EXPOSICIONES EN ESPAÑA 2025. FUTURAS
Redacción
Ordenadas por Comunidades Autónomas.
ANDALUCÍA
CORDOBA
Cristina Mejías, C3A, Córdoba. Del 27 de marzo al 21 de octubre 2025.
Exposición individual de la artista andaluza en la que se combinan piezas existentes con nuevas creaciones específicamente diseñadas para las salas T2 y T3 del museo.
Ana Segovia, C3A, Córdoba. Del 24 de abril 2025 al 6 de enero 2026.
La artista mejicana realizará un proyecto específico para el museo donde relaciona la identidad, el flamenco, lo ‘queer’ y la pintura, explorando temáticas icónicas del cine, los bandoleros y la conexión entre las tradiciones del charro mexicano y el rejoneador cordobés.
Raquel Algaba, En silencio se alzaron Lotos, C3A, Córdoba. Del 24 de abril al 26 de junio 2025.
Como parte del apoyo del C3A al programa de ayudas Iniciarte, presentará una obra que aborda la mitología clásica y las problemáticas contemporáneas a través de una alegoría sobre el encuentro de Ulises con los Lotófagos, explorando temas de pertenencia, memoria y desplazamiento.
Cecilia Bengolea, El ruido que habita, C3A, Córdoba. Del 27 de noviembre 2025 al 24 de mayo 2026.
La artista multidisciplinar combinará obras producidas específicamente para la muestra, en formato de vídeo, ‘performance’ y esculturas de barro, con piezas existentes pertenecientes a los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Este proyecto conectará su interés por la danza, la materialidad y las tradiciones artesanales en una propuesta profundamente inmersiva.
MÁLAGA
Farah Atassi, Genius loci, Museo Picasso Málaga. Desde 23 de mayo 2025.
Una propuesta que no es solo una reinterpretación de la tradición cubista, sino una exploración de las posibilidades expresivas del espacio en la pintura contemporánea.
Su pintura, que a menudo parece estar construida como si de una arquitectura se tratara, no busca una reproducción fiel de la realidad, y las líneas precisas y los objetos representados en sus cuadros parecen pertenecer a un mundo paralelo donde el tiempo se ha detenido, evocando una sensación de misterio.
SEVILLA
Elaine Sturtevant, El eco de la innovación, CAAC, Sevilla. Del 27 febrero al 21 septiembre 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez
Es la primera retrospectiva de la artista norteamericana en España, coincidiendo con el centenario de su nacimiento y contará con más de 40 obras procedentes de instituciones como el Museo Whitney de Nueva York y la Colección Pinault de París.
Claribel Calderius, Sensemayá. Cantos para matar la culebra, CAAC, Sevilla. Del 27 febrero al 21 septiembre 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez.
Un proyecto específico de la artista cubana para la Capilla de San Bruno. Calderius establece un diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo, explorando los rituales y simbolismos de las dinámicas transformadoras de su herencia cultural.
Danza en el CAAC, Sevilla. Desde marzo a noviembre 2025.
Comisaria: María González.
Este ciclo de danza contemporánea se celebrará los últimos domingos de los meses de marzo, abril, mayo, septiembre, octubre y noviembre en los espacios monumentales del museo, ofreciendo un marco único para los creadores coreográficos, principalmente andaluces.
Sandra Poulson, CAAC, Sevilla. Del 3 abril al 16 noviembre 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez.
La obra de la artista angoleña conecta las políticas culturales de Angola con objetos cotidianos, ofreciendo una reflexión sobre las complejidades de la identidad y la memoria.
Amie Siegel, CAAC, Sevilla. Del 10 abril al 31 agosto 2025.
Comisaria: Yara Sonseca.
La arquitectura y las estructuras de poder se exploran a través del lenguaje audiovisual.
Regina de Miguel, Audax Viator, CAAC, Sevilla. Del 29 mayo 2025 al 11 enero 2026.
Comisaria: Jimena Blázquez.
Una propuesta interdisciplinar de la artista andaluza que incluye la producción de varias obras realizadas específicamente para la exposición en colaboración con la Escuela de Formación de Artesanos de Gelves, reafirmando así el diálogo entre arte y artesanía local.
Buhlebezwe Siwani, CAAC, Sevilla. Del 25 septiembre 2025 al 5 abril 2026.
Comisaria: Jimena Blázquez.
La artista sudafricana presentará una instalación inmersiva realizada en jabón, que dialoga con la historia de las antiguas fábricas almohades de Sevilla, explorando temas como la espiritualidad, la memoria y las tradiciones africanas.
Louise Bourgeois, Celda, CAAC, Sevilla. Del 9 octubre 2025 al 10 mayo 2026.
La emblemática pieza, perteneciente a la colección del CAAC, podrá verse por primera vez en diálogo con la arquitectura única de la Capilla de Afuera.
BALEARES
JESSICA STOCKHOLDER. CARDINAL DIRECTIONS, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 31 de enero al 24 de agosto 2025.
Comisariado: David Barro y Soad Houman
Jessica Stockholder (Seattle, 1959) es un ejemplo paradigmático de la pintura expandida y una de las artistas más influyentes de su generación. Su pintura se construye en base a objetos cotidianos, proponiendo la pintura como realidad y ejemplo de expansión hacia lo escultórico y arquitectónico, a pesar de que nos permite continuar hablando de pintura en términos de composición, espacio, color o ritmo, puesto que todo nos remite a la tradición de la pintura excepto la superación definitiva del concepto de marco.
ELISA BRAEM, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 19 de septiembre 2025 al 11 de enero 2026.
