ART MADRID 2019. PROGRAMA GENERAL
Redacción
Art Madrid celebra su 14ª edición del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019 en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles, contando con la participación de más de 40 galerías nacionales e internacionales que expondrán las obras de cerca de 200 artistas, tanto de creadores emergentes como consolidados. Con una destacada presencia extranjera, que este año alcanza el 40% y reafirma la confianza depositada en la feria por parte del ámbito internacional, se reúnen 26 expositores nacionales y 16 extranjeros procedentes de 13 países, desde España hasta Alemania, Francia, Portugal, Lituania, Estados Unidos, Argentina, Brasil, Cuba, México, Perú, Sudáfrica o Taiwán, e incluyendo la incorporación de diez nuevas galerías.
Nos llama la atención que buen número de galerías hayan apostado por una representación exclusivamente femenina. Destaca por su mayoría de mujeres la galería de Lima O-Art Project. Además de Carmen Calvo, cuenta con la participación de las artistas Pilar Pequeño, Pepa Salas y Mariajosé Gallardo.
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Carmen Calvo. Galería Art Lounge (Valencia)
Carmen Calvo (Valencia, 1950) estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia. Su obra comienza a destacar en el panorama artístico español durante la década de los setenta. Las influencias del Pop Art, recibidas en gran medida a través de su versión valenciana, encarnada en Rafael Solbes y Manolo Valdés, integrantes del Equipo Crónica, forman parte de sus comienzos. Calvo es uno de los referentes en la conceptualización contemporánea del fragmento. Interesada por la arqueología, su obra tiene una esencia de hallazgo y de reminiscencia. Materiales como el cemento, el mármol, el cristal, el barro, el yeso y un largo etcétera forman parte de sus composiciones que se han renovado con el paso de las décadas en una evolución que le llevó a representar a España en el Pabellón de la Bienal de Venecia de 1997 junto al barcelonés Joan Brossa. Carmen Calvo ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto a nivel nacional como internacional. Así mismo, ha sido premiada por su trabajo desde 1980 y su obra la podemos encontrar en museos, fundaciones y colecciones privadas.
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Vinita Dasgupta, Unknown, 2018. Pintura y collage, 89 x 90 x 4,5 cm
Vinitsa Dasgupta. Galería Art Lounge (Lisboa)
Vinita Dasgupta (Nueva Delhi, 1983) finaliza el Máster en Bellas Artes en Nueva Delhi en 2008. Artista multidisciplinar, ha participado en multitud de exposiciones colectivas a nivel global, su trabajo se ha expuesto en la Feria de Arte India representada por Art Lounge Portugal, en la Feria de Arte de Dubai, en la Bienal de Bangladesh… así como a nivel individual con “Storyteller: stories told & retold V” en Nueva York y Lisboa. El objetivo de la obra de Dasgupta es hacer que el espectador sienta y participe en sus imágenes, su trabajo es sobre el proceso de descubrimiento, la síntesis de los sentimientos personales, el color que le inspira y la técnica empleada. Dasgupta ha sido galardonada con el premio Art for Social Change de las Naciones Unidas, India y la Beca Nacional en Pintura por el Ministerio de Cultura de Nueva Delhi.
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Mariajosé Gallardo, El que más da menos pide, 2018. Óleo, esmalte y pan de oro sobre lienzo, 81 x 65 cm
Mariajosé Gallardo. Galería Luis Pita (Santiago de Compostela)
Mariajosé Gallardo (Villafranca de los Barros, Badajoz, 1978) es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Diseño y Grabado, por la Universidad de Sevilla. A lo largo de sus distintos proyectos, Maríajosé Gallardo ha construido su propio vocabulario plástico. Tras una impronta lectura, estudio u observación rápida, ha hecho que sus obras sean fácilmente reconocibles. En su léxico representativo siempre están presentes emblemas, símbolos, motivos religiosos, esotéricos, heráldica, ex-votos o relicarios; ofreciendo la posibilidad de pensar la pintura desde parámetros distintos a los estrictamente plásticos o estéticos. Es habitual encontrar en sus creaciones plantas de catedrales, dando a demostrar su fascinación sobre los lugares de poder y como en esos mismos territorios han convivido distintas religiones a lo largo de la historia, en donde antes hubo un templo pagano, una ermita visigoda o una mezquita ahora se levanta una iglesia quedando patente la cualidad sagrada del terreno marcada tal vez por la existencia de vórtices energéticos que favorecen en ese enclave la convivencia divina y sagrada. La religión, la historia, el cine, la moda, la música, el cómic, las artes plásticas y, sobre todo, la historia de la pintura, son las fuentes que originan y configuran el territorio estético de Gallardo.
