EXPOSICIONES EN ESPAÑA 2025. FUTURAS
Redacción
Ordenadas por Comunidades Autónomas.
ANDALUCÍA
CORDOBA
Cecilia Bengolea, El ruido que habita, C3A, Córdoba. Del 27 de noviembre 2025 al 24 de mayo 2026.
La artista multidisciplinar combinará obras producidas específicamente para la muestra, en formato de vídeo, ‘performance’ y esculturas de barro, con piezas existentes pertenecientes a los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Este proyecto conectará su interés por la danza, la materialidad y las tradiciones artesanales en una propuesta profundamente inmersiva.
MÁLAGA
Farah Atassi, Genius loci, Museo Picasso Málaga. Desde 23 de mayo 2025.
Una propuesta que no es solo una reinterpretación de la tradición cubista, sino una exploración de las posibilidades expresivas del espacio en la pintura contemporánea.
Su pintura, que a menudo parece estar construida como si de una arquitectura se tratara, no busca una reproducción fiel de la realidad, y las líneas precisas y los objetos representados en sus cuadros parecen pertenecer a un mundo paralelo donde el tiempo se ha detenido, evocando una sensación de misterio.
SEVILLA
Danza en el CAAC, Sevilla. Desde marzo a noviembre 2025.
Comisaria: María González.
Este ciclo de danza contemporánea se celebrará los últimos domingos de los meses de marzo, abril, mayo, septiembre, octubre y noviembre en los espacios monumentales del museo, ofreciendo un marco único para los creadores coreográficos, principalmente andaluces.
Regina de Miguel, Audax Viator, CAAC, Sevilla. Del 29 mayo 2025 al 11 enero 2026.
Comisaria: Jimena Blázquez.
Una propuesta interdisciplinar de la artista andaluza que incluye la producción de varias obras realizadas específicamente para la exposición en colaboración con la Escuela de Formación de Artesanos de Gelves, reafirmando así el diálogo entre arte y artesanía local.
Buhlebezwe Siwani, CAAC, Sevilla. Del 25 septiembre 2025 al 5 abril 2026.
Comisaria: Jimena Blázquez.
La artista sudafricana presentará una instalación inmersiva realizada en jabón, que dialoga con la historia de las antiguas fábricas almohades de Sevilla, explorando temas como la espiritualidad, la memoria y las tradiciones africanas.
Louise Bourgeois, Celda, CAAC, Sevilla. Del 9 octubre 2025 al 10 mayo 2026.
La emblemática pieza, perteneciente a la colección del CAAC, podrá verse por primera vez en diálogo con la arquitectura única de la Capilla de Afuera.
ARAGÓN
Judith Prat, “Aquella niebla, este silencio”, Sala de Exposiciones Casa de los Morlanes, Zaragoza. Del 1 al 30 de septiembre 2025.
La exposición reconstruye la memoria esclavista española, históricamente silenciada. A través de una profunda investigación y un recorrido visual por los enclaves del comercio transatlántico de personas esclavizadas, Prat sigue la ruta de los traficantes desde África y Cuba hasta España, para desvelar la influencia estructural de la esclavitud en la economía y sociedades contemporáneas.
Las fotografías muestran archivos, paisajes y personas, pero también las cicatrices invisibles que persisten en nuestro presente, confrontando la complicidad de las instituciones y la economía con este pasado ocultado. Más allá de la opresión, el proyecto reivindica también las resistencias negras, el cimarronaje y la lucha de las mujeres esclavizadas.
Alejándose de lugares comunes, Prat nos enfrenta a una historia incómoda, pero necesaria de (re)conocer y a la que asomarse a partir de un viaje real que ella traslada a la narración fotográfica. “Aquella niebla, este silencio” busca, asimismo, reflexionar sobre el debate y la visibilización de una historia silenciada, y la necesaria justicia histórica en el presente.
BALEARES
ELISA BRAEM, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 19 de septiembre 2025 al 11 de enero 2026.
Comisariado: Aina Pomar
La exposición de la artista holandesa Elisa Braem (Ostend, 1991) plasmará su investigación a alrededor de las relaciones entre luz, color y materia, a través de la exploración de la naturaleza sedimentaria de la arcilla y la luminiscencia de la porcelana. Tanto el conjunto de las obras como su puesta en escena requerirán la mirada activa del público para completar la muestra.
SANDRA CINTO, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 19 de septiembre 2025 al 11 de enero 2026.
Comisariado: Jackie Herbst
A lo largo de su carrera, Sandra Cinto (Santo André, 1968) ha desarrollado un rico vocabulario de símbolos y líneas para crear paisajes líricos y narrativas que oscilan entre la fantasía y la realidad. Utilizando el dibujo como punto de partida, la artista representa entornos fascinantes que a menudo interactúan con la arquitectura circundante. Estos paisajes sirven como metáfora de la odisea humana, al mismo tiempo que amplían los límites del dibujo.
CANARIAS
LANZAROTE
LAS PALMAS
CANTABRIA
Isabel Muñoz, Una nueva historia, Museo Nacional y Centro de Investigación Altamira, Santillana del Mar. Del 23 de mayo al 26 de octubre 2025.
Ruth Orkin, New York, New York, Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS), santander. Del 18 de julio al 18 de septiembre 2025.
Comisaria: Anne Morin
Esta exposición de Ruth Orkin (Boston, 1923 – Nueva York, 1985) reúne una selección de más de 40 fotografías originales, procedentes del archivo de la fotógrafa, situado en Nueva York.
Ruth Orkin está, sin duda, considerada como una de las grandes fotoperiodistas del siglo XX. Establecida en la ciudad de Nueva York a principios de los años 40, tras haber vivido varios años en Los Ángeles, intentó concretar su vocación primera, la de ser directora de cine en los Estudios de Hollywood. Hasta los años 70 desarrolló una trayectoria profesional colaborando con revistas y magazines de máxima relevancia, como Life o The New York Times.
Conocida por la famosa serie de fotografías titulada American Girl in Italy, que realizó junto con su cómplice Nina Lee Craig en la ciudad de Florencia en 1951 y publicada el año siguiente en Life, Orkin anticipa con este trabajo lo que sería medio siglo más tarde, el movimiento #MeToo. Aunque el reportaje de Orkin solo alude de manera superficial a esta problemática anclada y visible en nuestros tiempos, no deja de ser un punto de partida en la historia del siglo XX que refleja los momentos actuales.
La muestra de la autora norteamericana en el CDIS recopila sus imágenes más emblemáticas y ofrece una visión global de su obra, que abarca tres décadas: desde su primera serie Bicycle Trip, en 1939, hasta principios de los años 70. Además, se hace un guiño especial a una película en la que participará Orkin, junto con su marido Morris Engel, titulada Little Fugitive, (1953) y que marcará profundamente la historia del cine, en particular La Nouvelle Vague.
CASTILLA Y LEÓN
Yolanda Tabanera, Otro Salón Salvaje, Palacio del Quintanar, Segovia. Del 4 de abril al 299 de junio 2025.
En la obra de Yolanda Tabanera se enfrentan y relacionan la cultura europea como fenómeno filosófico, racionalista y científico con la cultura salvaje y periférica entendida como pensamiento simbólico y profundo conectado con el mito y el inconsciente.
Surge así la dicotomía entre lo fantástico, lo primitivo, lo profundo, lo surrealista, el sueño, lo mágico y la alta cultura de salón. Tabanera construye con una amplia gama de materiales imágenes y objetos que se encuentran en un espacio híbrido y metamórfico entre el organismo y el ornamento. Partiendo de una inmersión interior visionaria elabora artefactos de una liturgia personal.