Comisariado: Aina Pomar
La exposición de la artista holandesa Elisa Braem (Ostend, 1991) plasmará su investigación a alrededor de las relaciones entre luz, color y materia, a través de la exploración de la naturaleza sedimentaria de la arcilla y la luminiscencia de la porcelana. Tanto el conjunto de las obras como su puesta en escena requerirán la mirada activa del público para completar la muestra.
SANDRA CINTO, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 19 de septiembre 2025 al 11 de enero 2026.
Comisariado: Jackie Herbst
A lo largo de su carrera, Sandra Cinto (Santo André, 1968) ha desarrollado un rico vocabulario de símbolos y líneas para crear paisajes líricos y narrativas que oscilan entre la fantasía y la realidad. Utilizando el dibujo como punto de partida, la artista representa entornos fascinantes que a menudo interactúan con la arquitectura circundante. Estos paisajes sirven como metáfora de la odisea humana, al mismo tiempo que amplían los límites del dibujo.
CANARIAS
LANZAROTE
Hannah Collins, Entre volcanes, Sala El Aljibe de El Almacén, Lanzarote. Del 27 de enero al 5 de abril 2025.
Comisaria: Alicia Chillida.
Esta muestra es un proceso abierto dedicado al volcán mexicano Paricutín, en el que ha trabajado in situ los últimos años. El proyecto ofrece una reflexión sobre temas como la ecología, la sostenibilidad y el futuro de la tierra, del valor mítico del fuego y de la observación del cielo, desde Lanzarote y Michoacán, siguiendo las premisas de la 12.ª Bienal dde Lanzarote.
LAS PALMAS
M. Nieves Cáceres, Cuerpo en medio, CAAM- San Antonio Abad, Las Palmas. Del 30 de enero – 25 de mayo de 2025
Comisaria: Semíramis González Fernández.
Macarena Nieves Cáceres nace en Lanzarote, Islas Canarias. Realizó sus estudios universitarios en la Universidad de La laguna, Tenerife. Vive y trabaja en Las Palmas de Gran Canaria. Trabaja la poesía visual y la acción fotográfica, escritora y Artista Visual vinculada a la performance y a la acción feminista. Pertenece al equipo promotor y editor de la revista Al-harafish desde 1997. Coordina la edición poética al-harafishedita desde 2004. Colabora con el grupo de profesionales Artemisia Mujeres+Arte. Ha participado en diferentes proyectos de formación y pasantía sobre Mujeres y Desarrollo en México (1997), en Madrid y Nicaragua (1998-1999).
Esther Aldaz, CAAM- San Antonio Abad, Las Palmas. Del 18 de septiembre de 2025 al 25 de enero de 2026.
Comisaria: Marta Mantecón.
CANTABRIA
Maruja Mallo, Máscara y compás. Pinturas y dibujos de 1924 a 1982, Centro Botín, Santander. Del 12 de abril al 14 de septiembre 2025.
Comisaria: Patricia Molins.
Esta ambiciosa retrospectiva presenta alrededor de un centenar de pinturas y dibujos, además de textos y fotografías de la artista que trazan toda su carrera: desde el nuevo realismo de sus primeros años hasta las configuraciones geométricas y fantásticas de sus últimas obras.
La muestra pondrá el acento en cómo lo popular, lo performativo y lo mágico impregnaron sus primeros trabajos, destacando sus vínculos con el teatro. Asimismo, recorrerá las transformaciones que experimentó su obra a causa de la Guerra Civil española y de su exilio a Buenos Aires, donde sus retratos y naturalezas muertas transmiten metafóricamente el impacto del entorno y la cultura de su país de acogida.
Los aspectos procesuales y conceptuales menos conocidos de sus series cósmicas tardías se pondrán de manifiesto a través de los fondos de archivo inéditos, adquiridos recientemente por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía como parte de las adquisiciones museísticas del Archivo Lafuente.
Esta exposición está coproducida con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde también se expondrá del 7 de octubre de 2025 al 16 de marzo de 2026.
CATALUNYA
Marta Palau, Mis caminos son terrestres, Fundación Tàpies, Barcelona. Del 27 de febrero al 22 de junio 2025.
La obra multidisciplinar de Marta Palau transita entre varios lenguajes artísticos, pero es en el tapiz donde encuentra el espacio de representación que le permite crear un diálogo entre dostradicionesdistintas,lacatalanaylamexicana Conlosaños,hallaráuncaminopropio matérico y temático que ahondará en los conceptos de migración, frontera, pertenencia a la tierra y los cuidados, entre otros Formada en el taller de Josep Grau-Garriga en uno de sus pocos viajes a Europa, sus tapices se caracterizan por el uso de elementos naturales o tradicionalesvinculadosasutierradeacogida,comoelyute,elmaízazulolacuerda Palau nunca quiso que la etiquetaran en ninguna corriente o tendencia y siempre consideró su arte como un espacio único y propio que no podía ser categorizado Sin embargo, en sus escritos declaró su admiración por la obra de Tàpies y Rothko, artistas a los que consideraba cercanos por su modo de concebir el arte y su práctica
Esta será la primera vez que pueda verse en Barcelona la obra de esta artista catalanomexicana, cuya práctica se quiere recuperar y dar a conocer La exposición será uno de los primeros proyectos de esta nueva etapa del Museu Tàpies que busca abrirse y dar visibilidad a algunos de los artistas a los que los discursos hegemónicos han dejado fuera de las instituciones
Marta Palau (Albesa, Lleida, 1934 – Ciudad de México, 2022), se exilió a México en 1940 junto con su familia, a consecuencia de la Guerra Civil española y de las posiciones políticas y de militancia que ostentaban algunos de los miembros de su familia Marta Palau tenía 6 años y nunca volvió a vivir a Catalunya, pero su conexión con sus raíces y con la tierra catalana la acompañaron durante toda su vida, como delatan algunas de sus obras.
