y obras seleccionadas han sido elegidas cuidadosamente para componer una interferencia artística emplazada en un diálogo con las salas de la planta noble del Casal Solleric.
CECILIA PAREDES, Un ligero vuelo, Casal Solleric, Palma. Desde el 21 septiembre de 2024 hasta el 8 enero de 2025.
La propuesta, comisariada por Montserrat Torras (Manresa, 1968),se presenta como una selección de relatos organizados en tres estratos de significado separados entre sí por las capas espaciales que ocupan. La primera, ubicada en el aljibe, nos adentra en el telúrico, la intimidad y el silencio que nos conecta con los orígenes a través de vestidos de plumas, mantos y fotografías de performances. La segunda capa comienza en el showcase, donde una fotografía nos muestra al artista desnuda, mimetizada con un entorno natural en el que cielo, tierra y agua camuflan el cuerpo pintado, un animal que mira el agua, elemento que evoca también la pieza del patio, una especie de ser mitológico, de más de dos metros, que parece salir del mundo subacuático. El tercer estrato es el balcón y lo ocupan 25 flores en movimiento a través de las cuales Cecilia Paredes nos habla de corrupción, ecología, cambio y conexión con el celestial.
Cecilia Paredes (Lima, 1950) estudia Artes Plásticas en la Universidad Católica de Lima, en la Cambridge Arts & Crafts School y en la Scuola del Nudo en Roma. Es una Rockefeller Foundation Fellow desde 1998. Actualmente vive entre Lima, Filadelfia y San José de Costa Rica.
A finales del 70, por razones políticas Cecilia y su familia se trasladan a México. Allí trabaja el grabado. Después de cinco años parte en Roma y reanuda sus estudios en la Scuola del Nudo. Una vez finalizada esta etapa se va a Costa Rica, donde vive veinticuatro años. Es donde su carrera se afianza definitivamente. Durante este período el artista se apropia de símbolos y ritos ancestrales que visita para redefinirlos en clave contemporánea. La naturaleza es el eje de su discurso. En 2012 Cecilia Paredes vuelve a cambiar de residencia y parte a Filadelfia. Lejos del entorno que le es familiar, busca representar la naturaleza, a la que ya no tiene acceso, en telas y tapices con los que se mimetiza en el intento de eliminar fronteras entre lo natural y lo cultural. A medida que se adapta al nuevo habitat, su obra vuelve más intimista. Ella es su obra y su obra es ella. A esta etapa le siguen las acciones en espacios abandonados. Mientras persiste el eco de la presencia del ser humano, el artista ocupa estos espacios a la vez que la naturaleza los recupera y dota de una nueva vida. Camuflarse empieza siendo un ejercicio de adaptación y acaba siendo el de creación de un espacio propio.
CANARIAS
LAS PALMAS
TENERIFE
Rosa Abreu, Retinografías, Casa Lercaro, Museo de Historia y Antropología de Tenerife. Del 27 de junio al 29 de septiembre de 2024.
Esta exposición muestra la obra de Rosa Abreu, fotógrafa de Tenerife, que en 2023 formó parte de la muestra virtual «Contemporáneas», dentro del Festival PhotoEspaña. Esta autora fue seleccionada entre las veinte mujeres fotógrafas que se presentaron a la convocatoria internacional que promociona Mujeres fotógrafas contemporáneas para obra NFT (Non Fungible Token), dentro de la plataforma Cómo ser fotógrafa.
La obra de Rosa Abreu permite una reflexión crítica que evidencia las posibilidades artísticas, antropológicas, sociológicas, históricas y científicas de plantear las afecciones oculares como nuevas posibilidades de apreciar y percibir el mundo. «Retinografías» es una exposición que invita a experimentar cómo se mira cuando tenemos pérdida de visión, revelando toda una gama de escenas de visión doble, borrosa o nula, cuya combinación permite avanzar y reflexionar sobre el concepto de «mirar en el museo» y su relevancia en la práctica museística, en cómo se pueden expresar en los entornos multisensoriales del museo.
Retinografías está configurada por fotografías que ponen en cuestión los esencialismos de la visión y, por extensión, los esencialismos del museo, transmitiendo la idea de que no hay pureza visual, al igual que no hay pureza en los museos, donde los objetos que se exhiben están clasificados y jerarquizados para la vista, colonizando y domesticando con la mirada. La idea de que todo lo real es visible y, por consiguiente, que sólo lo visible es real, acentuada por la implementación de dispositivos tecnológicos (gafas, microscopio, cámara fotográfica, escáner) concebidos para registrar el mundo, constituye un sesgo visual de la cultura occidental que implantó el ocularcentrismo como el único régimen epistemológico y moral válido, denigrando y sometiendo a «los otros» a una interpretación occidental del conocimiento.
Carmen Cólogan, Memoria del átomo, Sala Cabrera Pinto de La Laguna, Tenrife. De 6 de julio hasta el 29 de septiembre de 2024.
El hilo conductor de esta obra es la memoria. Carmen Cólogan lleva cuarenta años creando un universo irreal, mostrando tanto el mundo externo como el suyo interno”, apunta Eliseo G. Izquierdo, comisario de ‘Memoria del Átomo’. Esta muestra exhibe unos sesenta trabajos de pintura, dibujo y escultura, en los que la creadora traza un relato sobre todo aquello que siempre vuelve a su vida.
CANTABRIA
SANTILLANA DEL MAR
Sofía Crespo, Perpetual Present, Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, Santillana del Mar. Del 12 de septiembre al 30 de octubre 2024. PHOTOESPAÑA.
A medida que aumenta la distancia que nos separa de nuestros antepasados, que empleaban herramientas rudimentarias (tecnologías y soportes antiguos para tallar, pintar y dar forma a las paredes interiores de las cuevas y otros conjuntos de arte rupestre paleolítico como el de Altamira), más posibilidades tenemos, gracias a los avances tecnológicos, de comprenderlos y apreciarlos mejor. Las capas invisibles que dichos avances permiten desentrañar se manifiestan, por ejemplo, en las imágenes multiespectrales, en la datación de materiales y en muchas otras nuevas vías de investigación.
Los espectros hasta ahora invisibles para el ojo moderno son especialmente fascinantes, ya que prometen ofrecer ventanas a los rastros de actividad humana que el tiempo ha borrado. Como tal, de una superficie aparentemente inerte como un muro de piedra emerge una nueva plasticidad, que requiere de un nuevo proceso de alfabetización visual para su relectura.
En su proyecto Perpetual Present, el interés de Sofía Crespo radica precisamente en la exploración de las nuevas tecnologías empleadas para estudiar y dar sentido a lo que ocurrió hace tantos miles de años, pero también para remoldear nuestra comprensión de la creatividad y, por extensión, nuestra visión del mundo. Del mismo modo, este trabajo invita a reflexionar y reconsiderar qué restos de nuestra cultura pasada podrían y deberían preservarse y transmitirse a través del tiempo.
SANTANDER
Silvia Bächli, Partitura, Centro Botín, Santander. Del 11 de mayo al 20 de octubre 2024.
Primera exposición institucional y a gran escala en España de esta artista suiza. Incluye nuevas obras, nunca antes expuestas y arroja luz tanto sobre la continuidad en su obra como los cambios progresivos que se producen en la misma: desde los sencillos estudios de fragmentos corporales realizados en blanco y negro hasta sus diversas interpretaciones de la estructura reticular. La muestra incluye obras de su presentación en la 53ª Bienal de Venecia (2009), así como una sala dedicada a una nueva serie de superficies expansivas en color, o como ella misma los define “campos de color”.
Bächli comenzó a desarrollar su práctica del dibujo trabajando con medios modestos y limitados —hojas de papel blanco fabricadas para la impresión de libros de diferentes tamaños, calidades y tonos—, utilizando tinta china, carboncillo, gouache o pasteles. La artista toma su cuerpo, sus movimientos y los objetos que la rodean como punto de partida para crear composiciones murales que funcionan como partituras musicales formadas por fragmentos, intervalos, ritmos y silencios. Su enfoque del dibujo es secuencial, ya que dibuja sobre un taco de hojas, usando una tras otra, y disponiendo constelaciones de obras en la pared de su estudio que son consecutivamente interrogadas, reordenadas y rechazadas hasta que descubre algo que le parece correcto y sorprendente.
Irene Grau, Brilla abrigo, Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, Cantabria. Del 30 de abril al 30 de septiembre de 2024.
El proyecto específico planteado por Irene Grau (Valencia, 1986) para el Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira trata cuestiones fundamentales desarrolladas por la artista a lo largo de su carrera: pintura, paisaje, proceso y desplazamiento. Grau reflexiona sobre el paisaje pasado de Altamira desde su momento presente. Para ello, entiende la pintura monocroma como un proceso de experimentación; piensa en el paisaje como el espacio que rodea y abraza la acción humana de desplazarse, captar y experimentar nuevas experiencias sensoriales y con ello artísticas. De ese modo se va creando un diálogo entre pintura y paisaje, artista y naturaleza, que forma parte intrínseca del proceso artístico a la manera de un acto performativo. Utilizando materiales propios y puros de la naturaleza, (el óxido de hierro o el agua del lugar), Irene Grau reflexiona sobre Altamira a través de una propuesta artística en la que pintura y paisaje se entienden como procesos líquidos, en constante movimiento, tales como el tiempo pasado y el momento actual, a través del cual perdura y permanece Altamira, siempre presente.
Victoria Civera, Punctum, Nave Sotoliva, Santander. Del 13 de julio al 29 de septiembre de 2024.
En palabras de Mónica Carballas, Punctum imaginario de Victoria Civera se articula en torno a las ideas recurrentes en su obra y en su imaginario personal. Centrándose, esta vez, en el concepto “punctum” de Roland Barthes que alude a aquello que “nos toca”, nos conmueve; aquello que llama nuestra atención y provoca que nuestra mirada se detenga y recorra una determinada imagen. Así, la fragilidad de la vida, la necesidad e importancia de los cuidados, la soledad, el amor, los tabúes con respecto a la salud de las mujeres o el aislamiento durante la pandemia, son algunas de las cuestiones sobre las que estas piezas ponen el foco de atención.
Maruja Mallo, Homenaje a Revista de Occidente. Naves de Gamazo, Santander. Del 5 de septiembre al 9 de febrero e3v2025.
Una selección de seis litografías que fueron realizadas en 1979 por la artista en un libro litográfico de gran tamaño, del que sólo se hicieron 200 ejemplares. Las obras de Maruja Mallo forman parte de la Colección ENAIRE desde 1999.
Maruja Mallo (1902-1995) es una de las grandes pintoras españolas del surrealismo figurativo una de las más representativas figuras de la Generación del 27. Mujer de gran personalidad, con gran carácter crítico, cosmopolita y muy libre, lideró el grupo de “las sin sombrero” reivindicando en su obra la libertad e igualdad entre géneros. Comenzó a ser conocida en Madrid a finales de la década de 1920 gracias a la exposición que Ortega y Gasset le organizó en la sede de la Revista de Occidente, con la que colaboró posteriormente.