Otro Salón Salvaje de Yolanda Tabanera en el Palacio de Quintanar de Segovia muestra una selección de trabajos de diferentes épocas y técnicas, desde obra en papel y pintura hasta esculturas e instalaciones, creando una narración irracional pero contenida en la que las formas se reflejan y reproducen en múltiples planos y versiones de un soporte a otro de una manera cercana a lo onírico.
CATALUNYA
BARCELONA
Eugenia Balcells, From the center, MNAC, Barcelona. Del 8 de mayo al 14 de septiembre 2025.
El Museo presentará en la Sala Oval una gran instalación en vídeo de Eugènia Balcells (Barcelona, 1943). Creada en la ciudad de Nueva York entre los años 1980 y 1982, From the center es una obra fundamental tanto en la trayectoria de la artista como en la historia del vídeoarte. Esta obra de gran complejidad técnica y riqueza de significados evoca los grandes monumentos megalíticos de la antigüedad, es un “Stonehenge electrónico”, en palabras de la artista. Por su calidad e importancia en la perspectiva histórica del arte contemporáneo catalán, la Generalitat la ha adquirido recientemente para la Colección Nacional de Arte Contemporáneo y forma ya parte de las colecciones del MNAC.
Los 12 monolitos situados en círculo conforman un gran panóptico transitable y ofrecen una suma de miradas parciales al entorno que, en su conjunto, representan una voluntad de contemplación unitaria y absoluta del mundo. La filmació́n de todas las imágenes fue realizada a largo de dos años desde un único punto fijo situado en la azotea de un edificio en el centro de Manhattan, en la esquina de Broadway con Grand St. Los sonidos y las músicas de cada uno de los doce canales fueron creados por encargo de Eugènia Balcells por el artista, músico y pionero del sonido Peter Van Riper (1942-1998). La suma de los doce canales de vídeo y de sonido generan un espacio intenso y complejo.
Con un lenguaje propio de la contemporaneidad y las nuevas culturas de la imagen, From the Center enlaza con la ambición poética y filosófica del romanticismo y el sueño de conectar empáticamente con el universo. La combinación de tecnología y espiritualidad, junto con la reflexión sobre la mirada y la visión, hacen de esta obra un trabajo que no sólo tiene un interés histórico sino que puede ser accessible y significativo desde la perspectiva de nuestro presente. Cabe señalar también las posibles relaciones con las grandes máquinas de visión mística que son las pinturas románicas, núcleo de la colección del museo.
Coco Fusco, He aprendido a nadar en seco, MACBA, Barcelona. Del 22 de mayo de 2025 al 11 de enero de 2026.
Cuenta la artista Coco Fusco que, en el transcurso de los dos años en los que Guillermo Gómez-Peña y ella representaron su performance The Couple in the Cage: Two Undiscovered Amerindians Visit the West [Pareja en una jaula. Dos Amerindios sin descubrir visitan occidente], se encontraron con dos respuestas muy específicas a esta encarnación de dos ficticios oriundos de la isla de Guatinau. Por un lado, estaba el público mayoritario que creyó que los Guatianus eran reales y, por otro, la actitud de intelectuales, artistas y agentes culturales, que se empeñaban en discutir las implicaciones morales de la obra en vez de la obra en sí. Lo que se suponía era un comentario satírico a conceptos como el exotismo o el primitivismo, se convirtió al tiempo en un ejercicio revelador del rol de las instituciones culturales y la condición de espectador; de la capacidad del museo –o del hecho expositivo— como generador de la noción de Otredad, ya fuera mediante el re-enacment de los infames zoos humanos, o en la formulación de una estética canonizada que poco margen ofrecía a otras experiencias artísticas que ya por aquel entonces se generaban en la antes llamada periferia del arte.
Revertir el marco de representación institucional, devolver la mirada agente al otro, cuestionar las historias coloniales y los procesos culturales y científicos que, derivados de éstas, han construido formas de identidad monolíticas y que aún observan la diferencia cultural con cierto escepticismo. Esto son algunos de los aspectos que desde los años 80, articulan tanto la obra como el activismo y la crítica institucional de Fusco, que desmitificaba ya entonces la multiculturalidad de la institución arte y el marco de significación sistemática que la definía. Su trayectoria se expande entre la performance y el videoarte; la pedagogía, la crítica y la teoría del arte; además de un incesante cuestionamiento e investigación alrededor de los sistemas de poder que atraviesa tanto su práctica artística como curatorial desde el principio de su carrera.
Helen Lewitt, Mapfre KBr, Barcelona. Del 23 de septiembre 2025 al 25 de enero de 2026.
Con solo dieciocho años, Levitt comenzó a explorar su ciudad natal, Nueva York, con una cámara manual. Desde entonces, el tema principal de su fotografía fue la espontaneidad de la vida cotidiana, y su producción fue extensa y diversa, aunque a menudo protagonizada por niños de los barrios obreros, eje de escenas llenas de vitalidad. Esta será la primera muestra en prepararse a partir del estudio de todos sus archivos.
Germaine Dulac, Fundación Tàpies, Barcelona. Del 2 de octubre 2025 al 13 de enero 2026.
El proyecto sobre Germaine Dulac quiere ser una reflexión sobre cómo las vanguar- dias invisibilizaron a ciertas artistas que ponían en tensión los discursos hegemónicos y heteropatriarcales que imponía la sociedad de entreguerras Se trata de un ejercicio de recuperación de la memoria de un pasado en el que muchas de ellas quedaron relegadas dentro de la historia del arte, a pesar de que sus prácticas resultaron fundamentales para el desarrollo de los movimientos artísticos del siglo xx
Con la voluntad de abrir archivos y acentuando la idea de la importancia de un tiempo cíclico —tan característico de la trayectoria tapiana—, echamos la vista atrás para volver adelante mediante la investigación histórica y encontrar voces silenciadas, pero, a la vez, buscando las posibles conexiones con la configuración de las imágenes desde esta perspectiva surrealista que también se trabajará en la exposición dedicada a Antoni Tàpies
En 1927, Germain Dulac dirigió el mediometraje La Coquille et le clergyman(La concha y el clérigo), que no se proyectó hasta un año más tarde, en 1928; se considera el primer film surrealista, un año anterior al célebre Un chien andalou de Luis Buñuel, de 1929 La película, cuyos decorados y ambientación fueron obra del poeta Antonin Artaud, expresa la obsesión de un clérigo por una mujer casada con un general Germaine Dulac (Amiens, 1882 – París, 1942) fue una productora, directora, realizadora y guionista de cine considerada la pionera del cine surrealista de principios del siglo xx Dulac realizó más de treinta films entre 1917 y 1935, escribió importantes textos teóricos y colaboró en las grandes revistas cinematográficas de la época —Le Film, Mon ciné o Cinémagazine—, donde expuso sus ideas sobre la importancia de la autoría o sobre el cine como un espacio artístico desde el que explorar, a través de las imágenes, el interior de los seres humanos Su colaboración más significativa fue con la revista radical feminista La Fronde.
Cristina Iglesias, La Pedrera, Barcelona. Del 3 de octubre al 25 de enero 2026.
Oportunidad única para adentrarse en el universo sensorial y poético de la artista vasca Cristina Iglesias. Conocida por su capacidad para crear entornos inmersivos, la artista utiliza un lenguaje escultórico que fusiona arquitectura, literatura, psicología y geología, entre otras disciplinas, y lo convierte en material altamente poético.