Maya Deren, ICUB, Sede Moncada, Barcelona. De finales de febrero 2025.
Una muestra dedicada a la cineasta y figura clave del cine experimental del siglo XX.
Anna Malagrida, Fundación Tápies, Barcelona. Del 13 de marzo al 22 de junio 2025.
Los trabajos de Anna Malagrida se centran sobre todo en un estudio antropológico de las arquitecturas de las ciudades, o de aquellas que han ocupado espacios naturales con relación al ocio: un replanteamiento del sentido de las imágenes que, en un contexto de fake news, se convierte en una metáfora de su generación y el uso que esta hace de ello, con varias capas de significado Las fotografías de gran formato están tomadas desde escaparates o desde grandes vidrieras que han sido tapadas con el característico blanco de España, como si fueran grandes telas informalistas que nos remiten a la obra de Antoni Tàpies
Sus fotografías nos dibujan un camino, un recorrido entre lo que queda oculto por la crisis económica o las grandes compañías de eventos que ocupan reservas natura- les para llevar a cabo su actividad y deterioran el medio ambiente Con un claro carácter sociopolítico, Malagrida juega con los dobles significados a partir de las texturas con simi- litudesconlapintura Suobratratadeponerencuestiónelsistemaneoliberalycapitalista de las grandes ciudades y empresas a través de una mirada desde el interior que las cues- tiona y las señala como responsables directas del cambio climático y el empobrecimiento de la población
Anna Malagrida (Barcelona, 1970) se trasladó a París al finalizar sus estudios para desarrollar su carrera artística, centrada sobre todo en un trabajo fotográfico que crea un juego de miradas entre el dentro y el fuera, entre observar y ser observado, cuestionando la mirada hegemónica y poniendo el acento en las miradas multidireccionales
Eugenia Balcells, From the center, MNAC, Barcelona. Del 8 de mayo al 14 de septiembre 2025.
El Museo presentará en la Sala Oval una gran instalación en vídeo de Eugènia Balcells (Barcelona, 1943). Creada en la ciudad de Nueva York entre los años 1980 y 1982, From the center es una obra fundamental tanto en la trayectoria de la artista como en la historia del vídeoarte. Esta obra de gran complejidad técnica y riqueza de significados evoca los grandes monumentos megalíticos de la antigüedad, es un “Stonehenge electrónico”, en palabras de la artista. Por su calidad e importancia en la perspectiva histórica del arte contemporáneo catalán, la Generalitat la ha adquirido recientemente para la Colección Nacional de Arte Contemporáneo y forma ya parte de las colecciones del MNAC.
Los 12 monolitos situados en círculo conforman un gran panóptico transitable y ofrecen una suma de miradas parciales al entorno que, en su conjunto, representan una voluntad de contemplación unitaria y absoluta del mundo. La filmació́n de todas las imágenes fue realizada a largo de dos años desde un único punto fijo situado en la azotea de un edificio en el centro de Manhattan, en la esquina de Broadway con Grand St. Los sonidos y las músicas de cada uno de los doce canales fueron creados por encargo de Eugènia Balcells por el artista, músico y pionero del sonido Peter Van Riper (1942-1998). La suma de los doce canales de vídeo y de sonido generan un espacio intenso y complejo.
Con un lenguaje propio de la contemporaneidad y las nuevas culturas de la imagen, From the Center enlaza con la ambición poética y filosófica del romanticismo y el sueño de conectar empáticamente con el universo. La combinación de tecnología y espiritualidad, junto con la reflexión sobre la mirada y la visión, hacen de esta obra un trabajo que no sólo tiene un interés histórico sino que puede ser accessible y significativo desde la perspectiva de nuestro presente. Cabe señalar también las posibles relaciones con las grandes máquinas de visión mística que son las pinturas románicas, núcleo de la colección del museo.
Helen Lewitt, Mapfre KBr, Barcelona. Del 23 de septiembre 2025 al 25 de enero de 2026
Con solo dieciocho años, Levitt comenzó a explorar su ciudad natal, Nueva York, con una cámara manual. Desde entonces, el tema principal de su fotografía fue la espontaneidad de la vida cotidiana, y su producción fue extensa y diversa, aunque a menudo protagonizada por niños de los barrios obreros, eje de escenas llenas de vitalidad. Esta será la primera muestra en prepararse a partir del estudio de todos sus archivos.
Germaine Dulac, Fundación Tàpies, Barcelona. Del 2 de octubre 2025 al 13 de enero 2026.
El proyecto sobre Germaine Dulac quiere ser una reflexión sobre cómo las vanguar- dias invisibilizaron a ciertas artistas que ponían en tensión los discursos hegemónicos y heteropatriarcales que imponía la sociedad de entreguerras Se trata de un ejercicio de recuperación de la memoria de un pasado en el que muchas de ellas quedaron relegadas dentro de la historia del arte, a pesar de que sus prácticas resultaron fundamentales para el desarrollo de los movimientos artísticos del siglo xx
Con la voluntad de abrir archivos y acentuando la idea de la importancia de un tiempo cíclico —tan característico de la trayectoria tapiana—, echamos la vista atrás para volver adelante mediante la investigación histórica y encontrar voces silenciadas, pero, a la vez, buscando las posibles conexiones con la configuración de las imágenes desde esta perspectiva surrealista que también se trabajará en la exposición dedicada a Antoni Tàpies
En 1927, Germain Dulac dirigió el mediometraje La Coquille et le clergyman(La concha y el clérigo), que no se proyectó hasta un año más tarde, en 1928; se considera el primer film surrealista, un año anterior al célebre Un chien andalou de Luis Buñuel, de 1929 La película, cuyos decorados y ambientación fueron obra del poeta Antonin Artaud, expresa la obsesión de un clérigo por una mujer casada con un general Germaine Dulac (Amiens, 1882 – París, 1942) fue una productora, directora, realizadora y guionista de cine considerada la pionera del cine surrealista de principios del siglo xx Dulac realizó más de treinta films entre 1917 y 1935, escribió importantes textos teóricos y colaboró en las grandes revistas cinematográficas de la época —Le Film, Mon ciné o Cinémagazine—, donde expuso sus ideas sobre la importancia de la autoría o sobre el cine como un espacio artístico desde el que explorar, a través de las imágenes, el interior de los seres humanos Su colaboración más significativa fue con la revista radical feminista La Fronde.
