ART MADRID’22

ART MADRID’22

Art Madrid celebra su decimoséptima edición del 23 al 27 de febrero en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, con la participación de más de 160 artistas con obra en los stands de 35 galerías nacionales y extranjeras, procedentes de Portugal, Alemania, Francia, Brasil, Países Bajos, Taiwán, Lituania y Cuba.

Además, la feria coorganiza junto a la plataforma de videoarte Proyector una programación paralela centrada en la videocreación, el arte de acción y la performance, bajo el comisariado de Mario Gutiérrez. En esta edición, Proyector se centrará en indagar y repensar el concepto de “loop” o “bucle” a través de los pioneros del videoarte, tanto desde el punto de vista de la creación, como de la distribución y del coleccionismo. Durante la feria se podrá disfrutar de una instalación de Gary Hill, considerado el fundador del New Media Art, y de dos propuestas vivas del mismo Hill; junto a obras de Llorenç Barber, pionero del arte sonoro.

Aquí va nuestra selección:

A2. 3 Punts Galería, Barcelona.

La obra de Sra. D, a.k.a Lara Padilla (Madrid, 1988), abarca disciplinas como la pintura, la escultura, la danza, la performance y el diseño de moda. Sus piezas, mayormente figurativas, dirigen la atención al poder de la representación femenina a través de la deformación del cuerpo y el uso del color y las texturas. Una reivindicación de género exhibida a través de grandes manos como instrumentos poderosos de batalla o pies pesados, imagen de la perseverancia de la mujer en su lucha. Sra D. entiende el arte, no como una vitrina silenciosa, sino como un camino de acción e intervención política. Su estética es una oda a la diversidad, retratando todo tipo de cuerpos en pos de promover una mirada de igualdad y autenticidad.

A.7. Galería La Aurora, Murcia

«Nacida en la capital libanesa de Beirut en 1963, de padre francés y madre boliviana, Karine Boulanger se crió en París, donde el arte jugó un papel central en su educación. Al crecer entre dos culturas, Karine era una especie de soñadora. Fue una apasionada de la escritura latinoamericana, especialmente la de Gabriel García Márquez, Ernesto Sábato y Alejo Carpentier. El momento de la catarsis llegaría a los 23 años, en una exposición del pintor nicaragüense Armando Morales en París. “Fue como una revelación, ¡tenía que estudiar pintura!”

Esta doble influencia del ‘realismo mágico’ latinoamericano y el clasicismo europeo marcaría su obra desde sus primeras exposiciones, en Francia, Bolivia y Estados Unidos desde 1992. Pero en 1997 un encuentro casual con una exposición de arte bizantino en Nueva York dominará su trabajo a partir de ese momento. El arte de Karine Boulanger, como su vida, es un proceso de constante evolución.

Pepa Satué (Sevilla, 19960) es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, en la Especialidad de Escultura. Además, Satué cuenta con un ciclo formativo de grabado y técnicas de estampación y un módulo de xilografía por la Fundación CIEC, Betanzos (A Coruña). La artista cuenta con el 1º Accésit Premi Salou de Recerca Pictòrica de Salou, Tarragona, entre otros premios y menciones.

A11. Alba Cabrera Gallery, Valencia

Tatiana Blanqué (Barcelona, 1971) es una artista plástica Licenciada en Bellas Artes por la Academia Sant Jordi (UB). Con una trayectoria de casi dos décadas dedicada por completo a su vocación, ha obtenido una proyección tanto nacional como internacional habiendo expuesto en ciudades como Roma, Nueva York, Ámsterdam, París y Andorra la Vella, así como en Barcelona, Girona, Lleida, Pamplona, Bilbao y Madrid. Descendiente de una familia relacionada con el mundo de la moda, la fotografía y el diseño durante varias generaciones, Tatiana ha estado ligada al mundo de la pintura desde muy joven. Esta pasión por la creatividad ha marcado toda su carrera artística, del mismo modo que la búsqueda de una razón de ser ha estado reflejada en cada una de sus colecciones desde sus primeras exposiciones a finales de los años 90.

