EXPOSICIONES EN CARTELERA MAYO 2025
Redacción
Todas las exposiciones en instituciones que te interesan, ordenadas por comunidades autónomas.
ANDALUCÍA
CÁDIZ
Sobre todo, mujeres, Salas San Juan y San Nicolás Alto del Castillo de Santa Catalina, Cádiz. Del 28 de marzo al 15 de junio 2025.
Reúne el talento y la diversidad de 50 artistas en un solo espacio. La muestra, comisariada por Olga Tey, ha sido organizada en colaboración con la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz, Omorfia Art Gallery, y AFART, Asociación para el Fomento y Divulgación del Arte en Andalucía.
CÓRDOBA
Ana Segovia, Me duelen los ojos de mirar sin verte, C3A, Córdoba. Del 24 de abril 2025 al 6 de enero de 2026.
La artista mejicana realizará un proyecto específico para el museo donde relaciona la identidad, el flamenco, lo ‘queer’ y la pintura, explorando temáticas icónicas del cine, los bandoleros y la conexión entre las tradiciones del charro mexicano y el rejoneador cordobés.
Raquel Algaba, En silencio se alzaron Lotos, C3A, Córdoba. Del 24 de abril al 26 de junio de 2025.
Como parte del apoyo del C3A al programa de ayudas Iniciarte, presentará una obra que aborda la mitología clásica y las problemáticas contemporáneas a través de una alegoría sobre el encuentro de Ulises con los Lotófagos, explorando temas de pertenencia, memoria y desplazamiento.
Cristina Mejías, Saber de oído, Cantantes silenciosas; aprendices erantes, C3A, Córdoba. Del 27 de marzo al 21 de octubre de 2025.
Exposición individual de la artista andaluza en la que se combinan piezas existentes con nuevas creaciones específicamente diseñadas para las salas T2 y T3 del museo.
HUELVA
GRANADA
Dolores Montijano, Memoria de una vida, Centro Cultural Gran Capitán, Edificio Hermanitas de los pobres, Granada. De 1 de abril al 25 de mayo 2025.
MÁLAGA
Farah Atassi, Genius loci, Museo Picasso Málaga. Desde 23 de mayo al 14 de diciembre 2025.
Una propuesta que no es solo una reinterpretación de la tradición cubista, sino una exploración de las posibilidades expresivas del espacio en la pintura contemporánea.
Su pintura, que a menudo parece estar construida como si de una arquitectura se tratara, no busca una reproducción fiel de la realidad, y las líneas precisas y los objetos representados en sus cuadros parecen pertenecer a un mundo paralelo donde el tiempo se ha detenido, evocando una sensación de misterio.
Nacida en 1981 en Bruselas, Atassi estudió en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París y ha sido aclamada por su estilo único, que mezcla la tradición de la pintura figurativa con una clara influencia cubista y un enfoque muy personal hacia la representación del espacio. En la exposición Genius Loci, Atassi explora una serie de obras creadas entre 2015 y 2025, donde la artista sigue desafiando las convenciones del espacio pictórico. Su pintura, que a menudo parece estar construida como si una arquitecta se tratara, no busca una reproducción fiel de la realidad. Las líneas precisas y los objetos representados en sus cuadros parecen pertenecer a un mundo paralelo, donde el tiempo se ha detenido, evocando una sensación de misterio. El título de la exposición, Genius Loci, sugiere una conexión con el concepto de «espíritu del lugar», donde los espacios creados por la artista adquieren vida propia, cargados de una energía sutil que trasciende las formas geométricas. La exposición está comisariada por la historiadora del arte Marjolaine Lévy.
Hebras y urdimbres, Sala Rectorado UMA. Del 21 de marzo al 14 de junio de 2025.
Comisaria: Blanca de la Torre.
Una exploración de las dimensiones del tejer, sus espacios metapoéticos, sus tramas ocultas y sus relatos entrelazados. A través de esta muestra, la curadora y las artistas participantes se adentran en el universo simbólico del tejido, reivindicando esta labor como una herramienta histórica que, en palabras de la curadora, ha permitido a las mujeres “construir sus propias habitaciones».
La selección de obras y artistas constituye una reivindicación, desde el lenguaje contemporáneo, de los procesos artesanales relacionados con el tejido. A través de estas prácticas, se establece un puente con el pasado que permite resignificar los modelos heredados. Las técnicas ancestrales dialogan aquí con las tecnologías actuales, dando forma a piezas que abordan temas como la conexión entre el ser humano y la naturaleza, la cultura material del territorio, los cuidados y el trabajo en comunidad.
La exposición rinde homenaje al tejido como una herramienta contra el olvido y como activador de la imaginación política, una hermenéutica que conecta saberes antropológicos, culturales, científicos, filosóficos y matemáticos para generar nuevos relatos. En este espacio simbólico, se entrelazan el arte contemporáneo de España y América Latina con prácticas ancestrales presentes en la mitología y cosmovisiones originarias. Lejos de cuestionar las bases culturales europeas, Hebras y urdimbresbusca construir un relato pluricéntrico y polifónico.
Artistas: Artistas: Pilar Albarracín, Tania Candiani, Josefina Guilisasti, Glenda León, Lucía Loren, Adriana Marmorek, Laura Mema, Sonia Navarro, Laura Segura.
Guda Koster, It’s Playtime!, Centro Pompidou Málaga. Del 21 de febrero 2025 a febrero 2026.
It’s Playtime! es una instalación inmersiva de la artista neerlandesa Guda Koster, compuesta por siete coloridas esculturas-juego. Las piernas de los maniquíes se combinan con formas geométricas y gráficas, ocultando determinadas partes del cuerpo. El público se ve envuelto en un universo alegre, a veces inquietante, pero siempre enigmático.
El dispositivo está concebido como un terreno de experimentación destinado al público joven.
Las esculturas ofrecen un sinfín de posibilidades, desde reptar y trepar hasta interactuar con lo visible y lo invisible. Los textiles permiten jugar con la luz y las sombras, al escondite y a transformarse con los disfraces.
SEVILLA
Regina de Miguel, Audax Viator, CAAC, Sevilla. Del 29 mayo 2025 al 11 enero 2026.
Comisaria: Jimena Blázquez.
Una propuesta interdisciplinar de la artista andaluza que incluye la producción de varias obras realizadas específicamente para la exposición en colaboración con la Escuela de Formación de Artesanos de Gelves, reafirmando así el diálogo entre arte y artesanía local.
Sandra Poulson, CAAC, Sevilla. Del 3 abril al 16 noviembre de 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez.
La obra de la artista angoleña conecta las políticas culturales de Angola con objetos cotidianos, ofreciendo una reflexión sobre las complejidades de la identidad y la memoria.
Amie Siegel, CAAC, Sevilla. Del 10 abril al 31 agosto de 2025.
Comisaria: Yara Sonseca.
La arquitectura y las estructuras de poder se exploran a través del lenguaje audiovisual.
Elaine Sturtevant, El eco de la innovación, CAAC, Sevilla. Del 27 febrero al 21 septiembre de 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez
Es la primera retrospectiva de la artista norteamericana en España, coincidiendo con el centenario de su nacimiento y contará con más de 40 obras procedentes de instituciones como el Museo Whitney de Nueva York y la Colección Pinault de París.
Claribel Calderius, Sensemayá. Cantos para matar la culebra, CAAC, Sevilla. Del 27 febrero al 21 septiembre de 2025.
Comisaria: Jimena Blázquez.
Un proyecto específico de la artista cubana para la Capilla de San Bruno. Calderius establece un diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo, explorando los rituales y simbolismos de las dinámicas transformadoras de su herencia cultural.
Louise Bourgeois. La memoria y el deseo, Refectorio de la zona monumental del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, CAAC, Sevilla. Del 10 de abril al 16 de noviembre 2025.
Se trata de una exposición temporal comisariada por Bosco Gallardo Quirós en la que se exhibe la pieza procedente de los fondos del CAAC «Celda (arco de histeria)» creada por la artista Louise Bourgeois (1911 – 2010) en los años noventa.
ARAGÓN
HUESCA
ZARAGOZA
Paula Anta, Paisajes de resistencia, Torreón Fortea, Zaragoza. Del 3 de abril al 8 de junio de 2025.
Comisaria: Ana Berruguete.
Paula Anta (Madrid, 1977) es una fotógrafa con una larga trayectoria artística, cuyo eje de gravitación ha sido y es la relación entre la naturaleza y el ser humano. Esta exposición se centra en una selección de seis series fotográficas recientes. En ellas, trabaja la instalación in situ para recrear un diálogo entre naturaleza y artificialidad, resultado de la intervención humana. No hay confrontación, sino coexistencia. El paisaje, ya sea entendido como realidad o representación, busca resaltar las formas en que la naturaleza se expresa.
Anta no impone una narrativa cerrada, sino que la deja abierta a la interpretación. La historia y el viaje dan forma a estas escenificaciones, que sirven como una guía para fomentar una relación más respetuosa y humana con el entorno natural.
Maite Ubide, Una vida entre tintas, IAACC Pablo Serrano, Zaragoza. De 12 de marzo a 31 de agosto 2025.
Dentro del proyecto Aragón y las artes, en la investigación del periodo estudiado y de los artistas que desarrollan su trabajo en él, destaca la recuperación de figuras que, tras una larga trayectoria, no han sido objeto de exposiciones monográficas recientemente. Éste es el caso de la grabadora Maite Ubide; a través de esta muestra se recuperará su figura, trayectoria y legado.
El atractivo que la materia, el sentirla y transformarla con sus manos, ha ejercido sobre Maite Ubide (Zaragoza, 1939), ha sido el motor más poderoso de una vida pasada “entre tintas”. Formada en Caracas, Ámsterdam, Belgrado y Barcelona, llega a su ciudad natal en 1964 y entra en contacto con el Grupo Zaragoza, cuyas inquietudes por la interrelación de las artes y el activismo cultural comparte, y junto con ellos pone en marcha el Taller Libre de Grabado. Allí, como posteriormente en su propio taller, bajo el magisterio de Maite Ubide se introducen en las técnicas del grabado numerosos artistas.
Maite Ubide considera el trabajo del grabado como un proceso de investigación, dedicado a arrancar todo el potencial posible a planchas, buriles, ácidos y tórculos. Siempre ha reivindicado el grabado como disciplina artística y como una forma de desmitificar y acercar la obra de arte a los ciudadanos, y lo ha hecho con una obra extensísima y rotunda, realizada durante casi cincuenta años de dedicación intensiva e incansable y una voluntad incesante de crear. Su obra es profundamente vitalista, con una mirada reflexiva y humanista sobre la naturaleza y el ser humano.
De muchas maneras se ha definido a Maite Ubide como artista: “profesional consciente, culta y valiente”; “exigente, segura, consciente de su trabajo y arte”; “una mano sensible que crea constantemente”, … Se trata de una figura imprescindible en el panorama del grabado contemporáneo en Aragón, como creadora, como editora y como maestra de toda una generación de artistas que ha recuperado la técnica del grabado, contribuyendo a una etapa de esplendor de esta manifestación artística en Aragón.
ASTURIAS
AVILÉS
GIJÓN
OVIEDO
Breza Cecchini, Soy lo que no entiendo, Museo de Bellas Artes de Asturias, Oviedo. De 10 de abril al 6 de julio de 2025.
Soy lo que no entiendo es una invitación y una apertura. Es también un acto de generosidad, un diario plástico, un mundo en construcción. Es Breza, con su iconografía, sus símbolos, sus miedos y sus talismanes. Son mujeres y caballos, lobos en bosques, gritos y silencios. Color y vacío. Es aquello que queremos descubrir, como la artista, para entender. El germen del que brota la magia. Lo ancestral y lo futuro.
Contado a partir de un lenguaje ciertamente genuino, Breza sondea lo visible e invisible a través de un conjunto de obras atravesadas por aquello que ella es e, incluso, aquello que será. Un viaje a lo más profundo de su ser. Su arte que es vida.
Breza Cecchini Ríu trae al Museo de Bellas Artes de Asturias una propuesta de su maduro quehacer. Un proyecto en el que se arriesga con nuevas técnicas y formatos, y en el que mantiene aquello que la posiciona como una de las creadoras más auténticas de nuestro panorama. El arte como Verdad. Su verdad.
BALEARES
MALLORCA
Rosa Tharrats, Refugia, Fundaciò Miró, Espai Cúbic, Mallorca. Del 9 de abril al 31 de agosto 2025.
Para Rosa Tharrats todos los objetos, cualquiera que sea su material constitutivo, de procedencia natural o artificial, tienen una subjetividad específica y pueden establecer una relación orgánica con nosotros.
Jessica Stockholder, Cardinal Directions, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 31 de enero al 24 de agosto de 2025.
Comisariado: David Barro y Soad Houman.
Jessica Stockholder (Seattle, 1959) es un ejemplo paradigmático de la pintura expandida y una de las artistas más influyentes de su generación. Su pintura se construye en base a objetos cotidianos, proponiendo la pintura como realidad y ejemplo de expansión hacia lo escultórico y arquitectónico, a pesar de que nos permite continuar hablando de pintura en términos de composición, espacio, color o ritmo, puesto que todo nos remite a la tradición de la pintura excepto la superación definitiva del concepto de marco.
CANARIAS
LANZAROTE
Macarena Nieves Cáceres y rosa mesa, Savias. Susurros y letanías de sangre, El Almacén, anzarote. Del 16 de abril al 12 de julio 2025.
Tanto las instalaciones y los dibujos de rosa mesa, como las piezas audiovisuales y los textos de Macarena Nieves Cáceres destejen el estigma del dolor de todo útero para celebrar cada gota de sangre. Una sangre que se vuelve conocimiento y afecto que brota, fertiliza, sustrae y devuelve energías, al transformar el cuerpo en una factoría de creación y diálogo en torno al tabú de la menstruación.
Fluidos rojos, manchas, savias, susurros y letanías en circulación ininterrumpida para activar una voluntad invisibilizada, existencia de la humanidad. Una regla sin normas cual sedimento alentador de una colectividad femenina y plural. Todo se vuelve manual inclasificable de una naturaleza púrpura que toca celebrar.
LAS PALMAS
Fabiola Urbani, El presente infinito, Centro de arte La Regenta, Las Palmas. Del 4 de abril al 31 de mayo 2025.
El título de la exposición El presente infinito de Fabiola Ubani puede tener muchas interpretaciones: el del tiempo eterno o atemporal (que no existe como un tiempo definido), el del momento subjetivo del tiempo de cada uno de nosotros hasta el de poder llegar a considerarse como una sensación de cuasi inmortalidad en nuestra propia existencia.
El presente infinito de Fabiola Ubani nos habla de eso y de mucho más: el tiempo de la ilusión, invitando al espectador a crear su ilusión de tiempo y percepción, creando una propia conciencia y el sentido de su existencia y de su tiempo al contemplar sus obras.
Con una selección de obras, desde finales de los años 80, podemos contemplar en esta retrospectiva obra original y series únicas de distintas técnicas. Aguafuertes: Desierto (1992), El país de la memoria (1994), Odisea (1995); aguafuertes, gomas bicromatadas y positivados: Deseo (2000), que conforma una instalación; aguafuertes, litografía y positivados Cárites (2003); litografías: Frente al espejo (2008); fotograbados: Espacios de silencio (2005); fotografía digital: Galateas (2008) y las series de fotomontajes: El tiempo detenido (2008), Ciudad(es) (2013). Así como una selección de libros de artista, originales y únicos, con diversas técnicas: Members Only (1994), El país de la memoria I (1994), El último viaje (de la serie Odisea) (1996), Ciudades (2013), Las amantes (2018) y otros.