Las obras de Maruja Mallo que se presentan en las Naves de Gamazo fueron realizadas en 1979 en Homenaje a la Revista de Occidente. Se trata de un libro litográfico de gran tamaño del que sólo se hicieron 200 ejemplares, con seis litografías basadas en algunas de las portadas que la artista realizó en los años 30 para la Revista de Occidente. En ellas, desde la libertad del surrealismo figurativo, la artista representa frutos y elementos vegetales con un equilibrio y armonía geométrica y un significado mágico.
Con esta muestra expositiva, la Fundación quiere rescatar del olvido y poner en valor las obras de mujeres artistas que forman parte de la Colección ENAIRE de Arte Contemporáneo, ofreciendo al público una visión global de la historia del arte.
CASTILLA-LA MANCHA
CUENCA
Antonia de la Cruz, Mnemosina, Museo de Fotografía Fundación Antonio Pérez, Huete, Cuenca. Del 22 de junio al 22 de septiembre de 2024.
Mnemosina es un proyecto que reúne una serie de 15 fotografías que tratan sobre la memoria y la identidad, superponiendo y combinando imágenes de distintas temporalidades y fuentes. Está creada a partir de archivos de fotografías familiares análogas, históricas y escaneos de partes del propio cuerpo de la artista. La obra combina retratos, paisajes y fragmentos de cuerpo, que a modo de foto-montaje, borra los límites entre el realismo fotográfico y la huella fantasmagórica. A estas imágenes se suman una instalación de dispositivos lumínicos realizadas a partir de las placas de vidrio que constituyen uno de los materiales de archivo de los fotomontajes. Mnemosina trata sobre el concepto de capas y huellas poniendo en relación la luz y la sombra para hablar de la subjetividad del tiempo y la memoria. Al combinar diferentes fuentes de imágenes y dispositivos, la temporalidad se vuelve subjetiva, diluyéndose los conceptos de pasado, presente y futuro.
La serie trabaja con la dimensión autobiográfica y temporal del cuerpo, cuestionando los límites del autorretrato y la autorepresentación. La superficie corpórea aparece como un mapa donde se inscribe la memoria tanto individual como colectiva, como si fuera una “memografía”: escribir con la memoria. El proceso de escritura corporal (escaneo) requiere contacto directo, evidenciando los detalles e imperfecciones de la piel y la placa de vidrio. Sin embargo, la misma superposición de capas van atenuando los contornos, buscando representar la evanescencia y la desaparición, como signo de la huella mnémica y sus superficies de inscripción.
Keiko Mataki, Espacio Infinito, 無窮の空間 [obra estampada 1974-2024], Museo de Obra Gráfica de San Clemente, Cuenca. Del 15 de junio al 29 de septiembre de 2024.
¿Sonido de sombra?; ¿latido de sombra?; ¿juegos o formas de sombra?; ¿charla y paso de sombra?; ¿sombra de círculos o sombra de cuadro?; ¿sombras de luna? mas ¿de sombra en sombra? Son títulos diversos de las estampas de Keiko Mataki (Miyakonojō, Japón, 1952) frecuentadoras de esa voz: “sombra”, que ahora muestra en la sala de exposiciones del Museo de Obra Gráfica de San Clemente de la Fundación Antonio Pérez. Dados de sombra sobre el papel, evoqué a Octavio Paz pues, -vehemencia y geometría también en Mataki-, si la umbría se expresa en sus obras sobre papel, pensamientos, sueños y un aire magicista, embargan el color titular de algunas otras estampas y dibujos, de sus libros o diversos soportes pictóricos. En palabras de la artista, que expresa con la naturalidad que le es propia, ese ciclo de sombra es epocal pues hubo series solares, otras más formales, lumínicas o universales: “desde hace tiempo me atraen las formas de las sombras”. En tanto revisaba algunos títulos anteriores y composiciones, pinturas no frágiles sino intensas de Mataki que me devolvieron a pensar en Klee, como obras de la japonesa: “Sueño del pez” (1976), también “Pensamiento” (1975); “Al otro lado del mar” (1976) o “Manzana” (1981).
Una artista conquense nacida en Japón, pues en la ciudad abstracta reside desde hace medio siglo, significada en su encuentro con Kozo Okano con quien compartiría vida frente al Huécar, en aquella casa cubista y zen, mas también común la expresión de una otra (y extraña) belleza, reunidos en el lirismo y sutileza en su quehacer, estos artistas de la reserva en sí de lo visible. Concediendo esta creadora gran importancia a la estampa, también al libro y a las ediciones en general, a los pequeños formatos de cosas dichas en voz baja, a las gráficas de extraños e imaginativos mundos de papel, dibujos pintados sobre piedras, papeles impresos, recortes y huellas, formas diversas. Algunos de esos extraños conjuntos, a veces evocadores de las formas del libro, con frecuencia de edición única, muchas veces emulando la encuadernación con pliegues en acordeón u orihon, nos evocan los hermosos y misteriosos cuadernos de Hilma af Klimt o las grandes pinturas de Sonia Delaunay pues, como estas, ejerce Mataki un cierto mundo vario y constelar, un espiritual elogio del círculo tan presente en las formas simbólicas orientales.
Carmen Álvarez-Coto, De regreso a Cuenca (pinturas y dibujos: 1967-2024), Centro de arte contemporáneo Fundación Antonio Pérez, Cuenca. Del 7 de junio al 29 de septiembre de 2024.
Treinta años tras su estadía capital en Cuenca, aquí vivió durante dos décadas y donde, entre otros artistas, mantuvo estrecha amistad con Antonio Pérez, es posible contemplar ahora la hermosa exposición de Carmen Álvarez-Coto (Madrid, 1945). Un conjunto de unas cincuenta pinturas, dibujos y estampas (trece pinturas, dieciséis dibujos y diversas obras en vitrina) realizados en los últimos cincuenta años, entre 1967 y 2024, en muchos casos pintados en la propia ciudad de Cuenca, casi frente por frente de esta Fundación Antonio Pérez, donde vivió la pintora junto a Florencio Garrido.
TOLEDO
CASTILLA Y LEÓN
BURGOS
Lorena Amorós, Deseo futuro, CAB, Burgos. Del 6 de junio al 29 de septiembre de 2024.
Lejos de una visión acomodada, el trabajo que viene desarrollando Lorena Amorós (Alicante, 1974) reflexiona, desde una perspectiva de género, sobre el imaginario de la ciencia-ficción y su traslado a la cultura popular de masas. Poco o nada interesada en las estrategias comunes a cierta reivindicación formal -y acrítica- de un tipo de arte que ha sido etiquetado como “retrofuturismo”, Amorós apunta en una dirección muy diferente: “me interesa explorar a través de mi obra el concepto de deseo, en la intersección entre la ciencia ficción [Sci-Fi, en su conocido acrónimo anglosajón] y el feminismo especulativo”.
Deseo Futuro, el proyecto que Lorena Amorós presenta en el CAB, recurre al corpus teórico desarrollado por la influyente filósofa estadounidense, especializada en ciencia y tecnología, Donna Haraway. “Hago un uso de varios de los planteamientos que, en el ámbito del feminismo especulativo, ha analizado Haraway. Mi investigación la incidencia del género de la ciencia ficción y los productos de serie B en la cultura contemporánea, emplea como hilo conductor diversos enunciados, metáforas y narrativas extraídas de su indispensable práctica ensayística”, explica la artista.
LEÓN
María Luisa Fernández, Sangre de oro, MUSAC, León. Desde 8 de junio al 2 de octubre de 2024.
Sangre en oro’ es el título de la exposición de la escultora leonesa María Luisa Fernández (Villarejo de Órbigo, León, 1955) comisariada por Sergio Rubira, en la que se presentará la producción más reciente de esta artista cofundadora del histórico colectivo CVA (Comité de Vigilancia Artística) y asociada a la “Nueva escultura vasca”, referente en el contexto artístico de los años ochenta.
Pippilotti Rist, Instalaciones, MUSAC, León. Desde 8 de junio al 20 de octubre de 2024.
En la repertura de la Sala 6, el espacio más singular del museo, que con una altura de 14 metros supone un espacio único en el panorama museístico español, instalación perteneciente a la Colección MUSAC que la artista Pipilotti Rist (Grabs, Suiza, 1962) planteó específicamente para este espacio: ‘Homo Sapiens Sapiens 5 alas’, que estará acompañada en la sala 5 por su obra ‘Apple Tree Innocent on Diamond Hill’, también perteneciente a la Colección MUSAC.
SALAMANCA
Irene de Andrés, DA2 Salamaca. Del 4 de julio al 13 de octubre de 2024.
El trabajo de la ibicenca Irene de Andrés, se centra en la evolución del concepto de ocio y tiempo libre en la clase trabajadora. Desde el siglo XVIII el mar se convierte en el nuevo objeto de deseo de la burguesía y comienza a gestarse el viaje turístico moderno, en un contexto en el que, desde comienzos del siglo pasado, algunos gobiernos otorgan también el derecho a vacaciones pagadas para una incipiente clase trabajadora que emerge como sujeto-turista. En respuesta a estos fenómenos, se desarrollan arquitecturas y actividades específicas como balnearios, hoteles y cruceros que transforman la geografía y socioeconomía de los países. Estos escenarios de turistificación masiva, desde sus orígenes hasta la actualidad, y las analogías que se dan entre colonialismo y turismo, suponen la base de su investigación y práctica.
Irene de Andrés vive y trabaja en Madrid. Se graduó en Bellas Artes de la Universidad Complutense, donde hizo un Máster de investigación y producción artística. Ha sido seleccionada para varias residencias internacionales como la Escuela FLORA Ars + Natura de Bogotá AC/E (2016) y del programa The Harbor de Beta Local en San Juan de Puerto Rico (2017). En 2019 fue residente del programa para Artistas Visuales del Centro de Residencias Matadero Madrid y ha sido becaria de la Academia de España en Roma en 2021. Su trabajo ha podido verse en centros de arte e instituciones como el Centro Párraga de Murcia, el Espai 13 de la Fundación Joan Miró y Fabra i Coats en Barcelona, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, Es Baluard (Palma de Mallorca), el MuHKA (Museo de Arte Contemporáneo de Amberes) o la Feria ARCO a través de la galería Juan Silió, Centro Centro y La Casa Encendida en Madrid. Esta será la primera vez que presente su trabajo en Salamanca.
Susana Pérez Gilbert, Algunas quedarán sueltas, DA2 Salamanca. Del 6 de junio al 6 octubre de 2024.
Proyecto seleccionado en la I Convocatoria de apoyo a la creación artística contemporánea.
Después de un tiempo haciéndoles fotografías el siguiente paso fue recogerlos con el objetivo de llegar a reconstruirlos en algún momento. Y así, se extendieron los pedazos de cristal que eran la huella de un accidente desconocido, piezas de un puzzle sin referencia. Algunas de ellas han encajado, otras tienen marcas para ubicarse y otras han quedado sueltas. También las hay que se han perdido y otras que se aceptó no poder recoger. Reconstruir no implica necesariamente volver a la forma inicial y la acción con la que al principio se ordenaba el caos de cristales encontrados en la calle, ahora los amontona sosteniéndolos en una estructura de metal. Los deja caer y observa los huecos. Esa acción, que observa y cuida la fractura parece expandir el tiempo y choca con lo que debió de ser el instante casi imperceptible en que el cristal se rompió. Algunas quedarán sueltas forma parte de un proyecto que, a través de la documentación, fotográfica y videográfica, y la instalación de piezas de cristal, muestra el proceso de reconstrucción y cuidado de una fractura. Las piezas ocupan el espacio en una búsqueda por recrear la fragilidad, la sutileza, la dureza e incluso la incertidumbre de una nueva rotura.