La artista visual Isabel Gutiérrez (Madrid, 1955) es además profesora de Educación Plástica y Visual y Comunicación Visual en la Enseñanza estatal. Gutiérrez es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Autora y creadora del proyecto de la Editorial SM para los libros de Educación Plástica y Visual desde 1993 hasta la actualidad. Ha impartido cursos de formación del profesorado y participado en ponencias sobre la Didáctica de las Artes Plásticas en centros del Ministerio de Educación y en centros de Enseñanza privados. Guionista de vídeos sobre la didáctica de las Artes Visuales. Trabaja en la creación artística desde 1983, desarrollando su obra en sus estudios de Madrid y León.

A.23. Flecha, Madrid

Menchu Uroz (Lleda, 1966). En mi obra, la naturaleza y la figura femenina se fusionan con la realidad y con los sueños, al igual que la pintura, las tintas, el carboncillo o el collage que me permiten jugar en el espacio pictórico, creando iconografías imaginarias. En estas composiciones serenas, cuento historias que surgen de mis cuadernos de apuntes, de todo lo que me inspira y de la propia evolución de mi trabajo.

B9. Dr. Robot Gallery, Valencia.

Katya Scheglova nació en Moscú en 1983. «Mis obras son abstracciones que parecen retratos», dice. Estos retratos luminosos y sencillos se encuentran en la frontera entre la inmediatez de la imagen fotográfica y la intemporalidad inherente al retrato tradicional. Desgranados por los múltiples reflejos del espejo, los rostros de los personajes parecen distantes y retraídos, pero su frontalidad y escala desafían al espectador.

A 21. Galería Jorge Alcolea, Madrid

Isabel Ramoneda (Barcelona, 1960) se formó en los lenguajes de la Fotografía y la Pintura en los que trabaja de manera simultánea en sus proyectos. Ha participado en seminarios y formaciones vinculados a otras disciplinas, como la experimentación con los lenguajes del cuerpo. Ha combinado su trayectoria artística con la labor educativa en el entorno de las artes plásticas. Ha participado en distintas Ferias Internacionales, como Scope New York, Scope London, y en Hong Kong, Singapore, Miami, Milán y ha expuesto en distintas galerías, en Barcelona, Madrid y Nápoles.

Ha participado en el programa de Les Clinques d’Es Baluard en el Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma de Mallorca. Se ha instalado en Rojas de Bureba en el marco de un contrato de colaboración con su Ayuntamiento, produciendo proyectos expositivos relacionados con este entorno.

A15. Galerie Alex Serra, Colonia, Alemania

Carolina Serrano (Portugal, 1994) vive y trabaja entre Colonia y Lisboa. La obra e investigación de Serrano gira en torno a la dimensión temporal de la escultura. El pensamiento escultórico de la artista colapsa, de forma recurrente, con las nociones de luz y sombra; con las ideas de destrucción y apariencia; y con la dualidad entre interior y exterior y entre espacio lleno y vacío.

A Serrano le interesa el concepto de «lugar» restringido, inaccesible y, por tanto, desconocido, y la incertidumbre de su extensión. En los últimos años Carolina Serrano trabaja casi exclusivamente con parafina por sus posibilidades plásticas, como es el reflejo de la luz, pero sobre todo por las posibilidades teóricas y conceptuales que este material puede originar en el campo de la imaginación del observador. A Serrano también le interesa la idea de una potencial transmutación y transubstanciación espiritual del objeto escultórico.

Katja Davar (Londres, 1968) es una artista que trabaja en la intersección del dibujo y la animación. Formada como pintora, el dibujo es el núcleo indiscutible de la práctica de Davar, aunque regularmente amplía el campo del dibujo a otras dimensiones, a menudo a través de proyecciones de dibujos y películas de animación. Su práctica, sutil y poética, abarca obras de papel y textiles a gran escala e instalaciones inmersivas compuestas por signos tomados de la literatura, la política, la geología y la ciencia. Davar construye mundos que reflejan su constante interés por la relación entre las nuevas tecnologías, la naturaleza y la sociedad.

