EXPOSICIONES EN ESPAÑA 2025. FUTURAS
Redacción
Ordenadas por Comunidades Autónomas.
ANDALUCÍA
CORDOBA
Cristina Mejías, C3A, Córdoba. Del 27 de marzo al 21 de octubre 2025.
Exposición individual de la artista andaluza en la que se combinan piezas existentes con nuevas creaciones específicamente diseñadas para las salas T2 y T3 del museo.
Ana Segovia, C3A, Córdoba. Del 24 de abril 2025 al 6 de enero 2026.
La artista mejicana realizará un proyecto específico para el museo donde relaciona la identidad, el flamenco, lo ‘queer’ y la pintura, explorando temáticas icónicas del cine, los bandoleros y la conexión entre las tradiciones del charro mexicano y el rejoneador cordobés.
Raquel Algaba, En silencio se alzaron Lotos, C3A, Córdoba. Del 24 de abril al 26 de junio 2025.
Como parte del apoyo del C3A al programa de ayudas Iniciarte, presentará una obra que aborda la mitología clásica y las problemáticas contemporáneas a través de una alegoría sobre el encuentro de Ulises con los Lotófagos, explorando temas de pertenencia, memoria y desplazamiento.
Cecilia Bengolea, El ruido que habita, C3A, Córdoba. Del 27 de noviembre 2025 al 24 de mayo 2026.
La artista multidisciplinar combinará obras producidas específicamente para la muestra, en formato de vídeo, ‘performance’ y esculturas de barro, con piezas existentes pertenecientes a los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Este proyecto conectará su interés por la danza, la materialidad y las tradiciones artesanales en una propuesta profundamente inmersiva.
MÁLAGA
Farah Atassi, Genius loci, Museo Picasso Málaga. Desde 23 de mayo 2025.
Una propuesta que no es solo una reinterpretación de la tradición cubista, sino una exploración de las posibilidades expresivas del espacio en la pintura contemporánea.
Su pintura, que a menudo parece estar construida como si de una arquitectura se tratara, no busca una reproducción fiel de la realidad, y las líneas precisas y los objetos representados en sus cuadros parecen pertenecer a un mundo paralelo donde el tiempo se ha detenido, evocando una sensación de misterio.
SEVILLA
Elaine Sturtevant, El eco de la innovación, CAAC, Sevilla. Del 27 febrero al 21 septiembre 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez
Es la primera retrospectiva de la artista norteamericana en España, coincidiendo con el centenario de su nacimiento y contará con más de 40 obras procedentes de instituciones como el Museo Whitney de Nueva York y la Colección Pinault de París.
Claribel Calderius, Sensemayá. Cantos para matar la culebra, CAAC, Sevilla. Del 27 febrero al 21 septiembre 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez.
Un proyecto específico de la artista cubana para la Capilla de San Bruno. Calderius establece un diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo, explorando los rituales y simbolismos de las dinámicas transformadoras de su herencia cultural.
Danza en el CAAC, Sevilla. Desde marzo a noviembre 2025.
Comisaria: María González.
Este ciclo de danza contemporánea se celebrará los últimos domingos de los meses de marzo, abril, mayo, septiembre, octubre y noviembre en los espacios monumentales del museo, ofreciendo un marco único para los creadores coreográficos, principalmente andaluces.
Sandra Poulson, CAAC, Sevilla. Del 3 abril al 16 noviembre 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez.
La obra de la artista angoleña conecta las políticas culturales de Angola con objetos cotidianos, ofreciendo una reflexión sobre las complejidades de la identidad y la memoria.
Amie Siegel, CAAC, Sevilla. Del 10 abril al 31 agosto 2025.
Comisaria: Yara Sonseca.
La arquitectura y las estructuras de poder se exploran a través del lenguaje audiovisual.
Regina de Miguel, Audax Viator, CAAC, Sevilla. Del 29 mayo 2025 al 11 enero 2026.
Comisaria: Jimena Blázquez.
Una propuesta interdisciplinar de la artista andaluza que incluye la producción de varias obras realizadas específicamente para la exposición en colaboración con la Escuela de Formación de Artesanos de Gelves, reafirmando así el diálogo entre arte y artesanía local.
Buhlebezwe Siwani, CAAC, Sevilla. Del 25 septiembre 2025 al 5 abril 2026.
Comisaria: Jimena Blázquez.
La artista sudafricana presentará una instalación inmersiva realizada en jabón, que dialoga con la historia de las antiguas fábricas almohades de Sevilla, explorando temas como la espiritualidad, la memoria y las tradiciones africanas.
Louise Bourgeois, Celda, CAAC, Sevilla. Del 9 octubre 2025 al 10 mayo 2026.
La emblemática pieza, perteneciente a la colección del CAAC, podrá verse por primera vez en diálogo con la arquitectura única de la Capilla de Afuera.
BALEARES
ELISA BRAEM, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 19 de septiembre 2025 al 11 de enero 2026.