Cristina Iglesias, La Pedrera, Barcelona. Del 3 de octubre al 25 de enero 2026.
Rodoreda, un bosque, CCCB, Barcelona. Del 4 de diciembre 2025 al 25 de mayo 2026.
Comisariado: Neus Penalba y Marti Sales.
La poética de esta gran novelista del siglo XX está hecha de ciertos gestos que se repiten en cuentos y novelas –espiar, vigilar, ver morir, atragantarse, ahogar, transformarse…–, donde abundan casas con y sin jardín, calles y plazas, pero, sobre todo, está llena de árboles y de tropos botánicos.
Adentrarse en la escritura de Rodoreda, que es siempre y a la vez inocente y cruel, infantil y macabra, realista y fantástica, clara y tenebrosa, implica abrazar la unidad inseparable de contrarios que define su imaginario: señalar, en definitiva, que junto al jardín de infancia con el abuelo Gurguí crecen cactus indomables, glicinias gigantes, flores malas, bosques de suicidas y toda clase de maldades.
Concibiendo el espacio como un gran árbol que conecta orgánicamente las diferentes salas, el itinerario de la muestra explora la obra y a la escritora como si fuesen un bosque: las raíces literarias y vitales y la experiencia del desarraigo provocado por el exilio; los troncos vertebradores de la vivencia de la guerra, troncos llenos de nudos y de mal; las ramas que quieren alcanzar a los grandes nombres de la cultura occidental –escritores, pintores y cineastas–; las copas que acogen pájaros y rozan el cielo; y también las semillas, que acaban germinando y dando fruto en la imaginación de un grupo de artistas visuales que crearán piezas ex novo, inspiradas en la obra de Rodoreda.
La exposición incorpora documentos originales del fondo de la Fundació Mercè Rodoreda, materiales históricos, fotografías, fragmentos de películas y obra plástica y literaria que conformaron la constelación intelectual y artística de la que Rodoreda se impregnó y, al mismo tiempo obras contemporáneas de artistas como Èlia Llach, Mar Arza, Cabosanroque, Oriol Vilapuig o Carlota Subirós, entre otros.
GALICIA
Mar Caldas, Mujeres, Trabajo y memoria, CGAC, Santiago de Compostela. Del 31 enero al 18 enero 2025.
Comisaria Monse Ceo.
En el marco de su programa de artistas de media carrera, el CGAC presenta una muestra individual de la artista Mar Caldas, pionera del arte feminista en Galicia. Su obra, fundamentalmente fotográfica, renueva siempre su cariz reivindicativo para atender a los diferentes obstáculos que, por su condición, atenazan la vida de las mujeres.
En esta ocasión, nos invita a un recorrido por su obra reciente, en la que el trabajo de las mujeres y la denuncia de su escasa consideración, pasada y presente, ocupan la centralidad del discurso. Su propuesta nos habla de la realidad laboral de las mujeres gallegas durante tres generaciones. Nieta de sindicalista fusilado, Caldas reclama su identidad como víctima transgeneracional del franquismo: nieta de viuda abocada a la escasez y las privaciones e hija de madre telefonista que perdió su trabajo por el hecho de contraer matrimonio. La exposición se desarrollará en tres salas y contará, además, con un anexo documental. Con la fotografía como protagonista, desplegará un amplio abanico de formalizaciones: collage fotográfico con imágenes apropiadas, series fotográficas de creación propia en gran formato, la imagen fotográfica proyectada a modo de instalación y como base de una obra fílmica… e incluso una pieza fotográfica en formato “tarjeta para llevar”. La tercera sala estará dedicada al proyecto Retrato de familia, realizado ad hoc para esta exposición.
Concha Jerez y José Iges. Resignificaciones, CGAC, Santiago de Compostela. Del 14 febrero al 1 junio 2025.
Comisaria: Alicia Murria.
Con relevantes trayectorias individuales Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941) y José Iges (Madrid, 1951) han desarrollado de forma paralela, desde hace más de tres décadas, una producción común que se contamina y enriquece en la diferencia de sus respectivos lenguajes. Partiendo del concepto de resignificación, esta muestra conjunta reúne obras realizadas entre 1989 y 2023. Bajo esta idea, lo que Iges y Jerez plantean es, en sus propias palabras, “una operación que permite asignar a un objeto, medio o situación cualidades hasta ese momento inesperadas, imprevistas”. En la filosofía de estas obras subyacen planteamientos que enunció Guy Debord tanto en su libro La sociedad del espectáculo (1967) como en su obra fílmica.