B2. Inéditad Galería, Barcelona

Núria Farré (Barcelona, 1992) considera su entorno y las emociones que éste le despierta los puntos de partida de su proceso creativo. Nuestro origen, nuestro círculo y nuestras circunstancias sociales son para ella los aspectos que marcan nuestro modo de relacionarnos con el mundo y bajo esta premisa fundamenta su obra. Con un Grado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y un Máster en Formación del Profesorado especialidad en Dibujo, esta artista barcelonesa ha participado en múltiples exposiciones colectivas e individuales en galerías y museos de España, Estados Unidos y Taiwán, como son el Museo MEAM (Barcelona), Mutuo Gallery (Barcelona), Galeria Léucade (Murcia), Movart Galería (Madrid); Nick Allen Gallery (San Francisco, Ca.) o Yiri Arts (Taiwan).

A12. Jackie Shor Arte, Sao Paulo, Brasil

Isabella Despujols (Varquisemeto, Venezuela, 1994) es una artista visual enfocada en el arte textil, específicamente en bordado manual. Se graduó de Bachelor in Fine Arts en la Universidad Internacional de Arte y Diseño de Miami (2014) y como Licenciada en Historia del Arte en la Universidad de Palermo, Buenos Aires (2020).

Ha participado en diferentes exposiciones colectivas como: “Juried Show” en Curator’s Voice Art Projetcs Gallery, Miami (2014); “Muestra de Arte Joven” en el Espacio Cabrera, Buenos Aires (2017); “1er Salón de Pintura con Intervención textil” en el Centro Argentino de Arte Textil, Buenos Aires (2018); trabajó en una instalación artística textil en Casa FOA, Buenos Aires (2019); participó en la muestra colectiva “Artistas da galeria” en galería Periscópios Arte contemporânea, Belo Horizonte (2020) y en la feria SP-Arte junto con Jackie Shor Project (2020). Entre sus exposiciones individuales se encuentran “Formas múltiplas de continuidade no espaço“ en la galería Periscopio Arte Contemporánea en Belo Horizonte, Brasil (2021) y “Geometria Bordada” en el espacio Garaje Lola, Madrid (2021). Su obra actualmente forma parte de la colección del Museo Instituto Inhotim (2021).

Nathalie Cohen nació en Casablanca, Marruecos, en 1970. Después de dirigir una empresa por más de 15 años, decidió dedicarse a su principal pasión: el Arte Cinético. Caracterizada por introducir tecnología científica. A través de una sinergia especial con el ambiente, en términos de escala de luz, sonido y colores, las obras de arte parecen cobrar vida y conectar directamente con el público. Estimulado por la visión, el espectador se torna un actor en ese proceso puramente creativo. Sus instalaciones de metacrilato son muy atrayentes. Sus obras de arte con gráficos en negro y blanco, coexisten con obras coloridas explosivas y nos invitan a entrar en un universo complejo y sorprendente de una tercera dimensión.

Las obras de Nathalie pueden verse en el Museo POPA, primer museo Europeo dedicado al arte Óptico. Expone en renombradas galerías internacionales como Bel Air Fine Art (París, Ginebra, Saint-Tropez, Cannes, Veneza, etc.), Besseiche-Lartigue Gallery (París, Courchevel, Gontois, Cannes), Grulier Gallery (Courchevel), Wanrooij Gallery. Y en ferias de arte contemporáneas como Arts Elysées Paris, Scope Miami, Scope Base, Central Art Hong Kong, Los Angeles Art Show, Art Wynwood (Miami), y SP-Arte en São Paulo.