Comisariado: Aina Pomar
La exposición de la artista holandesa Elisa Braem (Ostend, 1991) plasmará su investigación a alrededor de las relaciones entre luz, color y materia, a través de la exploración de la naturaleza sedimentaria de la arcilla y la luminiscencia de la porcelana. Tanto el conjunto de las obras como su puesta en escena requerirán la mirada activa del público para completar la muestra.
SANDRA CINTO, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 19 de septiembre 2025 al 11 de enero 2026.
Comisariado: Jackie Herbst
A lo largo de su carrera, Sandra Cinto (Santo André, 1968) ha desarrollado un rico vocabulario de símbolos y líneas para crear paisajes líricos y narrativas que oscilan entre la fantasía y la realidad. Utilizando el dibujo como punto de partida, la artista representa entornos fascinantes que a menudo interactúan con la arquitectura circundante. Estos paisajes sirven como metáfora de la odisea humana, al mismo tiempo que amplían los límites del dibujo.
CANARIAS
LANZAROTE
LAS PALMAS
CANTABRIA
Maruja Mallo, Máscara y compás. Pinturas y dibujos de 1924 a 1982, Centro Botín, Santander. Del 12 de abril al 14 de septiembre 2025.
Comisaria: Patricia Molins.
Esta ambiciosa retrospectiva presenta alrededor de un centenar de pinturas y dibujos, además de textos y fotografías de la artista que trazan toda su carrera: desde el nuevo realismo de sus primeros años hasta las configuraciones geométricas y fantásticas de sus últimas obras.
La muestra pondrá el acento en cómo lo popular, lo performativo y lo mágico impregnaron sus primeros trabajos, destacando sus vínculos con el teatro. Asimismo, recorrerá las transformaciones que experimentó su obra a causa de la Guerra Civil española y de su exilio a Buenos Aires, donde sus retratos y naturalezas muertas transmiten metafóricamente el impacto del entorno y la cultura de su país de acogida.
Los aspectos procesuales y conceptuales menos conocidos de sus series cósmicas tardías se pondrán de manifiesto a través de los fondos de archivo inéditos, adquiridos recientemente por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía como parte de las adquisiciones museísticas del Archivo Lafuente.
Esta exposición está coproducida con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde también se expondrá del 7 de octubre de 2025 al 16 de marzo de 2026.
CATALUNYA
BARCELONA
Marta Palau, Mis caminos son terrestres, Fundación Tàpies, Barcelona. Del 27 de febrero al 22 de junio 2025.
La obra multidisciplinar de Marta Palau transita entre varios lenguajes artísticos, pero es en el tapiz donde encuentra el espacio de representación que le permite crear un diálogo entre dostradicionesdistintas,lacatalanaylamexicana Conlosaños,hallaráuncaminopropio matérico y temático que ahondará en los conceptos de migración, frontera, pertenencia a la tierra y los cuidados, entre otros Formada en el taller de Josep Grau-Garriga en uno de sus pocos viajes a Europa, sus tapices se caracterizan por el uso de elementos naturales o tradicionalesvinculadosasutierradeacogida,comoelyute,elmaízazulolacuerda Palau nunca quiso que la etiquetaran en ninguna corriente o tendencia y siempre consideró su arte como un espacio único y propio que no podía ser categorizado Sin embargo, en sus escritos declaró su admiración por la obra de Tàpies y Rothko, artistas a los que consideraba cercanos por su modo de concebir el arte y su práctica
Esta será la primera vez que pueda verse en Barcelona la obra de esta artista catalanomexicana, cuya práctica se quiere recuperar y dar a conocer La exposición será uno de los primeros proyectos de esta nueva etapa del Museu Tàpies que busca abrirse y dar visibilidad a algunos de los artistas a los que los discursos hegemónicos han dejado fuera de las instituciones
Marta Palau (Albesa, Lleida, 1934 – Ciudad de México, 2022), se exilió a México en 1940 junto con su familia, a consecuencia de la Guerra Civil española y de las posiciones políticas y de militancia que ostentaban algunos de los miembros de su familia Marta Palau tenía 6 años y nunca volvió a vivir a Catalunya, pero su conexión con sus raíces y con la tierra catalana la acompañaron durante toda su vida, como delatan algunas de sus obras.
Maya Deren, ICUB, Sede Moncada, Barcelona. De finales de febrero 2025.
Una muestra dedicada a la cineasta y figura clave del cine experimental del siglo XX.
Anna Malagrida, Fundación Tápies, Barcelona. Del 13 de marzo al 22 de junio 2025.