Anastasia Samoylova, DA2 Artium, Salamanca. Del 17 mayo al 13 de octubre de 2024.
El proyecto Image Cities de la fotógrafa ruso-americana Anastasia Samoylova (1984, Moscú) es la propuesta ganadora de la primera edición del KBr Photo Award, puesto en marcha por Fundación MAPFRE en 2021. Image Cities, constituye un estudio visual de la integración cada vez más estrecha entre la imagen fotográfica y el entorno urbano. El proyecto que comenzó en Moscú (donde creció la artista) y en Nueva York a principios del verano de 2021, se ha ido completando en otras ciudades como Ámsterdam, París Londres, Bruselas, Tokio, Madrid o Barcelona gracias al KBr Photo Award. La autora recorre las ciudades y fotografía las imágenes de marcas de moda, belleza, propaganda de bancos, de inmobiliarias, etc.., que proliferan en las fachadas, las vallas publicitarias, los autobuses, y en los distintos soportes publicitarios urbanos. Anuncios a menudo monumentales que pueden encontrarse en cualquier metrópoli y que hace que estas vayan perdiendo su individualidad para ir convirtiéndose en una sola, unificada.
Anastasia Samoylova ha expuesto en importantes instituciones en EEUU y Europa. Su obra se encuentra en las colecciones del Perez Art Museum de Miami, el High Museum of Art de Atlanta y el Museum of Contemporary Photography de Chicago y la propia Fundación MAPFRE, entre otros. Entre las monografías publicadas además de la del proyecto Image Cities, se encuentran Floridas (Steidl, 2022) y FloodZone (Steidl, 2019).
SEGOVIA
Clara Carvajal, La colmena desplazada, Museo Esteban Vicente, Segovia. Del 4 de julio al 15 de septiembre de 2024.
Versa sobre la necesidad del hombre en su búsqueda de nuevas metas aspiracionales y su masificación hoy en día; el turismo masivo de alpinistas en el monte Everest que forman atascos humanos para hacer cumbre; la nueva carrera espacial entre compañías privadas de grandes magnates transportando por primera vez turistas al espacio exterior, y las oleadas de inmigrantes que se juegan la vida intentando alcanzar fronteras tan deseadas como inaccesibles. Todas ellas son expresiones de cómo el mismo deseo aspiracional junta a personas, en tal número, que se acaba por desvirtuar el propio proceso que el hombre que lo emprende, trata de alcanzar.
La forma elegida para mostrar esta obra evoca un retablo de escenas narrativas talladas en madera (en el presbiterio de la capilla) y su estampación en papel (en la nave de la Capilla) mediante la técnica de la xilografía. Ambas nos muestran las mismas imágenes en dos soportes diferentes y complementarios que abren todo un juego de espejos y simetrías. Lo que la autora describe como Biología de la imagen.
En el marco del Hay Festival.
Leticia Díaz, De cerca nadie es normal, La Alhóndiga, Segovia. Del 6 al 29 de septiembre de 2024.
En el marco del Hay Festival. Medio centenar de retratos de conocidos personajes españoles.
PALENCIA
Charo Carrera, Lo que siempre estuvo ahí, Museo de Palencia. De julio a septiembre de 2024.
Las obras que conforman esta muestra reúnen una breve retrospectiva de los últimos años, sin tener en cuenta un orden cronológico con la idea de establecer analogías en la interpretación de las mismas y el hilo conductor de su trayectoria, una evolución natural y espontánea. Piezas de diversos tamaños, técnicas y soportes. Un contenido multidisciplinar que dialoga y se entremezcla con la mirada del paseante: la indagación y el extrañamiento. Lenguajes cruzados e hibridaciones conceptuales que comienzan con la observación al caminar, acto comunicante con el arte y la creatividad. La arqueología cotidiana, que ve lo que otros no ven. Comprometida con la difícil relación entre la naturaleza y el ser humano, y teniendo en cuenta el contexto medioambiental que vivimos, recuperar y reciclar son opciones, casi una obligación, para cuidar y conservar nuestro entorno y, por tanto, a nosotros mismos, dando valor y una segunda vida a lo que antes fuera considerado un residuo. Parte de su trabajo es investigar y modificar con la intuición alerta, tras la detención en la sorpresa, el feliz hallazgo, para cuestionar lo que la sociedad da como cierto.
VALLADOLID
Sandra Gamboa, Encapsulados, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 19 de julio al 29 de septiembre de 2024.
Encapsulados nace con el objetivo de sensibilizar y romper los estigmas que tiene la salud mental a través de una serie de obras que dialogan para hacernos reflexionar, tener empatía y respeto a los que sufren y sienten dolor, ansiedad o depresión.
Cada capsula es una historia de vida y con ella toda una carga de tensiones que se llevan internamente y afecta a las personas que están alrededor por falta de información y comprensión.
Encapsulados, también quiere expresar y mostrar ese proceso que lleva muchas veces a ser dependientes de medicamentos para atenuar tanta explosión de emociones que no sabemos gestionar y nos derrumban. Vivimos metidos en una burbuja que no nos deja respirar y a veces, tan solo una buena compañía, así sea en silencio, es tan efectiva que todas las píldoras juntas para paliar tanta angustia, desasosiego y soledad.
Esta exposición narra lo que callamos en momentos de debilidad emocional y es un grito a la esperanza.
Arte de épocas inciertas. María Luisa Caturla, Museo Nacional de Escultura, Valladolid. Online. Esta muestra reúne una cuidada selección de obras que tratan de materializar algunas de las ideas desarrolladas por la historiadora del arte, María Luisa Caturla en su desconocido ensayo Arte de épocas inciertas. La exposición mostrará objetos artísticos de autores relevantes como Jean Arp, María Blanchard o René Lalique, además de un San Sebastián atribuido a Juan de Juni, recientemente adquirido por el Museo. Este proyecto sirve como complemento a la primera exposición digital elaborada por el MNE y que será accesible en: artedeepocasinciertas.com.
CATALUNYA
BARCELONA
Barbara Hepworth y sus contemporáneos. Escultura moderna, La Pedrera, Barcelona. Del 26 de septiembre de 2024 al 12 de enero de 2025. Comisariado: Penelope Curtis.
La exposición destacará la obra abstracta de Barbara Hepworth (Wakefield 1903-Saint Ives 1975) realizada esencialmente con piedra, que entrará en un profundo diálogo con el edificio de La Pedrera, y pondrá su obra en relación a la de los más destacados escultores del momento, como Moore, Brancusi, Noguchi, Oteiza, Arp o Bourgeois.
Mari Chordà… y muchas otras cosas, MACBA, Barcelona. Del 5 de julio de 2024 al 12 de enero de 2025.
Mari Chordà… y muchas otras cosas presenta la vida y la obra de Mari Chordà (Amposta, 1942), dos aspectos indisociables. No puede abordarse la trayectoria de esta artista únicamente desde su obra, que incluye dibujo, instalación, escultura entendida desde la movilidad, fotografía, poemas y objetos en los que interviene el aspecto lúdico; todo ello está estrechamente ligado a un compromiso personal con el feminismo, con la lucha por dar visibilidad a la mujer y reclamar sus derechos, y con el activismo.
La exposición toma el título de su primer libro de poemas, que se presentó en las Jornades Catalanes de 1976, y al que seguirían Quadern del cos i l’aigua, Locomotora infidel del passat, Umbilicals y el más reciente, No com un so. Su trabajo artístico, iniciado con la pintura y muy vinculado a la escritura poética, trata cuestiones sobre el cuerpo, el embarazo y la maternidad, la expresión de la sexualidad y los fluidos corporales, como reacción a una sociedad opresiva y retrógrada en las que estos temas no tenían cabida.
En 1968 inauguró La Llar en Amposta, un local abierto a la acción cultural y la reivindicación social. Formó parte del grupo de mujeres que, en 1977, crearon el Bar-Biblioteca La Sal en Barcelona, un espacio lúdico y cultural para mujeres, de escucha y apoyo, que dio lugar a las Edicions de La Sal. Esta editorial realizó un trabajo extraordinario publicando obras de escritoras en varias colecciones, desde las clásicas catalanas hasta títulos imprescindibles de la narrativa, el ensayo o la poesía actual. Sin olvidar las Agendes de les Dones, aparecidas desde 1978 hasta 1990, y posteriormente publicadas por Les Pumes entre 1996 y 2002. Un esfuerzo que alteró profundamente las nociones arquetípicas que han conformado y siguen conformando los valores de nuestra sociedad.
Todo su trabajo y su actividad se dirigen a transformar la mirada y apelar a la acción para promover el reconocimiento de las mujeres artistas. En su obra es fundamental transmitir y compartir el placer, que entiende como un elemento revolucionario y poliédrico. El placer, el juego, la reflexión y la acción son aspectos que la artista combina como formas de impacto para reivindicar la cultura, el territorio y las raíces, el papel de las mujeres en la sociedad.
Sarah Moon, El tiempo se detiene, Fundación Foto Colectania, Barcelona. Dl 20 de juio al 22 de diciembre de 2024.
De posar frente a las cámaras a situarse detrás de ellas y rebautizarse como Sarah Moon. La retrospectiva reúne 80 de los trabajos de la fotógrafa francesa. Se exponen ahora ante el público algunas de las imágenes que cautivaron miradas y catapultaron su carrera en las décadas de los 70 y 80. Pese a ser conocida por su fotografía de moda, su trabajo va mucho más allá, adentrándose en el mundo onírico para capturar imágenes cargadas de sensibilidad y narrativa.
Agnes Varda, Fotografiar, filmar, reciclar, CCCB, Barcelona. Del 16 de julio al 8 de diciembre de 2024.
Comisaria: Florence Tissot.
Agnès Varda (Bruselas, 1928 – París, 2019) fue una de las pocas mujeres directoras de su generación. Precursora dentro del movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague, Varda rompió normas y clichés y siempre quiso renovarse. Filmó más de cuarenta películas, entre largometrajes y cortometrajes y entre la ficción y el documental, y trabajó tanto en el cine analógico como en el digital.
La muestra celebra la trayectoria y el talento de una artista original y atrevida, que experimentó y jugó con los múltiples soportes y lenguajes del arte. Antes de ser cineasta, Varda fue fotógrafa y retratista y, de mayor, creó instalaciones artísticas para museos. En la exposición se reúnen por primera vez en Cataluña cuatro de las instalaciones de Varda, aparte de una selección de cortometrajes imprescindibles de su filmografía, que se pueden visionar en salas de proyección en el espacio expositivo.
La exposición también nos descubre la fascinante vida de Agnès Varda, marcada por su carrera de fondo para hacer cine con pocos recursos y reconocimiento y por los viajes, hijos, amistades y relaciones diversas que mantuvo. Varda fue protagonista de la efervescencia social y política de su tiempo: el feminismo, el movimiento hippie o la lucha de los Black Panthers. Y se relacionó tanto con artistas y actores famosos como con personas anónimas y marginales, que quiso representar y dignificar en sus películas.
«Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» refleja el espíritu abierto y viajero de Varda a través de objetos personales, carteles, obras de arte o de los retratos y reportajes de fotos que realizó, algunos de ellos desconocidos o inéditos, como la serie fotográfica de su viaje a Cataluña en 1955.
Para reivindicar la curiosidad y el carácter lúdico y juguetón de Agnès Vardà, abrimos el «Laboratorio Varda», un espacio para adentrarse en el imaginario de la autora o descubrir su fascinación por los gatos, espejos y playas.
Coincidiendo con la exposición, La Filmoteca de Catalunya programa un ciclo en el que se podrán ver las películas esenciales de Varda, como La Pointe Courte (1954), Cléo de 5 à 7 (Cleo de cinco a siete, 1962), Sans toit ni loi (Sin techo ni ley, 1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (Los espigadores y la espigadora, 2000) o Visages Villages (Caras y lugares,2017), entre otros títulos.
La exposición «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» es una adaptación ampliada de la muestra «Viva Varda !», concebida y producida por la Cinémathèque française de París en colaboración con Ciné-Tamaris y la amable contribución de Rosalie Varda y Mathieu Demy.
Wu Tsang, MACBA, Barcelona. Del 18 de julio al 3 de noviembre de 2024.
Por encargo de TBA21, el museo MACBA de Barcelona estrenará en primicia la nueva instalación cinematográfica de la artista Wu Tsang, un proyecto que forma parte de un ciclo que explora el mito de Carmen, la protagonista de la ópera de Georges Bizet. Wu Tsang (1982, Massachusetts, EEUU) es una artista visual y directora de cine y teatro. Recibió un BFA (2004) de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y un MFA (2010) de la Universidad de California en Los Ángeles. Es reconocida por sus narrativas marginadas, documentales, actuaciones en vivo e instalaciones de video, mientras que parte de su trabajo se ha exhibido en numerosos museos y lugares de todo el mundo. En 2018, Tsang recibió la beca MacArthur “Genius” y sus proyectos se han presentado en museos, bienales y festivales de cine de todo el mundo. Su obra De Ballenas se expuso, de la mano de TBA21, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en 2022.
Raisa Maudit, Una ascensión en espiral. Mirar atrás desde el fin, La Virreina, Barcelona. De 15 de julio hasta 13 de octubre de 2024.
Construcción de mundos, construcción de contextos inabarcables. Construcción de capas, de gestos, de historias. Reconstrucción y revisión, observar las historias que no han sido contadas pero sí han sido vividas. Vivir de nuevo historias oscurecidas, luchas desconocidas, lenguajes secretos y métodos de supervivencia. En un momento de desmoronamiento como el actual, con la presente caída de sistemas democráticos frente a modelos puramente económicos y sus divertimentos populistas, Raisa Maudit realiza en su exposición un viaje temporal para intentar apoderarse y compartir otra historia (que conlleve otro futuro u otro presente) y entenderla como algo más que una necesidad. Quizás desde un gesto de fe, quizás en clave mística, quizás como última opción.
Raisa Maudit trabaja en su exposición marcando una serie de ejes. Ejes temporales, ejes lingüísticos, ejes emocionales y ejes abstractos. El espacio expositivo es un lugar desde el que definir en proceso a partir de una complejidad que incorpora el miedo, el error, la creencia y las dosis necesarias de violencia. Y varios siglos con los que negociar, varios tiempos solapados. Para entender la actualidad -o una posible actualidad- vayamos primero al siglo XII. Es en ese siglo cuando varios grupos de mujeres deciden no seguir las normas marcadas. Las beguinas (organizadas secretamente en beguinatos) deciden no casarse, crean su propia economía y sistema de representación, realizan tareas de alfabetización, empiezan a escribir sus libros y publican las primeras autobiografías. Y qué sabemos de ellas. Qué rastro hay de su proto-feminsmo, su anarquía, su amor por el conocimiento, sus códigos de reconocimiento mutuo, su colectividad. Se dice que la última beguina murió el 2013. Esta historia no ha terminado. En su ataque no frontal, en su prescindir de las normas y las estructuras de poder, las beguinas se convierten en un elemento desestabilizador. Hablan de sexualidad y religión, utilizan el romance, rompen las normas sin necesidad de hacer nada más que decidir por sí mismas. ¿Qué queda de todo ello? ¿Qué hemos borrado? Vayamos ahora hacia un futuro con máquinas en el que el trabajo y la repetición -y los robots- generan poesía y lenguaje mediante el error. El gesto (eso que era humano) pasa a ser algo compartido con la máquina. El lenguaje pasa a ser código. Las manos y los gestos no escriben, son proceso de escritura. La traducción empieza a ser complicada. Si en el siglo XII hay una posibilidad de cambio mediante la acción de un sector no dominante, ¿qué pasará con las máquinas idiotas? ¿Qué pasará con todos aquellos mecanismos que no evolucionan? ¿Son estas máquinas elementos que desoyen la versión avanzada de un capitalismo que pide de evolución y aprendizaje para generar más beneficios? ¿Y qué es el código? ¿Cuál es el código? ¿Podemos generar un código para dejar de entendernos? ¿Podemos tener otros lenguajes en el que lo emotivo y lo abstracto posibiliten que esos silencios en la historia pasen a ser los sujetos y los verbos principales?
Y frente a las preguntas, frente a las dudas una posibilidad de visión. Visión como ese momento previo a la construcción lingüística, como esa premonición aún inestable que se está formando antes que todo. Una visión compleja que transforma el código en códice, que -en su fragilidad- busca una nueva idea de tabla y necesita permanecer en lo complejo, escapando de la singularidad mesiánica para participar de un gesto compartido.
Aurora Bertrana, Poliédrica, Palau Robert, Barcelona. Hasta el 29 de septiembre de 2024.
Escriptora, viatgera, periodista, música, conferenciant!, pionera, engatjada, polèmica… Aurora Bertrana i Salazar és una de les figures més transversals de la Catalunya del segle xx que s’emmiralla, sense complexos, en el segle XXI. Sorts i dissorts es van arremolinar entorn d’una dona polifacètica que sentia la literatura com «una metzina ideològica, consubstancial». Malgrat les adversitats a què va haver d’enfrontar-se, es va llençar de ple a la joia de viure gràcies a un esperit inquiet, irreductible i tora de norma.
Filia de Prudenci Bertrana i Neus Salazar, va irrompre en les lletres catalanes amb articles a La Veu de Catalunya (1923) en què relatava les experiències com a estudianta de música a Ginebra. Amb tot, Paradisos oceànics (1930) -basat en els textos que enviava a la premsa des de la Polinèsia francesa (1926-1929}— va acabar de projectar-la en la cultura catalana de preguerra. En aquell moment va encarnar la imatge d’intel·lectual moderna, cosmopolita i progressista, interessada en la condició de la dona. Premsa, ràdio, conferències i participació activa en associacions i publicacions diverses van reforçar-la en l’espai públic i en el compromís amb la causa republicana. El 1936 va publicar El Marroc sensual i fanàtic, basal en les cròniques que enviava a La Publicitat centrades a investigar «l’anima» de les musulmanes. Si bé al principi el pare li va desaconsellar escriure com a mitja de vida, finalment van acabar col·laborant en la novel·la d’aventures L’illa perduda (1935).
El 1938 va veure’s abocada a un exili dur: el marit suís, Denys Choffat, va passar al bàndol nacional i la família política li va girar l’esquena. Amb prou feines va guanyar-se la vida amb ocupacions precàries. Les amistats van aixoplugar-la, tant a Suïssa com a França. Tot i la manca de recursos i una salut fràgil, va donar suport als catalans dels camps de la Catalunya del Nord i va col·laborar en una missió humanitària a Étobon (Alta Savoia), un poble castigat per la Segona Guerra Mundial.
El 1949 va aconseguir tornar a Catalunya, un país que no reconeixia i en què no va ser fàcil reubicar-se. Ella mateixa va qualificar aquell període «d’anys grisos», tant des del punt de vista personal com literari. Tot i així, no va decaure en l’escriptura i va publicar regularment. D’aquella etapa, cal destacar Entre dos silencis (1958) i Vent de grop ( 1967), que Francesc Rovira-Beleta va dur al cinema amb el títol La larga agonia de los peces fuera del agua (1970). La commemoració del centenari del naixement del pare, el 1967, i la instauració del premi de narrativa de Girona, que en du el nom, van redreçar-la en la presència pública. Instal·lada entre Barcelona i el Berguedà, va escriure Memòries fins al 1935 (1973) i Memòries del 1935 fins al retorn a Catalunya (1975), dos volums que van tancar un corpus nombrós, eclèctic i trilingüe (català, castellà, francès) d’una dona de múltiples cares i de vigència inqüestionable.
Antonia del Río, Una poética del uso: hacer servir la biblioteca, Fundació Suñol, Barcelona.
Este proyecto consta de una parte presencial, que tendrá lugar en la biblioteca de la Fundació Suñol, y otra online, que podrá encontrarse en nuestra web en el marco del proyecto Shortcut. La propuesta presencial de este proyecto parte de la activación de la biblioteca como espacio creativo de la Fundació Suñol. La artista ha seleccionado un conjunto de monografías de algunos artistas consagrados que forman parte o han formado parte de la Colección Suñol Soler, y que se encuentran ampliamente representados en la biblioteca. Antònia del Rio selecciona fragmentos que hacen referencia a la construcción del discurso historiográfico sobre el artista genio y las obras de arte consideradas obras maestras, y destaca la información personal, con especial interés sobre la paternidad de estos autores y las implicaciones de esta condición en sus trayectorias profesionales, así como la profesión de artista en la saga familiar o aquellas citaciones que transcriben voz de los mismos autores. Los libros intervenidos en la biblioteca de la fundación forman una constelación de señales amarillas en los lomos que nos permiten identificarlos. En el interior encontramos encartados unos acetatos transparentes que han servido para subrayar el texto. De esta manera, se hace visible un contenido que ya formaba parte de la Fundació Suñol pero que, a través de la mirada del artista, emerge en clave crítica para proponernos un contrarrelato posible, a la vez que invita a encontrar otros. En el apartado online, titulado S/T Mapa de relaciones, Antònia del Rio presenta un mapa de relaciones que parte de la información extraída del proyecto de la biblioteca. En este mapa de relaciones o sociograma, conecta una serie de artistas que se conocieron personalmente, según aparece de manera explícita en los catálogos que ha leído. Otras informaciones que podemos encontrar en el mapa son: si los artistas son padres, si podemos conocer los nombres de los respectivos hijos e hijas, si sus progenitores eran artistas o si los artistas en cuestión siguen vivos en la actualidad.
GIRONA
LLEIDA
Regina José Galindo, Descolonicemos el mundo, La Panera, Lleida. Del 15 de junio al 29 de septiembre de 2024.
Comisaria: Semíramis González.
El amplio trabajo de Regina José Galindo (Ciudad de Guatemala, 1974) ha sido analizado desde múltiples exposiciones que han permitido profundizar en su quehacer artístico de varias décadas. Con un corpus de obra profundamente comprometido, donde la corporalidad y su visceralidad son llevadas al límite, Galindo ha atravesado conceptos vinculados a las violencias, y ha hecho de la performance el medio idóneo para denunciarlas.