La exposición El presente infinito ofrece una visión sobre cómo las ruinas de las ciudades, que evocan la descomposición y la fragilidad de las estructuras físicas, pueden ser un paralelo de los estados emocionales, las relaciones humanas y la transitoriedad de la vida. Conecta con la noción romántica de “lo sublime”, que implica una sensación de asombro y temor ante algo más grande que el ser humano, ya sea la naturaleza, el pasado o el misterio de la existencia misma. El deseo, por otro lado, podría explorar la vulnerabilidad humana, la intimidad y la búsqueda de conexión, pero también lo transitorio de las emociones y experiencias.
Fabiola Ubani nos invita a reflexionar sobre la relación entre la destrucción y la creación, el amor y el deseo, la belleza y el sufrimiento, ofreciendo una visión profunda sobre las contradicciones inherentes al ser humano y a la naturaleza misma del arte.
El enigma de Gina Berndtson, Casa Colón, Las Palmas. Del 25 de marzo al 15 de junio de 2025.
Comisaria: Mave Delisau Jorge, conservadora del Servicio de Museos del Cabildo de Gran Canaria.
Gina Berndtson (Lichte, Alemania, 1909 – Benidorm, España 2001) es probablemente la creadora más desconocida y enigmática presente en la colección artística del Cabildo de Gran Canaria. La pintora alemana llegó a Gran Canaria en 1947 junto a su marido, el también artista sueco Nils Berndtson, y su hija adolescente.
Su estancia en la isla se prolongó durante casi un año, en el que expuso en dos de los centros culturales más importantes del momento, el Círculo Mercantil y El Museo Canario, convirtiéndose en la primera mujer que exhibe su obra en solitario en la ciudad.
Desde las primeras décadas del siglo XX las mujeres habían tenido una participación activa en la vida cultural canaria interviniendo en distintos proyectos de vanguardia; pero habría que esperar a los años cincuenta para poder visitar las primeras exposiciones individuales de creadoras canarias en Gran Canaria, con Elvireta Escobio (1953), Remedios Morales (1953), Jane Millares (1955, 1957) o Lola Massieu (1958).
Las exposiciones de Gina resultaron ser todo un éxito, recibiendo muy buenas críticas por parte de la prensa local de la época y dejando un interesante patrimonio tanto en la colección de la Casa de Colón como en distintas colecciones privadas de la isla.
Actualmente, el museo conserva diez piezas firmadas por la artista, nueve de ellas procedentes del Fondo Francisco Martín Vera, adquirido al coleccionista en 1957 y considerado uno de los aportes más importantes en la historia de la colección del Cabildo de Gran Canaria. Un fondo compuesto por más de cien pinturas y esculturas de reconocidos artistas, la mayoría de Canarias, de la talla de Eduardo Gregorio, Plácido Fleitas, Jorge Oramas, Santiago Santana o Juan Ismael, entre otros.
La trayectoria artística de Gina Berndtson, a caballo entre Alemania, Suecia, Sudáfrica y Estados Unidos es una historia llena de incógnitas e interrogantes. Para documentar la vida y obra de la artista se han consultado fuentes hemerográficas y documentales, artículos de prensa de la época y documentos de archivo de distintas instituciones culturales de Berlín, Munich, Estocolmo, Ekilstuna, Durban, Johannesburgo, Washington y Las Palmas de Gran Canaria.
La exposición “El enigma Gina Berndtson” visibiliza y valoriza la obra de la pintora alemana. Se exhiben obras y documentación que desgranan el proceso de investigación llevado a cabo en torno a la creadora, arrojando luz sobre su misteriosa historia y dando a conocer la obra de una artista pionera en el panorama artístico de la isla.
M. Nieves Cáceres, Cuerpo en medio, CAAM- San Antonio Abad, Las Palmas. Del 30 de enero al 25 de mayo de 2025.
Comisaria: Semíramis González Fernández.
A lo largo de su trayectoria, M. Nieves Cáceres ha trabajado la poesía, la acción fotográfica, la escritura y la creación visual vinculada a la performance y a la acción. Su trabajo entronca con una línea de investigación feminista que comienza en los años setenta y se despliega sin descanso desde entonces hasta hoy, ampliando los límites de los feminismos para incorporar miradas transversales e interseccionales. El cuerpo de la artista está presente, ya sea como huella, como evocación o de manera más precisa.
Macarena Nieves Cáceres nace en Lanzarote, Islas Canarias. Realizó sus estudios universitarios en la Universidad de La laguna, Tenerife. Vive y trabaja en Las Palmas de Gran Canaria. Trabaja la poesía visual y la acción fotográfica, escritora y Artista Visual vinculada a la performance y a la acción feminista. Pertenece al equipo promotor y editor de la revista Al-harafish desde 1997. Coordina la edición poética al-harafishedita desde 2004. Colabora con el grupo de profesionales Artemisia Mujeres+Arte. Ha participado en diferentes proyectos de formación y pasantía sobre Mujeres y Desarrollo en México (1997), en Madrid y Nicaragua (1998-1999).
TENERIFE
Itahisa P. Conesa, Lo liminal: la piel y el acontecimiento, Sala de Arte Contemporáneo (SAC), Santa Cruz de Tenerife. Del 4 de abril al 20 de junio 2025.
‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’ reúne una serie de esculturas e instalaciones de gran y mediano formato realizadas con materiales como tejidos, resinas, mortero, bronce o elementos vegetales recolectados sin intervención. Estas piezas surgen de procesos de registro superficial -orgánico, textil e industrial- en los que se generan pieles, huellas y capas como superficies sensibles que activan tensiones entre cuerpo, materia y entorno.
En la exposición, la artista explora la piel no como un límite, sino como un espacio de conexión y transformación, invitando a mirar más allá de lo evidente y a descubrir nuevas formas de entender lo que nos rodea. Una muestra que invita a reflexionar sobre nuestra relación con el entorno y con otras formas de vida.
“Las obras no buscan representar algo definido, sino generar una experiencia: ocupar el espacio, convocar al cuerpo del espectador y abrir un campo de relaciones entre lo humano y lo no humano”, afirma la artista. “La piel, figura central en este trabajo, deja de funcionar como límite y se presenta como un territorio poroso, relacional y geológico, donde se inscriben memorias, afectos y transformaciones. Estas esculturas se entienden como configuraciones materiales que dan testimonio de una red de vínculos entre entidades diversas”.
Lo liminal plantea así una manera de habitar la escultura desde la superficie, el pliegue y la inscripción, donde la materia no es soporte pasivo, sino agente activo en la producción de sentido.
Una forma de mirar y habitar la escultura desde lo táctil, lo procesual y lo relacional. Cada obra es un punto de encuentro entre materiales, cuerpos y contextos, una forma sensible de pensar con la materia.
Itahisa P. Conesa es docente en la Universidad de La Laguna, donde imparte Escultura y coordina el Aula-Taller de Fundición artística. Dedica su trabajo a investigar sobre nuevas maneras y métodos de proceder en la experiencia artística, que se articula en torno a los procesos híbridos, combinando técnicas escultóricas tradicionales con materiales no convencionales y metodologías contemporáneas.
Todo ello en un marco que conjuga experimentación estética, tecnología y materialidad crítica. Su obra investiga la dimensión performativa de la materia, donde lo escultórico no se limita sólo a la forma, sino que se despliega como campo de relaciones entre cuerpos, superficies y entornos.
CANTABRIA
Isabel Muñoz, Una nueva historia, Museo Nacional y Centro de Investigación Altamira, Santillana del Mar. Del 23 de mayo al 26 de octubre 2025.
Maruja Mallo, Máscara y compás. Pinturas y dibujos de 1924 a 1982, Centro Botín, Santander. Del 12 de abril al 14 de septiembre de 2025.
Comisaria: Patricia Molins.
Esta ambiciosa retrospectiva presenta alrededor de un centenar de pinturas y dibujos, además de textos y fotografías de la artista que trazan toda su carrera: desde el nuevo realismo de sus primeros años hasta las configuraciones geométricas y fantásticas de sus últimas obras.
La muestra pondrá el acento en cómo lo popular, lo performativo y lo mágico impregnaron sus primeros trabajos, destacando sus vínculos con el teatro. Asimismo, recorrerá las transformaciones que experimentó su obra a causa de la Guerra Civil española y de su exilio a Buenos Aires, donde sus retratos y naturalezas muertas transmiten metafóricamente el impacto del entorno y la cultura de su país de acogida.
Los aspectos procesuales y conceptuales menos conocidos de sus series cósmicas tardías se pondrán de manifiesto a través de los fondos de archivo inéditos, adquiridos recientemente por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía como parte de las adquisiciones museísticas del Archivo Lafuente.
Esta exposición está coproducida con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde también se expondrá del 7 de octubre de 2025 al 16 de marzo de 2026.
CASTILLA-LA MANCHA
CIUDAD REAL
Gloria Merino, Museo de Ciudad Real-Convento de La Merced, Ciudad Real. Del 17 de febrero al 20 de mayo de 2025.
La exposición retrospectiva rinde homenaje a una de las figuras más importantes del arte manchego y español del siglo XX, de reconocida trayectoria Internacional. Con cerca de cien obras, incluyendo dibujos, óleos, litografías y objetos personales, la muestra recorre más de medio siglo de su evolución artística. Su estilo, personalísimo, inscrito en el Realismo Expresionista Español, fusiona técnicas académicas, influencias cubistas y un uso del color cercano al fauvismo. La exposición destaca su profunda observación del paisaje rural manchego y su gente, capturando su esencia. Su arte invita a sumergirse en una época significativa de la vida española, convirtiendo la realidad manchega en un símbolo universal que trasciende el tiempo y el espacio.
Gloria Merino nace el 18 de febrero de 1930 en Jaén, aunque desde muy pequeña se instala con su familia en Malagón (Ciudad Real), donde se inspiró y enamoró de esta tierra manchega, que marcó profundamente su obra. Criada en un entorno familiar amante de la música, el teatro y el arte, destacó desde niña por su talento en el dibujo, siendo considerada una niña prodigio del arte. A los 17 años, recibió una Beca Nacional para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde obtuvo importantes premios en Dibujo y en Pintura. Posteriormente, amplió su formación en Ilustración y Pintura Mural, con Sáez de Tejada y Ramón Estolz
La exposición destaca su profunda observación del paisaje rural manchego y su gente, capturando su esencia. Su arte invita a sumergirse en una época significativa de la vida española, convirtiendo la realidad manchega en un símbolo universal que trasciende el tiempo y el espacio.
A lo largo de su carrera obtuvo numerosas becas que le permitieron viajar por Europa y América destacando la “Beca de la Fundación Rodríguez Acosta” en 1957 para recorrer Francia, Bélgica y Holanda, y la Beca “Conde de Cartagena” en 1961-63, que la llevó a estudiar Litografía en la Escuela Superior de Bellas Artes de París.
Entre sus premios más destacados se encuentran la Medalla de Oro del Gran Prix en Versalles (1961), la Medalla de la Villa de París en el Salón Internacional Femenino (1962), así como diversas distinciones en España, como la 2.ª Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Barcelona (1960), la Medalla de Plata del Ateneo de Sevilla (1970) y el Premio y Medalla de Oro en la Exposición Nacional de Valdepeñas (1975).Sus obras están presentes en prestigiosos museos de todo el mundo, como el Museo Nacional de Arte Contemporáneo, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Museo de la Hispanic Society of America en Nueva York. Su legado artístico fue recientemente honrado con la creación del “Museo Gloria Merino” en su pueblo, Malagón.
Reconocida en múltiples ocasiones, es miembro de importantes instituciones, como la “L’Union des Femmes Peintres et Sculpteurs de Paris” desde 1963, consejera del Instituto de Estudios Manchegos desde 1971, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1985. En su honor, Malagón le dedica una calle en 1977 y crea un concurso nacional de pintura con su nombre en 2002. En 2021 recibe el premio “Mujeres Imprescindibles” del Gobierno de Castilla-La Mancha. La crítica y el público han elogiado ampliamente su obra, que se distingue por su maestría en el dibujo y el color, así como por un estilo único y profundamente personal.
Además de su destacada carrera pictórica, Gloria Merino brilló en el ámbito de la música clásica como soprano, obteniendo la Medalla de Plata “Camarote Granados” en 1973 y ofreciendo un recital en el Spanish Institute de Nueva York en 1980.
CUENCA
Cristina García Rodero, España oculta, Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. Del 14 de febrero al 11 de mayo de 2025.
Esta muestra, fruto de 15 años de trabajo incansable, plasma con una sensibilidad única las tradiciones, ritos y festividades que configuran el alma de la España rural. En un blanco y negro atemporal, García Rodero capta la fuerza primitiva de la fe, la celebración de la vida y el enfrentamiento simbólico a la muerte, retratando una realidad profundamente humana y auténtica.
Premiada y reconocida internacionalmente, Cristina García Rodero es una figura clave de la fotografía contemporánea, capaz de inmortalizar como nadie el espíritu popular y la tradición de nuestro país. ‘España oculta’ no es solo una exposición, sino un viaje emocional y visual al corazón de una España que, lejos de desaparecer, sigue viva en sus raíces.
Cristina García Rodero (Puertollano, 1949), Premio Nacional de Fotografía en 1996 y primera española miembro de la prestigiosa agencia Magnum, es un referente indiscutible en la fotografía contemporánea. Desde sus inicios, ha recorrido miles de kilómetros en una búsqueda constante de imágenes y personajes.
Ese comienzo se remonta a 1973, cuando la Fundación Juan March le concedió una beca de creación artística con la que compró su primer equipo. Atravesó durante un año los pueblos de España con el fin de documentar y preservar sus fiestas, ceremonias, ritos, tradiciones y formas de vida. Fruto de ese trabajo fue la serie de fotografías recogidas en España oculta (1989), libro que fijó el rostro y el espíritu de un momento muy especial del país y que se convirtió en un hito fundamental de la historia de la fotografía en España.
En 2024, cincuenta años después de que recibiera la beca que, en palabras de la fotógrafa, “le cambió la vida” y le ha permitido “llevar 50 años haciendo realidad un sueño”, varias instituciones celebran su trabajo organizando la exposición Cristina García Rodero. España oculta. Esta muestra incluye la serie de fotografías realizadas antes de 1989. Desde mayo de 2024, la exposición viaja a varias sedes españolas (Círculo de Bellas Artes en Madrid, Centro Cultural La Malagueta de la Diputación de Málaga, Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, Museu Fundación Juan March de Palma e IVAM Centre Julio González en Valencia).
CASTILLA Y LEÓN
ÁVILA
Bárbara Sánchez-Kane, ¿Cuántos ángeles caben en la punta de un alfiler?, Collegium, Árevalo. Del 4 de marzo al 7 de septiembre de 2025.
Instalada en la iglesia de San Martín, la exposición explora cómo el poder, la religión y el mercado influyen en la construcción de la identidad y la corporalidad. A través de esculturas y piezas elaboradas con materiales como cinturones de cuero, bronce y sacos de boxeo, Sánchez-Kane utiliza la moda como herramienta crítica para cuestionar los mecanismos de adoctrinamiento y control social.
El título de la muestra está inspirado en ‘Nuevo catecismo para indios remisos’ de Carlos Monsiváis y plantea, con un tono irónico, una reflexión sobre las estructuras que moldean los comportamientos y deseos humanos.
BURGOS
Amparo de la Sota, CAB, Burgos.Del 28 de febrero al 25 de mayo de 2025.
Pionera en el arte textil cuando este no era materia de interés en galerías y espacios museísticos, el reconocimiento público de Amparo de la Sota (Madrid, 1963) apenas rebasaba el ámbito de unos cuantos admiradores iniciados,
mientras el eco de su presencia en bienales y en selectos espacios de referencia hacía ya inaplazable su exposición en un centro de arte. Sus bordados sobre telas antiguas contienen todo el significado simbólico de una tradición arrinconada que esta artista reservada y misteriosa pone al día con su interpretación personal de grafías, signos, elementos geométricos y patrones no siempre descifrables.