Los trabajos de Anna Malagrida se centran sobre todo en un estudio antropológico de las arquitecturas de las ciudades, o de aquellas que han ocupado espacios naturales con relación al ocio: un replanteamiento del sentido de las imágenes que, en un contexto de fake news, se convierte en una metáfora de su generación y el uso que esta hace de ello, con varias capas de significado Las fotografías de gran formato están tomadas desde escaparates o desde grandes vidrieras que han sido tapadas con el característico blanco de España, como si fueran grandes telas informalistas que nos remiten a la obra de Antoni Tàpies
Sus fotografías nos dibujan un camino, un recorrido entre lo que queda oculto por la crisis económica o las grandes compañías de eventos que ocupan reservas natura- les para llevar a cabo su actividad y deterioran el medio ambiente Con un claro carácter sociopolítico, Malagrida juega con los dobles significados a partir de las texturas con simi- litudesconlapintura Suobratratadeponerencuestiónelsistemaneoliberalycapitalista de las grandes ciudades y empresas a través de una mirada desde el interior que las cues- tiona y las señala como responsables directas del cambio climático y el empobrecimiento de la población
Anna Malagrida (Barcelona, 1970) se trasladó a París al finalizar sus estudios para desarrollar su carrera artística, centrada sobre todo en un trabajo fotográfico que crea un juego de miradas entre el dentro y el fuera, entre observar y ser observado, cuestionando la mirada hegemónica y poniendo el acento en las miradas multidireccionales
Eugenia Balcells, From the center, MNAC, Barcelona. Del 8 de mayo al 14 de septiembre 2025.
El Museo presentará en la Sala Oval una gran instalación en vídeo de Eugènia Balcells (Barcelona, 1943). Creada en la ciudad de Nueva York entre los años 1980 y 1982, From the center es una obra fundamental tanto en la trayectoria de la artista como en la historia del vídeoarte. Esta obra de gran complejidad técnica y riqueza de significados evoca los grandes monumentos megalíticos de la antigüedad, es un “Stonehenge electrónico”, en palabras de la artista. Por su calidad e importancia en la perspectiva histórica del arte contemporáneo catalán, la Generalitat la ha adquirido recientemente para la Colección Nacional de Arte Contemporáneo y forma ya parte de las colecciones del MNAC.
Los 12 monolitos situados en círculo conforman un gran panóptico transitable y ofrecen una suma de miradas parciales al entorno que, en su conjunto, representan una voluntad de contemplación unitaria y absoluta del mundo. La filmació́n de todas las imágenes fue realizada a largo de dos años desde un único punto fijo situado en la azotea de un edificio en el centro de Manhattan, en la esquina de Broadway con Grand St. Los sonidos y las músicas de cada uno de los doce canales fueron creados por encargo de Eugènia Balcells por el artista, músico y pionero del sonido Peter Van Riper (1942-1998). La suma de los doce canales de vídeo y de sonido generan un espacio intenso y complejo.
Con un lenguaje propio de la contemporaneidad y las nuevas culturas de la imagen, From the Center enlaza con la ambición poética y filosófica del romanticismo y el sueño de conectar empáticamente con el universo. La combinación de tecnología y espiritualidad, junto con la reflexión sobre la mirada y la visión, hacen de esta obra un trabajo que no sólo tiene un interés histórico sino que puede ser accessible y significativo desde la perspectiva de nuestro presente. Cabe señalar también las posibles relaciones con las grandes máquinas de visión mística que son las pinturas románicas, núcleo de la colección del museo.
Helen Lewitt, Mapfre KBr, Barcelona. Del 23 de septiembre 2025 al 25 de enero de 2026.
Con solo dieciocho años, Levitt comenzó a explorar su ciudad natal, Nueva York, con una cámara manual. Desde entonces, el tema principal de su fotografía fue la espontaneidad de la vida cotidiana, y su producción fue extensa y diversa, aunque a menudo protagonizada por niños de los barrios obreros, eje de escenas llenas de vitalidad. Esta será la primera muestra en prepararse a partir del estudio de todos sus archivos.
Germaine Dulac, Fundación Tàpies, Barcelona. Del 2 de octubre 2025 al 13 de enero 2026.
El proyecto sobre Germaine Dulac quiere ser una reflexión sobre cómo las vanguar- dias invisibilizaron a ciertas artistas que ponían en tensión los discursos hegemónicos y heteropatriarcales que imponía la sociedad de entreguerras Se trata de un ejercicio de recuperación de la memoria de un pasado en el que muchas de ellas quedaron relegadas dentro de la historia del arte, a pesar de que sus prácticas resultaron fundamentales para el desarrollo de los movimientos artísticos del siglo xx
Con la voluntad de abrir archivos y acentuando la idea de la importancia de un tiempo cíclico —tan característico de la trayectoria tapiana—, echamos la vista atrás para volver adelante mediante la investigación histórica y encontrar voces silenciadas, pero, a la vez, buscando las posibles conexiones con la configuración de las imágenes desde esta perspectiva surrealista que también se trabajará en la exposición dedicada a Antoni Tàpies
En 1927, Germain Dulac dirigió el mediometraje La Coquille et le clergyman(La concha y el clérigo), que no se proyectó hasta un año más tarde, en 1928; se considera el primer film surrealista, un año anterior al célebre Un chien andalou de Luis Buñuel, de 1929 La película, cuyos decorados y ambientación fueron obra del poeta Antonin Artaud, expresa la obsesión de un clérigo por una mujer casada con un general Germaine Dulac (Amiens, 1882 – París, 1942) fue una productora, directora, realizadora y guionista de cine considerada la pionera del cine surrealista de principios del siglo xx Dulac realizó más de treinta films entre 1917 y 1935, escribió importantes textos teóricos y colaboró en las grandes revistas cinematográficas de la época —Le Film, Mon ciné o Cinémagazine—, donde expuso sus ideas sobre la importancia de la autoría o sobre el cine como un espacio artístico desde el que explorar, a través de las imágenes, el interior de los seres humanos Su colaboración más significativa fue con la revista radical feminista La Fronde.