Aline Sancovsky nació en 1961. Vive y trabaja en São Paulo. Cursó Bellas Artes en la Fundación Armando Álvares Penteado en São Paulo. Vivió en Francia, Canadá y Estados Unidos donde continuó su formación. Muchos de sus trabajos son apropiaciones de materiales comunes como revistas, periódicos, moldes de costuras, cilindros de acero, que fuera de sus funciones reales crean nuevos significados. Hoy en día los estudios sobre su obra están más enfocados en sistemas numéricos, mapas, códigos y en la relación de los elementos que componen el universo. En 2016 inició su trabajo sobre las constelaciones y desde entonces observa con interés las leyes universales de correspondencia, oscilación, ritmo y vibración entre otras.

A8. Marita Segovia, Madrid.

Las obras de Dominica Sánchez (Barcelona, 1945) consisten en una observación íntima del mundo natural, son observaciones personales marcadas por un diálogo entre lo frágil y efímero y la musculatura del volumen. Sánchez lleva largos años perfeccionando este lenguaje pictórico, cuya sencillez desmiente la profundidad de las emociones que los dibujos conllevan, no son solo esbozos para las esculturas, sino obras propiamente independientes, realizadas con un lenguaje individualizado que comparte con las esculturas.

Debbie Reda (Buenos Aires, 1973) se formó en Diseño y Producción de Moda en la Universidad de Buenos Aires, en Marketing en la Universidad de Palermo y en Curaduría y Gestión Cultural en la Universidad Eseade de Buenos Aires. Estudió Ilustración con reconocidos ilustradores argentinos y colombianos y tomó clases con maestros de pintura y dibujo argentinos. Participó en residencias artísticas internacionales y ferias de arte. Su obra pertenece a colecciones de varios países como Argentina, Inglaterra, China, Estados Unidos y España.

Su trabajo, cita el juego y recuerdos de su infancia. Tomando registro de la influencia del Art Brut, el fenómeno de la repetición es una constante en su obra. Su Monster Collection es su serie más figurativa, en donde la abstracción cobra vida convirtiéndose en personajes que reflejan con humor e ironía, diferentes estados de ánimo y circunstancias de la vida cotidiana.

A4. Moret Art

María Treviño (Cartagena, 1945) es una ilustradora y pintora cuya temática surge de la realidad cotidiana. Posee un virtuosismo técnico sorprendente, que le permite jugar con las transparencias, las burbujas y los reflejos en unas obras que muestran la belleza de lo cercano y cotidiano.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, destaca su presencia en algunas de las mejores salas de exposiciones tanto nacionales como internacionales. Ha participado en destacadas ferias de arte contemporáneo como ARTEXPO, Art Madrid o Artesantander, entre otras, y su obra se encuentra en algunas de las colecciones privadas más importantes a nivel nacional.

B.13. BAT Alberto Cornejo, Madrid.

Dominika Berger (Wroclaw, 1966) cursó la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Cracovia, en la especialidad de pintura. En 2000 se estableció en Barcelona para continuar su carrera artística. Completó los cursos de doctorado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, obteniendo matrícula de honor. Las primeras exposiciones fueron en Cracovia y Munich (Alemania). Una vez residiendo en Barcelona, ha hecho exposiciones individuales en diversas galerías de Cataluña: AB de Granollers, ismos de Vilanova y la Geltrú, Espacio Pere Pruna de Barcelona, Ignacio de Lassaletta, o Sala Pares. También ha tomado parte en varias exposiciones colectivas: La Galería de Barcelona, Galería Esther Montoriol de Barcelona, entre otros. Ha sido seleccionada en varios premios: Mención Honorifica en el premio BMW, Premio Bienal de Pintura Torres García de Mataró, Premio de Pintura de Centelles, Premio de Investigación Pictórica de Salou y el Premio Tapiró de Tarragona. El año 2010 fue galardonada con el Premio Paco Merino de Granollers.

Antonella Montes, más conocida como Lantomo, es una artista de procedencia italiana y arquitecto de formación. Estudió la carrera en la Universidad de Roma aunque actualmente reside en Barcelona mientras realiza el Máster de Escenografía y diseño de exposiciones. Tras una larga temporada en China que influyó mucho en el desarrollo de su técnica, decidió entregarse a su pasión. El dibujo es su herramienta de expresión, directo y descifrable. En sus retratos en blanco y negro con clara influencia asiática, existen multitud de matices, potenciados por la presencia de toques de color rojo. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en ciudades como Beijing o Barcelona.