Acostumbra De la Sota a referir la impronta dejada por Paul Klee en su juventud tras contemplar sus geometrías, hasta el punto de instarla a replicar con un sencillo telar la traza de los tejidos precolombinos, o tiempo después, ya como estudiante de filología árabe, a investigar en los usos, técnicas y pigmentos propios del fecundo arte textil de Oriente Próximo y el Norte de África.
Sin embargo, será con el bordado, antes que con el telar, donde De la Sota exprimirá la relación entre escritura y labor. El acto de bordar, el acto de escribir, el hacer sosegado que ella reivindica, desvela la presencia de constantes culturales que nos conducen a las iniciales vanguardias del siglo pasado, a los modos ancestrales instalados en las culturas ágrafas americanas o a los caracteres que desbordan el significado mismo de las palabras. El enramado rítmico con que la artista sostiene la arquitectura de los alfabetos las despoja de interpretación, las contiene en su mera forma desde la que late el sonido sordo de lo impronunciable, de lo que escapa a toda verbalización lógica.
La secuencia abstracta desplegada en sus bordados (lo que es tanto como decir en su dibujo y en su escritura) le permite adentrarse en otros territorios visuales, como la traza de mapas imposibles de regiones pendientes de descubrir. Accidentes físicos nunca vistos hasta hoy, brotados del interior de un paisaje mental nunca concluso, sugieren otro campo creativo para De la Sota. Sin embargo, no constituyen un apartado o un campo creativo separado, sino otro modo de narrar, de contar, de describir, de enunciar plásticamente lo que no es otra cosa que la sinopsis gráfica que define la representación gráfica con que conocemos el mundo.
LEÓN
SALAMANCA
Elsa Paricio, Biblioteca Nacional, DA2 Salamanca. Del 27 de marzo al 8 de septiembre de 2025.
“En verano de 2018 me di cuenta de que el tiempo de nuestro jardín se autoinscribía, día a día, en un recipiente de cristal que había dejado al sol con tinta china. A plena vista de todos o de nadie, el agua se evaporaba dejando un rastro indeleble de lo acontecido.
Durante el año siguiente copé de muestras la casa familiar hasta que creí haber aprendido a leerlo: leer el tiempo a través del tiempo.
Cuando la casa se quedó pequeña decidí cruzar la puerta. Después de 6 años y con la ayuda de decenas y decenas de personas, aparecieron cientos de paisajes, otras casas que fueron, presentes que no serán y pasados que volverán.”
Así surge Biblioteca Nacional, 2018 – 2024; un archivo de mil dibujos contenidos en cilindros de cristal, autorealizados por el tiempo en 500 puntos de toda España, y en colaboración con decenas de personas, paisajes y fenómenos, a veces intangibles, ahora visibles.
Cecilia Barriga, DA2 Salamanca. Del 20 de marzo al 22 de junio de 2025.
El trabajo de Cecilia Barriga examina y documenta las luchas sociales, el activismo feminista y la construcción de identidades individuales y colectivas, tanto desde el espacio de lo íntimo como desde la esfera pública, mostrando también un especial interés en la performatividad espontánea de las multitudes y cómo con sus coreografías y gestos alteran el espacio que les rodea, filmando cantos colectivos de luchas y reivindicaciones.
A través de su obra busca estar en el momento presente, para ello trabaja con equipos muy reducidos y dispositivos de pequeño formato, que le permiten integrarse de forma orgánica en las acciones que documenta, sin que su presencia altere los acontecimientos.
Cecilia Barriga nació en Chile, desde 1977 estableció su base en Madrid, donde se licenció en Ciencias de la Información en la UCM. Posteriormente continuó sus estudios en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (Cuba) y en la Universidad de Columbia (EE.UU.)
Con una carrera de más de cuarenta años en la creación audiovisual, su obra se ha exhibido en museos, centros de arte y festivales a lo largo de todo el mundo como: MoMA y Whitney Museum (Nueva York), Centre Pompidou (París), Nikolaj Kunsthal (Copenhaguen), Bildmuseet Úmea University (Suecia), MNCA Reina Sofía (Madrid), Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Artium (Vitoria), Sala Rekalde (Bilbao), MUSAC (León), New York Independent Film Festival (EE.UU.), Festival de La Habana (Cuba), DocumentaMadrid, Mostra de Cinema de Dones de Barcelona, Festival de Cine de Viña del Mar (Chile) o Independent Hong Kong Film Festival. Y entre otras ha obtenido becas de la Academia de España en Roma, Ministerio de Cultura – ICAA. Ibermedia, Fundación VEGAP, Centro de Arte Monterhermoso, o Multiverso de la Fundación BBVA.
Para este Visiones Contemporáneas hemos seleccionado tres obras en vídeo que hacen un recorrido por más de treinta años de trayectoria artística, en las que da voz a diferentes relatos silenciados e invisibilizados a lo largo de la historia patriarcal.
Esta será la primera vez que su trabajo se mostrará en Salamanca.
Encuentro entre dos reinas. Sonido. B/N. Analógico transferido a digital. 1991. 14 min.
Una obra que parte de la apropiación de imágenes cinematográficas de dos iconos del cine clásico como son Greta Garbo y Marlene Dietrich para hacerlas convivir en una misma película, planteando un hipotético encuentro lésbico entre ambas.
En un trabajo de deconstrucción y resignificación, las secuencias son extraídas de su contexto original para darles una nueva lectura, que cuestione los estereotipos asociados al rol que desempeña la mujer en el cine. Este Encuentro entre dos reinas se estructura en una serie de capítulos: el lago, la maleta, el hospital, la biblioteca, el trabajo, la persecución, el teléfono, el sombrero, el diálogo, el gesto, el encuentro, la alcoba, el final, en los que vamos asistiendo a una coreografía de gestos y situaciones en las que a través de la alternancia del plano /contraplano, se crea un hilo narrativo, en el que parece que ambas actrices compartan espacio y tiempo, algo que llega a suceder cuando con el uso de recorte de imágenes las dos mujeres conviven en el mismo plano, acompañadas de la hipnótica música compuesta por Edith Salazar, que está presente durante todo el metraje.
La condición de reinas de Greta Garbo y Marlene Dietrich tiene un doble origen; por un lado, por ser dos de las estrellas más rutilantes del Hollywood de la época, por otro lado, por los papeles que respectivamente interpretaron; la reina Cristina de Suecia y Catalina II de Rusia, en Queen Christina (Rouben Mamoulian, 1933) y The Scarlet Empress (Josef von Sternberg, 1935), las dos obras principales de las que se nutre la película de Barriga, a la que incorpora fragmentos de otros clásicos del cine en los que actuaron como: Morocco (Josef von Sternberg, 1932), Ninotchka (Ernst Lubitsch, 1939), Shanghai Express (Josef von Sternberg, 1932) o Angel (Ernst Lubitsch, 1937).
Con este trabajo de metraje encontrado, Cecilia Barriga también reflexiona sobre la ausencia de representación de colectivos LGTBIQA+ en el cine clásico, creando un nuevo imaginario a través de un juego especulativo con la imagen de dos divas del star system, sobre las que siempre se rumoreó que mantuvieron una relación sexual, algo que fue recogido posteriormente en el libro, The Girls: Sappho Goes to Hollywood (Diana McLellan, 2000).
La obra forma parte de la colección permanente del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Im Fluss / En el río. (Co–realizada con Claudia Lorenz) Sonido. Color. Digital. 2007. 5 min.
A diferencia de Encuentro entre dos reinas, obra que, desde el ensayo visual, especula sobre una posible relación entre dos mujeres, en Im Fluss, se documenta la relación de amor entre dos mujeres de avanzada edad, que llevan más de tres décadas juntas.
Ambas nadan en las aguas de un río urbano, mientras comparten sus recuerdos, la felicidad que las une, pero a la vez reflexionan sobre el paso de la vida, la vejez, y un posible y no lejano futuro en el que una de las dos morirá y la otra se quedará sola. La memoria, el tiempo compartido y las experiencias vividas se convierten en protagonistas de la obra.
No resulta habitual mostrar los cuerpos de mujeres mayores en pantalla, menos aún con el detalle y el respeto con el que se hace en esta obra. Un acercamiento bello y en positivo, que supone un retrato generacional. Con gran naturalidad, la cámara las acompañan tanto en los espacios públicos: el río, el transporte urbano, con el travelling del tranvía, alejándose como metáfora de la propia vida, como en el ámbito privado: el vestuario, las duchas, acercándose a sus cuerpos mientras se arreglan, con una inusitada intimidad, logrando que la puesta en escena transmita una constante paz y tranquilidad, la misma que irradian sus protagonistas.
El canto de las Cecilias. Sonido. Color. Digital. 2024. 23 min.
Un coro amateur formado por cuarenta y dos mujeres interpreta, en diferentes localizaciones de Roma: el templete de San Pietro in Montorio, el claustro de la Academia de España y la basílica de Santa Cecilia en Trastevere, su versión propia de la clásica canción italiana La povera Cecilia, de Gabriella Ferri (1964) que narra los abusos cometidos contra una mujer, que además fue engañada e injustamente encarcelada por defenderse.
Cecilia es el nombre de la Santa patrona de la música, y se dice también que es el nombre que muchas mujeres reciben cuando sus progenitores sueñan con que su hija cante. Con esa idea en la cabeza, Cecilia Barriga desarrolló el proyecto Donde me lleve el nombre, durante su estancia en 2024 como becada en la Academia de España en Roma.
Barriga recorrió las calles de la capital italiana buscando mujeres que se llamaran también Cecilia, como ella y como la santa, y así reunió estas cuarenta y dos. Juntas, a través de varios encuentros y talleres, compartieron sus vivencias y sus propias experiencias de abusos y maltrato. Con ellas reescribieron la canción de Ferri, adaptándola con nuevas estrofas, para después materializarla en un canto colectivo, con el fin de visibilizar la violencia machista sistémica contra las mujeres, siendo interpretada en tres actos públicos, documentados en El canto de las Cecilias. La obra intercala las diferentes actuaciones del coro con la exposición de casos concretos de abuso, violación y maltrato, vividos por las diferentes Cecilias, para darles voz y que nunca caigan en el olvido.
El canto colectivo se convierte así en un acto reivindicativo, pero también en una acción reparadora, que insufla fuerza, consuelo y esperanza a través de la unión de todas las mujeres.
Como afirma Barriga la obra sirve de homenaje a todas las mujeres martirizadas, abusadas, maltratadas, violadas y asesinadas, por el simple hecho de ser mujeres y también un tributo a las esclavizadas, las minorizadas, las precarizadas y las silenciadas a lo largo de la historia.
SEGOVIA
Mónica Gómez Candela, La tierra no se cansa jamás, Palacio Quintanar, Segovia. Del 7 de marzo al 1 de junio de 2025.
La ceramista Mónica Gómez Candela relata a través de esta exposición de escultura cerámica su relación con la naturaleza: “La Tierra me evoca un gran vientre femenino dando vida sin descanso; con ella quiero expresar su poder creativo, de expansión y regeneración. El barro y el fuego me ayudan a fortalecer el vínculo con la tierra; la metamorfosis, la alquimia, forman parte de este proceso, que es también espiritual y la cerámica me permite plasmarlo con un mundo rico en formas y texturas. Con mi obra trato de expresar la belleza y el misterio que entraña, es mi manera de rendir tributo a la madre Tierra”.
Claudia de Santos, Stracci, Palacio Quintanar, Segovia. Del 7 de marzo al 1 de junio de 2025.
«La producción que sale de mi taller tiene un elemento evidente que da carácter a las obras: la reutilización de material textil. Pero, además del suprarreciclado (en mi caso más cercano a la cultura campesina que al actual “upcycling”) existe otro elemento común entre tapices, traperas y bordados… La memoria. Memoria de manos que enhebran, que zurcen, que remiendan, del olor y el color de las tardes de infancia, memoria de los poetas que cantan la luz; de los poetas que traducen y ponen título a lo que veo y siento. En mis obras hay memoria de la tierra, del misterio del color que la luz reaviva o destruye. Y memoria de los momentos en los que caigo en la cuenta del privilegio de ver crecer el trigo en los campos que un día fueron campos de batalla.»
Fuencisla Francés: procesos, ritmos y vibraciones, Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia. Del 18 de octubre de 2024 al 1 de junio de 2025.
Comisaria: Margarita Aizpuru.
Fuencisla Francés, (Segovia, 1944), es una extraordinaria artista que experimenta continuamente con formas, materias y procesos, investigando las construcciones de obras realizadas con fragmentos de papel, lienzos y maderas pintados, con las que efectúa composiciones llenas de ritmo de gran fuerza constructiva, conceptual y estética, y en las que el espacio y la arquitectura del lugar, son elementos fundamentales de sus composic, ones.
Realiza creaciones visuales que se ejecutan tanto en el ámbito de lo bidimensional como de lo tridimensional, siguiendo procesos de trabajo que obedecen tanto a procedimientos compositivos, a juegos espaciales rítmicos y vibratorios, de resonancias del sonido y la música más experimental.
Un orden orgánico, lleno de ritmos compositivos, con una pintura que se expande y llena el espacio con sus formas, transformándose en esculturas o instalaciones o mestizajes de ambos, con sus abstracciones llenas de energía. Una plástica, la de la artista, que es transgresora, que se salta los límites con sus explosiones de formas, fragmentos y tonos invadiendo con energía y fuerza plástica los espacios.
La exposición que ahora presentamos, Fuencisla Francés: procesos, ritmos y vibraciones, está inmersa en esas ideas, formas de crear sus obras y planteamientos artísticos. Es una muestra que ocupa gran parte de los espacios del Museo Esteban Vicente de Segovia. Y es, además, el resultado de una selección de piezas, integradas por varias grandes instalaciones, más otras de medio formato, collages, pinturas, esculturas en papel o híbridas con pinturas, dibujos, objetos, y documentación diversa.
VALLADOLID
Azucena Vieites, Alrededor del mundo, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 29 de marzo al 21 de septiembre de 2025.
Azucena Vieites (Hernani, 1967) es una de las artistas más relevantes de nuestro país en el ámbito del estudio de la imagen gráfica. Tras finalizar sus estudios en la Universidad del País Vasco, inicia su trabajo en los cruciales años noventa (la Asociación Colección Arte Contemporáneo atesora entre sus fondos obras muy relevantes de ese momento y ese contexto), cuando consolida un marco iconográfico poblado de imágenes asociadas a los múltiples registros de la subcultura y que delatan su voluntad de problematizar la construcción canónica de las imágenes y sus modos de circulación. Se forja así una obra que es silenciosa y altanera en igual medida. Silenciosa porque es fruto de un quehacer propio y reflexivo; altanero porque en su fondo es un golpe certero en el rostro del tedio normativo, si es que a eso cabe llamarlo altanería. Toda imagen vale para Azucena Vieites. Toda forma cultural es susceptible de ser revisada, desde imágenes de Ángeles Santos, cuya exposición en el Museo Patio Herreriano de 2003 causó en ella un profundo impacto, hasta todo un universo de fuentes procedentes del pop, rock o el punk, con la que da la vuelta a las convenciones estéticas de nuestro tiempo. La exposición reunirá buena parte de sus obras más emblemáticas. Será, además, una ocasión interesante para acercarse a trabajos tempranos que se presentarán aquí por primera vez.
Patricia Sandonis, Incertidumbre en consenso, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 20 de marzo a 13 de mayo de 2025.
Patricia Sandonis (Valladolid, 1984) presenta un trabajo artístico contextualizado en Berlín, donde ha vivido las últimas dos décadas, y que gira en torno a la memoria colectiva representada a través de monumentos.Éstos son abordados no como estructuras rígidas sino como entidades amovibles que desafían las nociones tradicionales de permanencia y poder. A través de la intervención pública, invitando a la colaboración y la interacción, el proyecto pretende difuminar los límites entre la artista y las audiencias, entre espacio público y privado, preguntándose para quién son los monumentos, cómo dan forma a la memoria colectiva y qué potencial democrático tienen. En sus obras, Sandonis percibe la ciudad como un archivo vivo, donde la decadencia y la conservación se entrelazan, revelando las dimensiones poéticas y políticas del espacio urbano. Su trabajo artístico explora la interacción entre la materialidad, la memoria y las estructuras sociopolíticas que dan forma a nuestras experiencias colectivas. A través de un meticuloso proceso de recolección, reutilización y traducción de restos de la vida urbana, sus obras funcionan a un mismo tiempo como reflexiones y como disrupciones.