Cristina Iglesias, La Pedrera, Barcelona. Del 3 de octubre al 25 de enero 2026.
Rodoreda, un bosque, CCCB, Barcelona. Del 4 de diciembre 2025 al 25 de mayo 2026.
Comisariado: Neus Penalba y Marti Sales.
La poética de esta gran novelista del siglo XX está hecha de ciertos gestos que se repiten en cuentos y novelas –espiar, vigilar, ver morir, atragantarse, ahogar, transformarse…–, donde abundan casas con y sin jardín, calles y plazas, pero, sobre todo, está llena de árboles y de tropos botánicos.
Adentrarse en la escritura de Rodoreda, que es siempre y a la vez inocente y cruel, infantil y macabra, realista y fantástica, clara y tenebrosa, implica abrazar la unidad inseparable de contrarios que define su imaginario: señalar, en definitiva, que junto al jardín de infancia con el abuelo Gurguí crecen cactus indomables, glicinias gigantes, flores malas, bosques de suicidas y toda clase de maldades.
Concibiendo el espacio como un gran árbol que conecta orgánicamente las diferentes salas, el itinerario de la muestra explora la obra y a la escritora como si fuesen un bosque: las raíces literarias y vitales y la experiencia del desarraigo provocado por el exilio; los troncos vertebradores de la vivencia de la guerra, troncos llenos de nudos y de mal; las ramas que quieren alcanzar a los grandes nombres de la cultura occidental –escritores, pintores y cineastas–; las copas que acogen pájaros y rozan el cielo; y también las semillas, que acaban germinando y dando fruto en la imaginación de un grupo de artistas visuales que crearán piezas ex novo, inspiradas en la obra de Rodoreda.
La exposición incorpora documentos originales del fondo de la Fundació Mercè Rodoreda, materiales históricos, fotografías, fragmentos de películas y obra plástica y literaria que conformaron la constelación intelectual y artística de la que Rodoreda se impregnó y, al mismo tiempo obras contemporáneas de artistas como Èlia Llach, Mar Arza, Cabosanroque, Oriol Vilapuig o Carlota Subirós, entre otros.
GALICIA
A CORUÑA
Concha Jerez y José Iges. Resignificaciones, CGAC, Santiago de Compostela. Del 14 febrero al 1 junio 2025.
Comisaria: Alicia Murria.
Con relevantes trayectorias individuales Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941) y José Iges (Madrid, 1951) han desarrollado de forma paralela, desde hace más de tres décadas, una producción común que se contamina y enriquece en la diferencia de sus respectivos lenguajes. Partiendo del concepto de resignificación, esta muestra conjunta reúne obras realizadas entre 1989 y 2023. Bajo esta idea, lo que Iges y Jerez plantean es, en sus propias palabras, “una operación que permite asignar a un objeto, medio o situación cualidades hasta ese momento inesperadas, imprevistas”. En la filosofía de estas obras subyacen planteamientos que enunció Guy Debord tanto en su libro La sociedad del espectáculo (1967) como en su obra fílmica.
A través de imágenes fijas y en movimiento, objetos reutilizados, sonidos cotidianos, fotografías, entrevistas, obras ideadas para radio, videoperformances y documentos —muchos de ellos procedentes de los medios de comunicación y su ruido—, Jerez e Iges componen una especie de paisajes visuales y sonoros que analizan, tensan, describen, y parodian a veces, el mundo que nos rodea. Se trata de un trabajo en el que confluyen lenguajes que, como el vídeo, la performance, el arte radiofónico o las instalaciones, han complejizado las prácticas artísticas tradicionales.
Una obra como Arenas movedizas, videoinstalación fechada en 2008, ofrece un despliegue de noticias verdaderas que parecen falsas y a la inversa, señales que desorientan a quien los contempla e invitan, entre proyecciones y sonidos, a participar en un juego donde lo real se disuelve en un territorio de inseguridad. Mientras, la pieza Bazar de utopías rotas aborda temas como los acuerdos internacionales en defensa de los derechos humanos, infringidos de forma continuada, y lo hace a través de una gran mesa de negociaciones con espejos, cristales rotos, textos y sonidos, entre otros elementos. En otro orden, Viaje a ninguna parte aborda, mediante cuatro acciones grabadas en vídeo en zonas no accesibles al público en el edificio de Tabacalera en Madrid, una contraposición de tiempos que enfrenta a un espacio que, creado para ser una estructura fabril y abandonada hace varias décadas, vive hoy nuevos usos culturales, reflejando el cambio de los tiempos que ha quedado impreso en sus paredes. Otras piezas nos plantean temas igualmente vigentes como el control ejercido sobre la ciudadanía, la videovigilancia, el funambulismo de la profesión artística, la desinformación o las continuas agresiones a los derechos humanos. Jerez e Iges arrojan luz sobre la actualidad, a veces desde la ironía y otras adoptando un tono poético, pero siempre partiendo de una inteligencia ética.