La muestra presenta una serie de obras que van desde pabellones suspendidos, laberintos y pasillos hasta murales impregnados de textos, combinando formas naturales y ficticias. Las instalaciones de Iglesias borran las fronteras entre lo orgánico y lo artificial, el interior y el exterior, y se convierten en una invitación a explorar el espacio a través de la memoria del paisaje y el subterráneo. Para esta exposición, Iglesias ha diseñado una propuesta que establece un diálogo arquitectónico-escultórico, conectando la organicidad de la naturaleza con la geometría estricta de la arquitectura, algo muy presente en la obra de Gaudí. El recorrido de la muestra sigue un patrón de movimientos a través de los espacios fluidos de la arquitectura del arquitecto modernista, creando una interacción dinámica entre el atributo físico de la propia obra y la observación del espectador. Además, se podrán ver algunas de sus instalaciones a gran escala, como Habitaciones y Pasajes, junto con una selección de obras bidimensionales.
Paloma Polo, El retorno de la mirada. La tarea política de narrar, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona. Del 18 de octubre al 15 de marzo 2026.
Comisaria: Mabel Tapia,
Aborda el poder transformador de los relatos en la construcción de la historia. Basada en el trabajo de la artista Paloma Polo (Madrid, 1983), la muestra explora cómo las narraciones, lejos de ser un constructo inmutable, son herramientas políticas y afectivas que abren espacio para la reflexión sobre qué historias han sido contadas y cuáles han quedado invisibilizadas.
El trabajo de Polo se sumerge en acontecimientos históricos específicos, abordando relatos hegemónicos colono-patriarcales y otros silenciados o suprimidos, mediante investigaciones a largo plazo que incluyen diversas fuentes. La exposición se articula a través de cuatro proyectos clave de la artista: The Path of Totality (2010), Dulcinea (2022), El barro de la revolución (2019) y C’est vouloir se jeter au fond du lac pour conserver sa vie (2024), un proyecto inédito que cuenta con la colaboración de La Virreina Centre de la Imatge.
Los materiales presentados, muchos de ellos inéditos, proporcionan una visión única de los contextos y metodologías utilizadas por Polo en cada propuesta, invitando al espectador a participar en un diálogo profundo sobre la historia y sus narrativas.
Trinh T. Minh-Ha, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona. Del 18 de octubre al 15 de marzo 2026.
Ofrece una reflexión profunda sobre la obra multifacética de esta cineasta, compositora, escritora y académica nacida en Hanoi en 1952. Considerada una de las voces más influyentes del cine independiente mundial, Minh-Ha ha sido fundamental en el desarrollo de teorías poscoloniales y feministas, llevando el cine experimental y etnográfico a nuevas dimensiones. Su trabajo ha desafiado las convenciones tradicionales entre el documental y la ficción, convirtiéndose en un referente esencial dentro del cine contemporáneo.
Desde su llegada a Estados Unidos en 1970, Minh-Ha ha sido una pionera en la exploración de nuevas formas de narrativa visual. Su filmografía incluye películas clave como Reassemblage (1982), Naked Spaces – Living Is Round (1985), y Surname Viet Given Name Nam (1989), que han sido fundamentales para repensar las narrativas de identidad, cultura y feminismo. Además, ha realizado una destacada labor académica en la Universidad de Berkeley, donde ha impartido clases sobre género, retórica y estudios de la mujer.
Esta es la primera exposición de Trinh T. Minh-Ha en España, y por tanto una oportunidad única para adentrarse en su enfoque disruptivo y transformador del cine y la teoría visual.
Rodoreda, un bosque, CCCB, Barcelona. Del 4 de diciembre 2025 al 25 de mayo 2026.
Comisariado: Neus Penalba y Marti Sales.
La poética de esta gran novelista del siglo XX está hecha de ciertos gestos que se repiten en cuentos y novelas –espiar, vigilar, ver morir, atragantarse, ahogar, transformarse…–, donde abundan casas con y sin jardín, calles y plazas, pero, sobre todo, está llena de árboles y de tropos botánicos.
Adentrarse en la escritura de Rodoreda, que es siempre y a la vez inocente y cruel, infantil y macabra, realista y fantástica, clara y tenebrosa, implica abrazar la unidad inseparable de contrarios que define su imaginario: señalar, en definitiva, que junto al jardín de infancia con el abuelo Gurguí crecen cactus indomables, glicinias gigantes, flores malas, bosques de suicidas y toda clase de maldades.
Concibiendo el espacio como un gran árbol que conecta orgánicamente las diferentes salas, el itinerario de la muestra explora la obra y a la escritora como si fuesen un bosque: las raíces literarias y vitales y la experiencia del desarraigo provocado por el exilio; los troncos vertebradores de la vivencia de la guerra, troncos llenos de nudos y de mal; las ramas que quieren alcanzar a los grandes nombres de la cultura occidental –escritores, pintores y cineastas–; las copas que acogen pájaros y rozan el cielo; y también las semillas, que acaban germinando y dando fruto en la imaginación de un grupo de artistas visuales que crearán piezas ex novo, inspiradas en la obra de Rodoreda.
La exposición incorpora documentos originales del fondo de la Fundació Mercè Rodoreda, materiales históricos, fotografías, fragmentos de películas y obra plástica y literaria que conformaron la constelación intelectual y artística de la que Rodoreda se impregnó y, al mismo tiempo obras contemporáneas de artistas como Èlia Llach, Mar Arza, Cabosanroque, Oriol Vilapuig o Carlota Subirós, entre otros.
GALICIA
A CORUÑA
Priscilla Monge, CGAC, Santiago de Compostela. Del 6 junio al 7 septiembre 2025.
La obra de Priscilla Monge, ha sido frecuentemente incluida en la escena posconceptual latinoamericana de los noventa, pero hay que tener en cuenta que en esos años ni Costa Rica ni la región centroamericana a la que pertenece figuraban en los mapas del arte latinoamericano reconocido internacionalmente.
VIGO
Laura Lío, MARCO, Vigo.
Irene Gonzáez, MARCO, Vigo.
C. MADRID
Un tiempo para mirar (1970-2020), de Marisa Flórez, en la Sala Canal de Isabel II, Madrid. Desde 14 de mayo al 20 de julio 2025.
La muestra, incluída en la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2025, revela el archivo personal de la fotógrafa, trazando un recorrido visual por la política, el activismo y la cultura, donde la imagen se convierte en testigo directo de la historia reciente.
Catara Rego, Inventario de geometría continua, Navel / Centro de Creación Contemporánea, Madrid. Del 17 de mayo al 14 de junio 2025.
Comisaria: Laura Darriba.
La autora aborda el paisaje con una actitud beligerante ante la explotación del territorio, enfocándose en la erosión y el extractivismo. Su visión vincula la protección del ecosistema con la identidad y el sentimiento de pertenencia. Busca atraer la mirada hacia un discurso narrativo y expositivo, combinando lo documental y lo visual. Su relato trasciende la estética de lo bello, revelando una problemática real en el paisaje gallego.
Marisa González, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 21 de mayo al 22 de septiembre de 2025
La exposición de Marisa González (Bilbao, 1943) repasa en esta retrospectiva la variedad de medios y la indistinción entre originales y reproducciones, constante en su práctica artística. La muestra también atiende a cierta vocación de la creadora vasca por el arte de la instalación, creando de esta forma una obra bidimensional generada por la tecnología disponible en cada momento.
De esta forma, la muestra repasa la trayectoria de la artista, partiendo de la obra que ejecutó en los años 70, cuando se formó en el Departamento de Sistemas Generativos del Art Institute de Chicago. González emplea este bagaje para adentrarse en las intersecciones entre la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Fue, en ese sentido, avanzadilla en el escenario del arte español de ese momento.
En su evolución, González se interesa también por el residuo y el desecho. Así, a mediados de la década de 2000 prestó atención a una infraestructura industrial que nunca llegó a estar operativa: la central nuclear de Lemóniz.