Anudar el tiempo. El fondo Rafael y María Teresa Santos Torroella y sus ecos en la Asociación Colección Arte Contemporáneo, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 8 de noviembrre al 18 de mayo de 2025.
La colección y el archivo-biblioteca del crítico, historiador y poeta Rafael Santos Torroella —cuidadosamente custodiados por su esposa, Maite Bermejo— conforman un valioso conjunto que no es solo el testimonio de su trayectoria vital e intelectual, sino que configura también un recorrido por los senderos de la vanguardia española en el siglo XX, anudada en dos tiempos, el antes y el después de la Guerra Civil. Un trayecto de idas y retornos, de pasajes y tránsitos, que hoy reconstruimos a través del diálogo entre el fondo Rafael y María Teresa Santos Torroella del Ayuntamiento de Gerona y la Asociación Colección Arte Contemporáneo, depositada en el Museo Patio Herreriano de Valladolid.
CATALUNYA
BARCELONA
Coco Fusco, He aprendido a nadar en seco, MACBA, Barcelona. Del 22 de mayo de 2025 al 11 de enero de 2026.
Cuenta la artista Coco Fusco que, en el transcurso de los dos años en los que Guillermo Gómez-Peña y ella representaron su performance The Couple in the Cage: Two Undiscovered Amerindians Visit the West [Pareja en una jaula. Dos Amerindios sin descubrir visitan occidente], se encontraron con dos respuestas muy específicas a esta encarnación de dos ficticios oriundos de la isla de Guatinau. Por un lado, estaba el público mayoritario que creyó que los Guatianus eran reales y, por otro, la actitud de intelectuales, artistas y agentes culturales, que se empeñaban en discutir las implicaciones morales de la obra en vez de la obra en sí. Lo que se suponía era un comentario satírico a conceptos como el exotismo o el primitivismo, se convirtió al tiempo en un ejercicio revelador del rol de las instituciones culturales y la condición de espectador; de la capacidad del museo –o del hecho expositivo— como generador de la noción de Otredad, ya fuera mediante el re-enacment de los infames zoos humanos, o en la formulación de una estética canonizada que poco margen ofrecía a otras experiencias artísticas que ya por aquel entonces se generaban en la antes llamada periferia del arte.
Revertir el marco de representación institucional, devolver la mirada agente al otro, cuestionar las historias coloniales y los procesos culturales y científicos que, derivados de éstas, han construido formas de identidad monolíticas y que aún observan la diferencia cultural con cierto escepticismo. Esto son algunos de los aspectos que desde los años 80, articulan tanto la obra como el activismo y la crítica institucional de Fusco, que desmitificaba ya entonces la multiculturalidad de la institución arte y el marco de significación sistemática que la definía. Su trayectoria se expande entre la performance y el videoarte; la pedagogía, la crítica y la teoría del arte; además de un incesante cuestionamiento e investigación alrededor de los sistemas de poder que atraviesa tanto su práctica artística como curatorial desde el principio de su carrera.
Eugenia Balcells, From the center, MNAC, Barcelona. Del 8 de mayo al 14 de septiembre 2025.
El Museo presentará en la Sala Oval una gran instalación en vídeo de Eugènia Balcells (Barcelona, 1943). Creada en la ciudad de Nueva York entre los años 1980 y 1982, From the center es una obra fundamental tanto en la trayectoria de la artista como en la historia del vídeoarte. Esta obra de gran complejidad técnica y riqueza de significados evoca los grandes monumentos megalíticos de la antigüedad, es un “Stonehenge electrónico”, en palabras de la artista. Por su calidad e importancia en la perspectiva histórica del arte contemporáneo catalán, la Generalitat la ha adquirido recientemente para la Colección Nacional de Arte Contemporáneo y forma ya parte de las colecciones del MNAC.
Los 12 monolitos situados en círculo conforman un gran panóptico transitable y ofrecen una suma de miradas parciales al entorno que, en su conjunto, representan una voluntad de contemplación unitaria y absoluta del mundo. La filmació́n de todas las imágenes fue realizada a largo de dos años desde un único punto fijo situado en la azotea de un edificio en el centro de Manhattan, en la esquina de Broadway con Grand St. Los sonidos y las músicas de cada uno de los doce canales fueron creados por encargo de Eugènia Balcells por el artista, músico y pionero del sonido Peter Van Riper (1942-1998). La suma de los doce canales de vídeo y de sonido generan un espacio intenso y complejo.
Con un lenguaje propio de la contemporaneidad y las nuevas culturas de la imagen, From the Center enlaza con la ambición poética y filosófica del romanticismo y el sueño de conectar empáticamente con el universo. La combinación de tecnología y espiritualidad, junto con la reflexión sobre la mirada y la visión, hacen de esta obra un trabajo que no sólo tiene un interés histórico sino que puede ser accessible y significativo desde la perspectiva de nuestro presente. Cabe señalar también las posibles relaciones con las grandes máquinas de visión mística que son las pinturas románicas, núcleo de la colección del museo.
Sara Gómez, Mi aporte, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona. De 17 de abril al 28 de septiembre 2025.
La exposición Mi aporte presenta, por primera vez en un museo, una revisión completa de la obra de la cineasta afrocubana Sara Gómez (1942-1974). Comisariada por Valentín Roma, la muestra recorre la vida y el trabajo de una de las principales representantes del documentalismo cubano en los años 60 y 70, pionera del cine antietnográfico y del cine político en Cuba.
A lo largo de su carrera, Gómez investigó su época desde un triple enclave conflictivo: joven, mujer y negra. Sus obras, inscritas dentro del marco del proyecto revolucionario de 1959, ofrecen una visión única sobre las tensiones sociales y políticas de la Cuba de la Revolución.
Entre los filmes destacados de la exposición se encuentra Mi aporte… (1972), en el que Gómez explora el rol de las mujeres en la esfera pública, el ámbito laboral y el hogar, enfrentando las estructuras de poder y el machismo. Otras obras importantes incluyen Guanabacoa, crónica de mi familia(1966), De bateyes (1971) y De cierta manera (1974), que abordan temas como la negritud, la marginalización y las tensiones de clase en la sociedad cubana.
Gómez fue la primera mujer negra en dirigir un largometraje de ficción en Cuba, y abordó temas como el racismo, el feminismo y la desigualdad social desde una perspectiva profundamente crítica. Su cine documental y experimental conectó con los discursos de la descolonización y la justicia social que marcaron los años 60 y 70.
Cathy Berberian, Stripsody, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona. De 17 de abril al 28 de septiembre 2025.
Con motivo del centenario del nacimiento de Cathy Berberian (1925-1983), esta exposición ofrece una profunda revisión de Stripsody, su ópera prima como compositora y una de las creaciones vocales más innovadoras del siglo XX. Comisariada por Arnau Horta, la muestra explora la génesis de esta pieza única, que combina la música, la performance y la experimentación con la palabra y el lenguaje, usando onomatopeyas inspiradas por la iconografía y el lenguaje de los cómics.
Stripsody fue creada en colaboración con Umberto Eco, y su carácter vanguardista marcó el inicio de la revolución paramusical de Berberian. La artista, conocida por su versatilidad vocal, no solo interpretó algunas de las obras más importantes de compositores como Luciano Berio, John Cage o Sylvano Bussotti, sino que también influyó profundamente en su creación. Su voz fue un instrumento fundamental para explorar nuevas formas de entender la música, ampliando sus límites estéticos y conceptuales.
Paula García-Masedo, Ver en natural, Fundació Miró, Espai 213, Barcelona. Del 10 de abril al 29 de junio 2025.
Comisaria: Carolina Jiménez.
La práctica de Paula García-Masedo (Madrid, 1984) reorganiza la atención sobre el establecimiento de las formas mirando a través de la escultura la relación que existe entre sus materias y las causas exteriores, a saber, las fuerzas. Las fuerzas que se atienden son las que pertenecen a lo colectivo, las de las culturas de la materia. Su trabajo se desarrolla a través de operaciones seriadas que dan lugar a situaciones específicas de orden y presencia y contribuyen a la percepción de relaciones genealógicas.
Su trabajo se ha presentado en el CA2M (Madrid), Patio Herreriano (Valladolid), La Capella (Barcelona), TEA (Santa Cruz de Tenerife), la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Madrid), La Casa Encendida (Madrid) o la Fabra i Coats (Barcelona), entre otros espacios. Ha comisariado exposiciones y proyectos en CentroCentro (Madrid), Liga DF (Ciudad de México) o Monoambiente (Buenos Aires). Cofundó el espacio independiente Pols (Valencia). Ha publicado dos libros con Caniche Editorial.
Entre dos patios. El paso de Fina Miralles, Susana Solano y Eva Lootz por el Espai 10, Fundació Joan Miró, Barcelona. De 28 de febrero al 18 de mayo de 2025.
Comisariado: Martina Millà, jefa de exposiciones de la Fundació Joan Miró.
Para cerrar la celebración de los cuarenta y cinco años de los espacios 10 y 13, y como introducción a la exposición conmemorativa de los cincuenta años de la Fundació Joan Miró, presentaremos tres reconstrucciones de muestras destacadas de jóvenes artistas femeninas de las décadas de 1970 y 1980. Hemos seleccionado, por orden cronológico, tres proyectos representativos de las exposiciones de Fina Miralles (1979), Susana Solano (1980) y Eva Lootz (1986).
Realitats Entrellaçades. Núria Farré, Elena Montesinos e IAMPIÔ, Fundació Úniques, Barcelona. Del 27 de febrero hasta 24 de mayo 2025.
Fundació Úniques presenta «Realitats Entrellaçades», una exposición colectiva que explora la interconexión entre identidad, experiencia y creación artística en el mundo contemporáneo. Comisariada por Paula Carrera, la muestra reúne a las artistas Núria Farré, Elena Montesinos e IAMPIÔ, tres voces que, con lenguajes propios, reflexionan sobre la fusión de disciplinas, culturas y territorios en un presente donde las fronteras entre lo físico y lo digital, lo personal y lo colectivo, se difuminan.
Además de la exposición, se han programado actividades paralelas que profundizarán en el diálogo entre arte y sociedad, invitando al público a participar activamente en esta experiencia inmersiva y transformadora.
Esta exposición no solo es una celebración de la diversidad creativa, sino también una reivindicación del papel de las mujeres artistas en la construcción de nuevas narrativas visuales y emocionales. Ahora es el momento de expresarnos plenamente y tomar acción.
Marta Palau, Mis caminos son terrestres, Fundación Tàpies, Barcelona. Del 27 de febrero al 22 de junio de 2025.
La obra multidisciplinar de Marta Palau transita entre varios lenguajes artísticos, pero es en el tapiz donde encuentra el espacio de representación que le permite crear un diálogo entre dostradicionesdistintas,lacatalanaylamexicana Conlosaños,hallaráuncaminopropio matérico y temático que ahondará en los conceptos de migración, frontera, pertenencia a la tierra y los cuidados, entre otros Formada en el taller de Josep Grau-Garriga en uno de sus pocos viajes a Europa, sus tapices se caracterizan por el uso de elementos naturales o tradicionalesvinculadosasutierradeacogida,comoelyute,elmaízazulolacuerda Palau nunca quiso que la etiquetaran en ninguna corriente o tendencia y siempre consideró su arte como un espacio único y propio que no podía ser categorizado Sin embargo, en sus escritos declaró su admiración por la obra de Tàpies y Rothko, artistas a los que consideraba cercanos por su modo de concebir el arte y su práctica
Esta será la primera vez que pueda verse en Barcelona la obra de esta artista catalanomexicana, cuya práctica se quiere recuperar y dar a conocer La exposición será uno de los primeros proyectos de esta nueva etapa del Museu Tàpies que busca abrirse y dar visibilidad a algunos de los artistas a los que los discursos hegemónicos han dejado fuera de las instituciones
Marta Palau (Albesa, Lleida, 1934 – Ciudad de México, 2022), se exilió a México en 1940 junto con su familia, a consecuencia de la Guerra Civil española y de las posiciones políticas y de militancia que ostentaban algunos de los miembros de su familia Marta Palau tenía 6 años y nunca volvió a vivir a Catalunya, pero su conexión con sus raíces y con la tierra catalana la acompañaron durante toda su vida, como delatan algunas de sus obras.
Maya Deren, ICUB, Sede Moncada, Barcelona. Del 27 de febrero al 7 de septiembre de 2025.
Comisaria: Ainize González.
Una muestra dedicada a la cineasta y figura clave del cine experimental del siglo XX. Maya Deren (1917-1961, nacida como Eleonora, el nombre se lo cambió ella misma) usó los lenguajes del cine, la literatura, la danza y la espiritualidad, todos ellos parte inseparable de su obra.
La exposición se centra en el cine de Maya Deren, pero también en los viajes que hizo a Haití entre 1947 y 1955, gracias a una beca Guggenheim que le permitió filmar más de seis mil metros de negativo que nunca llegó a montar.
La artista había nacido en Kiev en 1917, pero su familia se trasladó a Nueva York en 1922. Estudió Periodismo y Ciencias Políticas en la Universidad de Syracuse y fue secretaria de la bailarina, antropóloga y coreógrafa Katherine Dunham. En 1943 rodaba su primer cortometraje, Meshes of the Afternoon (en la imagen, © All rights reserved by the artists / Courtesy of Light Cone), inicio de una carrera dedicada al cine y a la danza, la de su tiempo y también la de otras culturas. Viajó a Haití para investigar en los rituales del vudú haitiano y sus investigaciones se tradujeron en un libro, Divine Horsemen: The Living Gods of Haiti, y el disco Voices of Haiti, del mismo año, que incluye nueve cortes sonoros de las danzas y los rituales haitianos.
Deren fue autora de seis proyectos cinematográficos de carácter experimental, especulativo, intuitivo, poético, simbólico y visual. La muestra transita entre estas imágenes poéticas con apariencia de producto audiovisual inacabado de una manera visual y casi coreográfica, pero evitando el carácter cronológico o biográfico.
Anna Malagrida, Fundación Tápies, Barcelona. Del 13 de marzo al 22 de junio de 2025.
Los trabajos de Anna Malagrida se centran sobre todo en un estudio antropológico de las arquitecturas de las ciudades, o de aquellas que han ocupado espacios naturales con relación al ocio: un replanteamiento del sentido de las imágenes que, en un contexto de fake news, se convierte en una metáfora de su generación y el uso que esta hace de ello, con varias capas de significado Las fotografías de gran formato están tomadas desde escaparates o desde grandes vidrieras que han sido tapadas con el característico blanco de España, como si fueran grandes telas informalistas que nos remiten a la obra de Antoni Tàpies
Sus fotografías nos dibujan un camino, un recorrido entre lo que queda oculto por la crisis económica o las grandes compañías de eventos que ocupan reservas natura- les para llevar a cabo su actividad y deterioran el medio ambiente Con un claro carácter sociopolítico, Malagrida juega con los dobles significados a partir de las texturas con simi- litudesconlapintura Suobratratadeponerencuestiónelsistemaneoliberalycapitalista de las grandes ciudades y empresas a través de una mirada desde el interior que las cues- tiona y las señala como responsables directas del cambio climático y el empobrecimiento de la población
Anna Malagrida (Barcelona, 1970) se trasladó a París al finalizar sus estudios para desarrollar su carrera artística, centrada sobre todo en un trabajo fotográfico que crea un juego de miradas entre el dentro y el fuera, entre observar y ser observado, cuestionando la mirada hegemónica y poniendo el acento en las miradas multidireccionales.