A través de imágenes fijas y en movimiento, objetos reutilizados, sonidos cotidianos, fotografías, entrevistas, obras ideadas para radio, videoperformances y documentos —muchos de ellos procedentes de los medios de comunicación y su ruido—, Jerez e Iges componen una especie de paisajes visuales y sonoros que analizan, tensan, describen, y parodian a veces, el mundo que nos rodea. Se trata de un trabajo en el que confluyen lenguajes que, como el vídeo, la performance, el arte radiofónico o las instalaciones, han complejizado las prácticas artísticas tradicionales.
Una obra como Arenas movedizas, videoinstalación fechada en 2008, ofrece un despliegue de noticias verdaderas que parecen falsas y a la inversa, señales que desorientan a quien los contempla e invitan, entre proyecciones y sonidos, a participar en un juego donde lo real se disuelve en un territorio de inseguridad. Mientras, la pieza Bazar de utopías rotas aborda temas como los acuerdos internacionales en defensa de los derechos humanos, infringidos de forma continuada, y lo hace a través de una gran mesa de negociaciones con espejos, cristales rotos, textos y sonidos, entre otros elementos. En otro orden, Viaje a ninguna parte aborda, mediante cuatro acciones grabadas en vídeo en zonas no accesibles al público en el edificio de Tabacalera en Madrid, una contraposición de tiempos que enfrenta a un espacio que, creado para ser una estructura fabril y abandonada hace varias décadas, vive hoy nuevos usos culturales, reflejando el cambio de los tiempos que ha quedado impreso en sus paredes. Otras piezas nos plantean temas igualmente vigentes como el control ejercido sobre la ciudadanía, la videovigilancia, el funambulismo de la profesión artística, la desinformación o las continuas agresiones a los derechos humanos. Jerez e Iges arrojan luz sobre la actualidad, a veces desde la ironía y otras adoptando un tono poético, pero siempre partiendo de una inteligencia ética.
Priscilla Monge, CGAC, Santiago de Compostela. Del 6 junio al 7 septiembre 2025.
La obra de Priscilla Monge, ha sido frecuentemente incluida en la escena posconceptual latinoamericana de los noventa, pero hay que tener en cuenta que en esos años ni Costa Rica ni la región centroamericana a la que pertenece figuraban en los mapas del arte latinoamericano reconocido internacionalmente.
MADRID
Sakiko Nomura, Fundación MAPFRE Sala Recoletos, Madrid. Del 6 de febrrero al 11 de mayo 2025.
Las obras Sakiko Nomura (1967), una de las fotógrafas más destacadas de su generación, casi siempre se presentan en blanco y negro, retratando atmósferas nocturnas, misteriosas y llenas de sombras, con grano visible o desenfocadas.
En esta su primera gran retrospectiva los desnudos, donde la tensión erótica se envuelve en una atmósfera de ternura y misterio, conviven otras imágenes de animales, paisajes naturales, calles y carreteras vacías, ciudades, bosques, habitaciones de hotel, plantas, fuegos artificiales o fenómenos atmosféricos para acabar formando una serie de narrativas interrumpidas que evocan ficciones cinematográficas.
Marina Vargas: Revelaciones, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. De 10 de febrero a 4 de mayo 2025.
La exposición Marina Vargas: Revelaciones forma parte del ciclo “Kora” que impulsa, desde el museo, la visibilidad de los trabajos realizados por mujeres artistas de la escena actual, con una perspectiva de género.
Para esta muestra, Marina Vargas (Granada, 1980) trabaja sobre un corpus de investigación en torno al silenciamiento de las mujeres a lo largo de la historia, especialmente en la historia de lo sagrado y lo espiritual, algo que ya investigó en proyectos anteriores, y que ahora focaliza en revelar las aportaciones de las mujeres. A partir de la figura de María Magdalena, estudiada por teólogas feministas como Karen King (Universidad de Harvard), Cynthia Bourgeault (Universidad de Pensilvania) o Meggan Watterson (Universidad de Columbia), Vargas traza un recorrido expositivo que explora las figuras de las mujeres en la historia del arte, en la imaginería, pero también en el relato sagrado a partir de su biografía y su experiencia personal, con una perspectiva actual que busca romper el silencio patriarcal que las ha relegado a un segundo plano. Estas “Revelaciones” muestran lo oculto a través de un trabajo nuevo que se presentará por primera vez en esta exposición.
Almudena Lobera, Secuencia Plano Secuencia, CentroCentro. Desde 12 de febrero 2025.
La artista transformará el espacio de CentroCentro reconfigurado su estructura a través de un site specific y una intervención sensorial. La exposición es un diálogo entre lo superficial y lo profundo que propone un juego constante con las percepciones del espectador.
Huguette Caland, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 19 de febrero al 25 de agosto de 2025
Primera gran retrospectiva en Europa de la artista libanesa Huguette Caland (1931-2019), cuya vida y obra supuso un constante desafío a las convenciones estéticas, sociales y sexuales de su tiempo.
La muestra reúne aproximadamente 200 obras, entre dibujos y pinturas, textiles y collages, procedentes de Oriente Próximo, Europa y Estados Unidos, para abordar una nueva narrativa de la producción de la artista más allá de las más frecuentes lecturas en torno a su libre actitud feminista y su desarraigo cosmopolita.
El discurso transita los centros en los que Caland desarrolló una prolífica obra: su convulso Beirut natal, el liberalismo utópico del París de los años 70 y 80 y la decadencia bohemia de la escena artística de Los Ángeles, concentrada en Venice Beach, en los años 90 y primeros 2000.
En el marco de este mundo simultáneamente descolonizado y neoliberal, se desvelarán una multiplicidad de lenguajes, escritos y plásticos, que configuran los aspectos comunicativos, pero también las expresiones sublimadas de la obra de Caland, en la que la sensualidad de los cuerpos y sus partes, las palabras y sus correlatos, parecen establecer un diálogo constante.