Espe Pons, Flucht. Las huidas de Walter Benjamin, Centre Cultural-Llibreria Blanquerna, Madrid. Del 22 de mayo al 26 de julio 2025.
Comisaria: Espe Pons.
El pasado exige justicia, decía el filósofo Walter Benjamin en su reflexión sobre cómo el progreso arrasa con el pasado. Benjamin resistió todo lo que pudo tanto física como mentalmente al horror nazi. Escapó de París para intentar llegar a Nueva York, pero en Portbou, ese no lugar, su alma se quebró. Convencido de que las autoridades franquistas le entregarían a la Gestapo, acabó con su vida en ese punto fronterizo, de ausencia, de exilio.
Flucht, escapada, fuga. Flucht es un ensayo fotográfico de Espe Pons (Barcelona, 1973) que resigue los lugares que acompañaron al filósofo alemán Walter Benjamin durante sus últimos días huyendo del fascismo. En este trabajo, Pons traza la memoria de un paisaje construido con las ideas de frontera, huida y libertad.
«¿De qué nos hablan estas fotografías?», se pregunta Pilar Parcerisas en el extraordinario foto libro del cual surge esta exposición. «De sombras y rastro en caminos con memoria que han vivido intensamente el paso del hombre labrando senderos poco explorados, entre viñedos y rebaños, entre cimas que miran al cielo y el horizonte del azul del mar».
Sonia Navarro, Fronteras y territorios, Sala Alcalá 31, Madrid. Del 23 de mayo al 6 de junio 2025.
Comisarias: María de Corral y Lorena Martínez de Corral.
Se trata de la primera exposición institucional de Sonia Navarro en Madrid. En la muestra, que profundiza en la trayectoria de más de 30 años de la artista murciana, se podrá disfrutar de una selección de medio centenar de obras de diversas técnicas como el textil, ámbito en el que más se ha especializado a lo largo de su carrera, además de escultura, pintura, collage, fotografía e instalaciones.
La exposición es una trama que une los diferentes patrones de trabajo de la artista. Entre ellos, se encuentra la utilización de un medio como la costura, que se ha transformado en su distintivo más característico. De esta forma, las telas, los patrones, las costuras y el hilo conforman un lenguaje identificable a lo largo de toda su carrera.
Fronteras y territorios pone especial énfasis en la selección y el tratamiento de los materiales. Con ellos, Sonia Navarro reivindica su propia procedencia, la tradición, los orígenes y la artesanía, pero también el feminismo con la autonomía de la mujer a través de los oficios tradicionales o la lucha climática con el uso del esparto que evita la desertización del territorio o el uso de materiales de desecho.
En las obras expuestas se puede apreciar un discurso que aúna tradición y contemporaneidad, en el que Sonia Navarro presta igual atención a cuestiones formales y a contenido narrativo. Cada una de sus piezas crea un profundo diálogo con el espectador, al que invita a explorar las múltiples capas de su trabajo y a conocer la memoria personal de la artista.
Lotty Rosenfeld, By pass. La frontera del signo, Círculo de Bellas Artes, Madrid. Del 4 de junio al 7 de septiembre 2025.
Comisarria: Marta Dahó.
Figura clave del videoarte en Latinoamérica, Lotty Rosenfeld (Santiago de Chile, 1943-2020) fue autora de una obra inclasificable, situada en la confluencia de su lucha política contra la violencia de Estado y una concepción de las imágenes como espacio de libertad, imprescindible para transformar el presente.
Durante los años de la dictadura de Pinochet, cuando las calles estaban vetadas a toda manifestación ciudadana y el registro fílmico o fotográfico prohibido, su trabajo emergió a través de una serie de intervenciones en el espacio público que desafiaban el silenciamiento impuesto por el poder político-militar, al tiempo que interpelaban a la comunidad a imaginar otras formas de participación colectiva. La fuerza de sus primeros gestos marcó toda su obra posterior.
Uno de los centros vitales de su práctica artística consistió en situarse con su cuerpo donde no estaba previsto estar. Más específicamente, en señalar aquellos signos cuyo poder para organizar la economía de la vida había sido naturalizado hasta volverse invisible a todo cuestionamiento crítico. Desde esos puntos, elegidos con precisión quirúrgica, Rosenfeld intervino generando interferencias con sus acciones y el movimiento de sus imágenes, cuyos efectos fueron, y siguen siendo, fundamentales.
La Bolsa de Comercio de Santiago, espacios transfronterizos, casas de empeño o los centros de máximo poder institucional fueron algunos de los lugares donde decidió trabajar con el propósito de cuestionar los mecanismos de la desigualdad social, la exclusión y la normatividad de las conductas o del género. En este sentido, su obra audiovisual, caracterizada por un radical entrecruzamiento de materiales, lenguajes y archivos, opera como un auténtico bypass, abriendo una posibilidad creativa allí donde la vida y sus fuerzas han quedado obstruidas.
Lourdes Grobet, Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena (LTCI), Fundación Casa de México en España, Madrid. Del 5 de junio al 31 de gosto 2025.
La mirada de Lourdes Grobet (Ciudad de México, 1940 – 1922) rinde homenaje a casi medio siglo del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena (LTCI), un proyecto escénico autogestivo y colectivo dirigido por la dramaturga Alicia Martínez Medrano. De los 25.000 negativos en los que la fotógrafa registró las actividades del LTCI en diversos sitios de la República Mexicana, Fundación Casa de México en España exhibe una muestra y se suma al reconocimiento de este proyecto que ha dejado una potente impronta.
El LTCI articuló un teatro de raíz popular en México, enfocado en la creación colectiva, y un programa de enseñanza-aprendizaje del arte de hacer teatro, utilizando las prácticas escénicas como herramienta de expresión cultural, identidad y resistencia. Los escenarios improvisados y los vestuarios elaborados con materiales y manos de las mismas comunidades fomentaron el reconocimiento de la riqueza de las creencias, los valores y las lenguas. Al mismo tiempo, se estimuló el acercamiento entre poblados cercanos y la creación de un repertorio que incluía obras locales y obras clásicas, que llegaron a participar en festivales internacionales.
En palabras de la crítica e investigadora teatral Luz Emilia Aguilar Zinzer: “Su mayor trascendencia ha sido el proyecto de desarrollo comunitario, una forma de organización alrededor del arte para fortalecer la identidad de los participantes, recuperar tradiciones, legitimar la memoria colectiva y las lenguas locales, detonar saberes y transmitirlos al paso de las generaciones y restituir derechos fundamentales: una ‘Revolución sin sangre”. Este laboratorio ha sido clave en la construcción de un teatro auténtico que representa la voz de los pueblos originarios y campesinos y, a la vez, ofrece un espacio de expresión y dignificación. El registro fotográfico es un bello testimonio del proyecto.
Dora Maar, Fotografía y dibujos, Museo Lázaro Galdiano, Madrid. Desde 5 de junio 2025.
Comisaria. María Millán.
What lies in Between: Tanya Traboulsi, Tamara Kalo, Traisyr Batnji, Casa Árabe, Madrid. Del 5 de junio al 12 de octube 2025.
Comisaria: Ana Belén G. Mula.
En una región marcada por conflictos históricos e inestabilidad, tres artistas —con trayectorias y enfoques distintos, pero unidos por un pasado común— nos guían a través de una mirada poética, directa y sin adornos, hacia la realidad de un pequeño trozo del mundo árabe en su proceso de resiliencia, desplazamiento forzoso y transformación, arrojando luz sobre las cicatrices de la historia y los retos del presente.