Puntos de fuga, Palau Robert, Barcelona. Hasta 1 de junio 2025.
pretén repensar el concepte d’empoderament de gènere, a la vegada que interpel·la les idees preconcebudes sobre els processos d’inclusió viscuts per les nenes i les dones d’origen migrant. Treballada en base a la recerca ReIncluGen (Horizon Europe- RIA) i finançada per la Comissió Europea, l’han comissariat Laia Narciso (Doctora en Antropologia Social i Cultural, professora i coordinadora del Grup EMIGRA) i Nicolas Hermansen (Artista multidisciplinari i professor a l’Institut del Teatre).
Silvia Gubern Garriga-Nogués, Esplendor. Volver al origen, Espais Volart, Fundació Vila Casas, Barcelona. Del 17 de febrero 2025 al 22 de febrero 2026.
La exposición vuelve a traer a Barcelona, después de treinta años de ausencia, las obras de esta artista. La muestra presenta una recopilación de su trabajo a lo largo de su amplia trayectoria. Artista, poeta y sanadora energética, en esta muestra podremos contemplar un centenar de obras que reflejan el proceso creativo de Gubern, marcado por una profunda vocación hacia el desarrollo de la consciencia personal, planetaria y espiritual.
La exposición invita al espectador a embarcarse en un viaje hacia el origen, donde Gubern redibuja y recrea la comunión entre los seres y las cosas. Su obra explora el poder orientador y sanador de la imagen, los signos, la palabra y la visión, a través de dibujos, escritura canalizada, esculturas, poemas, pinturas en vidrio e instalaciones. Estas piezas no solo representan su arte, sino también un testimonio de su creencia en el arte como un lenguaje sagrado y transformador.
En Esplendor. Volver al origen, Gubern nos lleva a conectar con las potencias metafóricas de la luz, la transparencia y la antimateria, elementos fundamentales en su trabajo de transformación espiritual.
«Dones de paraula», Museu Frederic Marès, Barcelona. Del 30 de noviembre 2024 al 25 de mayo 2025.
La eexposición reivindica el uso de la palabra desde una perspectiva femenina, abarcando desde la época moderna (siglos XVI al XVIII) hasta la actualidad. La muestra destaca a mujeres que «tomaron la palabra», como Santa Teresa de Jesús, y explora temas como la transmisión del conocimiento, la sabiduría femenina y la negación de la voz de las mujeres. La e xposición subraya la importancia de crear una genealogía de autoras referentes, reivindicar el orden simbólico materno y visibilizar el descrédito histórico de la palabra femenina en todos los ámbitos.
Antonia del Río, Una poética del uso: hacer servir la biblioteca, Fundació Suñol, Barcelona.
Este proyecto consta de una parte presencial, que tendrá lugar en la biblioteca de la Fundació Suñol, y otra online, que podrá encontrarse en nuestra web en el marco del proyecto Shortcut. La propuesta presencial de este proyecto parte de la activación de la biblioteca como espacio creativo de la Fundació Suñol. La artista ha seleccionado un conjunto de monografías de algunos artistas consagrados que forman parte o han formado parte de la Colección Suñol Soler, y que se encuentran ampliamente representados en la biblioteca. Antònia del Rio selecciona fragmentos que hacen referencia a la construcción del discurso historiográfico sobre el artista genio y las obras de arte consideradas obras maestras, y destaca la información personal, con especial interés sobre la paternidad de estos autores y las implicaciones de esta condición en sus trayectorias profesionales, así como la profesión de artista en la saga familiar o aquellas citaciones que transcriben voz de los mismos autores. Los libros intervenidos en la biblioteca de la fundación forman una constelación de señales amarillas en los lomos que nos permiten identificarlos. En el interior encontramos encartados unos acetatos transparentes que han servido para subrayar el texto. De esta manera, se hace visible un contenido que ya formaba parte de la Fundació Suñol pero que, a través de la mirada del artista, emerge en clave crítica para proponernos un contrarrelato posible, a la vez que invita a encontrar otros. En el apartado online, titulado S/T Mapa de relaciones, Antònia del Rio presenta un mapa de relaciones que parte de la información extraída del proyecto de la biblioteca. En este mapa de relaciones o sociograma, conecta una serie de artistas que se conocieron personalmente, según aparece de manera explícita en los catálogos que ha leído. Otras informaciones que podemos encontrar en el mapa son: si los artistas son padres, si podemos conocer los nombres de los respectivos hijos e hijas, si sus progenitores eran artistas o si los artistas en cuestión siguen vivos en la actualidad.
GIRONA
LLEIDA
TARRAGONA
Mariaelena Roqué, MAMT Museu d’Art Modern de la Diputació de Tarragona. Desde 25 de enero al 22 de junio de 2025.
La artista Mariaelena Roqué (Tarragona, 1952), interdisciplinaria certifica que el arte en sus diferentes formas es una manera de expresar la propia interioridad, transmitiendo la realidad que vivimos a través de la misma subjetividad como canal de revelación.
EXTREMADURA
BADAJOZ
CÁCERES
Felisa Serrano, Entre tramas, Museo Etnográfico Textil Pérez Enciso, Plasencia. Del 12 de febrero a septiembre de 2025.
Las obras de Felisa Serrano son fruto de un proceso creativo y constructivo muy personal, en plena concordancia con su pensamiento, en continua ebullición de ideas. Su inspiración está en la naturaleza. Una imagen que le lleva a una constante incertidumbre, que lejos de parar, se abre camino en la tela puntada tras puntada, creando certeras abstractas, de diferentes texturas y relieves, que nos profundizan y nos conectan con nuevas formas de ver y experimentar el arte.
La artista trabaja el bordado, los tejidos, el lino, madera a la deriva, cerámica antigua, bolsas de té…“estos materiales son enormemente sugerentes e inspiradores, a través de ellos me siento parte de mi tradición ancestral. Es como si me conectara a través del tiempo a las mujeres que me precedieron y para las que el textil siempre fue su forma de expresión”, explica la artista.
En esta muestra, el público se va a encontrar novedosas esculturas textiles de lino natural sobre tela de gallinero y bolsitas de té o exquisitos bordados en latas de conservas.
GALICIA
A CORUÑA/ SANTIAGO DE COMPOSTELA
Mar Caldas, Mujeres, trabajo y memoria, CGAC, Santiago de Compostela. Del 31 enero al 25 de mayo de 2025.
Comisaria: Monse Ceo.
En el marco de su programa de artistas de media carrera, el CGAC presenta una muestra individual de la artista Mar Caldas, pionera del arte feminista en Galicia. Su obra, fundamentalmente fotográfica, renueva siempre su cariz reivindicativo para atender a los diferentes obstáculos que, por su condición, atenazan la vida de las mujeres.
En esta ocasión, nos invita a un recorrido por su obra reciente, en la que el trabajo de las mujeres y la denuncia de su escasa consideración, pasada y presente, ocupan la centralidad del discurso. Su propuesta nos habla de la realidad laboral de las mujeres gallegas durante tres generaciones. Nieta de sindicalista fusilado, Caldas reclama su identidad como víctima transgeneracional del franquismo: nieta de viuda abocada a la escasez y las privaciones e hija de madre telefonista que perdió su trabajo por el hecho de contraer matrimonio. La exposición se desarrollará en tres salas y contará, además, con un anexo documental. Con la fotografía como protagonista, desplegará un amplio abanico de formalizaciones: collage fotográfico con imágenes apropiadas, series fotográficas de creación propia en gran formato, la imagen fotográfica proyectada a modo de instalación y como base de una obra fílmica… e incluso una pieza fotográfica en formato “tarjeta para llevar”. La tercera sala estará dedicada al proyecto Retrato de familia, realizado ad hoc para esta exposición.
Concha Jerez y José Iges, Resignificaciones, CGAC, Santiago de Compostela. Del 14 febrero al 1 junio de 2025.
Comisaria: Alicia Murria.
Con relevantes trayectorias individuales Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941) y José Iges (Madrid, 1951) han desarrollado de forma paralela, desde hace más de tres décadas, una producción común que se contamina y enriquece en la diferencia de sus respectivos lenguajes. Partiendo del concepto de resignificación, esta muestra conjunta reúne obras realizadas entre 1989 y 2023. Bajo esta idea, lo que Iges y Jerez plantean es, en sus propias palabras, “una operación que permite asignar a un objeto, medio o situación cualidades hasta ese momento inesperadas, imprevistas”. En la filosofía de estas obras subyacen planteamientos que enunció Guy Debord tanto en su libro La sociedad del espectáculo (1967) como en su obra fílmica.
A través de imágenes fijas y en movimiento, objetos reutilizados, sonidos cotidianos, fotografías, entrevistas, obras ideadas para radio, videoperformances y documentos —muchos de ellos procedentes de los medios de comunicación y su ruido—, Jerez e Iges componen una especie de paisajes visuales y sonoros que analizan, tensan, describen, y parodian a veces, el mundo que nos rodea. Se trata de un trabajo en el que confluyen lenguajes que, como el vídeo, la performance, el arte radiofónico o las instalaciones, han complejizado las prácticas artísticas tradicionales.
Una obra como Arenas movedizas, videoinstalación fechada en 2008, ofrece un despliegue de noticias verdaderas que parecen falsas y a la inversa, señales que desorientan a quien los contempla e invitan, entre proyecciones y sonidos, a participar en un juego donde lo real se disuelve en un territorio de inseguridad. Mientras, la pieza Bazar de utopías rotas aborda temas como los acuerdos internacionales en defensa de los derechos humanos, infringidos de forma continuada, y lo hace a través de una gran mesa de negociaciones con espejos, cristales rotos, textos y sonidos, entre otros elementos. En otro orden, Viaje a ninguna parte aborda, mediante cuatro acciones grabadas en vídeo en zonas no accesibles al público en el edificio de Tabacalera en Madrid, una contraposición de tiempos que enfrenta a un espacio que, creado para ser una estructura fabril y abandonada hace varias décadas, vive hoy nuevos usos culturales, reflejando el cambio de los tiempos que ha quedado impreso en sus paredes. Otras piezas nos plantean temas igualmente vigentes como el control ejercido sobre la ciudadanía, la videovigilancia, el funambulismo de la profesión artística, la desinformación o las continuas agresiones a los derechos humanos. Jerez e Iges arrojan luz sobre la actualidad, a veces desde la ironía y otras adoptando un tono poético, pero siempre partiendo de una inteligencia ética.
LUGO
Elas. O Vello Cárcere, Lugo. Exposición permanente.
Se trata de un proyecto en colaboración entre Aurora Marco, que es investigadora, historiadora y profesora de la USC, y varias artistas locales: Chelo Rodríguez, Ehlaba Carballo, Irene Silva Xiráldez, María Manuela, María Xesús Díaz, Novais, Sabela Arias Castro y Vanessa Lodeiro. Tras la investigación de Aurora sobre mujeres gallegas que destacaron como artistas en diferentes etapas de la historia gallega y en distintos campos de creación, las artistas crearon una serie de piezas en homenaje a ELLAS.
PONTEVEDRA
VIGO
Érguete. La huella de las madres, MARCO, Vigo. De 28 de febrero al 8 de junio de 2025.
Comisarias: Violeta Janeiro y y Mariña Carrasco Rivas.
El año 2025 señala el 40º Aniversario de la Asociación Érguete, que nació en 1985 por iniciativa de un grupo de madres unidas por un vínculo común: la drogodependencia de alguno de sus hijos. Salieron a la calle, se formaron, señalaron a los narcotraficantes, ganaron derechos para las personas con problemas de adicciones y abrieron camino a una sociedad que, poco a poco, fue actuando frente al problema. Figuras clave de la historia reciente, su lucha significó un antes y un después.
Las madres de Érguete encontraron en el asociacionismo una vía para resignificar su maternidad, entendida entonces como el fundamento de una identidad femenina que las relegaba al papel de amas de casa y esposas. Con su presencia en la esfera pública, pusieron el cuerpo y la voz para encarnar, interpretar y señalar todo aquello que hasta entonces se había mantenido oculto. La manifestación de su dolor y su trauma supuso un desafío a la performance del Estado, que contrarrestaron con acciones colectivas que abrieron grietas en la red del narcotráfico en Galicia.
Durante las décadas de los ochenta y noventa, lograron modificar la opinión pública, impulsar reformas en el Estado de Derecho y ejercer una influencia significativa en la percepción política y social de la mujer, así como en la valoración de su papel como madre y ama de casa. Aunque la Asociación Érguete no nació con una orientación netamente feminista, fortaleció y transformó el rol de la mujer en la sociedad.
Hoy, pasadas cuatro décadas, una exposición quiere recordar a estas madres y mostrar la importancia de su huella en Vigo, en Galicia y en todo el Estado. Junto a una selección de materiales gráficos, objetos y documentación procedentes del archivo y hemeroteca de la Asociación Érguete, la muestra incluye obras de artistas contemporáneas que dan forma a un contexto político y social desde una diversidad de lenguajes y soportes.
Artistas: Eugènia Balcells, Cecilia Barriga, Javier Codesal, Maribel Domènech, Jana Leo, Elvira Martínez Villa, Alejandra Pombo Su, Bea Rey, Paula Santomé, Anna Turbau y Ana Vieira.
Pilar Albarracín, Mandala (Arc en ciel), CGAC, Santiago de Compostela. Del 18 septiembre 2024 al 7 de septiembre de 2025.
Pilar Albarracín (Sevilla, 1968) fue una de las creadoras claves en la renovación de los lenguajes artísticos en España durante los años noventa. En una escena hasta entonces dominada por la pintura y la escultura, su trabajo fue pionero en el uso de la fotografía, la performance o la instalación como medios de expresión artística, y ha contribuido a formular algunas de las cuestiones fundamentales para entender la evolución de las prácticas artísticas en las últimas décadas. En 2021 la artista presentó en el CGAC, en el marco de la segunda edición de Plataforma. Festival de Artes Performativas, la exposición individual Pilar Albarracín. Acciones peregrinas.
La creación artística ofrece otras lecturas que pueden hacer aflorar emociones o significados ocultos en nuestro subconsciente. Recontextualizar o disponer de otro modo elementos pertenecientes a la esfera de lo cotidiano no solo los hace visibles, sino que les otorga un nuevo significado.
Mandala (Arc en ciel) (2012) forma parte de una serie más amplia integrada por otras cinco piezas que actualmente pertenecen a las colecciones del CAAC de Sevilla y el MUSAC de León. La obra expuesta en el hall del CGAC, está constituida por un conjunto de bragas usadas de diversos colores y tamaños dispuestas en círculos concéntricos. En este contexto, las prendas interiores femeninas adquieren un significado nuevo y profundamente simbólico, modelando un universo sagrado donde se combinan armoniosamente lo individual y lo colectivo.
La configuración geométrica del mandala brinda a la artista la posibilidad de mostrar de manera simultánea los diferentes significados ocultos en su obra. Los círculos mágicos, el eterno retorno, lo sagrado y lo profano, son algunos de los temas implícitos en una pieza que nos invita a formularnos preguntas y, al mismo tiempo, nos ofrece respuestas acerca del cuerpo femenino.
Mediante la participación colectiva de mujeres de diferentes horizontes, procedencias, edades y morfologías, la artista ha conseguido crear un todo único y plural que representa el comienzo de un nuevo mundo.
C. MADRID
Sonia Navarro, Fronteras y territorios, Sala Alcalá 31, Madrid. Del 23 de mayo al 6 de junio 2025.
Comisarias: María de Corral y Lorena Martínez de Corral.
Se trata de la primera exposición institucional de Sonia Navarro en Madrid. En la muestra, que profundiza en la trayectoria de más de 30 años de la artista murciana, se podrá disfrutar de una selección de medio centenar de obras de diversas técnicas como el textil, ámbito en el que más se ha especializado a lo largo de su carrera, además de escultura, pintura, collage, fotografía e instalaciones.