El concepto de «facultad» que plantea Gloria Anzaldúa («la capacidad para distinguir en los fenómenos superficiales el significado de realidades más profundas») es algo que acompaña el trabajo artístico de Galindo. Es ese «sentir instantáneo, una percepción rápida a la que se llega sin razonamiento consciente. Se trata de una conciencia aguda mediada por la parte de la psique que no habla, que se comunica mediante símbolos e imágenes que representan los rostros de los sentimientos, es decir, tras los cuales residen o se ocultan los sentimientos». Así, como decía la poeta chicana, «quien posee esta sensibilidad se encuentra dolorosamente vivo y abierto al mundo».
Esto es parte de lo que en esta exposición se recoge. «Descolonicemos el mundo» traza un recorrido conceptual por el trabajo de Galindo con una mirada descolonial sobre diversos trabajos, enunciándose desde un país que vivió la colonización. Con obras desde los inicios del siglo xxi e incluso una performance específica pensada para esta exposición, Fruta amarga (que denuncia la situación vulnerable de las personas temporeras que recogen fruta en Lleida, mayoritariamente migrantes), «Descolonicemos el mundo» cuestiona cómo se ha construido el relato oficial de Occidente, y específicamente desde Europa y Estados Unidos, sobre los cimientos de la explotación de los llamados «países del Sur Global».
Las imágenes son aquí políticas. Son evidencias del colonialismo. Como defiende la socióloga y activista boliviana Silvia Rivera Cusicanqui, en la construcción colonial «las palabras no designan, sino que encubren. […] Las palabras se convirtieron en un registro ficcional, plagado de eufemismos que velan la realidad en lugar de designarla». Así, son las imágenes y los cuerpos quienes son capaces de desvelar los dobles sentidos discursivos: «Desde una perspectiva histórica, las imágenes me han permitido descubrir sentidos no censurados por la lengua oficial». Esto es algo que el trabajo de Regina José Galindo ha permitido desvelar en sus distintas acciones.
A través de tres ámbitos discursivos (racismo, violencia contra las mujeres y extractivismo neoliberal), «Descolonicemos el mundo» muestra, de manera amplia, el trabajo de Galindo sin un sentido cronológico, sino conceptual, para invitarnos a profundizar en su obra y pensar el lugar de enunciación de quien crea, pero también de quien mira.
Sólo si huele a tierra, La Panera, Lleida. Del 15 de junio al 29 de septiembre de 2024.
Comisaria: Blanca Arias.
Desde la década de los setenta, uno de los compromisos básicos de las prácticas feministas ha sido transformar el cuerpo en un espacio para la liberación. Una corporalidad que empieza siendo individual, capturada en los límites del propio cuerpo, pero que cobra agencia al hacerse colectiva, que crece en paralelo al deseo de devenir una sola, múltiple y polifónica . Por eso, como propone Adrienne Rich en Notes towards a politics of location, es necesario ubicar el terreno desde donde construimos nuestra voz: no para transcender el cuerpo, sino para reclamarlo y responsabilizarnos de nuestra proximidad con el centro o con la periferia. Esta conciencia de la posición, entrelazada con la noción de vivir en y con un mundo herido —marcado por la violencia colonial, cisheteropatriarcal y capitalista—, ha doblado el paradigma antropocéntrico que se beneficia de la desvinculación afectiva y material del cuerpo humano con su entorno y con el resto de formas de vida. ¿Qué mundo se acaba cuando invocamos el fin del mundo? ¿Cómo vivir el apocalipsis con ternura? ¿Qué ruinas imaginamos en el paisaje del futuro?
Atendiendo a la complejidad del entramado de relatos que perfilan el cuerpo como territorio, esta exposición anhela tejer una red de artistas jóvenes establecides en el Estado español que, desde la multiplicidad de los feminismos, nos invitan a imaginar y, potencialmente, encarnar lo que puede un cuerpo cuando entra en relación con otros cuerpos. No solo para celebrar que existimos juntes, conectades, sino para especular sobre los significados de ser un cuerpo y habitar el mundo desde él. Aquí los feminismos no aparecen como temática, sino como metodología. El cuerpo no se representa, sino que se presenta: latente, provisional, mórbido. Ya sea rasgándolo como superficie mapeable, hibridando los binarismos y abriéndonos a habitar la frontera, o explorando la posibilidad de convertirse en paisaje, esta cartografía nos presenta la urgencia de cuestionar la identificación del sujeto del feminismo con la naturaleza para reconsiderar la relevancia del cuerpo como la geografía más cercana y siempre atravesada por la política, la narrativa y el artificio.
Roseta. Una memoria en resistencia, La Panera, Lleida. Del 15 de junio al 29 de septiembre de 2024.
Comisarias: Neus Solà y Marta G. Cardellac.
«Roseta» es una exploración visual que reinterpreta la vida y los viajes que emprendían las trementinaires hace un siglo en el territorio del Pirineo y el Prepirineo catalán. (Re)siguiendo las trazas de estas «mujeres que iban por el mundo» para recolectar y vender hierbas medicinales, las autoras rastrean las huellas de la memoria que conforman el universo trementinaire, llenando los vacíos que deja la historia a través de la fotografía y el caminar.
Pensar la condición femenina de estas mujeres desde una perspectiva de género implica hacerlo desde un contexto histórico concreto: entendiendo las trementinaires como herederas de la transición entre dos mundos —el tradicional y el moderno— donde la relación entre el hombre y la naturaleza también muda. Este hecho también condiciona su valor, ya que pasan de ser concebidas en sus inicios como una figura necesaria, pero precaria, a ser una figura que se va olvidando a raíz de la industrialización y que recientemente ha llegado a ser un referente de empoderamiento y transgresión en la construcción de género.
Más allá de la mujer-medicina, el arquetipo trementinaire se despliega también en los ámbitos social, económico, político, medioambiental y sagrado, abriendo nuevas categorías que nos llevan a reflexionar sobre su vinculación con las brujas, la inversión de roles familiares, la transmisión de conocimiento, la estigmatización o la romantización de esta práctica.
«Roseta» ilustra —entre realidad y ficción— la complejidad de este ecosistema a través de la creación de un personaje que contiene la voz de todas estas mujeres, entendiendo el cuerpo como portador de conocimiento y el caminar como una manera de hacer memoria. Abrir este abanico nos hace pensar sobre nuestros orígenes, la condición femenina, la relación que tenemos con el entorno y la que queremos construir.
La exposición, en formato audiovisual, muestra el camino trazado por las autoras en el marco de la residencia Beca d’Art i Natura 2023 y reivindica el legado trementinaire desde una mirada contemporánea y emancipadora.
TARRAGONA
Atmosferes futures, Museo Apel.les Fenosa, El Vendrell, Tarragona. Del 20 de abril al 13 de octubre de 2024.
Comisaria: Nekane Aramburu.
El 2024 se celebra el 125è aniversari del naixement de l’escultor Apel·les Fenosa a Barcelona el 16 de maig del 1899, a més de complir-se 100 anys de la seva primera exposició a París.
Al llindar del domini de la computació i els algorismes, perviuen propostes visionàries que plantejaven en segles precedents els enigmes humans dels temps per venir. Tot i que Fenosa va ser un creador forjat en els corrents clàssics i submergit en els cercles avantguardistes de París des dels anys 20, la seva trajectòria es va apartar d’aquests corrents estilístics per desenvolupar un sistema de producció allunyat de circuits i modes.
Entre la distòpia i la intuïció d’espais temporals i vòrtex que salten del futur al passat i a la inversa, és possible generar noves formes relacionals des de la institució-museu. Aquest projecte expositiu utilitza diferents dependències de la seu de la fundació d’Apel·les Fenosa a el Vendrell, propiciant el diàleg entre l’obra fenosiana i els artistes contemporanis que transiten igualment inquietuds visionàries comunes: Fabiana Barreda, Anna Dot, Joaquín Jara, Eduardo Kac, Lugán, Michael Najjar, Marina Nuñez, Saioa Olmo, Perejaume, Marcel Pey i Mapi Rivera.
EXTREMADURA
BADAJOZ
Carmen de Matos, Ruinas, Colegio de Arquitectos de Extrremadura, Badajoz. Del 7 a 27 de septiembre de 2024.
La obra de la artista muestra su lado más sensible a través de un estilo figurativo monocromático que representa cuerpos con grietas y vegetación. Su principal inspiración son los lugares abandonados donde la naturaleza ha poblado con su característico verde la superficie de todos los objetos situados en esta. A raíz de esta premisa, Carmen de Matos representa este concepto a través de la figura humana y de los sentimientos, además de conceptos filosóficos.
Carmen de Matos es graduada en Comunicación Audiovisual y Documentación, mezcla su visión como fotógrafa y como artista plástica para sus composiciones. A pesar de no haber realizado estudios específicos de arte, Carmen ha aprendido el uso de las técnicas de forma autodidacta, buscando ella misma la información y aprendiendo a base de prueba y error. Sus pinturas mezclan técnicas novedosas como la resina epoxi, con técnicas tradicionales como el óleo.
Un mundo propio. Colectiva de Ilustradoras extremeñas, Sala Europa, Badajoz. Del 14 de junio al 30 de septiembre de 2024.
Comisaria: Beatriz Pereira.
Decía Georgia O’Keeffe que se requiere valor para crear un mundo propio. En este caso, cinco artistas, Amanda Sinsanto, Celia Conejero, Clara Trash, María Polán y Marta Barroso, lo tienen también para ilustrarlo. Porque no es fácil ser mujer y artista, y tampoco serlo en Extremadura.
El trabajo de ilustración suele ser el gran desconocido entre todas las artes. Un mundo propio, propone un paseo a través de cinco miradas hacia cuatro grandes ámbitos, donde cada personalidad y estilo confluye hacia diferentes cuestiones tratadas desde un prisma personal. Mujer, naturaleza, literatura y cultura, son los cuatro bloques en los que cada artista expone su visión más allá del dibujo. Esta exposición no solo pretende poner en valor la ilustración de cinco artistas extremeñas de manera visual, sino que transita, a través de la interacción directa con las obras, la manera de entender su trabajo.
Un mundo propio se organiza como un eje que, según se configura, se retroalimenta, mostrando piezas sobre feminismo, cultura general –y extremeña–, o publicaciones literarias, a través de técnicas dispares como el dibujo manual, digital, el grabado, la cerámica, el audio o el vídeo; como dispar, a la vez que propio, es el trabajo de las cinco artistas extremeñas que presentamos.
CÁCERES
Susan Hiller, Dedicado a lo desconocido, Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear, Cáceres. Del 28 de junio al 20 de octubre de 2024.
“Sé que nuestra cultura niega muchas cosas. Nuestra configuración mental como seres humanos probablemente nos impide conocer gran parte de lo que es real, y cada lenguaje también establece límites. Pero de vez en cuando, las personas experimentan rupturas…”.
Con una innovadora práctica multimedia que se extiende a lo largo de más de cinco décadas, Susan Hiller (1940-2019) es considerada una de las artistas más influyentes de su generación.
Esta importante exposición presenta la amplitud de las investigaciones de la artista sobre aquello que escapa de la racionalidad y se encuentra más allá de lo que reconocemos, e incluye obras tempranas y tardías en medios tan variados como pintura, escultura, fotografía, video e instalación. Se trata de la primera gran muestra del trabajo de la artista desde su fallecimiento en 2019.