Priscilla Monge, CGAC, Santiago de Compostela. Del 6 junio al 7 septiembre 2025.
La obra de Priscilla Monge, ha sido frecuentemente incluida en la escena posconceptual latinoamericana de los noventa, pero hay que tener en cuenta que en esos años ni Costa Rica ni la región centroamericana a la que pertenece figuraban en los mapas del arte latinoamericano reconocido internacionalmente.
Mayte Vieta, O son do mar, CGAC, Santiago de Compostela. Del 20 septiembre 2024 al 19 enero 2025.
Mayte Vieta (Blanes, Girona, 1971) es una artista visual que utiliza el espacio y la luz como medios de expresión a través de la fotografía, la escultura y la instalación.
Con unas influencias que abarcan desde Milan Kundera hasta Simone Weil, Vieta reflexiona sobre las contradicciones de la experiencia humana mediante instantáneas que capturan la complejidad del espectro de nuestras emociones, pensamientos y vivencias. Sus obras redefinen la relación entre contrarios con la coherencia que solo los sueños contienen.
Vieta crea con sus piezas atmósferas oníricas en cuya realidad paralela coexisten gravedad e ingravidez, y donde las fronteras entre lo apacible y lo trágico se desdibujan para sugerir estados de ánimo que en su ambigua intensidad integran estos opuestos.
Sus paisajes, compuestos por no-lugares de silencio y quietud, nos hablan de la suspensión del presente y de la inmersión en un nuevo universo gravitacional, donde el tiempo se ralentiza, el instante se alarga y el sujeto deviene naturaleza.
Planteada como un refugio del mundo exterior, El sonido del mar expresa una forma de felicidad compleja que contiene sentimientos encontrados de plenitud y de fuga. Al sentimiento de plenitud lo acompaña una extraña percepción de melancolía, una especie de estupor ante la dimensión inconmensurable de la naturaleza, que tanto nos acaricia como nos oprime.
Comisariada por Natàlia Chocarro, directora de Proyectos Externos de la Fundació Vila Casas, la exposición ha sido concebida para el Centro Galego de Arte Contemporánea, que acoge por primera vez la obra de esta artista catalana.
Pilar Albarracín, Mandala (Arc en ciel), CGAC, Santiago de Compostela. Del 18 septiembre 2024 al 7 de septiembre 2025.
Pilar Albarracín (Sevilla, 1968) fue una de las creadoras claves en la renovación de los lenguajes artísticos en España durante los años noventa. En una escena hasta entonces dominada por la pintura y la escultura, su trabajo fue pionero en el uso de la fotografía, la performance o la instalación como medios de expresión artística, y ha contribuido a formular algunas de las cuestiones fundamentales para entender la evolución de las prácticas artísticas en las últimas décadas. En 2021 la artista presentó en el CGAC, en el marco de la segunda edición de Plataforma. Festival de Artes Performativas, la exposición individual Pilar Albarracín. Acciones peregrinas.
La creación artística ofrece otras lecturas que pueden hacer aflorar emociones o significados ocultos en nuestro subconsciente. Recontextualizar o disponer de otro modo elementos pertenecientes a la esfera de lo cotidiano no solo los hace visibles, sino que les otorga un nuevo significado.
Mandala (Arc en ciel) (2012) forma parte de una serie más amplia integrada por otras cinco piezas que actualmente pertenecen a las colecciones del CAAC de Sevilla y el MUSAC de León. La obra expuesta en el hall del CGAC, está constituida por un conjunto de bragas usadas de diversos colores y tamaños dispuestas en círculos concéntricos. En este contexto, las prendas interiores femeninas adquieren un significado nuevo y profundamente simbólico, modelando un universo sagrado donde se combinan armoniosamente lo individual y lo colectivo.
La configuración geométrica del mandala brinda a la artista la posibilidad de mostrar de manera simultánea los diferentes significados ocultos en su obra. Los círculos mágicos, el eterno retorno, lo sagrado y lo profano, son algunos de los temas implícitos en una pieza que nos invita a formularnos preguntas y, al mismo tiempo, nos ofrece respuestas acerca del cuerpo femenino.
Mediante la participación colectiva de mujeres de diferentes horizontes, procedencias, edades y morfologías, la artista ha conseguido crear un todo único y plural que representa el comienzo de un nuevo mundo.
MADRID
Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas, CaixaForum, Madrid. Del 3 de abril al 10 de agosto 2025.
No es solo un personaje literario. A lo largo de 160 años, Alicia se ha convertido en símbolo, metáfora e incluso fenómeno de masas. Desde el Victoria and Albert Museum de Londres llega la exposición más ambiciosa dedicada a la influencia de Alicia en el país de las maravillas en el imaginario colectivo actual, desde el mundo del arte y la moda hasta el psicoanálisis o el cine.
