APERTURA MADRID
Ya se sabe que cuando el mercado artístico va mal, las primeras perjudicadas son las artistas. Y con todo, era difícil preveer que en esta apertura de temporada en Madrid, de las 47 exposiciones individuales solo 12 sean protagonizadas por artistas mujeres. El retroceso es desolador.
1 MIRA MADRID
1 Mira Madrid articula un programa galerístico que explora el uso de la imagen como recurso formal y expresivo mediante la creación contemporánea, abordando cuestiones controvertidas que buscan propiciar un punto de encuentro en el que debatir sobre el contexto en el que vivimos.
Artista: Patricia Gómez y María Jesús González Exposición: Espejo del mundo.
Las obras de la exposición forman parte de Espejo del mundo, comenzado en 2017, y dedicado a explorar la memoria del último Hospital Psiquiátrico de Valencia, el actual Hospital de Salud Mental de Bétera. El proyecto indaga en la particular historia de este centro para abordar una reflexión en torno a la figura de la institución psiquiátrica como espejo de la sociedad, capaz de reflejar, desde su condición marginal y fronteriza, los comportamientos y contradicciones del propio sistema social.
Este proyecto se enfoca en un periodo concreto de la vida de este centro, desde su apertura en 1973 hasta mediados de la década de 1980, cuando los diferentes pabellones comienzan progre-sivamente a vaciarse, como consecuencia del proceso de deshospitalización promulgado por la Reforma Psiquiátrica.
Patricia Gómez (Valencia, España, 1978) y María Jesús González (Valencia, España, 1978) abordan en su trabajo las relaciones entre memoria, tiempo y espacio a partir de las huellas contenidas en los muros de estructuras arquitectónicas otrora habitadas, condenadas a la destrucción. De centros penitenciarios en desuso, a centros de internamiento para extranjeros en ruinas o casas deshabitadas de pueblos de la España vaciada, las artistas recuperan a través de sus característicos arranques murales la historia y condiciones de vida de quienes en algún momento fueron sus moradores.
BLANCA BERLÍN
Especializada en fotografía y artes visuales, la apuesta de Blanca Berlín se centra en las tendencias más innovadoras de la fotografía española e internacional contemporánea, representadas tanto por artistas consagrados como por talentos de media carrera o emergentes.
Artista: Cecilia Paredes
Exposición: Historias errantes. El cosmos escondido en una gota
La historia occidental los fue llamando “descubrimientos”, a medida que los exploradores amplia-ban sus viajes y encuentros. Pero antes de toparse con esos territorios, seres y costumbres que excedían las certezas de su estrecho mundo conocido, los europeos trazaron mapas de lo ignoto. Esas zonas inexploradas estaban rotuladas en los antiguos planisferios como Terra Incognita, pobladas de amenazas y animales fabulosos, dibujos creados más por inspirados poetas del terror que por datos fiables para navegantes o viajeros.
La exposición, realizada expresamente para ser expuesta en la galería, está organizada en tres capítulos: Mito y memoria, Maneras de ver el cielo y Apuntes personales, un relato visual que se compone de grabados impresos en diferentes materiales textiles, intervenidos mediante el dibujo, la pintura, el bordado y el ensamblaje.
Cecilia Paredes, nacida en Lima (Perú), vive y trabaja en Filadelfia (EE.UU). Es una artista multimedia que utiliza la performance como un componente básico de sus proyectos. Si bien el punto de partida de su obra es personal, ésta trasciende hacia temas universales, especialmente aquellos que se relacionan con el poder de la naturaleza y lo femenino.
ESPACIO MÍNIMO
Inaugurada en 1992 en Murcia y trasladada en el 2000 a su ubicación actual en Madrid, en la zona de galerías del Museo Reina Sofía, desde su inicio se ha centrado en la promoción de las más novedosas, interesantes y renovadoras tendencias artísticas, nacionales e internacionales.