Dedicado a lo Desconocido se centra en un área de investigación que es una constante en la obra de Hiller: la fascinación ambivalente de nuestra cultura hacia aquello que se encuentra que fuera del alcance de la normal comprensión del día a día. Las obras seleccionadas exploran creencias en la percepción extrasensorial, tradiciones de interpretación de sueños, prácticas de escritura automática y experiencias colectivas del subconsciente, inconsciente y la actividad paranormal. El poder de la obra no radica en defender ni en negar la realidad de estos fenómenos, sino en presentar este material como «hechos sociales» que existen y que, en conjunto, revelan que hay algo más elusivo, inquietante y fascinante bajo la superficie de lo que a primera vista parece fácil de entender; la vida está llena de incógnitas.
A lo largo de su carrera, Hiller recopiló y recontextualizó una gran variedad de artefactos culturales, creando obras frías, minimalistas y seriadas que empujaron los límites de la práctica postconceptual hacia un territorio misterioso e inexplorado. En palabras de la artista: «Me comprometo a trabajar con lo que llamo fantasmas, es decir, con desechos culturales, fragmentos y cosas que son invisibles para la mayoría de las personas pero intensamente importantes para unos pocos: situaciones, ideas y experiencias que nos persiguen colectivamente».
GALICIA
A CORUÑA
Judith Adataberna, La fuerza simulada, Fundación Museo Eugenio Granell, Santiiago de Compostela, A Coruña. Del 27 de junio al 28 de septiembre de 2024.
Judith Adataberna construye desde un universo interdisciplinar que discurre por la experimentación a través del cine, las video instalaciones, la fotografía y otro tipo de soportes, un terreno híbrido que supone una de las apuestas más originales y diferentes del panorama contemporáneo. Graduada en Bellas Artes, amplió su formación con una beca en el Laboratorio Audiovisual de Creación y Práctica Contemporánea (LAV) de Madrid. Fuertemente influida por el contexto con el que mantiene una relación intrínseca, parte de una profunda observación de la naturaleza y sus fenómenos a través del paisaje y la relación del individuo con el medio, unos conceptos que provienen de una infancia marcada por la conexión familiar con el entorno.
En su trayectoria desarrolla un especial interés por la psicología y los misterios de la conciencia, que resultará esencial para crear obras que desafíen las escalas y los márgenes de la percepción. La introspección será el punto de partida donde ofrecer perspectivas variadas y reflexivas a través de la búsqueda de lo universal desde lo personal. Por este motivo, en su obra siempre se ha manifestado una constante necesidad de desafiar la concepción hegemónica de la realidad, creando proximidades entre la visión onírica y la especulativa de la ciencia. Entre el cine estructural y el lenguaje del videojuego, propone “cámaras-cuerpo” que ensayan sobre posibles “modelos y simulaciones” de las realidades, buscando los espacios liminales de la conciencia y la propiocepción a través de lo alucinatorio. Paralelamente ha trabajado como directora, haciendo videoclips, fashion films, fotografía o A/V para músicos y diseñadores como Ruberth, Cruhda o Caamaño Ameixeiras, con quienes también colaboró como directora de arte y vestuario. Sus propuestas nos sumergen en un universo fantástico y lleno de vida, poblado de seres que van desde insectos hasta una variada gama vegetal, para trasladarnos a través de una mitología que transforma nuestra visión de la vida, desde una perspectiva que cuestiona diferentes hábitos desde nuestro proceso vital.
Su trabajo ha formado parte de festivales como Curtocircuito, Playdoc, Filmadrid, Bendita Tú e Intersección; ha realizado exposiciones en la SÍM Gallery (Reikiavik), Venice Art Projects (Venecia), Espacio Tangente (Burgos), Galería Chiquita Room, Instituto Cervantes, Injuve: “Silencio de los grandes troncos”, La Casa Encendida “Fuego en la habitación”, “Invocations vol. I” – Macba, Loop Festival – ‘D’un rastre com un tall (Barcelona) o recientemente “Norte Agreste Silvestre” en la Galería Municipal de Oporto, Leira Haus (Lugo) o en el LEV Matadero Madrid, entre otros. Por otro lado, su obra Inside the Microtubule fue galardonada en el Festival Intersección de A Coruña en 2020, y reconocida con el Premio “A Colectiva” y el “Premio Numax a la Exhibición”, ambos en la Sección Galicia. También obtuvo el “Premio Agag” al mejor guión por la pieza Memoria de Emergencia en el INTERSECCIÓN LAB, espacio de impulso a la creación de proyectos audiovisuales en A Coruña. Las obras que conforman esta exposición exploran la frontera entre el mundo tecnológico y el natural, creando escenarios virtuales e íntimos que nos sumergen a través de la percepción y la influencia de la luz en la vida y la supervivencia entre especies y cómo el devenir tecnológico ha añadido una relectura sobre el transhumanismo y el desarrollo afectivo con las máquinas que nos rodean. Un dispositivo que reflexiona sobre cómo la virtualización de la naturaleza nos afecta y distancia de la realidad, mermando los instintos, cada vez más adormecidos.
LUGO
Elas. O Vello Cárcere, Lugo. Exposición permanente.
Se trata de un proyecto en colaboración entre Aurora Marco, que es investigadora, historiadora y profesora de la USC, y varias artistas locales: Chelo Rodríguez, Ehlaba Carballo, Irene Silva Xiráldez, María Manuela, María Xesús Díaz, Novais, Sabela Arias Castro y Vanessa Lodeiro. Tras la investigación de Aurora sobre mujeres gallegas que destacaron como artistas en diferentes etapas de la historia gallega y en distintos campos de creación, las artistas crearon una serie de piezas en homenaje a ELLAS.
PONTEVEDRA
VIGO
Laía Argüelles Folch, Todavía siempre, MARCO, Vigo. Del 28 de junio al 10 de noviembre de 2024.
Reúne una selección de obras de los últimos diez años en los que Laía Argüelles Folch (Zaragoza, 1986) ha desarrollado su metodología de pensamiento y composición, a partir de la investigación y el trabajo con materiales encontrados en rastros, tiendas de coleccionismo y librerías de viejo de diversos países. Interesada en el potencial de las imágenes y el lenguaje como forma de relación con el mundo, la artista aborda aquí nociones como la materialidad, la colección y la repetición, mediante ejercicios de montaje, pliegue y despliegue. Las obras materializan este interés por la naturaleza de las imágenes y su capacidad de proponer futuros posibles, a la vez que apuntan a la construcción de significados no unívocos ni definitorios, sino abiertos, móviles, sensibles.
Esta exposición se aproxima a la imagen entendida como presencia en lugar de como representación, a la traducibilidad entre imagen y cuerpo o a las (im)posibilidades de identificación. Mediante una búsqueda de imágenes asociada a la búsqueda de sentido, Todavía siempre profundiza en el uso de la imaginación como herramienta para crear conocimiento y enriquecer nuestra capacidad de concebir lo real.
MADRID
Catara Rego, Zona de sacrificio, Silo de Hortaleza, Madrid. Del 11 de septiembre al 20 de octubre de 2024. PHOTOESPAÑA
Zona de sacrificio, proyecto ganador del Premio Descubrimientos PHE23, muestra diferentes lugares de Galicia que han sido escogidos para la explotación de recursos naturales, reflexionando sobre el impacto que esta práctica ha tenido en el paisaje y los efectos del proceso de degradación del territorio.
Las zonas de sacrificio son áreas geográficas, generalmente de alta concentración industrial o gran valor natural, destinadas a la explotación y obtención de algún tipo de recurso. Son lugares seleccionados para un fin económico, donde cuestiones medioambientales y sociales quedan supeditadas a los intereses de grandes empresas.
Este proyecto documenta así la huella en el paisaje que la explotación del agua, la tierra y el viento ha dejado en Galicia. Asumiendo el paisaje como una forma de identidad territorial, embalses, minas, plantaciones de eucalipto y parques eólicos han modificado durante décadas un lugar en el que las cicatrices de estas prácticas son cada vez más patentes.
Isabela Muci, Naturaleza muerta, Silo de Hortaleza, Madrid. Del 11 de septiembre al 19 de octubre de 2024. PHOTOESPAÑA
Con Naturaleza muerta, Isabela Muci cuestiona la apropiación y la representación con un uso retorcido de la fauna salvaje y de ciertas especies en extinción. La artista registra espacios públicos de Florida que ilustran la naturaleza con una aparente labor de homenaje y toma de consciencia. Reflexiona sobre la sociedad contemporánea que se empeña en generar una serie de artefactos que recrean la naturaleza para que podamos comprarla. La sociedad de consumo entiende que usando semejanzas con lo natural fomenta la adquisición de la naturaleza cuando en realidad se está destruyéndola con todo el residuo que generan ciertas técnicas de representación agresivas, invasivas y contaminantes y el impacto que esto genera sobre el medio ambiente. El ser humano parece preferir disfrutar del consumo de la naturaleza a través de sus imágenes y de una representación idealizada/ domesticada de ésta antes que dos hechos verdaderamente importantes: por una parte, la propia existencia de la fauna salvaje y, por otra, cómo vivir en el reino de las imágenes que nos rodean y la manera en que éstas afectan y condicionan la sociedad.
31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim, Fundación MAPFRE, Madrid. Del 19 septiembre al 5 de enero de 2025.
Solo Peggy Guggenheim pudo organizar en 1943 una exposición en su galería de Nueva York dedicada íntegramente a las mejores artistas del momento. Y lo hizo con la colaboración del mismísimo Marcel Duchamp. La Fundación MAPFRE redescubre la historia de aquella muestra seminal con una selección de las obras que se presentaron y piezas de las 31 creadoras, de Frida Kahlo a Leonora Carrington o Dorothea Tanning.
Soledad Sevilla, Ritmos, tramas, variables, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 25 de septiembre al 10 de marzo de 2025.
A lo largo de su carrera, la pintora Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha desarrollado un riguroso lenguaje basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas partiendo de módulos geométricos. Esta exposición, comisariada por Isabel Tejeda, repasa cronológicamente la trayectoria de la artista a través de más de un centenar de obras que abarca desde sus primeros pasos en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid hasta sus producciones actuales, algunas realizadas específicamente para la muestra. La retrospectiva incide en la afirmación de la artista de que ha pintado el mismo cuadro toda su vida, conectando sus primeros trabajos de la década de 1960 con sus últimas series como Horizontes blancos o Sempere, en la que homenajea a su referente y amigo Eusebio Sempere.
Aunque ligada en sus inicios al heterogéneo grupo de artistas españoles adscritos a los presupuestos estéticos de la abstracción geométrica —con los que ha mantenido afinidad toda su vida—, Sevilla pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta plástica. Entre 1980 y 1982, realiza una estancia en Boston fundamental en el desarrollo de su carrera. Allí lleva a cabo, entre otros proyectos, las series Keiko, Stella y Belmont, compuestas por dibujos de líneas individuales, finas y ligeras que preconizaban la sensación de vibración tan característica de su pintura posterior. A su regreso, la línea, las tramas y la luz como vehículos de la emoción llevan a la artista a trabajar sobre dos hitos esenciales de la cultura española, Las Meninas de Diego Velázquez y la arquitectura andalusí de La Alhambra de Granada —ciudad en la que reside en la actualidad—.