La exposición es una trama que une los diferentes patrones de trabajo de la artista. Entre ellos, se encuentra la utilización de un medio como la costura, que se ha transformado en su distintivo más característico. De esta forma, las telas, los patrones, las costuras y el hilo conforman un lenguaje identificable a lo largo de toda su carrera.
Fronteras y territorios pone especial énfasis en la selección y el tratamiento de los materiales. Con ellos, Sonia Navarro reivindica su propia procedencia, la tradición, los orígenes y la artesanía, pero también el feminismo con la autonomía de la mujer a través de los oficios tradicionales o la lucha climática con el uso del esparto que evita la desertización del territorio o el uso de materiales de desecho.
En las obras expuestas se puede apreciar un discurso que aúna tradición y contemporaneidad, en el que Sonia Navarro presta igual atención a cuestiones formales y a contenido narrativo. Cada una de sus piezas crea un profundo diálogo con el espectador, al que invita a explorar las múltiples capas de su trabajo y a conocer la memoria personal de la artista.
Espe Pons, Flucht. Las huidas de Walter Benjamin, Centre Cultural-Llibreria Blanquerna, Madrid. Del 22 de mayo al 26 de julio 2025.
Comisaria: Espe Pons.
El pasado exige justicia, decía el filósofo Walter Benjamin en su reflexión sobre cómo el progreso arrasa con el pasado. Benjamin resistió todo lo que pudo tanto física como mentalmente al horror nazi. Escapó de París para intentar llegar a Nueva York, pero en Portbou, ese no lugar, su alma se quebró. Convencido de que las autoridades franquistas le entregarían a la Gestapo, acabó con su vida en ese punto fronterizo, de ausencia, de exilio.
Flucht, escapada, fuga. Flucht es un ensayo fotográfico de Espe Pons (Barcelona, 1973) que resigue los lugares que acompañaron al filósofo alemán Walter Benjamin durante sus últimos días huyendo del fascismo. En este trabajo, Pons traza la memoria de un paisaje construido con las ideas de frontera, huida y libertad.
«¿De qué nos hablan estas fotografías?», se pregunta Pilar Parcerisas en el extraordinario foto libro del cual surge esta exposición. «De sombras y rastro en caminos con memoria que han vivido intensamente el paso del hombre labrando senderos poco explorados, entre viñedos y rebaños, entre cimas que miran al cielo y el horizonte del azul del mar».
Marisa González, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 21 de mayo al 22 de septiembre de 2025
La exposición de Marisa González (Bilbao, 1943) repasa en esta retrospectiva la variedad de medios y la indistinción entre originales y reproducciones, constante en su práctica artística. La muestra también atiende a cierta vocación de la creadora vasca por el arte de la instalación, creando de esta forma una obra bidimensional generada por la tecnología disponible en cada momento.
De esta forma, la muestra repasa la trayectoria de la artista, partiendo de la obra que ejecutó en los años 70, cuando se formó en el Departamento de Sistemas Generativos del Art Institute de Chicago. González emplea este bagaje para adentrarse en las intersecciones entre la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Fue, en ese sentido, avanzadilla en el escenario del arte español de ese momento.
En su evolución, González se interesa también por el residuo y el desecho. Así, a mediados de la década de 2000 prestó atención a una infraestructura industrial que nunca llegó a estar operativa: la central nuclear de Lemóniz.
Catara Rego, Inventario de geometría continua, Navel / Centro de Creación Contemporánea, Madrid. Del 17 de mayo al 14 de junio 2025.
Comisaria: Laura Darriba.
La autora aborda el paisaje con una actitud beligerante ante la explotación del territorio, enfocándose en la erosión y el extractivismo. Su visión vincula la protección del ecosistema con la identidad y el sentimiento de pertenencia. Busca atraer la mirada hacia un discurso narrativo y expositivo, combinando lo documental y lo visual. Su relato trasciende la estética de lo bello, revelando una problemática real en el paisaje gallego.
Un tiempo para mirar (1970-2020), de Marisa Flórez, Sala Canal de Isabel II, Madrid. Desde 14 de mayo al 20 de julio 2025.
La muestra, incluída en la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2025, revela el archivo personal de la fotógrafa, trazando un recorrido visual por la política, el activismo y la cultura, donde la imagen se convierte en testigo directo de la historia reciente.
Cinco décadas de oficio respaldan el trabajo de la fotorreportera Marisa Flórez (León, 1948) y una trayectoria profesional reconocida con varios galardones –el Premio Nacional de Periodismo Gráfico (1981), el Premio Piedad Isla (2015) o el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2024)–, que inicia en 1971 en el diario Informaciones y desarrolla en El País entre 1976-2012 como fotorreportera, redactora jefa y editora gráfica, donde ha sabido combinar con elegancia y sencillez, en perfecto equilibrio, la creación artística y el sentido documental de la fotografía.
Esta exposición tiene como principal objetivo descubrir al público una obra fotográfica repleta de momentos sorprendentes y acontecimientos decisivos en nuestra historia reciente a los que dedicar un tiempo para mirar: protagonistas populares reconocibles de la sociedad, del espectáculo, del arte y de la cultura; la inauguración de la primera legislatura democrática; el devenir de los acontecimientos sociales, como la vida en las cárceles, los atentados, las primeras manifestaciones; o el momento en el que el arte se hace política con la llegada del Guernica, el último exiliado.
Las 185 imágenes que conforman esta muestra, algunas inéditas, seleccionadas del archivo personal de la artista, descubren un estilo fotográfico arrollador, así como una manera de ver y de crear decididamente contemporánea que se suma a una férrea voluntad por investigar otra forma de contar lo mirado y lo vivido. La exposición reúne un itinerario fotográfico que funciona a modo de constelaciones donde ir descubriendo, por un lado, la riqueza expresiva y formal de Marisa Flórez y, por otro, la variedad temática: política, activismo, crónica social, arte y cultura.
Un magnífico conjunto fotográfico con un alto valor patrimonial y documental, representativo de una época reivindicativa de deseos y emociones tanto propias como colectivas.
Ayana V. Jackson, Nosce Te Ipsum: Membrum Fantasma, Museo Nacional de Antropología, Madrid. Desde 29 de abril al 31 de agosto de 2025.
En su primera exposición individual en el continente, la artista afrodescendiente revisita el archivo colonial para subvertir sus narrativas y liberar el cuerpo negro de la mirada impuesta.
Laura San Segundo, Un mundo lleno de formas, Antiguo Hospital de Santa María la Rica, Alcalá de Henares, Madrid. Del 25 de abril al 8 de junio de 2025.
Más allá del valor documental de la fotografía o de su poder para construir y transmitir historias, Laura San Segundo (Alcalá de Henares, 1990) explora la capacidad de reflexión e ilusión de la imagen fotográfica. Lo hace a través de una metodología lúdica e intuitiva, definida por un uso particular de la luz y el color y, sobre todo, por la manera en que conecta imágenes de distinta naturaleza.
El punto de partida de esta exposición es su proyecto El recinto circular, inspirado en un breve cuento de Borges que le sirve para reflexionar acerca de los pensamientos inconscientes. Le sigue la serie One can only give examples of it, centrada en lo ‘infraleve’, un neologismo sin definición que solo puede comprenderse a través de ejemplos. Y concluye con su trabajo más reciente, Las hijas de Minerva, una investigación junto a Alejandría Cinque en torno a la sala de billar de una casa burguesa del siglo XIX.
Angiola Bonani, de los túneles de la memora a la risa de los pueblos, La Neomudéjar, Madrid. Del 16 de abril al 15 de junio 2025.
Una pequeña muestra de gouaches de 1962; una selección de obras de los años 80-90, el proyecto Lavapiés-Dakar (2005) y la carcajada de las mujeres (2015) en un espacio de arqueología industrial absolutamente intocado.
Eva Fábregas. Abierto x obras, Matadero, Madrid. Del 10 de abril al 20 de julio 2025.
Comisariado: Luisa Espino y Aimar Arriola.
La encargada de inaugurar esta nueva etapa es la artista barcelonesa Eva Fàbregas, cuyas esculturas parasitarias rezumarán de las grietas y heridas de la estructura del espacio expositivo. Su propuesta escultórica, moldeada por el aire, remite a los fluidos que exudan de los organismos vivos.
En esta propuesta, Eva Fàbregas generará un ecosistema de membranas arrugadas que harán exudar las fracturas del edificio. Las piezas parten de un juego de tensión y distensión, manipulando tejidos sintéticos y jugando con los tiempos de secado del látex y otros materiales plásticos. Todas estas membranas arrugadas, marcadas por una consciente monocromía, resaltarán las fracturas del edificio proliferando en los resquicios de la arquitectura, haciendo visibles tanto las cicatrices del espacio como las de las propias obras.
Las piezas creadas por Eva Fàbregas específicamente para Abierto x Obras forman parte de su serie en curso Exudates (Exudados), título que hace referencia a los fluidos que exudan de los organismos vivos como respuesta a una lesión o inflamación. Si bien la exudación forma parte de todo proceso de cicatrización, una cantidad o composición indebida pueden afectar la recuperación. Las esculturas de Fàbregas proliferan dentro del espacio y lo alteran al tiempo que introducen un elemento simbólico para su regeneración.
En su práctica escultórica y de instalación, Eva Fàbregas (Barcelona, 1988) trabaja a menudo con materiales suaves y maleables, apuntando a la dimensión física y sensorial de las formas. Entre sus exposiciones más recientes destacan Exudates, MAC Mataró, MANIFESTA 15 (2024); Intención Poética, MACBA, Barcelona (2024); When forms come alive, Hayward Gallery, London (2024); Devouring Lovers, Hamburger Bahnhof, Berlin (2023); Enredos, Centro Botín, Santander (2023); The London Open, Whitechapel Gallery, London (2022); Growths, Biennale de Lyon, (2022); Vessels, Bombon Projects (2022); La próxima mutación, Fundació La Caixa, Barcelona (2021); Skin-like. Kunsthal, Gent (2021); Touch Me Not, The Ryder, Madrid (2021); Un Momento Atemporal, Tabacalera, Madrid (2020); Yokohama Triennale 2020, Yokohama Museum of Art (2020); Gut Feeling, CentroCentro, Madrid (2019); Those things that your fingers can tell, Kunstverein Munchen, Munich (2019); Polifilia, García Galería, Madrid (2019); Myths of the near future, TEA, Tenerife (2019); Polymeric Lust, Arte Display. Berlin (2019); Every object is a thing but not everything is an object, Hollybush Gardens, London; Who cares? A radio tale, Gasworks / Resonance 104.4 FM, London (2018); First Act: Smooth Operations, Laure Genillard Gallery, London (2017), o Picture yourself as a block of melting butter, Fundació Miró, Barcelona (2017); How are you feeling today ?, Window Space (Whitechapel), London (2015); Eva Fàbregas & Andrew Lacon, Kunstraum, London (2014), entre otras.
Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas, CaixaForum, Madrid. Del 3 de abril al 10 de agosto de 2025.
No es solo un personaje literario. A lo largo de 160 años, Alicia se ha convertido en símbolo, metáfora e incluso fenómeno de masas. Desde el Victoria and Albert Museum de Londres llega la exposición más ambiciosa dedicada a la influencia de Alicia en el país de las maravillas en el imaginario colectivo actual, desde el mundo del arte y la moda hasta el psicoanálisis o el cine.
Ritmos. Imágenes de trabajo femenino, Museo Reina Sofía, Biblioteca y Centro de Documentación, Madrid. Del 21 de marzo al 13 de junio de 2025.
Comisariado: Selina Blasco, Maite Garbayo y María Rosón.
Desde mediados de la década de 1920 el cuerpo de las mujeres trabajadoras aparece con frecuencia en la prensa gráfica española. Sus imágenes componen una enciclopedia documental de acciones, técnicas y herramientas que, a partir de su repetición, dan forma a un nuevo tipo de subjetivación femenina.
Ritmos. Imágenes de trabajo femenino explora los cambios y continuidades que trae el trabajo a la identidad de las mujeres antes, durante y después de la Guerra Civil. Es una exposición de papel, y sobre el papel, que recoge el trabajo de investigación realizado por las comisarias en la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía.
La elección de los materiales —y la forma de reunirlos— refleja la importancia que su variada condición objetual ha tenido en la investigación; y, al mismo tiempo, revela la relación de las investigadoras con las imágenes halladas en los fondos bibliotecarios: los encuentros, las sorpresas, las serendipias, las certezas, las anacronías o las dudas. Se establece así un recorrido en torno a los procesos y las formas de pensamiento, otorgándoles un papel central en la construcción del conocimiento y de la historia que se quiere contar. En la muestra se presenta también una producción audiovisual inédita realizada por la artista Julia Montilla, que recorre parte de la investigación realizada.
Art al Quadrat, De coros, danzas y desmemoria, Museo Nacional de Antropología, Madrid. De 5 de marzo al 25 de mayo de 2025.
De coros, danzas y desmemoria es un proyecto que surge de una necesidad que observamos durante la producción de una obra anterior: Las Jotas de las silenciadas, grabada en Teruel, donde recopilamos historias de cinco mujeres durante la Guerra Civil mediante cantos tradicionales. En aquel momento trabajamos codo con codo con la asociación Pozos de Caudé, dando voz a las historias de mujeres fusiladas y represaliadas. No obstante, al exponer la obra, nos hemos dado cuenta de otra necesidad que hay que cubrir y es el interés por saber, por descubrir qué pasó en la historia reciente, en especial, por parte de los jóvenes. Este interés hace que propusiéramos la ampliación de las historias y cantos al resto de España.
Con esta prolongación, en De coros, danzas y desmemoria, «emulamos» a la Sección Femenina de FET y de las JONS con la organización Coros y Danzas de España, fundada en 1939 y que cesó su actividad en 1977. Este grupo confeccionó un imaginario del folclore «español» apropiando y vinculando la cultura popular al ideal del nacionalcatolicismo del franquismo. La recopilación se realizaba mediante las misiones, de manera poco rigurosa, a la merced de la buena voluntad más que de procedimientos científicos. Se recogían canciones, danzas e indumentaria en toda España que, por cierto, se pueden consultar en la Biblioteca Nacional.
En nuestro proyecto transformamos los Coros y Danzas en la recuperación tanto del folclore crítico, ese elemento que la Sección desnaturalizó, como de las historias de mujeres, que normalmente son las grandes olvidadas de la historia, porque entre otros, recibieron castigos considerados menores, como el rapado del cabello o violaciones.
Art al Quadrat (Mónica y Gema Del Rey Jordà. Valencia,1982). Son licenciada en BBAA y desde el año 2002 han recibido becas y premios de creación artística como las Becas Hàbitat de Castelló, el Premio Nacional de Arte Joven Pancho Cossio 2014, la Biennal de Arte de Mislata 2016, Arts Visuals Can Felipa 2016 o la XII convocatoria de Instalacions de Dones en el CCHSN de La Cabrera (Madrid), 2º Premio Ciutat de Felanitx, entre otras. Actualmente realizan proyectos artísticos sobre la Guerra Civil y la superación del trauma colectivo. En esa línea exponen YO SOY sobre las mujeres rapadas durante el franquismo en el MUVIM de Valencia 2018 o De coros, danzas y desmemoria en el Centro del Carmen Cultura Contemporánea en 2020.
María Medem, Juego infinito de cuerdas bajo el sol, CA2M, Móstoles, Madrid. Del 1 de febrero al 24 de agosto de 2025.
Con esta primera intervención gráfica de Maria Medem se abre un espacio de reflexión sobre la ilustración en el Museo CA2M. El universo imaginario de María Medem, reflejado en distintas zonas no expositivas del Museo genera una atmósfera sensorial y experimental donde los límites entre lo real, lo extraño y lo ambiguo se desdibujan y materializan en diversas formas.