B.14. MA Arte Contemporáneo, Palma

Carmen Baena (Granada, 1967). En mi obra escultórica, trato de trasladar la idea de la naturaleza elevándola a lo sagrado. El blanco del mármol y el dorado del oro son dos de los elementos clave para transmitir la idea de lo extremamente puro y bello. Los árboles son tratados como seres dignos de protección, de adorar; como hacían algunos pueblos primitivos, se convierten en “Totems” cargados de energía y poder. La casa aparece en el paisaje como el ser. Es en mi obra el significado de la relación entre el hombre y la naturaleza.

Ángeles Atauri (Madrid, 1965). Tras 20 años como diseñadora gráfica, en el 2010 Atauri convierte el dibujo en su profesión. El lápiz y la tinta, antes utilizadas en los bocetos de sus trabajos, han pasado a convertirse en herramientas para la obra final. Atauri dibuja árboles, solitarios o en bosques, y crea diálogos. Conversaciones entre ellos o con sillas vacías, que son nuestra propia conciencia. Todos sus dibujos tienen algo en común: dentro de los límites que marca, se desarrollan en patrones de repetición. Eso convierte su forma de trabajar en una forma de meditación.

Mediante la utilización del dibujo y la pintura de una manera clásica, Carmen Pastrana nos habla en su obra de temas tan contemporáneos como son la fragilidad del ser humano ante lo externo a él así como ante lo desconocido e incontrolable, lo sublime. La mirada, la atención y el miedo son siempre los protagonistas. Su obra pretende desde sus primeros proyectos analizar a través de diferentes imágenes, la idea constante de mirarse los unos a los otros, el vigilarse, el controlarse… en busca de ese “aparentar”, disfrazando nuestro yo con lo que se espera de nosotros, falseando nuestra propia identidad.

B11. Rodrigo Juarranz, Aranda de Duero

Amélie Ducommun (Barcelona, 19983) es una pintora franco-suiza graduada en Artes Decorativas en París y een la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. La obra de Ducommun se ha expuesto en más de 60 muestras de diferentes países como Francia, España, Estados Unidos, China, Italia, Suiza, Emiratos Árabes Unidos, Portugal, Reino Unido, entre otros.

Ducommun pinta casi siempre la naturaleza que le cautiva. El origen de su trabajo radica principalmente en cuestionarse la memoria, la percepción del paisaje y la interrelación de los elementos naturales. La obra de Amélie Ducommun puede encontrarse en diferentes colecciones, museos e instituciones como la Casa Velázquez, Fundación Miró o Namoc.

A17. Shiras Galería, Valencia

Cristina Gamón (Valencia, 1987) es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de Valencia. Con 24 años gana la Medalla de Oro del Premio Nacional BMW de Pintura, siendo hasta la fecha la artista más joven en recibir este premio. Un año más tarde se traslada en residencia a Madrid, becada por dos cursos académicos como Miembro Artista de la Casa Velázquez y Académie de France. Actualmente vive y trabaja en Madrid compaginando estancias en residencia en París, el territorio ártico noruego o Filipinas. Su obra está presente en colecciones públicas y privadas como Fundación AEPE, Casa de Velázquez, Ayuntamiento de Valencia, Pierre Cardin, Colección BMW o Fundación Bilaketa. De entre sus exposiciones colectivas destaca Itinérance, en el Espace Pierre Cardin París, ArtNexus Londres, Cartografías de la Creatividad itinerante por América Latina, así como la instalación AURA, performada junto al compositor Carmine E. Cella y presentada en el Auditorio 404 del Museo Reina Sofía en 2014.