Hacia mediados de la década de 1990, una acumulación de pinceladas comienza a invadir sus telas rítmicamente —como se observa en En ruinas II o Díptico de Valencia— y la naturaleza se apropia de sus obras. Un “magma vegetal”, en palabras de la propia Sevilla, compacta la superficie del lienzo para ir dejando ver progresivamente una línea de luz. Las vegetaciones colgantes, las noches de insomnio —representadas en su serie Insomnios— y las arquitecturas agrícolas, conducen al espectador a mirar el mundo a través de la trama. Tramas de hojas o de mallas de plástico inspiradas en los secaderos de tabaco de la Vega granadina.
La generación de instalaciones, con las que Soledad Sevilla expande sus preocupaciones estéticas hacia lo espacial, ha sido otra de las líneas de fuerza de su trabajo desde la década de 1980. Esta exposición documenta alguna de sus intervenciones históricas como Vélez Blanco, realizada en el castillo de Vélez-Blanco de Almería en el marco del Proyecto Plus Ultra con motivo de la Expo ’92; o El tiempo vuela, una suerte de vanitas que pudo verse por primera vez en la Galería Soledad Lorenzo en 1998. Al mismo tiempo, la artista presenta Donde estaba la línea, una nueva instalación site-specific en la que utiliza el hilo de algodón para intervenir el espacio del Museo.
Sol Calero, CA2 Móstoles, Madrid. Del 28 de septiembre al 5 de enero de 2025.
La exposición se centra en el concepto de movimiento y en el hecho de nacer en un lugar y habitar en otro; de migrar y ser migrante, como es el caso de la propia artista, nacida en Venezuela, donde residió hasta los diecisiete años, momento en el que, junto a su familia, se estableció en Tenerife. Más adelante, pasaría una temporada en Madrid para finalmente asentarse en Berlín, ciudad en la que reside en la actualidad.
El proyecto, primera muestra individual dedicada a Sol Calero en una institución pública española, reúne algunas de las principales características de su trabajo como son las construcciones de espacios colectivos en los que se condensan gran parte de su producción e interés por la arquitectura y el diseño; la pintura mural, técnica que utiliza desde el inicio de su trayectoria donde las frutas, la vegetación y los exvotos se convierten en recursos gráficos y simbólicos reiterados.
La artista parte de lecturas abiertas y alusiones directas a la figura del turista y a la idea de pensar un lugar y descubrir otro, de ahí las relaciones que se establecen, por parte del espectador, a la hora de enfrentarse a muchos de sus trabajos.
Los pasos por distintos países y su condición de inmigrante latina han sido condicionantes para desarrollar un trabajo centrado en el carácter identitario relacionado con los símbolos de la cultura extra portable latinoamericana. En palabras de Tania Pardo, comisaria de la muestra “su formalización en esa plasticidad desbordante de color y esa exotización atraviesa toda su producción, que se vertebra en torno a intereses concretos”. No es la primera vez que Sol Calero recurre abiertamente a su propia biografía como ya hiciera en Archivos olvidados (2019), una colección de collages y pinturas en homenaje a la memoria de su abuela Luisa Hernández que expuso en Gallery ChertLüdde (Berlín).
La muestra se completa con otros elementos recurrentes en la práctica de Sol Calero como son el dibujo, la cerámica, los textiles y distintos objetos encontrados alusivos a la cultura popular latinoamericana. De esta forma, la artista reflexiona sobre el poder y la ambigüedad de los signos culturales, los tópicos y las connotaciones que estos símbolos adquieren en un contexto social y político y cómo todo esto afecta a los temas de género e identidad.
Barbara Brändl, Poética del gesto, política del documento, CentroCentro, Madrid. Del 19 de junio al 22 de septiembre de 2024.
Barbara Brändli nació en Suiza (Schaffhousen, 1932), pero se convirtió en fotógrafa en Venezuela, donde vivió y trabajó hasta el año de su desaparición (Caracas, 2011). A lo largo de cinco décadas, ante su lente posaron artistas, músicos, actores, bailarines, artesanos, modelos, políticos y empresarios de la sociedad venezolana. Si bien Brändli es reconocida internacionalmente gracias a su libro Sistema nervioso (1975), incluido por Martin Parr en su selección de los mejores fotolibros (Fenómeno fotolibro, 2017), su legado contiene material fotográfico (y no fotográfico) inestimable para la memoria histórica latinoamericana.
El valor de la obra de Brändli no se reduce a su relevancia como “documento histórico”, también reside en la manera en que ella entendió la fotografía documental. El hecho de haber sido bailarina amateur y de haber trabajado como modelo para revistas y diseñadores antes de convertirse en fotógrafa le permitió comprender la importancia del gesto y la pose. Al mismo tiempo, le condujo a experimentar en carne propia el proceso de desposesión al que el “sujeto” fotografiado es sometido al ser convertido en “objeto” de representación.
Probablemente para superar esta posición, Brändli puso en práctica una metodología de trabajo y una ética de vida que nos invitan a ver en sus proyectos las bases de una redefinición de la actividad documental: del fotógrafo como cazador al fotógrafo como tejedor de relaciones. Los proyectos documentales de Brändli, como Los hijos de la luna (1974), Los páramos se van quedando solos (1981) y Así con las manos (1979), son el resultado de largos años de trabajo en los que la autora convivió con aquellos que no se convertirían en objetos de sus fotografías, sino en sujetos de sus historias.
Alejandría Cinque y Laura San Segundo, Las hijas de Minerva, Museo del Romanticismo, Madrid. Del 31 de mayo al 29 de septiembre de 2024. PHOTOESPAÑA.
En una casa burguesa del Romanticismo, la sala de billar era un espacio destinado a la sociabilidad masculina. Solo los hombres jugaban mientras las mujeres miraban la partida, sentadas apaciblemente a su alrededor. Esta segmentación por género ha sido reproducida de manera simbólica por el propio Museo al colocar una galería de retratos femeninos de la época en las paredes que rodean a la mesa de billar.
Más allá de mostrar la evolución de las modas de las damas románticas, este pequeño gesto actualiza el discurso de la colección y trae al presente la cuestión de género, clave en la propuesta que Laura San Segundo y Alejandría han planteado para dialogar con este espacio singular, así como la ideología de una época de la que aún hoy somos herederos.
Las hijas de Minerva es un proyecto fotográfico instalativo y performático en el que varias jugadoras desarrollan figuradamente una partida de billar. A través de distintas acciones, del uso del uniforme, de la transformación de la mirada en un ejercicio activo, y de la figura mitológica de Minerva como hilo narrativo y conceptual para construir y dirigir a las jugadoras, la partida se convierte en un campo de batalla donde luchar por la emancipación de esa corporalidad vinculada a una feminidad decimonónica.
Concha García, El resto de los días, Museo Nacional de Artes Decorativas, Madrid. Del 9 de mayo al 13 octubre de 2024.
La obra de Concha García se centra en la memoria, sobre la que reflexiona a través de los materiales con los que trabaja. Siguiendo con esta línea de trabajo, tiempo y memoria son los pilares de la muestra El resto de los días, que reúne piezas realizadas principalmente en cerámica, a partir de objetos reales. En el proceso de cocción el objeto se calcina, y aparece la pieza cerámica, como cobertura que lo contenía. La serie se plantea como un archivo, en el que se intenta documentar todos los elementos, estableciendo una relación ambigua entre la realidad y la reproducción, ya que en ocasiones las piezas resultantes del proceso incorporan materias reales.
MURCIA
CARTAGENA
NAVARRA
Agustina Otero, El horizonte del círculo, Museo Oteiza (Egüés) y Ayuntamiento de Pamplona. Deel 20 de junio al 24 de noviembre de 2024.
Dos exposiciones complementarias presentan su estudio formal y estructural sobre la cabeza.
El estudio formal y estructural de la cabeza humana constituye uno de los temas esenciales en la historia del arte clásico y moderno y supone una preocupación constante en la investigación plástica de la artista Agustina Otero. El busto como forma, materia, estructura y elemento cultural y simbólico de representación protagoniza “El horizonte del círculo” un proyecto desarrollado por esta artista y que se mostrará en dos exposiciones complementarias celebradas en el Museo Oteiza y en el Polvorín de la Ciudadela de Pamplona, respectivamente, a lo largo de los próximos meses.
La exposición conformada por un conjunto de 42 esculturas de diverso formato, que incluye también 4 dibujos vinculados con esta investigación plástica. El tratamiento escultórico de materiales procedentes de la tierra como, piedra, hierro, barro y yeso articula el imaginario plástico de la artista que, a través de la acción del gesto escultórico, alcanza otros grados de significación, logrando así la transformación de materiales naturales en objetos artísticos señalados.
COMUNIDAD VALENCIANA
ALICANTE
CASTELLÓN
VALENCIA
Francesca Woodman y Julia Margareth Cameron: retratos parra soñar, IVAM, Valencia. Del 11 de julio al 20 de octubre de 2024.
Esta innovadora exposición yuxtapondrá la vida y obra de dos de las profesionales más importantes e influyentes de la historia de la fotografía. En esta exposición se presentarán más de 150 impresiones antiguas poco comunes que recorren toda la carrera artística de Francesca Woodman y Julia Margaret Cameron (que desarrollaron sus obras con 100 años de diferencia) e incluirá ejemplos de sus trabajos más famosos y de los menos conocidos. En formas que se cruzan y divergen de forma tentadora, el retrato fue fundamentalmente importante para el proyecto artístico de ambas mujeres. La exposición explorará la idea de que Woodman y Cameron comparten un compromiso a la hora de representar el retrato como «espacio de ensueño». El título hace referencia a la idea de que estos retratos fotográficos no pretenden imitar la realidad, sino despertar el imaginario de belleza, simbolismo, transformación y narración. Considerando a ambas artistas desde una perspectiva diferente, Francesca Woodman y Julia Margaret Cameron: retratos para soñar propondrá nuevas formas de apreciar y pensar sobre los artistas, el retrato y las relaciones entre las prácticas fotográficas de los siglos XIX y XX.
Nobosudru, el devenir icono de una mujer Mangbetu. De la imagen visual a la materialidad de la imagen, IVAM, Valencia. Del 4 de julio al 8 de diciembre de 2024.
Carolina Caycedo, IVAM, Valencia. De 13 de junio a 13 de octubre de 2024.
Revisión del trabajo sobre movimientoos sociales y comunitarios que se oponen a las grandes infraestructuras hidráulicas y cómo podemos abrazar la resistencia y la solidaridad.
El proceso y la participación son elementos centrales en la práctica de Carolina Caycedo, que ofrece una dimensión colectiva a través de instalaciones, dibujos, performances, fotografías y vídeos. Su trabajo contribuye a la construcción de una memoria ambiental como espacio imprescindible para el clima y la justicia social. Nos desafía a entender la naturaleza no como un recurso a explotar, sino como un ente vivo y espiritual que une a las personas más allá de las fronteras. A través de su práctica de estudio y trabajo de campo con comunidades afectadas por infraestructuras a gran escala y otros proyectos de extracción, Caycedo invita a los espectadores a valorar el ritmo insostenible de crecimiento bajo el capitalismo y cómo podemos abrazar la resistencia y la solidaridad. Movimiento, migración, conexión, lenguajes e intercambios, son conceptos clave en su trabajo, a los que se aproxima con un fuerte compromiso ético y feminista. A través de cosmologías indígenas y discursos decoloniales propone contranarrativas al extractivismo y a la violencia del mundo.