Sakiko Nomura, Tierna es la noche, Fundación MAPFRE Sala Recoletos, Madrid. Del 6 de febrero al 11 de mayo de 2025.
Las obras Sakiko Nomura (1967), una de las fotógrafas más destacadas de su generación, casi siempre se presentan en blanco y negro, retratando atmósferas nocturnas, misteriosas y llenas de sombras, con grano visible o desenfocadas.
En esta su primera gran retrospectiva los desnudos, donde la tensión erótica se envuelve en una atmósfera de ternura y misterio, conviven otras imágenes de animales, paisajes naturales, calles y carreteras vacías, ciudades, bosques, habitaciones de hotel, plantas, fuegos artificiales o fenómenos atmosféricos para acabar formando una serie de narrativas interrumpidas que evocan ficciones cinematográficas.
Almudena Lobera, Secuencia Plano Secuencia, CentroCentro. Desde 12 de febrero al 8 de junio de 2025.
La artista transformará el espacio de CentroCentro reconfigurado su estructura a través de un site specific y una intervención sensorial. La exposición es un diálogo entre lo superficial y lo profundo que propone un juego constante con las percepciones del espectador.
Huguette Caland, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 19 de febrero al 25 de agosto de 2025.
Primera gran retrospectiva en Europa de la artista libanesa Huguette Caland (1931-2019), cuya vida y obra supuso un constante desafío a las convenciones estéticas, sociales y sexuales de su tiempo. La muestra reúne aproximadamente 200 obras, entre dibujos y pinturas, textiles y collages, procedentes de Oriente Próximo, Europa y Estados Unidos, para abordar una nueva narrativa de la producción de la artista más allá de las más frecuentes lecturas en torno a su libre actitud feminista y su desarraigo cosmopolita. El discurso transita los centros en los que Caland desarrolló una prolífica obra: su convulso Beirut natal, el liberalismo utópico del París de los años 70 y 80 y la decadencia bohemia de la escena artística de Los Ángeles, concentrada en Venice Beach, en los años 90 y primeros 2000. En el marco de este mundo simultáneamente descolonizado y neoliberal, se desvelarán una multiplicidad de lenguajes, escritos y plásticos, que configuran los aspectos comunicativos, pero también las expresiones sublimadas de la obra de Caland, en la que la sensualidad de los cuerpos y sus partes, las palabras y sus correlatos, parecen establecer un diálogo constante. Desde sus más célebres series, como Bribes de corps, pasando por sus particulares kaftanes, hasta otras menos conocidas, como su nutrida producción de autorretratos, la exposición revela, más que una evolución estilística de los diferentes momentos formales de su obra, una serie de recursos y estrategias plásticas construidas sobre colores y formas, líneas y retículas, o repetición de figuras, pero también sobre las palabras que pueblan su obra.
Laia Estruch, Hello Everyone, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 26 de febrero al 1 de septiembre de 2025.
La práctica de Laia Estruch (Barcelona, 1981) aborda la voz humana como un elemento material y las cuerdas vocales como herramientas, explorando así un lenguaje sonoro que va más allá de la mera interpretación de palabras habladas o cantadas. Este proceso de creación se desarrolla normalmente en escenarios escultóricos interactivos, y a menudo monumentales, que la artista crea para cada proyecto vocal específico.
Hello Everyone concentra los proyectos que ha producido desde 2011 hasta la fecha, presentados de manera conjunta como una nueva instalación: un archivo fragmentario y reverberante que incluye la exhibición de esculturas, sonidos, imágenes en movimiento, obras gráficas y partituras visuales, ocupando todo el espacio expositivo. Será, en parte, una exhibición retrospectiva, y a su vez, un almacén transitable que vive y respira.
Una de las principales cuestiones que plantea será la encarnación y performatividad, más allá de la presencia física de su creadora. Su cuerpo de trabajo artístico, la propia corporalidad de Laia Estruch, los cuerpos de sus colaboradoras, así como los volúmenes de las personas que transitan por los distintos espacios, son participantes activos de una experiencia de exploración y de descubrimiento constante del volumen y de la voz.
A pesar de que el proyecto incluye performances y actuaciones en directo de la artista en momentos puntuales, estos no son la modalidad principal a la que queda subordinada la exposición en el Museo Reina Sofía. Sus esculturas se entienden como almacenes-árchivos en sí mismos, es decir, los usuarios podrán acceder a todos los ensayos y activaciones que Estruch ha realizado a lo largo de su carrera.
Mar Solís, Origen, CentroCentro, Madrid. Desde 27 de febrero al 15 de junio de 2025.
Comisariada por Lorena Martínez de Corral, la artista madrrileña Mar Solís trabaja en una macro instalación escultórica realizada específicamente para el espacio de la planta 4 de CentroCentro.
Joana Vasconcelos, Palacio de Liria, Madrid. Del 14 de febrero al 31 de julio de 2025.
Joana Vasconcelos, una de las creadoras más destacadas del panorama artístico contemporáneo. Conocida internacionalmente por sus esculturas e instalaciones monumentales, la artista lisboeta intervendrá los salones y jardines del Palacio de Liria, fundiéndose con su historia, como ya hizo en 2012 en Versalles.
Su obra se caracteriza por la descontextualización de los objetos cotidianos y la adaptación del concepto de artesanía al siglo XXI para generar un diálogo entre la esfera privada y el espacio público, el patrimonio popular y la alta cultura. De esta forma cuestiona con humor e ironía la condición de la mujer, la sociedad de consumo y la identidad colectiva.
Mª Antonia García de la Vega, Pasajeras, CentroCentro, Madrid. Desde 11 de febrero al 28 de septiembre de 2025.
Una muestra del trabajo fotográfico que lleva años retratando a las mujeres de la cultura en España. Reunirá más de un centenar de estos retratos, coincidiendo con la celebración en el mes de marzo del Día Internacional de la mujer.
MURCIA
CARTAGENA
NAVARRA
C. VALENCIANA
ALICANTE
Kara Walker en la Colección Michael Jenkins y Javier Romero, MACA, Alicante. Desde 28 de febrero hasta 7 de septiembre de 2025.
Comisaria: Rosa Mª Castells.
Kara Walker es una de las artistas más destacadas de su generación y más interesantes del panorama artístico internacional, con una obra compleja que analiza en escenas a veces caóticas, cuestiones de raza, identidad, poder y deseo utilizados siempre como sistemas de opresión y subyugación, a través de siglos y continentes.
La muestra es posible gracias a la amplia representación de la obra de Kara Walker en la Colección Michael Jenkins y Javier Romero del MACA y a una serie de piezas traídas a propósito desde Nueva York, producida por el MACA.
CASTELLÓN
Fotolateras: ‘Todo al rojo’, EACC, Castellón. Del 17 de enero al 18 de mayo de 2025.
El grupo, formado por Lola Barcia Albacar y Marinela Forcadell Breva, es conocido por su trayectoria artística a través de la fotografía estenopeica. A modo de cuaderno de viaje, muestran en el EACC una instalación con obras de nueva creación producidas para el Espai.
El espacio expositivo presenta tres nuevas obras de Fotolateras: ‘Todo al rojo’ (2025), una gran instalación audiovisual formada por 8 vídeo-proyecciones sincronizadas de manera rítmica e intuitiva; una pieza escultórica, ‘Esto no es una lata’ (2025), que muestra su colección personal de latas empleadas a lo largo de su carrera; y una ‘Incubadora de Imagen’ (2025), que se constituye como espacio de revelado a disposición del público para que este participe en la generación de una nueva pieza.
Una de las características de la creación de Fotolateras es que la mayoría de sus herramientas de trabajo se adquieren en supermercados o ferreterías. El grupo artístico busca realizar un arte popular que traspase la idea de ser un simple objeto para observar. En sus planteamientos, el afán divulgativo es tan importante como la propia obra.
VALENCIA
Senga Nengudi y Maren Hassinger, IVAM, Valencia. Del 22 de mayo al 2 de noviembrre 2025.
Una exposición que celebra más de cinco décadas de colaboración artística entre Senga Nengudi (Chicago, 1943) y Maren Hassinger (Los Ángeles, 1947). Esta muestra indagará en la estrecha colaboración entre ambas artistas a través de instalaciones, textos, esculturas, performances y proyectos de vídeo.
A lo largo de su carrera, la pintora Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha desarrollado un riguroso lenguaje basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas partiendo de módulos geométricos. Esta exposición, comisariada por Isabel Tejeda, repasa cronológicamente la trayectoria de la artista a través de más de un centenar de obras que abarca desde sus primeros pasos en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid hasta sus producciones actuales, algunas realizadas específicamente para la muestra. La retrospectiva incide en la afirmación de la artista de que ha pintado el mismo cuadro toda su vida, conectando sus primeros trabajos de la década de 1960 con sus últimas series como Horizontes blancos o Esperando a Sempere, en la que homenajea a su referente y amigo Eusebio Sempere.
Aunque ligada en sus inicios al heterogéneo grupo de artistas españoles adscritos a los presupuestos estéticos de la abstracción geométrica —con los que ha mantenido afinidad toda su vida—, Sevilla pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta plástica. Entre 1980 y 1982, realiza una estancia en Boston fundamental en el desarrollo de su carrera. Allí lleva a cabo, entre otros proyectos, las series Keiko, Stella y Belmont, compuestas por dibujos de líneas individuales, finas y ligeras que preconizaban la sensación de vibración tan característica de su pintura posterior. A su regreso, la línea, las tramas y la luz como vehículos de la emoción llevan a la artista a trabajar sobre dos hitos esenciales de la cultura española, Las Meninas de Diego Velázquez y la arquitectura andalusí de La Alhambra de Granada —ciudad en la que reside en la actualidad—.
Hacia mediados de la década de 1990, una acumulación de pinceladas comienza a invadir sus telas rítmicamente —como se observa en En ruinas II o Díptico de Valencia— y la naturaleza se apropia de sus obras. Un “magma vegetal”, en palabras de la propia Sevilla, compacta la superficie del lienzo para ir dejando ver progresivamente una línea de luz. Las vegetaciones colgantes, las noches de insomnio —representadas en su serie Insomnios— y las arquitecturas agrícolas, conducen al espectador a mirar el mundo a través de la trama. Tramas de hojas o de mallas de plástico inspiradas en los secaderos de tabaco de la Vega granadina.
La generación de instalaciones, con las que Soledad Sevilla expande sus preocupaciones estéticas hacia lo espacial, ha sido otra de las líneas de fuerza de su trabajo desde la década de 1980. Esta exposición documenta alguna de sus intervenciones históricas como Vélez Blanco, realizada en el castillo de Vélez-Blanco de Almería en el marco del Proyecto Plus Ultra con motivo de la Expo ’92; o El tiempo vuela, una suerte de vanitas que pudo verse por primera vez en la Galería Soledad Lorenzo en 1998. Al mismo tiempo, la artista presenta Donde estaba la línea, una nueva instalación site-specific en la que utiliza el hilo de algodón para intervenir el espacio del Museo.
Inma Femenía, Aire Magenta, IVAM, Valencia. Del 20 de julio 2024 al 13 de julio de 2025.
Inma Femenía utiliza la luz, el espacio y la materia para transformar la percepción del espectador, invitándole a reconsiderar su entorno visual.
En su última intervención, Aire Magenta, aprovecha la luz natural que incide en la cristalera de la entrada principal del IVAM. Esta luz se dispersa en todas direcciones a través del aire, reflejándose en las superficies del interior del museo y en los cuerpos de los visitantes. El color magenta, que resulta de la combinación de los límites del espectro electromagnético, se convierte en el protagonista, resaltando la presencia de la luz en el espacio.
La elección del color magenta no es arbitraria. Proviene de una reflexión sobre la percepción del color y la luz, donde la artista estudia cómo nuestros ojos perciben el color en comparación con una cámara digital de espectro completo. Este proceso de observación y análisis le llevó a comprender más a fondo la compleja relación entre la luz y el color, y cómo estos pueden influir en nuestra percepción del entorno.
La intervención en la entrada del IVAM es una continuación de esta exploración donde Inma Femenía invita a los y las visitantes a sumergirse en un espacio redefinido por la luz y el color.
Carolyn Marks Blackwood, Look up! · Mira cap amunt!, MUVIM, Vaencia. Hasta 25 de mayo de 2025.
El montaje se compone de una exposición en la Sala Alta con dieciséis de las sesenta piezas que integran ‘The Story Series’ más una intervención en los muros exteriores del edificio del museo con fotografías en lonas de gran formato. Sobre la primera, se trata de una serie de fotografías que combinan imagen y texto configurando un relato muy emparentado con la actividad profesional de la autora. La norteamericana es guionista, novelista y productora de cine, especialmente de películas reconocidas por la Academia como ‘The Duchess’ (2008), Óscar al mejor diseño de vestuario, o ‘Philomena’ (2013), nominada a cuatro estatuillas, incluyendo Mejor Película.
Las imágenes retratan los alrededores de su casa ubicada en Hudson Valley en Nueva York, desafiando la fotografía convencional de paisajes e invitando a entrar en un entorno dominado por el color, la textura y la emoción. En esa región, la artista y filántropa adquirió alrededor de 500 hectáreas de terreno para donar a la ciudadanía y contribuir, así, a proteger las riberas del río Hudson de la contaminación.
Por su parte, la intervención exterior también se encuentra relacionada con esta preocupación y compromiso ambiental. Cabe destacar que el proyecto inicial resultó modificado debido a las trágicas consecuencias de la dana del pasado mes de octubre. Tal y como detalló el comisario Roberto Polo, “la idea inicial para la fachada estaba vinculada con el agua, pero con motivo de la dana, Carolyn decidió exponer el cielo y los pájaros como símbolo de esperanza” realizando, además, una “generosa” donación económica de la que no ha trascendido la cifra, a petición de la artista.
María Gomar, Objetos desaparecidos, CCCC Valencia. Online.
El Centro de Carme, dentro de su programa #CCCCenCasa te ofrece una nueva manera de visitar sus exposiciones desde casa, a través de sus tours virtuales, una experiencia inmersiva que permite acceder a contenidos, juegos interactivos y otros detalles específicamente desarrollados Producida por la Delegación de Memoria Histórica de la Diputació de València y el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, la muestra es una aproximación artística a los objetos personales de víctimas del Franquismo en el contexto de las fosas comunes de Paterna (València). ¿Qué valor adquieren estas piezas en las manos de los familiares? ¿Qué representan para nuestra sociedad? ¿Qué mensaje lanzan a la democracia?
PAÍS VASCO
BILBAO
Chiharu Shiota, My house is your house, Azkuna Zentroa, Bilbao. Del 27 de mayo al 28 de septiembre 2025.
Se trrata dee una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mundial y la primera artista japonesa que viviendo fuera de su país, lo representó en la Bienal de Venecia. Heredera de Ana Mendieta y de toda una generación de artistas feministas de principios de los 70, Chiharu Shiota trabaja con su cuerpo como espacio de intervención, realizando performances que tratan la vinculación a la tierra, el pasado y la memoria. Conocida por sus instalaciones realizadas con la lana como material principal, sus entramados generan una atracción onírica, al tiempo que reavivan la memoria, la existencia de una forma filosófica y su ausencia.
Chiharu Shiota (Osaka, 1972) ha expuesto, entre otros, en Hammer Museum, Los Ángeles, Queensland Art Gallery of Modern Art (QAGoMA), Brisbane; ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe; Museo de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa, Wellington; Museo de Arte Mori, Tokio; Gropius Bau, Berlín; Galería de Arte del Sur de Australia; Yorkshire Sculpture Park, Reino Unido; Museo de Arte de Kochi; y Museo Nacional de Arte de Osaka.
Leonor Uriarte, Dibujando silencios, Centro Cívico San Ignacio, Bilbao. Del 29 de abril al 13 de mayo de 2025.