Esta exposición, ganadora de la convocatoria NUR 2025 organizada por Casa Árabe y PHotoESPAÑA, pretende así mostrar la realidad más allá de los titulares, sin ofrecer respuestas definitivas, sino aproximaciones más cercanas que trabajan con los recuerdos, la identidad, los desplazamientos y la transformación.
Traisyr Batnji, utilizando un objeto cotidiano tan simple como un juego de llaves, evoca las experiencias de las personas desplazadas. Estas llaves son testigos mudos de hogares perdidos y vidas interrumpidas. Confrontan al espectador con duras historias personales, sin filtrar, pero abordadas con profundo respeto y sensibilidad.
En Beirut, uno de los edificios más altos de la ciudad, antes centro de detención, es ahora el hogar de cientos de aves. Su demolición es demasiado costosa, lo que ha dejado un amargo recuerdo en la ciudad, a pesar de ser tomado por la naturaleza. Tamara Kalo, con notable conciencia de la memoria de la tierra, ofrece un homenaje al olivo, símbolo ancestral de continuidad y convivencia a través de generaciones.
Por su parte, Tanya Traboulsi nos sumerge en una profunda visión humanista de Beirut antes del último estallido del conflicto, a través de sus recuerdos en un encuentro íntimo con la vibrante ciudad tras años viviendo en Europa. Traboulsi nos invita, con una mirada transparente, directa y sensible, a un Beirut tranquilo y sereno y a sus habitantes resilientes, con trazas de nostalgia.
Adelaida. Mercedes Hausmann, Jorge Salgado, Museo Nacional del Romanticismo, Madrid. Del 6 de junio a 14 de septiembre 2025.
Adelaida es una inmersión en las huellas de la memoria, una exploración visual que remueve el tiempo para restituir la historia de una mujer que, desde los márgenes de su época, desafió los códigos de su clase y su género. En los umbrales de la modernidad, entre finales del siglo XIX y principios del XX, Adelaida Martínez-Corera encarnó una disidencia silenciosa pero contundente: viuda, madre de tres hijos y responsable de otros tres, asumió la gestión de un edificio en Lavapiés, trascendiendo las limitaciones impuestas y afirmándose como sujeto activo en una sociedad que relegaba a las mujeres a la esfera privada.
Esta reconstrucción se despliega en un diálogo constante entre lo archivado y lo imaginado. El archivo fotográfico Hausmann, compuesto por retratos de carte de visite y de gabinete, despliega un atlas visual del mundo burgués decimonónico, evidenciando tanto su encorsetamiento como sus grietas. Estas imágenes, lejos de ser meros vestigios, interrogan la iconografía histórica de la feminidad y sus ausencias, evocando lo que el tiempo ha querido silenciar. A su vez, la generación de imágenes mediante inteligencia artificial interviene en esa cartografía de lo no dicho, proponiendo escenas jamás capturadas, momentos sustraídos a la mirada documental que ahora emergen en un ejercicio de restitución visual. Inspiradas en documentos históricos y en la estética pictórica de la época, estas imágenes expanden los límites de la representación y reformulan el estatuto de la memoria en la era digital.
La figura de Adelaida se hace aún más palpable a través de documentos originales que portan la densidad del tiempo. Esta propuesta se emplaza en el Museo Nacional del Romanticismo, dando contexto al mundo en el que nació Adelaida, testigo de una sociedad camino de la modernidad.
Isabel Coixet, Fotocollages, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. Del 10 de junio al 14 de septiembre 2025.
Comisaria: Estrella de Diego.
Quizás sea cierto que las historias mejor contadas son las que se construyen a retazos, a fragmentos; las que esperan y exigen del espectador el esfuerzo para recomponer el significado último, llenar los huecos que la narración va dejando a su paso. De eso sabe mucho el cine y por eso volvemos a él: no basta con ver. Debe haber un margen para las conclusiones.
Isabel Coixet lleva años trabajando en unos collages –de papeles y fotos– que tienen algo de planos preparatorios, aquellas casi maquetas que, se cuenta, ciertos directores de Hollywood no dejaban jamás al azar, dibujando cada plano para cada sesión. Hay sin duda un continuum entre lo que Coixet exige de nosotros en sus películas y el lugar narrativo donde nos colocan sus collages.
De hecho, ese uso de los desplazamientos y las derivas como fuente inagotable para trastocar lo impuesto de forma sutil, esos temas en apariencia banales que esconden una enorme carga de profundidad –la manera de “contar” de Coixet en su cine–, cierta táctica para perseguir la desobediencia, allí donde se encuentre, vuelve a plantear los pliegues de la doble vida de la realidad, dejar la propia zona de confort y explorar territorios donde hay que aprender a contar desde el principio.
En ese punto, en ese extraño desplazamiento de las historias y los objetos del mundo, los collages de Isabel Coixet conectan con la gran tradición vanguardista del género –de Hannah Höch a Kurt Schwitters– y que vinculan a Coixet –y su público– con cierta fascinante precariedad, ese trabajar desde lo poco que, de alguna manera, Coixet persigue también en su cine.
Hay que saber estar, de Miss Beige, Museo Cerralbo, Madrid. Del 11 de junio al 7 de septiembre 2025.
Con un lenguaje propio y una estética monocroma, Miss Beige cuestiona la obsesión por el retoque y la imagen filtrada, rescatando la cotidianidad desde una perspectiva crítica, silenciosa y cargada de ironía.
La muestra, incluida en la Sección Oficial de PHotoESPAÑA, recoge el trabajo de esta artista que con un lenguaje propio y una estética monocroma, cuestiona la obsesión por el retoque y la imagen filtrada, rescatando la cotidianidad desde una perspectiva crítica, silenciosa y cargada de ironía.
Julia Margaret Cameron, El sueño de una noche de verano, Teatro Real, Madrid. Del 11 de junio 2025 al 11 de junio 2026.
En el marco de la temporada dedicada a Shakespeare, esta exposición rinde homenaje a la fotógrafa británica Julia Margaret Cameron, una de las grandes pioneras del retrato fotográfico, que supo transformar la imagen en una forma de interpretación poética y teatral. Su obra, creada en pleno siglo XIX, cobra nueva vida en esta muestra que invita a redescubrir los personajes y los símbolos del universo shakesperiano a través de la luz y la emoción.
Las imágenes seleccionadas —fotografías originales y reproducciones de sus obras más icónicas— recrean las figuras de Hamlet, Ofelia, Desdémona o Próspero desde una sensibilidad que desafía el tiempo. Aunque muchas de estas piezas no ilustran directamente escenas de las obras de Shakespeare, sí establecen un diálogo profundo con su imaginario, capturando su esencia simbólica y emocional.
Las composiciones de Cameron, cargadas de atmósferas etéreas, exploran los grandes temas del teatro de Shakespeare: la belleza, la tragedia, el amor, la verdad y la ilusión. Su capacidad para trabajar con la luz y el gesto dota a sus retratos de una intensidad casi escénica, donde cada mirada y cada sombra remiten al drama, al deseo o al dolor.
Perpetual Present: reinterpretando el arte rupestre, Sofía Crespo, Museo Arqueológico Nacional, Madrid. Del 12 de junio al 14 de septiembre 2025.
A medida que aumenta la distancia que nos separa de los pobladores de las cuevas de Altamira, otorgamos mayor relevancia a las herramientas que utilizaron para grabar, pintar y desarrollar el conjunto artístico que puebla sus paredes.
Este proyecto expositivo parte de dos cuestiones fundamentales:
- ¿Cómo podríamos reinterpretar estas pinturas —realizadas en un pasado remoto por varias generaciones de seres humanos— mediante las tecnologías disponibles en la actualidad?
- Por otro lado, dada la estrecha relación entre el arte rupestre y su ecosistema, ¿cómo podemos representar nuestra propia relación con los ecosistemas actuales?