Marisa González, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 21 de mayo al 22 de septiembre de 2025
La exposición de Marisa González (Bilbao, 1943) repasa en esta retrospectiva la variedad de medios y la indistinción entre originales y reproducciones, constante en su práctica artística. La muestra también atiende a cierta vocación de la creadora vasca por el arte de la instalación, creando de esta forma una obra bidimensional generada por la tecnología disponible en cada momento.
De esta forma, la muestra repasa la trayectoria de la artista, partiendo de la obra que ejecutó en los años 70, cuando se formó en el Departamento de Sistemas Generativos del Art Institute de Chicago. González emplea este bagaje para adentrarse en las intersecciones entre la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Fue, en ese sentido, avanzadilla en el escenario del arte español de ese momento.
En su evolución, González se interesa también por el residuo y el desecho. Así, a mediados de la década de 2000 prestó atención a una infraestructura industrial que nunca llegó a estar operativa: la central nuclear de Lemóniz.
Tres experiencias formales: Nuria Fuster, Clara Montoya y Sandra Val, CentroCentro, Madrid. Desde junio 2025.
Reúne piezas de tres escultoras contemporáneas.
Maruja Mallo, Museo Reina Sofía, Madrid. Desde 8 de octubre 2025.
Maruja Mallo (Vivero 1902 – Madrid 1995) es una de las principales figuras de la Generación del 27. La muestra incluye unas 80 pinturas, dibujos, escritos, y documentos y vídeos que recogen su vida e ideas.
La Menesunda según Marta Minujín, Museo Reina Sofía, Madrid. Desde 5 de noviembre 2025.
La legendaria obra de Marta Minujín y Rubén Santantonín –obra creada originalmente en 1965, reconstruida por el Museo Moderno de Buenos Aires en su sede de Avenida San Juan en 2015 y posteriormente presentada en 2019 en el New Museum de Nueva York–, luego de cinco importantes años de trabajo y preparativos, será exhibida por primera vez en Europa como parte de una gira que la dará a conocer en cuatro países. La emblemática obra será exhibida por primera vez en Europa en una gira que comienza en Copenhagen Contemporary, Dinamarca, y que incluye el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en España; KANAL – Centre Pompidou, en Bélgica; y Tate Liverpool, en el Reino Unido.
Una experiencia radicalmente inmersiva y participativa que girará alrededor de la emblemática instalación creada originalmente por Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) y Rubén Santantonín en 1965.
Ana Juan, CentroCentro, Madrid. Desde noviembre 2025.
ITINERARIO El Prado en Femenino III. Promotoras artísticas de las colecciones del Museo (1701-18199), Museo Nacional del Prado, Madrid. Del 4 de noviembre 2025 al 8 de marzo 2026.
En esta tercera edición del itinerario El Prado en femenino, nos adentramos en el siglo XVIII para explorar el legado de destacadas promotoras artísticas que jugaron un papel crucial en la formación de las colecciones del Museo del Prado. Este nuevo recorrido se enmarca entre las figuras de María Luisa Gabriela de Saboya y María Luisa de Parma, y tiene como protagonista de excepción a la reina Isabel de Farnesio, una figura clave tanto en la política como en el coleccionismo artístico del setecientos europeo.
Isabel de Farnesio reunió una de las colecciones más destacadas de su tiempo, cercana al millar de pinturas, más de una tercera parte de las cuales forman parte fundamental de las colecciones del Museo. Estas 350 piezas reúnen obras maestras de grandes artistas como Velázquez, Ribera, Murillo, Correggio, Lucas Jordan, Guido Reni, Guercino, Van Dyck, Brueghel el Joven, Clara Peeters, Poussin y Watteau, entre otros; además de una notable colección de escultura clásica adquirida tras la muerte de la reina Cristina de Suecia, compartida con el rey Felipe V.
C. VALENCIANA
ALICANTE
A lo largo de su carrera, la pintora Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha desarrollado un riguroso lenguaje basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas partiendo de módulos geométricos. Esta exposición, comisariada por Isabel Tejeda, repasa cronológicamente la trayectoria de la artista a través de más de un centenar de obras que abarca desde sus primeros pasos en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid hasta sus producciones actuales, algunas realizadas específicamente para la muestra. La retrospectiva incide en la afirmación de la artista de que ha pintado el mismo cuadro toda su vida, conectando sus primeros trabajos de la década de 1960 con sus últimas series como Horizontes blancos o Esperando a Sempere, en la que homenajea a su referente y amigo Eusebio Sempere.