B10. Studija Mindiuzarte, Kaunas, Lituania

Aurora Alcaide (Montilla, Córdoba, 1975) es Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada (2003) y desde 2005 Profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia (Titular a partir de febrero de 2018). Es directora del Grupo de Investigación Arte y Políticas de Identidad, subdirectora de la revista homónima, coordinadora del Grupo de Innovación Docente sobre Arte y Desplazamiento: MOVE y editora de la colección Estéticas Migratorias en el Arte Contemporáneo (Murcia: Editum).

En la actualidad participa en los proyectos I+D+i El barrio como escenario de pedagogias criticas y arte colaborativo (PGC2018-094351-B-C42) y Território nômade: migrações, transições e deslocamentos na fotografia contemporânea (universidade Feevale). Explora desde la teoría y la práctica artística la pintura abstracta y expandida, la antropización de la naturaleza, las poéticas del desplazamiento, el arte colaborativo y las relaciones entre arte, memoria e identidad cultural. Aúna así su actividad docente con la investigadora y la artística, enriqueciéndose con las sinergias que se van generando entre estos tres ámbitos.

Nacida en Kaunas, Lituania y residente en Murcia, es artista visual independiente, curadora y gestora cultural, bajo el nombre artístico Ina Mindiuz. Desde 2015 es directora de la galería Mindiuz ArteStudija (Kaunas, Lituania). Tiene Título de Máster en Dirección y Producción Artística (2016), una Licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Murcia (2012), un Máster en Arte Textil por la Academia de Bellas Artes de Lituania (1993). En 2017 fue nombrada Creadora de Lituania. Investiga asimilar la variedad existente de los vínculos entre el pasado lejano y más cercano, de hoy, el presente en la práctica visual, además de interpretar relaciones entre la fotografía abstracta, que en un momento se convierte al tapiz visual, y memoria. En las fotografías, que ha logrado tomar durante breves salidas/ flânerie, logra una forma de jugar con el color y la luz, meditando sobre el paso del tiempo y el ritmo, que nos acerca al arte textil. Son capturas de lo efímero, de un momento en tránsito, con toques de los signos de lo étnico.

B7. Helárea, Madrid

A5. Víctor Lope Arte Contemporáneo, Barcelona.

Jo Hummel (Hampshire, Reino Unido, 1982) lleva a cabo experimentos en los que el proceso suele determinar el resultado y proporciona un escenario seguro para la improvisación. Un lugar en el que los procedimientos racionales pueden coexistir con la intuición. De este modo, explora la naturaleza impredecible de la intuición y la espontaneidad. Su práctica funciona como una simulación de experiencias de toma de decisiones que le permiten captar y utilizar sensaciones como la ansiedad o la serenidad. Y es a través de estos estados emocionales contradictorios de comodidad, satisfacción, ansiedad, repulsión, etc., que Hummel es capaz de aprovechar el estado de incertidumbre humana que se siente en todas partes. Las estructuras sociales en las que nos desenvolvemos guían e interfieren en cómo nos sentimos y en lo que decidimos hacer a diario. La clase social, la religión, el género y la etnia influyen en lo que consideramos agradable o desagradable.

B6. Yiri Arts, Taipei, Taiwan

Mònica Subidé (Vilassar de Mar, Barcelona, 1974) se formó en la escuela de arte La Massana, donde tuvo su primer contacto con el modelo natural. Fue entonces cuando su pintura se decantó por el tema del cuerpo humano, referente constante en toda su producción artística. Subidé afirma que “si no hay cuerpo, me siento desubicada”. En sus primeros años su obra se centraba en la fragmentación del cuerpo humano. Sin embargo, en sus obras posteriores, se observa cómo se va centrando en el retrato y en la ubicación de sus personajes en complejas escenografías. En su obra encontramos claras reminiscencias artísticas a Louise Burgeois y su obsesión por el paso del tiempo; a Lucian Freud y su interés por descubrir lo que hay debajo de la carne (es decir, tras desnudar su interior); de Paula Rego toma la crudeza de sus personajes y la relación con el psicoanálisis. Su obra es capaz de crear una empatía en el espectador, haciéndole sentir la misma melancolía que expresan sus composiciones.

A10. ART LOUNGE GALLERY, Lisboa