Se trata de una cuestión apremiante, ya que varias de las especies representadas por nuestros antepasados ya se han extinguido.
La obra Perpetual Present recrea las creaciones de nuestros ancestros mediante un proceso innovador que combina:
- Generación de imágenes a partir de un modelo de aprendizaje automático entrenado con millones de imágenes del mundo natural.
- Impresión 3D y pintura robótica sobre arcilla, dando lugar a una reinterpretación material del arte prehistórico.
La obra plantea que, aunque las pinturas de Altamira fueron creadas en el pasado, las percibimos a través de la mirada del presente. Al superponer nuestro ojo digital, una nueva plasticidad emerge de la superficie aparentemente inerte de las cuevas.
De este modo, la evocación del pasado nos permite reflexionar sobre nuestro presente y convertir la tecnología en legado. Si bien los sistemas y el hardware que crean la obra podrían no durar más de unos pocos años, sus impresiones físicas podrían sobrevivirnos.
Aunque tendemos a asociar la tecnología con el futuro, la realidad es que las herramientas del presente son efímeras, al igual que lo fueron las de los habitantes de la cueva de Altamira.
Tres experiencias formales: Nuria Fuster, Clara Montoya y Sandra Val, CentroCentro, Madrid. Desde junio 2025.
Reúne piezas de tres escultoras contemporáneas.
Poder esencial. Mujer, ruralidad y autorrepresentación, Museo del Prado, Madrid. Del 12 de junio al 14 de septiembre 2025.
Poder esencial es una exposición fruto de un proceso de creación fotográfica que ha sido desarrollado de manera conjunta por el equipo de PradoEducación y un grupo de mujeres de la Mancomunidad de Municipios Valle del Jerte. Esta colaboración está enmarcada en Del Valle al Prado, un proyecto puesto en marcha en 2019 que aborda la representación de la mujer y la vida rural en las obras de las colecciones del Museo. Su objetivo es abrir una conversación en torno a las realidades de la mujer rural y las relaciones con su contexto desde una óptica ecofeminista.
La experiencia de Poder Esencial nace de la convergencia entre el estudio de los autorretratos de las creadoras del siglo XIX presentes en las colecciones del Museo Nacional del Prado y las representaciones de las deidades, alegorías y entidades femeninas que a lo largo de la historia y la mitología se han vinculado con la naturaleza y con los cuatro elementos.
El objetivo de esta práctica es analizar y problematizar la relación de la mujer rural con su entorno, entendido como constructor de identidad. Para ello, se plantea un análisis en torno a la representación y la autorrepresentación, trabajando el retrato en el sentido clásico y vinculando a las protagonistas con su entorno, con la tradición y con el folklore. Posicionando a las mujeres del valle como arquitectas de ese ecosistema, visibilizamos sus vínculos personales con el territorio, con lo ancestral y con todo lo que en él habita. Con la colaboración de la artista Pilar Soto en la escenografía, las mujeres se han representado a sí mismas como alegorías de aquellos elementos que sostienen sus vidas en el territorio, configurando una cartografía de las cuestiones auténticamente esenciales para esta comunidad.
Graciela Iturbide, Cuando habla la luz, Fundación Casa de México en España, Madrid. Del 19 de junio al 14 de septiembre 2025.
La mirada de Graciela Iturbide (México, 1942) transforma lo cotidiano en imágenes de inquietante belleza, creando una tensión que oscila entre una dualidad siempre presente: de lo real a lo onírico y de la vida a la muerte.
En esta exposición incluye algunas de sus imágenes más representativas. En ellas, la fotógrafa realiza una doble operación: se mira a sí misma y mira el exterior. Se retrata con serpientes que emergen de la boca o con pájaros muertos en los ojos, creando imágenes atravesadas por una enorme sensación de dolor. En un sueño un hombre le dijo: «En mi tierra sembraré pájaros«. Y así, sus paisajes con pájaros son irreales. Inquietan y son extraños.
En la exhibición se incluyen fotografías de la serie El baño de Frida, con las que documentó la reapertura de un baño de la Casa Azul, en Coyoacán, donde se resguardaban objetos y documentos de Frida Kahlo.
Las instantáneas de Iturbide evaden los estereotipos y muestran a las comunidades originarias de México desde un punto de vista inusitado. Ese es el caso de Mujer ángel, una de las imágenes con las que Iturbide documentó a los seris en el desierto de Sonora; o de Magnolia, retrato de la serie Juchitán de las mujeres, donde se explora el rol esencial de las mujeres en el municipio de Juchitán, Oaxaca, y de los muxes, un colectivo del sexo masculino que asume roles femeninos y constituye una identidad de género propia de la cultura zapoteca.
Alinka Echeverría, El camino al Tepeyac, Fundación Casa de México en España, Madrid. Del 19 de junio al 14 de septiembre 2025.
Hace unos años, la artista visual y antropóloga mexicano-británica Alinka Echeverría (Ciudad de México, 1981) emprendió un viaje para documentar a los peregrinos que llevan a cuestas representaciones de la Virgen de Guadalupe. El evento es una mezcla fascinante de serenidad y caos. Para el individuo, la peregrinación es una experiencia de sacrificio y recompensa, de gratitud y perdón, de promesa y esperanza. Para la comunidad, representa un regreso al origen: renovación y renacimiento.
Esta instalación presenta sesenta imágenes de devotos guadalupanos, articulando una visión caleidoscópica de la imagen sagrada y explorando la relación histórica, política, filosófica, psicológica y antropológica entre una presencia invisible y su expresión material.
Movida por su interés en los sistemas de creencias y rituales, Alinka adopta un enfoque personal: fotografiar a los peregrinos de espaldas a la cámara, resaltando la conexión entre la figura y su objeto más preciado.
Nélia Dos Santos, Marimbar, C arte C, Centro de Arte Complutense, Madrid. De 4 al 28 de septiembre 2025.
«Mi madre era africana. Soy hija de la descolonización. Mi piel es blanca para las personas negras y mi cultura es negra para las personas blancas. Crecí en un mundo que no me aceptaba en ninguno de ellos».
Marimbar, proyecto ganador de Descubrimientos PHE24, emerge de la reflexión sobre el sentido de pertenencia y su objetivo es debatir el trauma colonial.
En este trabajo, la trayectoria vital de Nélia Dos Santos se entrelaza con la de tantas otras personas, tejiendo una narrativa dinámica y en constante (re)interpretación, creando puentes para revisitar la historia, reconociendo diferentes perspectivas y construyendo otras narrativas más conscientes y actuales. Imágenes del archivo familiar de la autora se unen al presente, revelando huellas de un pasado colonial. Acontecimientos históricos, tradiciones culturales y símbolos universales se entrelazan invitándonos en esta exposición a revisitar la historia y sus múltiples prismas.
Julia Toro, Estado fotográfico, Museo Lázaro Galdiano, Madrid. Del 10 de septiembre al 9 de noviembre 2025.
Por primera vez se expone en España el trabajo de la autora Julia Toro (Talca, Chile, 1933). Su obra, libre de estrategias y concesiones, se guía por el asombro, el calor o la sencillez. Sus fotografías están en un tiempo suspendido y en ellas florece milagrosamente lo universal, abordando temáticas como el dolor, la ausencia, el amor o la vida en el barrio, compaginadas con imágenes de una hija, un poeta, un travesti…
Estas fotografías, en su mayoría realizadas en Chile durante la dictadura de Pinochet, reflejan la vida en un país silenciado, donde, a pesar de todo, se mantuvieron las reuniones con los amigos y las amigas, los almuerzos en familia, los paseos por el parque los domingos, los recitales de poesía, las risas y el amor, pero también los sentimientos de temor al oscurecer. Julia Toro documenta toda esta cotidianidad sin pudor, con elegancia y cariño, convirtiendo sus imágenes en un testimonio íntimo y colectivo.