Las imágenes de formato panorámico retratan playas de Las Landas, bosques y paisajes tomados durante los numerosos viajes que realizó para visitar a su hijo ingresado durante la época de la pandemia.
Begoña Elexpe, Retratos de un barrio,Centro Cívico a Bosa, Bilbao. Del 29 de abril al 13 de mayo 2025.
Reune 42 retratos que nos aproximan a las personas que viven, trabajan y disfrutan en San Francisco, Bilbao La Vieja y Zabala. Una campaña que busca reflejar la realidad social y comercial de nuestro entorno, invitando a retratarse y comprar en nuestros barrios.
Esta muestra nos sumerge en la esencia de los barrios históricos de Bilbao, a través de 42 impactantes fotografías, que buscan captar la diversidad, vitalidad y autenticidad de sus habitantes y sus comercios.
De esta manera, todas y cada una de las imágenes revelan historias y experiencias únicas, que nos conectan, y nos hacen reflexionar sobre la belleza y riqueza que existe en nuestra comunidad, mostrando al comercio como un bien fundamental, generador de riqueza.
Entre las 42 personas que han colaborado figuran la exfutbolista del Athletic Ainhoa Tirapu; la extriatleta Virginia Berasategi; las actrices y actores Itziar Lazkano, Ylegnia Baglietto, Gurutze Beitia, Aiora Sedano y Lander Otaola; la diseñadora Miriam Ocariz; los escritores Katixa Aguirre y Jon Arretxe; el cocinero Aitor Elizegi; el Ilustrado Tomas Ondarra; los periodistas Teresa Aguiló, Xabier Lapitz, Azul Tejerina o Joseba Solozabal; los trasformistas La Ochoa y Nenita Danger; o los músicos Aiora y Piti de Zea Mays.
Helen Frankenthaler: pintura sin reglas, Guggenheim Bilbao. Del 11 de abril al 28 de septiembre de 2025.
A través de su rompedora técnica de “empapar y manchar”, Frankenthaler estableció un nuevo rumbo en la evolución de la pintura moderna mediante la construcción de una inédita relación entre el color, el espacio y la forma. Su proceso se basa en la aplicación de pintura diluida sobre lienzos monumentales sin imprimación colocados en el suelo del taller, creando efectos similares a los de la acuarela empleando primero el óleo y posteriormente el acrílico. La artista recurría a herramientas como pinceles y esponjas, o directamente vertía la pintura desde un cubo y dejaba que se extendiera y mezclara de manera natural, originando singulares combinaciones cromáticas que se distinguen por sus transiciones veladas y superposiciones translúcidas.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas rinde homenaje a una artista que desafió las convenciones y amplió los límites de la pintura, redefiniendo las normas tradicionales con su visión audaz e intuitiva. Sus poéticas abstracciones, debidas a su magistral técnica y prolífica imaginación, suponen un legado imperecedero.
Amaia Gracia Azqueta, Una ocupación expansiva, Uribitarte 40, Bilbao. Del 11 de abril al 1 de junio 2025.
Última producción realizada por la artista navarra Amaia Gracia Azqueta, en el marco de la beca con cesión de estudio de BilbaoArte en 2023-24, y su posterior estancia en los estudios de Otxarkoaga Opengela.
Las obras, fruto de su investigación en torno a la escultura y la plasticidad de los materiales usados y emulados a partir de propuestas de la escultura clásica, el barroco y el renacimiento, dialogan entre sí generando un conjunto de piezas que funcionan a modo de instalación específica para el espacio que la alberga.
Es un relato y una declaración de lo que acontece. Un conjunto de piezas que funcionan a modo de instalación de ubicación específica entre las que encontramos desde pequeñas fotografías realizadas con el móvil e impresas en formato de foto doméstica pertenecientes a la cotidianidad desde donde la artista entiende el sentido de la escultura; a grandes instalaciones como la realizada en colaboración la artista y diseñadora Miriam Ocáriz, en la que fusiona arte contemporáneo y moda, y ahonda en las propiedades plásticas de los ropajes representados en la escultura clásica.
Running on Empty, Azkuna Zentroa, Alhóndiga, Bilbao. Del 17 de marzo al 14 de septiembre 2025.
En el marco de esta Residencia cruzada están desarrollando, de forma particular y a la vez compartida, tres proyectos diversos en cuanto a sus técnicas, pero con el mismo punto de partida: la cotidianidad. Desde sus respectivos imaginarios gráficos proponen transformar lo mundano en poesía utilizado diferentes metáforas visuales y recursos narrativos.
La exposición pone así mismo el foco en la experiencia personal de la creación artística, no siempre alumbrada por la inspiración. «Running on empty es como cuando te has quedado sin gasolina, pero sigues avanzando. Porque, a pesar de no tener nada, sigues hacia delante, creando. Running on empty es como hacer cómics», describen sobre el contenido de la muestra.
Marta Cartu, Pauline Lecerf y Cole Degenstein iniciaron la residencia en Angoûleme, donde han estado entre el 20 de enero y el 20 de febrero. En Azkuna Zentroa se encuentran desde el 21 de febrero al 24 de marzo, cuando viajarán a Quebec para trabajar el último mes de la residencia.
Las tres estancias coindicen con un periodo de festival en cada una de las sedes: Festival Internacional del Cómic de Angoûleme, Gutun Zuria Bilbao. Festival Internacional de las Letras en Bilbao; y Festival Quebec BD en Quebec.
Así, en Bilbao, además de continuar con el proceso creativo que desarrollan en el marco de este programa han participado en diferentes actividades de Gutun Zuria Bilbao, el Festival Internacional de las Letras de Azkuna Zentroa. Así mismo, han intervenido en la fachada principal de la Alhóndiga con tres ilustraciones creadas para este espacio.
Tarsila do Amaral, Pintando el Brasil moderno, Guggenheim Bilbao. Del 21 de febrero al 1 de junio de 2025.
Comisarias: Cecilia Braschi y Geaninne Gutiérrez-Guimarães.
Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.
En la década de 1920, moviéndose entre São Paulo y París, actuó como puente entre las vanguardias de estas dos capitales culturales y puso a prueba su universo iconográfico brasileño pasándolo por el tamiz del Cubismo y el Primitivismo, en boga en la capital francesa. Su pintura inspira entonces los movimientos Pau-Brasil y Antropofagia, cuya búsqueda de un Brasil “auténtico”, multicultural y multirracial tiene como objetivo refundar la relación del país con los “centros” europeos de la colonización.
La dimensión militante de las pinturas de Tarsila de la década de 1930 y su capacidad para acompañar las profundas transformaciones de su entorno social y urbano hasta los años sesenta confirman la fuerza de una obra en sintonía con su tiempo y siempre dispuesta a renovarse, a pesar de las inestables condiciones que debe afrontar, según las épocas y los contextos, una mujer artista emancipada e independiente.
Con su invitación a adentrarnos en una modernidad brasileña que ella contribuyó a forjar aún más de lo que la ilustró, Tarsila do Amaral revela en su trabajo toda la complejidad de este concepto siempre sujeto a debate, que suscita cuestiones identitarias y sociales aún hoy de gran actualidad, tanto en Brasil como en Europa.
SAN SEBASTIÁN / DONOSTIA
Situ-akzioak. Anna Irina Rusell, Tabacalera, San Sebastián/Donostia. Del 10 de abril al 27 de junio de 2025.
birika bezain elastikoa (elástica como un pulmón) es la exposición creada por la artista Anna Irina Russell para esta nueva edición de Situ-akzioak, en cuyo diseño han colaborado las escuelas IPI Karmengo Ama y Herrera Ikastetxea, y un grupo de familias. Situ-akzioak es un proyecto que facilita el acercamiento al arte contemporáneo desde diversas perspectivas. Al reconocer el rol esencial del juego en los procesos de aprendizaje y en la experiencia estética, el proyecto se aleja de las formas más convencionales de exhibición y propone otras maneras de interactuar y conocer en los espacios dedicados al arte contemporáneo.
En esta muestra, Anna Irina nos invita a entrar en un espacio blando y poroso, un organismo latente que se transforma con la presencia y el movimiento de quienes lo habitan. A través de varias estructuras inflables, la artista propone una exploración colectiva durante la cual nuestros cuerpos se convierten en parte de este organismo, que se expande y contrae, tejiendo nuevos significados a través del juego y la imaginación.
El aire, entendido como materia relacional, es el elemento central de esta propuesta. La exposición se inspira en estrategias que algunos animales adoptan para comunicarse o protegerse —como inflar una membrana, aumentar de volumen o llenarse de aire— e investiga otras formas de comunicación más allá de la oralidad. Aquí el aire no solo actúa como un un medio invisible, sino que también funciona como un vehículo que conecta, transforma y hace posible la emergencia de un cuerpo colectivo.
Respirar juntas. Expandirnos. Transformar el espacio y dejar que éste nos transforme. En última instancia, esta exposición es una invitación a habitar un cuerpo colectivo en continuo movimiento, donde cada interacción es un gesto de conexión y posibilidad.
María Paz Jiménez. Desvelar el misterio, Sala Kutxa Fundazioa Kubo, San Sebastián/Donostia. Del 7 de febrero al 18 de mayo de 2025.
Comisarias: Haizea Barcenilla y Ane Lekuona.
Pintora autodidacta, María Paz Jiménez (Valladolid 1909 – Donostia / San Sebastián, 1975) comenzó a formarse en Argentina a lo largo de la década de 1930, durante su exilio, y bajo la influencia del surrealismo. Regresó a San Sebastián en 1945 y, desde entonces, fue un personaje destacado del panorama artístico.
Persona de cultura extensa, lectora de poesía y filosofía, gitana que sentía el flamenco, cultivó una figuración muy personal y una abstracción vanguardista que le valió el reconocimiento del contexto artístico. Sin embargo, quedó fuera del conocido como arte vasco protagonizado por hombres. Este hecho y su temprano fallecimiento determinaron que no ocupara el lugar que merecía en la historiografíadel arte.
La exposición – María Paz Jiménez. Desvelar el misterio presenta una de las muestras más completas del trabajo de esta pintora con el objetivo de poner en valor su trayectoria y aportación a la historia del arte, reivindicando su posición de pionera de la abstracción, pero también como excelente artista que desde una figuración con un claro espíritu surrealista cultivó la identidad gitana y la experiencia femenina de género en el contexto franquista.
Esta muestra reúne más de un centenar de pinturas (133) y obras sobre papel realizadas desde sus inicios profesionales en la década de los 40 hasta sus últimas obras producidas a mediados de los años 70, así como diversa documentación.
Maddi Barber, Harria eta poltsa (Piedra y bolsa), Museo San Telmo, San Sebastián. Del 16 de noviembre de 2024 al 16 de noviembre de 2025.
La propuesta de Maddi Barber investiga y reflexiona, por un lado, sobre el desplazamiento de objetos arqueológicos en la labor de conservación del museo y, por otro, sobre el desplazamiento que lleva implícita toda fotografía o registro videográfico.
El film se adentra en los procesos de trabajo de un equipo arqueológico de la Sociedad de Ciencias Aranzadi en el yacimiento del túnel de San Adrián. Intercalando este seguimiento con materiales de archivo, la película explora las relaciones entre la arqueología y la museografía, así como las distintas formas en las que estas dos prácticas producen el desplazamiento de objetos.
Por otro lado, la pantalla opera como una estructura de “aparición y acogida”, un dispositivo móvil que posibilita otro tipo de desplazamiento: el de las imágenes. Ambos elementos, ahora entrelazados en esta instalación, serán autónomos al integrarse en la colección de San Telmo; el film podrá verse en otras pantallas y la pantalla acogerá otras imágenes en movimiento.
La instalación va acompañada de un desplegable en el que se recogen las notas y reflexiones de la artista durante el proceso de trabajo. A modo de póster donde conviven imágenes y textos, el desplegable se revela como una herramienta que nos permite seguir el proceso de trabajo y creación de Harria eta Poltsa.
VITORIA
Chantal Akerman, Encarar la imagen, ARTIUM, Vitoria. Del 30 de mayo al 19 de octubre 2025.
Claire Atherton, comisaria.
Facing the Image, una exposición de la cineasta belga Chantal Akerman (Bruselas, 1950 – París, 2015) comisariada por su colaboradora habitual Claire Atherton, explora las instalaciones cinematográficas creadas por Akerman en colaboración con Atherton a lo largo de varios años, desplegando la dimensión secuencial de la imagen en movimiento en un espacio tridimensional.
Al ofrecer un acercamiento no prescriptivo a la obra de Akerman, la exposición propone una experiencia corporeizada de sus películas, en las que prevalecen la fragmentación y la repetición sobre la linealidad y la estructura narrativa.
Esta exposición es la continuación de una presentación realizada en La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona en 2023.
A Chantal Akerman le gustaba especialmente trabajar en instalaciones, porque sentía una gran libertad. Le interesaba que lo hiciéramos todo «en casa», sin tener que explicar a nadie lo que deseábamos lograr. Decía que, más que una película, una instalación no se puede describir de antemano sino que nace poco a poco en la obra misma.
Y luego nos encantaba pedir siempre más al espectador, no masticarle el trabajo. Nos gustaba pedirle que se moviera, que explorara. Buscábamos construir un espacio que lo ponga en movimiento y desvele el pensamiento.
Esta muestra reflejará nuestro trabajo, una invitación a explorar, a encontrarnos, a experimentar.
La exposición ofrecerá un recorrido a la vez libre y construido, a través de algunas de las obras de Chantal Akerman.
Unas sonoras, otras mudas, unas en blanco y negro, otras en color. Y también fotos.
Un viaje a través de imágenes y sonidos editados e instalados en el espacio. Instalados pero no congelados. Un trayecto en el que podemos tomarnos nuestro tiempo, avanzar, retroceder, acercarnos, alejarnos y volver a acercarnos. Se trata de hallar nuestro propio ritmo.
Un recorrido por obras muy íntimas y otras abiertas al mundo, pero todas políticas en su forma y presencia.
Mujer. Trabajo y familia, Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria. Del 8 de abril al 19 de octubre 2025.
En la exposición ‘Mujer. Trabajo y familia’ la representación de la mujer está delimitada por el marco cronológico y geográfico en el que se desarrolla la colección del museo.
Además, se centra fundamentalmente en dos ámbitos, el familiar y el laboral, dejando fuera otros temas y géneros, como el retrato y el desnudo, en los que la mujer ha estado muy presente a lo largo de toda la historia del arte.
La muestra acerca el papel de la mujer en la sociedad vasca, que entre los siglos XIX y XX está pasando de un modo de vida tradicional y rural a otro urbano e industrial.
Inés Medina, Investigación analítica plástica, 1978-1995, ARTIUM, Vitoria. Del 28 de febrero al 1 de junio de 2025.
Esta exposición presenta la investigación plástica de la artista Inés Medina (Cáceres, 1950) desde sus primeras experimentaciones monocromas, realizadas en 1978, hasta mediada la década de los años 90, coincidiendo con su viaje a Nueva York, donde permanecerá los siguientes 15 años hasta su vuelta definitiva al País Vasco. Organizada por series, el proyecto abarca las dos primeras décadas de su carrera, centradas en el ámbito de la abstracción geométrica y la introducción del ordenador en la investigación sobre la medida y la generación de imágenes, finalizando hacia 1995.
La muestra ofrece un recorrido exhaustivo por la obra de Medina, que participó en el debate con una generación de artistas vinculados a la tradición formalista vasca y que, a finales de los años 70 del siglo XX, se abrió al discurso y las prácticas artísticas internacionales. El suyo es un trabajo que defiende el arte como una herramienta de conocimiento de la realidad y que en gran medida ha permanecido en silencio para ser reivindicado con fuerza en la actualidad. En esta exposición, la artista pone el acento en el proceso de una práctica que acompaña con la investigación teórica, la escritura y el psicoanálisis, en series puramente geométricas con títulos que aluden a la potencialidad de la imagen, uniendo arte, conocimiento y experiencia vital.