Aunque ligada en sus inicios al heterogéneo grupo de artistas españoles adscritos a los presupuestos estéticos de la abstracción geométrica —con los que ha mantenido afinidad toda su vida—, Sevilla pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta plástica. Entre 1980 y 1982, realiza una estancia en Boston fundamental en el desarrollo de su carrera. Allí lleva a cabo, entre otros proyectos, las series Keiko, Stella y Belmont, compuestas por dibujos de líneas individuales, finas y ligeras que preconizaban la sensación de vibración tan característica de su pintura posterior. A su regreso, la línea, las tramas y la luz como vehículos de la emoción llevan a la artista a trabajar sobre dos hitos esenciales de la cultura española, Las Meninas de Diego Velázquez y la arquitectura andalusí de La Alhambra de Granada —ciudad en la que reside en la actualidad—.
Hacia mediados de la década de 1990, una acumulación de pinceladas comienza a invadir sus telas rítmicamente —como se observa en En ruinas II o Díptico de Valencia— y la naturaleza se apropia de sus obras. Un “magma vegetal”, en palabras de la propia Sevilla, compacta la superficie del lienzo para ir dejando ver progresivamente una línea de luz. Las vegetaciones colgantes, las noches de insomnio —representadas en su serie Insomnios— y las arquitecturas agrícolas, conducen al espectador a mirar el mundo a través de la trama. Tramas de hojas o de mallas de plástico inspiradas en los secaderos de tabaco de la Vega granadina.
La generación de instalaciones, con las que Soledad Sevilla expande sus preocupaciones estéticas hacia lo espacial, ha sido otra de las líneas de fuerza de su trabajo desde la década de 1980. Esta exposición documenta alguna de sus intervenciones históricas como Vélez Blanco, realizada en el castillo de Vélez-Blanco de Almería en el marco del Proyecto Plus Ultra con motivo de la Expo ’92; o El tiempo vuela, una suerte de vanitas que pudo verse por primera vez en la Galería Soledad Lorenzo en 1998. Al mismo tiempo, la artista presenta Donde estaba la línea, una nueva instalación site-specific en la que utiliza el hilo de algodón para intervenir el espacio del Museo.
P. VASCO
BILBAO
Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno, Gugenheim Bilbao. Del 21 de febrero al 1 de junio 2025.
Comisarias: Cecilia Braschi y Geaninne Gutiérrez-Guimarães.
Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.
En la década de 1920, moviéndose entre São Paulo y París, actuó como puente entre las vanguardias de estas dos capitales culturales y puso a prueba su universo iconográfico brasileño pasándolo por el tamiz del Cubismo y el Primitivismo, en boga en la capital francesa. Su pintura inspira entonces los movimientos Pau-Brasil y Antropofagia, cuya búsqueda de un Brasil “auténtico”, multicultural y multirracial tiene como objetivo refundar la relación del país con los “centros” europeos de la colonización.
La dimensión militante de las pinturas de Tarsila de la década de 1930 y su capacidad para acompañar las profundas transformaciones de su entorno social y urbano hasta los años sesenta confirman la fuerza de una obra en sintonía con su tiempo y siempre dispuesta a renovarse, a pesar de las inestables condiciones que debe afrontar, según las épocas y los contextos, una mujer artista emancipada e independiente.
Con su invitación a adentrarnos en una modernidad brasileña que ella contribuyó a forjar aún más de lo que la ilustró, Tarsila do Amaral revela en su trabajo toda la complejidad de este concepto siempre sujeto a debate, que suscita cuestiones identitarias y sociales aún hoy de gran actualidad, tanto en Brasil como en Europa.
Helen Frankenthaler: pintura sin reglas, Guggenheim Bilbao. Del 11 de abril al 28 de septiembrre 2025.
A través de su rompedora técnica de “empapar y manchar”, Frankenthaler estableció un nuevo rumbo en la evolución de la pintura moderna mediante la construcción de una inédita relación entre el color, el espacio y la forma. Su proceso se basa en la aplicación de pintura diluida sobre lienzos monumentales sin imprimación colocados en el suelo del taller, creando efectos similares a los de la acuarela empleando primero el óleo y posteriormente el acrílico. La artista recurría a herramientas como pinceles y esponjas, o directamente vertía la pintura desde un cubo y dejaba que se extendiera y mezclara de manera natural, originando singulares combinaciones cromáticas que se distinguen por sus transiciones veladas y superposiciones translúcidas.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas rinde homenaje a una artista que desafió las convenciones y amplió los límites de la pintura, redefiniendo las normas tradicionales con su visión audaz e intuitiva. Sus poéticas abstracciones, debidas a su magistral técnica y prolífica imaginación, suponen un legado imperecedero.
Chiharu Shiota, My house is your house, Azkuna Zentroa, Bilbao. Entre mayo y septiembre 2025.
Se trrata dee una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mundial y la primera artista japonesa que viviendo fuera de su país, lo representó en la Bienal de Venecia. Heredera de Ana Mendieta y de toda una generación de artistas feministas de principios de los 70, Chiharu Shiota trabaja con su cuerpo como espacio de intervención, realizando performances que tratan la vinculación a la tierra, el pasado y la memoria. Conocida por sus instalaciones realizadas con la lana como material principal, sus entramados generan una atracción onírica, al tiempo que reavivan la memoria, la existencia de una forma filosófica y su ausencia.