Hoy, a sus 91 años, la fotógrafa chilena no pretende mirar el presente con nostalgia. Despierta cada día con fuerza creadora y retrata lo que la vida le propone, los encuentros, las injusticias, las sorpresas, las alegrías. Esta exposición no es una retrospectiva, es la obra de una vida viva, que presenta un punto de vista sobre las relaciones humanas.
Maruja Mallo, Museo Reina Sofía, Madrid. Desde 8 de octubre 2025.
Maruja Mallo (Vivero 1902 – Madrid 1995) es una de las principales figuras de la Generación del 27. La muestra incluye unas 80 pinturas, dibujos, escritos, y documentos y vídeos que recogen su vida e ideas.
La Menesunda según Marta Minujín, Museo Reina Sofía, Madrid. Desde 5 de noviembre 2025.
La legendaria obra de Marta Minujín y Rubén Santantonín –obra creada originalmente en 1965, reconstruida por el Museo Moderno de Buenos Aires en su sede de Avenida San Juan en 2015 y posteriormente presentada en 2019 en el New Museum de Nueva York–, luego de cinco importantes años de trabajo y preparativos, será exhibida por primera vez en Europa como parte de una gira que la dará a conocer en cuatro países. La emblemática obra será exhibida por primera vez en Europa en una gira que comienza en Copenhagen Contemporary, Dinamarca, y que incluye el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en España; KANAL – Centre Pompidou, en Bélgica; y Tate Liverpool, en el Reino Unido.
Una experiencia radicalmente inmersiva y participativa que girará alrededor de la emblemática instalación creada originalmente por Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) y Rubén Santantonín en 1965.
Ana Juan, CentroCentro, Madrid. Desde noviembre 2025.
ITINERARIO El Prado en Femenino III. Promotoras artísticas de las colecciones del Museo (1701-18199), Museo Nacional del Prado, Madrid. Del 4 de noviembre 2025 al 8 de marzo 2026.
En esta tercera edición del itinerario El Prado en femenino, nos adentramos en el siglo XVIII para explorar el legado de destacadas promotoras artísticas que jugaron un papel crucial en la formación de las colecciones del Museo del Prado. Este nuevo recorrido se enmarca entre las figuras de María Luisa Gabriela de Saboya y María Luisa de Parma, y tiene como protagonista de excepción a la reina Isabel de Farnesio, una figura clave tanto en la política como en el coleccionismo artístico del setecientos europeo.
Isabel de Farnesio reunió una de las colecciones más destacadas de su tiempo, cercana al millar de pinturas, más de una tercera parte de las cuales forman parte fundamental de las colecciones del Museo. Estas 350 piezas reúnen obras maestras de grandes artistas como Velázquez, Ribera, Murillo, Correggio, Lucas Jordan, Guido Reni, Guercino, Van Dyck, Brueghel el Joven, Clara Peeters, Poussin y Watteau, entre otros; además de una notable colección de escultura clásica adquirida tras la muerte de la reina Cristina de Suecia, compartida con el rey Felipe V.
C. VALENCIANA
ALICANTE
A lo largo de su carrera, la pintora Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha desarrollado un riguroso lenguaje basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas partiendo de módulos geométricos. Esta exposición, comisariada por Isabel Tejeda, repasa cronológicamente la trayectoria de la artista a través de más de un centenar de obras que abarca desde sus primeros pasos en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid hasta sus producciones actuales, algunas realizadas específicamente para la muestra. La retrospectiva incide en la afirmación de la artista de que ha pintado el mismo cuadro toda su vida, conectando sus primeros trabajos de la década de 1960 con sus últimas series como Horizontes blancos o Esperando a Sempere, en la que homenajea a su referente y amigo Eusebio Sempere.
Aunque ligada en sus inicios al heterogéneo grupo de artistas españoles adscritos a los presupuestos estéticos de la abstracción geométrica —con los que ha mantenido afinidad toda su vida—, Sevilla pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta plástica. Entre 1980 y 1982, realiza una estancia en Boston fundamental en el desarrollo de su carrera. Allí lleva a cabo, entre otros proyectos, las series Keiko, Stella y Belmont, compuestas por dibujos de líneas individuales, finas y ligeras que preconizaban la sensación de vibración tan característica de su pintura posterior. A su regreso, la línea, las tramas y la luz como vehículos de la emoción llevan a la artista a trabajar sobre dos hitos esenciales de la cultura española, Las Meninas de Diego Velázquez y la arquitectura andalusí de La Alhambra de Granada —ciudad en la que reside en la actualidad—.
Hacia mediados de la década de 1990, una acumulación de pinceladas comienza a invadir sus telas rítmicamente —como se observa en En ruinas II o Díptico de Valencia— y la naturaleza se apropia de sus obras. Un “magma vegetal”, en palabras de la propia Sevilla, compacta la superficie del lienzo para ir dejando ver progresivamente una línea de luz. Las vegetaciones colgantes, las noches de insomnio —representadas en su serie Insomnios— y las arquitecturas agrícolas, conducen al espectador a mirar el mundo a través de la trama. Tramas de hojas o de mallas de plástico inspiradas en los secaderos de tabaco de la Vega granadina.
La generación de instalaciones, con las que Soledad Sevilla expande sus preocupaciones estéticas hacia lo espacial, ha sido otra de las líneas de fuerza de su trabajo desde la década de 1980. Esta exposición documenta alguna de sus intervenciones históricas como Vélez Blanco, realizada en el castillo de Vélez-Blanco de Almería en el marco del Proyecto Plus Ultra con motivo de la Expo ’92; o El tiempo vuela, una suerte de vanitas que pudo verse por primera vez en la Galería Soledad Lorenzo en 1998. Al mismo tiempo, la artista presenta Donde estaba la línea, una nueva instalación site-specific en la que utiliza el hilo de algodón para intervenir el espacio del Museo.
Senga Nengudi y Maren Hassinger, IVAM, Valencia. Del 22 de mayo al 2 de noviembrre 2025.
Una exposición que celebra más de cinco décadas de colaboración artística entre Senga Nengudi (Chicago, 1943) y Maren Hassinger (Los Ángeles, 1947). Esta muestra indagará en la estrecha colaboración entre ambas artistas a través de instalaciones, textos, esculturas, performances y proyectos de vídeo.
P. VASCO
BILBAO
Helen Frankenthaler: pintura sin reglas, Guggenheim Bilbao. Del 11 de abril al 28 de septiembrre 2025.
A través de su rompedora técnica de “empapar y manchar”, Frankenthaler estableció un nuevo rumbo en la evolución de la pintura moderna mediante la construcción de una inédita relación entre el color, el espacio y la forma. Su proceso se basa en la aplicación de pintura diluida sobre lienzos monumentales sin imprimación colocados en el suelo del taller, creando efectos similares a los de la acuarela empleando primero el óleo y posteriormente el acrílico. La artista recurría a herramientas como pinceles y esponjas, o directamente vertía la pintura desde un cubo y dejaba que se extendiera y mezclara de manera natural, originando singulares combinaciones cromáticas que se distinguen por sus transiciones veladas y superposiciones translúcidas.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas rinde homenaje a una artista que desafió las convenciones y amplió los límites de la pintura, redefiniendo las normas tradicionales con su visión audaz e intuitiva. Sus poéticas abstracciones, debidas a su magistral técnica y prolífica imaginación, suponen un legado imperecedero.
Chiharu Shiota, My house is your house, Azkuna Zentroa, Bilbao. Del 27 de mayo al 28 de septiembre 2025.