Artista: Liliana Porter
Exposición: Otros cuentos inconclusos
Liliana construye un lenguaje propio para manifestar, la que descubre como, su preocupación filosófica fundamental: la pregunta acerca de la naturaleza de la representación y sus consecuencias. Esta cuestión será siempre enunciada desde una posición de extrañamiento, que consiste en presentar al espectador un evento que le lleva a reflexionar sobre el modo en que habitualmente nos relacionamos con la representación. En esta ocasión la artista nos presenta una instalación de grandes dimensiones, La barrendera, en la que el juego de escalas entre las pequeñas figuras y las imponentes puestas en escena, se apropia de la casi totalidad del espacio expositivo. Acompañada junto a otras situaciones e instalaciones de pequeño formato, obra sobre papel y el vídeo titulado cuentos inconclusos, son el corpus de la nueva propuesta de Liliana Porter en Espacio Mínimo.
La artista sigue insistiendo en la importancia que desde sus inicios ha concedido al tema del espacio, y en palabras de Ana Tiscornia, realizar un ejercicio metalingüístico enfocado en el cuestionamiento de la frontera entre la realidad, su representación y sus consecuencias.
GALERÍA ÁLVARO ALCÁZAR
La Galeria Álvaro Alcázar centra su trabajo en la difusión del arte contemporáneo español e internacional. Su programa se basa en la representación de artistas consagrados y en la firme apuesta por los creadores emergentes.
Artista: Cristina Babiloni
Exposición: Aquarium
Tras el éxito de sus dos exposiciones individuales en Nueva York y Andorra, la artista se da cita en Madrid con Aquarium, en la que presenta su obra más reciente. Cristina Babiloni se mantiene fiel a la temática del mar en esta exposición, a través de la cual pretende acercar la naturaleza marina a una ciudad sin mar como Madrid.
Articulada en dos partes, por un lado están las arpilleras en gran y medio formato, donde consigue, gracias a sus cargas con pigmentos y otros materiales, reproducir los fondos marinos y arrecifes de coral que invitan al visitante a sumergirse en las profundidades marítimas. Por otro lado, en su apuesta constante por la experimentación técnica, nos trae los peces plasmados sobre metacrilato, técnica innovadora de su carrera. Además, toda la obra está motivada por su preocupación generada por la acción humana sobre los ecosistemas marinos, especialmente la pesca de arrastre, que está llevando a la destrucción de muchas reservas marinas y sobre lo que la artista busca alertar.
Cristina Babiloni (Castellón, 1981) estudió Derecho y Psicología, pero desde hace varios años dedica su vida a la pintura. Su práctica artística está profundamente influenciada por el entorno natural y marino que la rodea, así como por su preocupación por el medio ambiente.
JOSÉ DE LA MANO
Desde 2005 la galería ha sido pionera en recuperar la memoria de muchos artistas ‘olvidados’ pero trascendentales en la historia del arte español de la segunda mitad del siglo XX. La abstracción geométrica, la recuperación de mujeres artistas o el arte queer son algunas de sus principales líneas de investigación.
Artista: Maribel Nazco
Exposición: Maribel Nazco. Sensualidad abstracta [años 70]
Tras la presentación de algunas de sus obras en la pasada edición de ARCOmadrid, esta es la pri-mera vez que José de la Mano dedica a esta artista una exposición individual en la galería. El trabajo en metal de Nazco tiene su paralelo en exquisitos dibujos, realizados todos ellos en los años 70. Se trata de una línea de discurso que inicia en 1969 y en la que profundiza hasta principios de la década de los 80. El acero, el cobre, el hierro, el latón, el aluminio o el zinc son los metales con los que trabaja ensamblando elementos que a principios de los 70 se presentan con resultados relivarios que traen ecos eróticos de cuerpos, de sus fragmentos moldeados, pulidos, curvos y paradójicamente duros con una apariencia blanda, en un primerísimo primer plano.
Cuerpos que se funden uno en otro en un intento de expresar el placer reconocido, experimentado y gozado, realizados por fuerza a partir de un lenguaje algo ambiguo en unos años, todavía en dictadura, en los que las mujeres carecían oficialmente de sexualidad.
La obra de Maribel Nazco (Los Llanos de Aridane, La Palma, 1938) fue objeto, en el último tercio del siglo XX, de una notable atención por parte de la crítica, que se debatía entre la abstracción y la figuración compositivas. Sus metales y tablas matéricas, clasificadas dentro del concepto de la “esculto-pintura” española la convirtieron en una voz en proyección, con grandes expectativas en el contexto del arte español contemporáneo.