Chiharu Shiota (Osaka, 1972) ha expuesto, entre otros, en Hammer Museum, Los Ángeles, Queensland Art Gallery of Modern Art (QAGoMA), Brisbane; ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe; Museo de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa, Wellington; Museo de Arte Mori, Tokio; Gropius Bau, Berlín; Galería de Arte del Sur de Australia; Yorkshire Sculpture Park, Reino Unido; Museo de Arte de Kochi; y Museo Nacional de Arte de Osaka.
Barbara Kruger, Guggenheim Bilbao. Del 19 de junio al 9 de noviembre 2025.
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller.
Esta exposición destaca la habilidad de Kruger para transformar los espacios arquitectónicos en experiencias inmersivas centradas en el texto. Los visitantes se adentrarán en instalaciones potentes donde el lenguaje ocupa un lugar central, envolviendo entornos completos con vinilos, paisajes sonoros y obras de video multicanal. Muchas de estas piezas revisitan y reimaginan los primeros trabajos de Kruger, revitalizándolos a través de la digitalización, pantallas LED de gran formato y la incorporación de sonido.
Organizada en estrecha colaboración con la artista, esta exposición invita al público a explorar las provocadoras investigaciones de Kruger sobre el lenguaje, los medios de comunicación y el significado en la era digital.
Marisa González, Azkuna Zentroa, Bilbao. Enre octubre y diciembre 2025.
Exposición retrospectiva de la artista bilbaína Marisa González, Premio Velázquez 2023, pionera en la aplicación de las nuevas tecnologías de la reproducción y la comunicación en la creación artística desde los años 70. Organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) en colaboración con Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y comisariada por Violeta Janeiro, repasa la trayectoria de la artista, nacida en Bilbao en 1943.
La muestra parte de la obra que ejecutó en los años setenta, cuando se formó en el Departamento de Sistemas Generativos de la escuela de Art Institute de Chicago. González empleó este bagaje para adentrarse en las intersecciones entre la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Fue, en ese sentido, avanzadilla en el escenario del arte español de ese momento.
La última exposición de 2025 conecta con la primera, de Ixone Sádaba, en su interés artístico por Lemoniz. Marisa González realizó a principios del milenio un proyecto fotográfico, videográfico y objetual en la central nuclear que evidencia su interés por la arqueología industrial y por los problemas implícitos en ella, referidos a la memoria y el olvido, la arquitectura, el urbanismo y sus consecuencias culturales, políticas, ecológicas y sociales.
Con obra en múltiples museos y colecciones, Marisa González ha realizado más de 60 exposiciones individuales y 150 colectivas, como en la Bienal de Venecia, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Tabacalera (Madrid), o el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB).
SAN SEBASTIAN/DONOSTIA
Situ-akzioak. Anna Irina Rusell, Tabacalera, San Sebastián/Donostia. Del 10 de abril al 27 de junio 2025.
María Cueto. Tejer lo efímero: texturas, repetición, geometría, circularidad, Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 20 de junio al 20 de septiembre 2025.
Tina Barney. Lazos familiares. Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 18 de julio al 2 de noviembre 2025.
Marlene McCarty, Tabacalera, San Sebastián/Donostia. Del 16 de octubre 2025 al 8 de febrero de 2026.
Maider López. Ukitu, Kutxa Fundazioa y Tabakalera, San Sebastian. Del 24 de octubre 2025 al 1 de febrero 2026.
La exposición Ukitu de Maider López (San Sebastián, 1975) toma como punto de partida la práctica desarrollada por la artista en la última década. Reúne un número significativo de proyectos realizados a escala internacional en los últimos diez años, al tiempo que recupera algunos de sus trabajos anteriores que darán contexto y crearán nuevas relaciones. La exposición se presenta de manera simultánea en dos sedes diferentes: la sala Kutxa Fundazioa Kubo y Tabakalera, en lo que supone una novedosa colaboración entre estas dos instituciones. Será la exposición individual de mayor envergadura dedicada a la artista hasta la fecha y presentará numerosos trabajos aún no vistos en nuestro contexto.
Maider López desarrolla su trabajo interviniendo en los entornos que nos rodean tanto urbanos como naturales. Arquitecturas, plazas y espacios públicos, playas, ríos o montañas han sido sitios en los que la artista ha intervenido a través de acciones –algunas de gran escala, otras más sutiles. Obras que invitan a modificar nuestra relación unos con otros y con el entorno, y que a menudo requieren de la participación del espectador en grados diferentes de implicación, desde acciones anunciadas generadoras de colectividades a situaciones existentes que son observadas y registradas por la artista. En la última década, la variedad en los grados de implicación del público ha ido en aumento, sumando acciones infiltradas en la cotidianidad de la ciudad, así como situaciones en las que fenómenos naturales como la subida del nivel del agua o el movimiento de las olas del mar son generadoras de acción colectiva. Esta relación entre lo humano y lo no humano aparece también en sus proyectos que implican la presencia de plantas y árboles, conectando lo urbano y lo natural, lo público y lo doméstico.