El poder con que saltamos juntas, IVAM, Valencia. Desde 30 de mayo al 29 de septiembre de 2024.
Explora el trabajo de artistas españolas y portuguesas durante la última etapa de as dictaduras correspondientes y los primeros compases de la democracia.
La evolución histórica de ambos países tiene en esos años muchos puntos en común. Tanto España como Portugal sufrieron largas dictaduras, un régimen autoritario y represivo, marcado por el culto al jefe y una organización del estado que se asemejaba a los fascismos, pero con un componente tradicionalista y católico que los distinguía de estos. De hecho, ambos regímenes adoptarán el mismo lema para resumir su ideología: «Dios, patria y familia».
En los años sesenta y primeros setenta, se incrementa notablemente la presencia de mujeres artistas en ambos países, particularmente en los círculos alternativos y de oposición al régimen. Cuando examinamos la producción de las artistas españolas y portuguesas de la época, constatamos que adoptaron un amplio abanico de medios y estilos: abstracción y arte normativo, realismo tradicional, Pop art y realismo crítico, conceptualismo y neodadaísmo, entre otros. No todas ellas se ocuparon de reflexionar sobre la condición femenina, pero un número significativo de las obras realizadas por mujeres en esos años tenían que ver, de un modo u otro, con temas cercanos a la agenda feminista; como la división sexual del trabajo, la construcción social de roles sociales, la maternidad, la domesticidad o la violencia sexual. No obstante, esta vertiente feminista, o proto-feminista, fue ignorada por la mayor parte de los críticos de la época (e incluso negada, en muchas ocasiones, por las propias artistas). No ha sido hasta hace pocos años cuando algunas historiadoras españolas y portuguesas han empezado a estudiar la dimensión política de muchos de estos trabajos.
Esther Ferrer, El cuerpo atravesado por el género, el espacio y el tiempo, Centro del Carmen, Valencia. Del 15 de mayo al 29 de septiembre de 2024.
Comisaria: Margarita Aizpuru.
La exposición de la artista plástica y performer Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) se centra en la idea de la mujer y de su cuerpo en interrelación con el tiempo y con el espacio. Un cuerpo, el de la propia artista, desde el cual produce acciones y trabajos creativos. Y, desde el que, recorre y mide el espacio y así mismo, siendo, a su vez, atravesado por el tiempo, mostrando incluso la vejez de una mujer, confrontado a la idea y promoción de la eterna juventud femenina fomentada por el sistema patriarcal.
Y ese cuerpo, también es trasladado a la fotografía, a las instalaciones, los dibujos e incluso al video, a través de los autorretratos de su rostro y de fragmentos corporales, en actitudes performativas. Además, un accionar del cuerpo, mostrado a través de una serie de imágenes y audiovisuales que, como documentación de una selección de performances, se ofrecen como medios narrativos visuales y sonoros, junto a “las partituras” o guiones que ella construye para seguir en la ejecución de sus performances.
En definitiva, todo un recorrido expositivo multi e interdisciplinar performativo expandido desde la acción a las obras plásticas y a la inversa, su incitación a la realización de acciones por parte del público o su mera evocación, o bien las piezas visuales como huellas o restos de performances. A la vez que nos muestra su propio cuerpo accionado en el tiempo y en el espacio, visto y leído como significado de capas simbólicas y representaciones deconstructoras de la mirada patriarcal sobre el cuerpo femenino. Y, todo ello, bañado con un cierto sentido del humor ácido, la conjugación del absurdo y los encuentros azarosos con los objetos, las palabras y los signos.
María Gomar, Objetos desaparecidos, CCCC Valencia. Online.
El Centro de Carme, dentro de su programa #CCCCenCasa te ofrece una nueva manera de visitar sus exposiciones desde casa, a través de sus tours virtuales, una experiencia inmersiva que permite acceder a contenidos, juegos interactivos y otros detalles específicamente desarrollados Producida por la Delegación de Memoria Histórica de la Diputació de València y el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, la muestra es una aproximación artística a los objetos personales de víctimas del Franquismo en el contexto de las fosas comunes de Paterna (València). ¿Qué valor adquieren estas piezas en las manos de los familiares? ¿Qué representan para nuestra sociedad? ¿Qué mensaje lanzan a la democracia?
PAÍS VASCO
BILBAO
Martha Jungwirth, Guggenheim Bilbao. Del 7 de junio al 22 de septiembre de 2024.
A lo largo de seis décadas, la artista austriaca Martha Jungwirth (Viena, 1940) ha creado un lenguaje abstracto propio vinculado al mundo físico. Su aguda observación de la forma humana, de los animales, del paisaje, así como las referencias a la historia del arte y sus numerosos viajes por todo el mundo han informado sus pinturas y acuarelas. Las poderosas obras de Jungwirth poseen un estilo decididamente inconformista y están realizadas sobre soportes inesperados, como cartón, viejos planos de ciudades, libros de contabilidad o papel de envolver. Las formas erráticas y los colores intensos dotan a sus pinturas de cierta sensación de espontaneidad. Su enfoque intuitivo de la creación artística ha sido descrito con frecuencia como un puente entre el Expresionismo Abstracto y el Informalismo.
Esta exposición analiza el trabajo de Jungwirth desde los años setenta hasta el momento presente, e incluye una considerable selección de acuarelas y pinturas al óleo sobre papel, lienzo y cartulina; la muestra presentará, además, cuatro libros de artista. La muestra concluirá con piezas nuevas que esta autora está creando en la actualidad, abarcando así cincuenta años de extraordinaria producción. Por primera vez desde 1966, cuando recibió el Premio Joan Miró, la obra de Jungwirth podrá verse en España.
Elena Aizkoa, Ur Aitzak, Azkuna Zentroa, Bilbao. Del 1 de enero de 2023 al 31 de diciembre de 2024.
Elena Aitzkoa muestra en el Atrio «Ciénaga Estrellada» y «Arrebol», las dos primeras esculturas creadas en el marco de «Ur Aitzak», proyecto creativo que desarrolla como Artista Asociada a Azkuna Zentroa. «Ur Aitzak» consta de seis esculturas que irán surgiendo paulatinamente en este espacio, ligadas siempre a un trabajo de voz y poesía.
SAN SEBASTIÁN / DONOSTIA
Isabel Herguera, Retrospectiva, Sala Kubo Kuxa, Donostia/ San Sebastián. Del 13 de septiembre al 6 de enero de 2025.
La exposición presenta cuatro décadas del trabajo de Isabel Herguera (San Sebastián, 1961).
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Nabarmdutako Obra: María Paz Jiménez, Museo de San Telmo, San Sebastián. Del 2 de julio al 22 de septiembre de 2024.
Dos obras de diferentes épocas de María Paz Jiménez estarán expuestas en el apartado de Obra destacada, una de las novedades que ha incorporado el museo en la renovación de la sala de arte histórico. Este nuevo espacio permite poner el foco temporalmente en una o varias obras específicas. De esta manera, y tomando el relevo de Balneario La Perla del océano, de Ramón Cortázar, podrán verse durante todo el verano dos lienzos de Jiménez.
Nacida en Valladolid, María Paz Jiménez residió en San Sebastián desde los 6 años. En 1936 se traslada a Buenos Aires, donde iniciará su carrera artística. Un viaje a París en 1948 le pondrá en contacto con el arte vanguardista francés. Inquieta y abierta a la experimentación, mantuvo contacto continuo con el entorno artístico y cultural de San Sebastián y participó en exposiciones, encuentros y tertulias junto con otros artistas como Chillida, Oteiza, Ruiz Balerdi, Sistiaga o Celaya.
VITORIA
Patricia Dauder, Unform, ARTIUM, Vitoria. Del 26 de abril al 29 de septiembre de 2024.
Comisaria: Catalina Lozano.
La exposición Unform dedicada al trabajo de Patricia Dauder (Barcelona, 1973) reúne esculturas, dibujos, instalaciones y películas que, en su conjunto, exploran el interés de la artista por rastrear momentos afectivos que a menudo dejan huellas casi imperceptibles. La muestra también constata su atención por el paso del tiempo, mediante el empleo de técnicas como las de la acumulación y el borrado. De este modo, usando a menudo objetos encontrados, la producción de Dauder evoca las historias potenciales encerradas en objetos y espacios de los que solo quedan restos y huellas.
En su práctica, son igualmente relevantes los protocolos que activa en la construcción de sus piezas: someterlas a temperaturas y condiciones de humedad variables, dejar que la luz incida sobre ellas, permitir procesos de oxidación que alteren sus superficies, cortarlas, decaparlas o agujerearlas, hornear y quemar materiales o mantenerlas enterradas durante periodos de tiempo concretos. Un modo de proceder en el que tensiona los límites de los materiales empleados en las obras (papeles, telas, arcillas, ceras, yesos…), y que, a su vez, remite a las técnicas de un arqueólogo y a los procesos de restauración de los efectos causados por las condiciones atmosféricas y el transcurrir del tiempo. Tal y como recoge el texto producido en el contexto de esta muestra, «la artista establece tiempos y mecánicas, vigila, rectifica, padece —en definitiva— un ritual lento e imprevisible (…) sabemos que tras cada obra hay una vida previa, no visible pero activa, biológica».
La suya es una reflexión que explora la experiencia del tiempo, percepción, representación y memoria, cuestiones asimismo esenciales en la construcción de sus películas, documentos audiovisuales que requieren de una posición activa del espectador. En Unform se presentan Insulana (2021), que toma como punto de partida una erupción volcánica registrada en las islas Azores entre 1957 y 1958, y March 5th 1979 (2011), que remite a un fenómeno luminoso que se registró en los cielos de las Islas Canarias el 5 de marzo de 1979.
María Antonia Proietti, la modelo italiana, Museo de Bellas Artes de Álva, Vitoria. Del 15 de mayo al 26 de enero de 2025.
Ignacio Díaz Olano y Fernando de Amárica, son los dos pintores alaveses más importantes de la época entre los siglos XIX y XX. Ambos artistas comparten vocación por la pintura, amistad y como vemos en esta pequeña muestra, la misma modelo en algunas de sus obras, la italiana María Antonia Proietti.
Ella fue la principal modelo de Ignacio Díaz Olano, pero en esta muestra de gabinete, vemos a la italiana retratada también por su amigo Fernando de Amárica. En total, siete obras en pequeño formato entre las que se incluyen óleos, un pastel, así como un dibujo a carboncillo inédito de Amárica, autor que también retrató a la niña María Ángela Mancurti, hija de la modelo.
Ignacio Díaz Olano conoce a Mª Antonia Proietti tras su llegada a Roma en 1894. Entablan una relación profesional y personal y tras dos años en la capital italiana, el pintor, la modelo y su hija, regresan a Vitoria y conviven integrados en la sociedad vitoriana. Proietti se hará cargo de la gestión del estudio y academia de Olano, además de seguir posando para algunos de los cuadros más emblemáticos del artista, que podemos ver en la sala permanente dedicada a Ignacio Díaz Olano en el museo.
Se desconoce la fecha en la que Mª Antonia Proietti abandona Vitoria y regresa a Italia, pero parece que podría haber sido entre 1907 y 1908.