PARRA & ROMERO
Con sedes en Madrid e Ibiza, Parra & Romero es una de las galerías más prestigiosas y antiguas del circuito, con más de 30 años de actividad. Su visión se basa en la investigación de nuevos lenguajes contemporáneos en los límites del arte conceptual y minimalista; y en un cuidado programa curatorial.
Artista: Almudena Lobera
Exposición: Rest
Parra & Romero se complace en presentar la primera exposición individual de Almudena Lobera en su galería de Madrid. En la práctica multidisciplinar de la artista, la deconstrucción, reinterpretación y negación del lenguaje cobra especial importancia y se resignifica constantemente. En esta ocasión, Rest toma como objeto de estudio el concepto de silencio, y trata de ponerlo en valor a través de una serie de obras de nueva producción que remiten al diálogo partiendo de la dicotomía silencio/sonido. Reivindica la escucha, como una suerte de cuidado o autocuidado, prestando especial atención a la comunicación no-verbal. Así, la artista despliega una sucesiónde presencias silentes a través del dibujo, la escultura, la instalación y la performance.
Almudena Lobera vive y trabaja en Madrid. Sus obras son parte de más de una veintena de colecciones a nivel mundial, ha realizado numerosas residencias artísticas, entre las que destaca la beca de la Academia de España en Roma, y su obra ha sido expuesta en instituciones como The Bronx Museum, Fundación Juan March, La Casa Encendida o Centro Centro entre otras muchas.
PONCE + ROBLES
Ponce + Robles es un proyecto que se inaugura en el año 2013 de la unión de dos galeristas madrileños, Raquel Ponce (Madrid, 1971) y José Robles (Madrid, 1963). Juntos suman más de cinco décadas dedicadas a promover el arte español más actual y han participado en más de 80 ferias dentro y fuera de España.
Artista: Lua Ribeira
Exposición: Agony in the Garden
Agony in the Garden es una serie fotográfica creada en colaboración con jóvenes en los paisajes secos del centro y sur de España. Desarrollada en el contexto de la pandemia, el objetivo de este trabajo es destacar los movimientos juveniles contemporáneos y reflexionar sobre el presente en relación con un pasado remoto.
Desde 2021, Ribeira ha producido imágenes que capturan el hedonismo y el nihilismo presentes en la emergente escena española de trap y drill. El resultado es una mirada cercana a las personas involucradas en esta dinámica cultural, global y diversa, que se manifiesta de manera única en España.
Utilizando la investigación visual y la colaboración performativa como elementos clave de su trabajo, Ribeira se enfoca en gestos y paisajes para evocar una atmósfera particular, fruto de las relaciones que establece con los sujetos que fotografía.
“Mi objetivo con este proyecto es leer entre líneas y reflexionar sobre el potencial de una expresión
dominante de nuestro tiempo —a menudo vista como performativa o superficial— para explorar su
profundidad y su conexión con el contexto actual de precariedad laboral, violencia institucional y crisis migratoria, financiera y ambiental”, explica Lua Ribeira.
RAFAEL PÉREZ HERNANDO
Trabaja con creadores jóvenes, pero también con pintores internacionales consagrados, como Joan Hernández Pijuan, Giorgio Griffa, Susana Solano o Claude Viallat. El color y la imperfección son esenciales para nosotros, así como la luz, el vacío y el equilibrio.
Artista: Regine Schumann
Exposición: COLOR ME IN MIRRORVIEW
COLOR ME IN MIRRORVIEW es la cuarta exposición individual de Regine Schumann (Goslar, 1961)
en la galería. Bajo el efecto de la luz negra, sus obras de vidrio acrílico fluorescente transformarán la galería irradiando su luz y color, al tiempo que la arquitectura de las distintas salas y también los propios espectadores se verán reflejados en sus superficies y también en un conjunto de espejos estratégicamente colocados por la artista para expandir ópticamente la dimensión espacial y crear un potente efecto inmersivo, de tal forma que todo se convierte en parte de la obra.