Desde sus más célebres series, como Bribes de corps, pasando por sus particulares kaftanes, hasta otras menos conocidas, como su nutrida producción de autorretratos, la exposición revela, más que una evolución estilística de los diferentes momentos formales de su obra, una serie de recursos y estrategias plásticas construidas sobre colores y formas, líneas y retículas, o repetición de figuras, pero también sobre las palabras que pueblan su obra.
Laia Estruch, Hello Everyone, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 26 de febrero al 1 de septiembre de 2025.
La práctica de Laia Estruch (Barcelona, 1981) aborda la voz humana como un elemento material y las cuerdas vocales como herramientas, explorando así un lenguaje sonoro que va más allá de la mera interpretación de palabras habladas o cantadas. Este proceso de creación se desarrolla normalmente en escenarios escultóricos interactivos, y a menudo monumentales, que la artista crea para cada proyecto vocal específico.
Hello Everyone concentra los proyectos que ha producido desde 2011 hasta la fecha, presentados de manera conjunta como una nueva instalación: un archivo fragmentario y reverberante que incluye la exhibición de esculturas, sonidos, imágenes en movimiento, obras gráficas y partituras visuales, ocupando todo el espacio expositivo. Será, en parte, una exhibición retrospectiva, y a su vez, un almacén transitable que vive y respira.
Una de las principales cuestiones que plantea será la encarnación y performatividad, más allá de la presencia física de su creadora. Su cuerpo de trabajo artístico, la propia corporalidad de Laia Estruch, los cuerpos de sus colaboradoras, así como los volúmenes de las personas que transitan por los distintos espacios, son participantes activos de una experiencia de exploración y de descubrimiento constante del volumen y de la voz.
A pesar de que el proyecto incluye performances y actuaciones en directo de la artista en momentos puntuales, estos no son la modalidad principal a la que queda subordinada la exposición en el Museo Reina Sofía. Sus esculturas se entienden como almacenes-árchivos en sí mismos, es decir, los usuarios podrán acceder a todos los ensayos y activaciones que Estruch ha realizado a lo largo de su carrera.
Mar Solís, Origen, CentroCentro, Madrid. Desde 27 de febrero 2025.
Comisariada por Lorena Martínez de Corral, la artista madrrileña Mar Solís trabaja en una macro instalación escultórica realizada específicamente para el espacio de la planta 4 de CentroCentro.
Joana Vasconcelos, Palacio de Liria, Madrid. Desde febrero 2025.
Joana Vasconcelos, una de las creadoras más destacadas del panorama artístico contemporáneo. Conocida internacionalmente por sus esculturas e instalaciones monumentales, la artista lisboeta intervendrá los salones y jardines del Palacio de Liria, fundiéndose con su historia, como ya hizo en 2012 en Versalles.
Su obra se caracteriza por la descontextualización de los objetos cotidianos y la adaptación del concepto de artesanía al siglo XXI para generar un diálogo entre la esfera privada y el espacio público, el patrimonio popular y la alta cultura. De esta forma cuestiona con humor e ironía la condición de la mujer, la sociedad de consumo y la identidad colectiva.
Mª Antonia García de la Vega, Pasajeras en CentroCentro, Madrid. Desde febrero 2025.
Una muestra del trabajo fotográfico que lleva años retratando a las mujeres de la cultura en España. Reunirá más de un centenar de estos retratos, coincidiendo con la celebración en el mes de marzo del Día Internacional de la mujer.
Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas, CaixaForum, Madrid. Del 3 de abril al 10 de agosto 2025.
No es solo un personaje literario. A lo largo de 160 años, Alicia se ha convertido en símbolo, metáfora e incluso fenómeno de masas. Desde el Victoria and Albert Museum de Londres llega la exposición más ambiciosa dedicada a la influencia de Alicia en el país de las maravillas en el imaginario colectivo actual, desde el mundo del arte y la moda hasta el psicoanálisis o el cine.
Marisa González, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 21 de mayo al 22 de septiembre de 2025
La exposición de Marisa González (Bilbao, 1943) repasa en esta retrospectiva la variedad de medios y la indistinción entre originales y reproducciones, constante en su práctica artística. La muestra también atiende a cierta vocación de la creadora vasca por el arte de la instalación, creando de esta forma una obra bidimensional generada por la tecnología disponible en cada momento.
De esta forma, la muestra repasa la trayectoria de la artista, partiendo de la obra que ejecutó en los años 70, cuando se formó en el Departamento de Sistemas Generativos del Art Institute de Chicago. González emplea este bagaje para adentrarse en las intersecciones entre la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Fue, en ese sentido, avanzadilla en el escenario del arte español de ese momento.
En su evolución, González se interesa también por el residuo y el desecho. Así, a mediados de la década de 2000 prestó atención a una infraestructura industrial que nunca llegó a estar operativa: la central nuclear de Lemóniz.
Tres experiencias formales: Nuria Fuster, Clara Montoya y Sandra Val, CentroCentro, Madrid. Desde junio 2025.
Reúne piezas de tres escultoras contemporáneas.
Maruja Mallo, Museo Reina Sofía, Madrid. Desde 8 de octubre 2025.
Maruja Mallo (Vivero 1902 – Madrid 1995) es una de las principales figuras de la Generación del 27. La muestra incluye unas 80 pinturas, dibujos, escritos, y documentos y vídeos que recogen su vida e ideas.
La Menesunda según Marta Minujín, Museo Reina Sofía, Madrid. Desde 5 de noviembre 2025.