Se trrata dee una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mundial y la primera artista japonesa que viviendo fuera de su país, lo representó en la Bienal de Venecia. Heredera de Ana Mendieta y de toda una generación de artistas feministas de principios de los 70, Chiharu Shiota trabaja con su cuerpo como espacio de intervención, realizando performances que tratan la vinculación a la tierra, el pasado y la memoria. Conocida por sus instalaciones realizadas con la lana como material principal, sus entramados generan una atracción onírica, al tiempo que reavivan la memoria, la existencia de una forma filosófica y su ausencia.
Chiharu Shiota (Osaka, 1972) ha expuesto, entre otros, en Hammer Museum, Los Ángeles, Queensland Art Gallery of Modern Art (QAGoMA), Brisbane; ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe; Museo de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa, Wellington; Museo de Arte Mori, Tokio; Gropius Bau, Berlín; Galería de Arte del Sur de Australia; Yorkshire Sculpture Park, Reino Unido; Museo de Arte de Kochi; y Museo Nacional de Arte de Osaka.
Barbara Kruger, Guggenheim Bilbao. Del 19 de junio al 9 de noviembre 2025.
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller.
Esta exposición destaca la habilidad de Kruger para transformar los espacios arquitectónicos en experiencias inmersivas centradas en el texto. Los visitantes se adentrarán en instalaciones potentes donde el lenguaje ocupa un lugar central, envolviendo entornos completos con vinilos, paisajes sonoros y obras de video multicanal. Muchas de estas piezas revisitan y reimaginan los primeros trabajos de Kruger, revitalizándolos a través de la digitalización, pantallas LED de gran formato y la incorporación de sonido.
Organizada en estrecha colaboración con la artista, esta exposición invita al público a explorar las provocadoras investigaciones de Kruger sobre el lenguaje, los medios de comunicación y el significado en la era digital.
Marisa González, Azkuna Zentroa, Bilbao. Entre octubre y diciembre 2025.
Exposición retrospectiva de la artista bilbaína Marisa González, Premio Velázquez 2023, pionera en la aplicación de las nuevas tecnologías de la reproducción y la comunicación en la creación artística desde los años 70. Organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) en colaboración con Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y comisariada por Violeta Janeiro, repasa la trayectoria de la artista, nacida en Bilbao en 1943.
La muestra parte de la obra que ejecutó en los años setenta, cuando se formó en el Departamento de Sistemas Generativos de la escuela de Art Institute de Chicago. González empleó este bagaje para adentrarse en las intersecciones entre la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Fue, en ese sentido, avanzadilla en el escenario del arte español de ese momento.
La última exposición de 2025 conecta con la primera, de Ixone Sádaba, en su interés artístico por Lemoniz. Marisa González realizó a principios del milenio un proyecto fotográfico, videográfico y objetual en la central nuclear que evidencia su interés por la arqueología industrial y por los problemas implícitos en ella, referidos a la memoria y el olvido, la arquitectura, el urbanismo y sus consecuencias culturales, políticas, ecológicas y sociales.
Con obra en múltiples museos y colecciones, Marisa González ha realizado más de 60 exposiciones individuales y 150 colectivas, como en la Bienal de Venecia, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Tabacalera (Madrid), o el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB).
SAN SEBASTIAN/DONOSTIA
Situ-akzioak. Anna Irina Rusell, Tabacalera, San Sebastián/Donostia. Del 10 de abril al 27 de junio 2025.
María Cueto. Tejer lo efímero: texturas, repetición, geometría, circularidad, Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 20 de junio al 20 de septiembre 2025.
Tina Barney. Lazos familiares. Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 18 de julio al 2 de noviembre 2025.
Marlene McCarty, Tabacalera, San Sebastián/Donostia. Del 16 de octubre 2025 al 8 de febrero de 2026.
Maider López. Ukitu, Kutxa Fundazioa y Tabakalera, San Sebastian. Del 24 de octubre 2025 al 1 de febrero 2026.
La exposición Ukitu de Maider López (San Sebastián, 1975) toma como punto de partida la práctica desarrollada por la artista en la última década. Reúne un número significativo de proyectos realizados a escala internacional en los últimos diez años, al tiempo que recupera algunos de sus trabajos anteriores que darán contexto y crearán nuevas relaciones. La exposición se presenta de manera simultánea en dos sedes diferentes: la sala Kutxa Fundazioa Kubo y Tabakalera, en lo que supone una novedosa colaboración entre estas dos instituciones. Será la exposición individual de mayor envergadura dedicada a la artista hasta la fecha y presentará numerosos trabajos aún no vistos en nuestro contexto.
Maider López desarrolla su trabajo interviniendo en los entornos que nos rodean tanto urbanos como naturales. Arquitecturas, plazas y espacios públicos, playas, ríos o montañas han sido sitios en los que la artista ha intervenido a través de acciones –algunas de gran escala, otras más sutiles. Obras que invitan a modificar nuestra relación unos con otros y con el entorno, y que a menudo requieren de la participación del espectador en grados diferentes de implicación, desde acciones anunciadas generadoras de colectividades a situaciones existentes que son observadas y registradas por la artista. En la última década, la variedad en los grados de implicación del público ha ido en aumento, sumando acciones infiltradas en la cotidianidad de la ciudad, así como situaciones en las que fenómenos naturales como la subida del nivel del agua o el movimiento de las olas del mar son generadoras de acción colectiva. Esta relación entre lo humano y lo no humano aparece también en sus proyectos que implican la presencia de plantas y árboles, conectando lo urbano y lo natural, lo público y lo doméstico.
VITORIA
Chantal Akerman, Facing the image, ARTIUM, Vitoria. Del 30 de mayo al 19 de octubre 2025.
Facing the Image, una exposición de la cineasta belga Chantal Akerman (Bruselas, 1950 – París, 2015) comisariada por su colaboradora habitual Claire Atherton, explora las instalaciones cinematográficas creadas por Akerman en colaboración con Atherton a lo largo de varios años, desplegando la dimensión secuencial de la imagen en movimiento en un espacio tridimensional.
Al ofrecer un acercamiento no prescriptivo a la obra de Akerman, la exposición propone una experiencia corporeizada de sus películas, en las que prevalecen la fragmentación y la repetición sobre la linealidad y la estructura narrativa.
Esta exposición es la continuación de una presentación realizada en La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona en 2023.
A Chantal Akerman le gustaba especialmente trabajar en instalaciones, porque sentía una gran libertad. Le interesaba que lo hiciéramos todo «en casa», sin tener que explicar a nadie lo que deseábamos lograr. Decía que, más que una película, una instalación no se puede describir de antemano sino que nace poco a poco en la obra misma.
Y luego nos encantaba pedir siempre más al espectador, no masticarle el trabajo. Nos gustaba pedirle que se moviera, que explorara. Buscábamos construir un espacio que lo ponga en movimiento y desvele el pensamiento.
Esta muestra reflejará nuestro trabajo, una invitación a explorar, a encontrarnos, a experimentar.
La exposición ofrecerá un recorrido a la vez libre y construido, a través de algunas de las obras de Chantal Akerman.
Unas sonoras, otras mudas, unas en blanco y negro, otras en color. Y también fotos.
Un viaje a través de imágenes y sonidos editados e instalados en el espacio. Instalados pero no congelados. Un trayecto en el que podemos tomarnos nuestro tiempo, avanzar, retroceder, acercarnos, alejarnos y volver a acercarnos. Se trata de hallar nuestro propio ritmo.
Un recorrido por obras muy íntimas y otras abiertas al mundo, pero todas políticas en su forma y presencia.
Claire Atherton, comisaria.