A su vez, la sala de proyectos #LACRIPTAPROJECTS presenta por primera vez una selección de obras de la artista Fanny Brodar (Oslo, 1971). Brodar representa múltiples personajes de colores vibrantes tomando como referencia sus vivencias infantiles para transmitir una visión de anhelo de compañía y vivacidad. Compone sus obras meticulosamente, creando una sensación de orden a partir del caos. Para ella, el arte es un medio de autocuración y a su vez una forma de sanar al niño interior de los espectadores. En sus últimos trabajos, también ha introducido personajes imaginativos inspirados en la naturaleza.
SABRINA AMRANI – MADERA
Desde 2011, Sabrina Amrani representa artistas y prácticas que hacen eco de los valores y preocupaciones contemporáneos vinculados con el Sur Global. La galería actúa como plataforma y puente con las instituciones y el público. En 2019, Sabrina Amrani inauguró un segundo espacio, dedicado a exposiciones de dimensión institucional.
Artista: Alexandra Karakashian
Las pinturas de Alexandra Karakashian están hechas de aceite de motor usado y pigmento negro sobre lienzo. El aceite de motor, también conocido como petróleo o crudo, es un material con asociaciones
simultáneas, a menudo contradictorias. Sus pinturas imitan estas dualidades. Presencia y ausencia. Oscuro y claro. Están simultáneamente tirando hacia adentro y filtrándose hacia afuera.
Son abstractos y, sin embargo, están imbuidos de política. Son inmediatos: las marcas oscuras aparecen
como pequeñas explosiones del ahora y, sin embargo, se sienten profundamente históricas, como estanques antiguos descubiertos. El aceite, diluyéndose a medida que se esparce por el lienzo, transmite dos sentidos: uno de atemporalidad (el petróleo filtrándose poco a poco para siempre) y otro de entropía (el petróleo empezando a agotarse).
Alexandra Karakashian (Johannesburgo, 1988) es una artista sudafricana basada en Ciudad del Cabo. Su trabajo deriva de su historia personal/familiar y reflexiona sobre los problemas de exilio, migración y refugiados. Empleando aceite de motor usado y sal como medio para pintar, se involucra en discusiones ecológicas e inestabilidad amenazadora.
THE RYDER
Desde 2015, The RYDER ha presentado un trabajo abierto a la experimentación artística a través de presentaciones individuales y diálogos comisariados, tanto en Londres como en Madrid. A partir de 2019 la galería empieza a trabajar con un comisario a cargo del programa. Creando un formato poco común que oscila entre lo institucional y lo privado.
Artista: Suzanne Treister
Exposición: From Fictional Videogames to Hypothetical Museums of the Future
Suzanne Treister es una artista pionera en el campo del arte digital y los nuevos medios con una trayectoria de más de treinta años. Su obra imagina mundos ficticios en los que se ponen de relevancia
los mecanismos ocultos con los que los organismos de poder operan en nuestras vidas. A través del análisis de sistemas alternativos de creencias, los mecanismos de control y vigilancia y el vínculo entre las nuevas tecnologías y la sociedad, la artista imagina nuevas posibilidades de futuro para la humanidad.
Para esta exposición, su primera individual en España, Treister presenta un cuerpo de trabajo que navega por formatos como el software interactivo, el dibujo, la pintura o la acuarela; dando lugar a una constelación de obras que puede ser vista como una retrospectiva. Sin embargo, lo visionario de su trabajo sitúa todas las piezas en un presente continuo que se desliga del tiempo lineal. De esta manera, una obra de los noventa puede parecer completamente actual, por su uso de una imaginació radical que se apropia de herramientas del presente, como la ciencia o la tecnología, para diseñar futuros rebeldes que anticipan a lo que está por venir.
TRAVESÍA CUATRO
Travesía Cuatro es una galería de arte contemporáneo fundada en 2003 por Silvia Ortiz e Inés López-Quesada, que cuenta con sedes en las ciudades de Madrid, Ciudad de México y Guadalajara, y cuyo programa está principalmente orientado a reflejar la diversidad de discursos que dialogan entre el norte y el sur global.
Artista: Milena Muzquiz
Las obras de Milena Muzquiz proponen un encuentro directo con relatos y memorias personales.
Sus pinturas son recuerdos de lugares que rezuman nostalgia y dan acceso a los y las espectadores y espectadoras a reminiscencias de un mundo semiimaginario, que evoca su Tijuana natal. Imágenes y motivos que, plasmados con trazos expresionistas, parecen resultarnos familiares.