La legendaria obra de Marta Minujín y Rubén Santantonín –obra creada originalmente en 1965, reconstruida por el Museo Moderno de Buenos Aires en su sede de Avenida San Juan en 2015 y posteriormente presentada en 2019 en el New Museum de Nueva York–, luego de cinco importantes años de trabajo y preparativos, será exhibida por primera vez en Europa como parte de una gira que la dará a conocer en cuatro países. La emblemática obra será exhibida por primera vez en Europa en una gira que comienza en Copenhagen Contemporary, Dinamarca, y que incluye el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en España; KANAL – Centre Pompidou, en Bélgica; y Tate Liverpool, en el Reino Unido.
Una experiencia radicalmente inmersiva y participativa que girará alrededor de la emblemática instalación creada originalmente por Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) y Rubén Santantonín en 1965.
Ana Juan, CentroCentro, Madrid. Desde noviembre 2025.
ITINERARIO El Prado en Femenino III. Promotoras artísticas de las colecciones del Museo (1701-18199), Museo Nacional del Prado, Madrid. Del 4 de noviembre 2025 al 8 de marzo 2026.
En esta tercera edición del itinerario El Prado en femenino, nos adentramos en el siglo XVIII para explorar el legado de destacadas promotoras artísticas que jugaron un papel crucial en la formación de las colecciones del Museo del Prado. Este nuevo recorrido se enmarca entre las figuras de María Luisa Gabriela de Saboya y María Luisa de Parma, y tiene como protagonista de excepción a la reina Isabel de Farnesio, una figura clave tanto en la política como en el coleccionismo artístico del setecientos europeo.
Isabel de Farnesio reunió una de las colecciones más destacadas de su tiempo, cercana al millar de pinturas, más de una tercera parte de las cuales forman parte fundamental de las colecciones del Museo. Estas 350 piezas reúnen obras maestras de grandes artistas como Velázquez, Ribera, Murillo, Correggio, Lucas Jordan, Guido Reni, Guercino, Van Dyck, Brueghel el Joven, Clara Peeters, Poussin y Watteau, entre otros; además de una notable colección de escultura clásica adquirida tras la muerte de la reina Cristina de Suecia, compartida con el rey Felipe V.
C. VALENCIANA
ALICANTE
P. VASCO
BILBAO
Ixone Sadaba, Escala 1:1, Azkuna Zentroa, Bilbao. Desde 6 de febrero 2025.
Escala 1:1 responde a la investigación fotográfica con la que la artista se acerca al legado material, simbólico y político de la central nuclear de Lemoniz. La exposición desplegará varias secuencias de tomas fotográficas que recomponen muros y vistas del complejo que se levantó en la Cala Basordas entre 1971 y 1982. Las imágenes proyectadas en la sala de exposiciones acercarán a las y los visitantes a ese espacio vetado al acceso público durante décadas.
El proyecto, comisariado por Carles Guerra, invita a imaginar una nueva política de acceso con la que el objeto de la central se abre a un debate público sobre la memoria. Ixone Sádaba plantea este ejercicio de restitución proyectando fragmentos de las construcciones que conforman el complejo de Lemoiz a tamaño real.
Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno, Gugenheim Bilbao. Del 21 de febrero al 1 de junio 2025.
Comisarias: Cecilia Braschi y Geaninne Gutiérrez-Guimarães.
Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.
En la década de 1920, moviéndose entre São Paulo y París, actuó como puente entre las vanguardias de estas dos capitales culturales y puso a prueba su universo iconográfico brasileño pasándolo por el tamiz del Cubismo y el Primitivismo, en boga en la capital francesa. Su pintura inspira entonces los movimientos Pau-Brasil y Antropofagia, cuya búsqueda de un Brasil “auténtico”, multicultural y multirracial tiene como objetivo refundar la relación del país con los “centros” europeos de la colonización.
La dimensión militante de las pinturas de Tarsila de la década de 1930 y su capacidad para acompañar las profundas transformaciones de su entorno social y urbano hasta los años sesenta confirman la fuerza de una obra en sintonía con su tiempo y siempre dispuesta a renovarse, a pesar de las inestables condiciones que debe afrontar, según las épocas y los contextos, una mujer artista emancipada e independiente.
Con su invitación a adentrarnos en una modernidad brasileña que ella contribuyó a forjar aún más de lo que la ilustró, Tarsila do Amaral revela en su trabajo toda la complejidad de este concepto siempre sujeto a debate, que suscita cuestiones identitarias y sociales aún hoy de gran actualidad, tanto en Brasil como en Europa.
Helen Frankenthaler: pintura sin reglas, Guggenheim Bilbao. Del 11 de abril al 28 de septiembrre 2025.
A través de su rompedora técnica de “empapar y manchar”, Frankenthaler estableció un nuevo rumbo en la evolución de la pintura moderna mediante la construcción de una inédita relación entre el color, el espacio y la forma. Su proceso se basa en la aplicación de pintura diluida sobre lienzos monumentales sin imprimación colocados en el suelo del taller, creando efectos similares a los de la acuarela empleando primero el óleo y posteriormente el acrílico. La artista recurría a herramientas como pinceles y esponjas, o directamente vertía la pintura desde un cubo y dejaba que se extendiera y mezclara de manera natural, originando singulares combinaciones cromáticas que se distinguen por sus transiciones veladas y superposiciones translúcidas.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas rinde homenaje a una artista que desafió las convenciones y amplió los límites de la pintura, redefiniendo las normas tradicionales con su visión audaz e intuitiva. Sus poéticas abstracciones, debidas a su magistral técnica y prolífica imaginación, suponen un legado imperecedero.
Chiharu Shiota, My house is your house, Azkuna Zentroa, Bilbao. Entre mayo y septiembre 2025.
Se trrata dee una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mundial y la primera artista japonesa que viviendo fuera de su país, lo representó en la Bienal de Venecia. Heredera de Ana Mendieta y de toda una generación de artistas feministas de principios de los 70, Chiharu Shiota trabaja con su cuerpo como espacio de intervención, realizando performances que tratan la vinculación a la tierra, el pasado y la memoria. Conocida por sus instalaciones realizadas con la lana como material principal, sus entramados generan una atracción onírica, al tiempo que reavivan la memoria, la existencia de una forma filosófica y su ausencia.
Chiharu Shiota (Osaka, 1972) ha expuesto, entre otros, en Hammer Museum, Los Ángeles, Queensland Art Gallery of Modern Art (QAGoMA), Brisbane; ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe; Museo de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa, Wellington; Museo de Arte Mori, Tokio; Gropius Bau, Berlín; Galería de Arte del Sur de Australia; Yorkshire Sculpture Park, Reino Unido; Museo de Arte de Kochi; y Museo Nacional de Arte de Osaka.
Barbara Kruger, Guggenheim Bilbao. Del 19 de junio al 9 de noviembre 2025.
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller.
Esta exposición destaca la habilidad de Kruger para transformar los espacios arquitectónicos en experiencias inmersivas centradas en el texto. Los visitantes se adentrarán en instalaciones potentes donde el lenguaje ocupa un lugar central, envolviendo entornos completos con vinilos, paisajes sonoros y obras de video multicanal. Muchas de estas piezas revisitan y reimaginan los primeros trabajos de Kruger, revitalizándolos a través de la digitalización, pantallas LED de gran formato y la incorporación de sonido.
Organizada en estrecha colaboración con la artista, esta exposición invita al público a explorar las provocadoras investigaciones de Kruger sobre el lenguaje, los medios de comunicación y el significado en la era digital.
Marisa González, Azkuna Zentroa, Bilbao. Enre octube y diciembre 2025.
Exposición retrospectiva de la artista bilbaína Marisa González, Premio Velázquez 2023, pionera en la aplicación de las nuevas tecnologías de la reproducción y la comunicación en la creación artística desde los años 70. Organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) en colaboración con Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y comisariada por Violeta Janeiro, repasa la trayectoria de la artista, nacida en Bilbao en 1943.
La muestra parte de la obra que ejecutó en los años setenta, cuando se formó en el Departamento de Sistemas Generativos de la escuela de Art Institute de Chicago. González empleó este bagaje para adentrarse en las intersecciones entre la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Fue, en ese sentido, avanzadilla en el escenario del arte español de ese momento.
La última exposición de 2025 conecta con la primera, de Ixone Sádaba, en su interés artístico por Lemoniz. Marisa González realizó a principios del milenio un proyecto fotográfico, videográfico y objetual en la central nuclear que evidencia su interés por la arqueología industrial y por los problemas implícitos en ella, referidos a la memoria y el olvido, la arquitectura, el urbanismo y sus consecuencias culturales, políticas, ecológicas y sociales.
Con obra en múltiples museos y colecciones, Marisa González ha realizado más de 60 exposiciones individuales y 150 colectivas, como en la Bienal de Venecia, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Tabacalera (Madrid), o el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB).
SAN SEBASTIAN/DONOSTIA
María Paz Jiménez. Desvelar el misterio, Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 7 de febrero al 18 de mayo 2025.
Situ-akzioak. Anna Irina Rusell, Tabacalera, San Sebastián/Donostia. Del 10 de abril al 27 de junio 2025.
María Cueto. Tejer lo efímero: texturas, repetición, geometría, circularidad, Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 20 de junio al 20 de septiembre 2025.
Tina Barney. Lazos familiares. Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 18 de julio al 2 de noviembre 2025.
Marlene McCarty, Tabacalera, San Sebastián/Donostia. Del 16 de octubre 2025 al 8 de febrero de 2026.
Maider López. Ukitu, Kutxa Fundazioa y Tabakalera, San Sebastian. Del 24 de octubre 2025 al 1 de febrero 2026.
La exposición Ukitu de Maider López (San Sebastián, 1975) toma como punto de partida la práctica desarrollada por la artista en la última década. Reúne un número significativo de proyectos realizados a escala internacional en los últimos diez años, al tiempo que recupera algunos de sus trabajos anteriores que darán contexto y crearán nuevas relaciones. La exposición se presenta de manera simultánea en dos sedes diferentes: la sala Kutxa Fundazioa Kubo y Tabakalera, en lo que supone una novedosa colaboración entre estas dos instituciones. Será la exposición individual de mayor envergadura dedicada a la artista hasta la fecha y presentará numerosos trabajos aún no vistos en nuestro contexto.
Maider López desarrolla su trabajo interviniendo en los entornos que nos rodean tanto urbanos como naturales. Arquitecturas, plazas y espacios públicos, playas, ríos o montañas han sido sitios en los que la artista ha intervenido a través de acciones –algunas de gran escala, otras más sutiles. Obras que invitan a modificar nuestra relación unos con otros y con el entorno, y que a menudo requieren de la participación del espectador en grados diferentes de implicación, desde acciones anunciadas generadoras de colectividades a situaciones existentes que son observadas y registradas por la artista. En la última década, la variedad en los grados de implicación del público ha ido en aumento, sumando acciones infiltradas en la cotidianidad de la ciudad, así como situaciones en las que fenómenos naturales como la subida del nivel del agua o el movimiento de las olas del mar son generadoras de acción colectiva. Esta relación entre lo humano y lo no humano aparece también en sus proyectos que implican la presencia de plantas y árboles, conectando lo urbano y lo natural, lo público y lo doméstico.