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Pepa Salas, Desiderare con l’anima I, 2018.Técnica mixta sobre tela, 100 x 150 cm
Pepa Salas. Robert Drees Gallery (Hannover)
Pepa Salas (Úbeda, 1976) es una artista plástica Licenciada en Bellas Artes con Matrícula de Honor en su Proyecto Fin de Carrera Obtiene una beca Erasmus por un año, en la Accademia di Belle Arti de Bologna, en Italia. Allí inicia la práctica del Shodo (caligrafía japonesa) con el maestro Norio Nagayama. Tras su regreso a su país, se licencia con la obtención de Matrícula de Honor en su Proyecto Fin de Carrera Inicia sus estudios de Doctorado, y en el 2006, le conceden una beca Leonardo da Vinci en Prácticas en Educación, en el Instituto de Diseño en la Politécnica de Koszalin, en Polonia. A lo largo de su vida realiza numerosas exposiciones, recibiendo diversas becas de arte y distintos premios en literatura, pintura y fotografía. En el 2010 obtiene el diploma en Técnico de Grabado y Estampación, en la Escuela de Arte de Úbeda. Ese mismo año, se traslada a Hannover. Instalando su taller en la Eisfabrik en el 2012. En el 2016 se doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada.
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Elena Rato, El límite y el reflejo, 2018. Pintura acrílica sobre lienzo y vinilo adhesivo sobre pared, 182 x 182 cm
Elena Rato. Galería Arancha Osoro (Oviedo)
Elena Rato (Noreña, Asturias, 1979) es una artista polifacética y de vocación multidisciplinar en sus manifestaciones plásticas, frecuenta distintas áreas de creación y esa inquietud por la alternancia en los medios expresivos puede ser también reveladora de la evolución de su pintura, lo que no es mala influencia en un tiempo en el que las reglas del arte, en cuanto a norma o militancia de tendencia, se desvanecen y prima la individualidad creativa ante la amplia variedad de posibles opciones abiertas a la creación contemporánea.
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Rusudan Khizanishvili, Conversion Device II, 2017. Acrílico sobre lienzo, 150 x 150 cm
Rusudan Khizanishvili. Galería Norty (París)
Rusudan Khizanishvili (Georgia, 1979) es una joven artista contemporáneo que trabaja en Tbilisi, capital de Georgia. Con influencias procedentes de grandes artistas como Gauguin y Cézanne, el trabajo de Khizanishvili reconoce visiblemente la historia de la pintura y las obras de los grandes maestros. Su uso seguro del color, combinado con un manejo palpable, y a menudo sensual, de la pintura al óleo, demuestra una madurez impropia de su edad. Khizanishvili ha participado en multitud de exposiciones individuales como colectivas. Su obra se ha expuesto en Art Madrid, Art Expo New York, AAF Brussels, Carrousel du Louvre, Bienal de Venecia, entre otros.
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Isabel Ramoneda, Sin título, 2018. Óleo sobre papel, 190 x 110 cm
Isabel Ramoneda. Galería Jorge Alcolea (Madrid)
La artista plástica Isabel Ramoneda (Barcelona, 1960) se formó en los lenguajes de la Fotografía y la Pintura en los que trabaja de manera simultánea en sus proyectos. Ha participado en seminarios y formaciones vinculados a otras disciplinas, como la experimentación con los lenguajes del cuerpo. Ha combinado su trayectoria artística con la labor educativa en el entorno de las artes plásticas. Ha participado en distintas Ferias Internacionales, como Scope New York, Scope London, y en Hong Kong, Singapore, Miami, Milán y ha expuesto en distintas galerías, en Barcelona, Madrid, y Nápoles. Ha participado en el programa de Les Clíniques d’Es Baluard en el Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma de Mallorca. Se ha instalado en Rojas de Bureba en el marco de un contrato de colaboración con su Ayuntamiento, produciendo proyectos expositivos relacionados con este entorno.
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Pilar Pequeño, Mar Menor 07. Serie Huellas, 2016. Fotografía, 50 x 60 cm
Pilar Pequeño. Galería Marita Segovia (Madrid)
La fotógrafa Pilar Pequeño (Madrid, 1944) comenzó a interesarse por esta técnica a partir de 1980, después de dedicarse varios años al dibujo. Toda su obra está relacionada con la naturaleza, con series muy ligadas entre sí, paisajes, invernadero, hojas… En 2010 es galardonada por el Ministerio de Cultura con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Su obra está representada en prestigiosas colecciones públicas y privadas, entre las que destacan el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el IVAM de Valencia, Tenerife Espacio de las Artes, el CA2M de la Comunidad de Madrid, la Colección Cajasol de Sevilla, la Colección Fundación Kutxa de San Sebastián o la Colección Publica del Ayuntamiento de Alcobendas en Madrid. En el 2018 la Fundación de Amigos del Museo del Prado, con motivo del bicentenario de la fundación del Museo, la invita a participar en el proyecto: Doce fotógrafos en el Museo del Prado, cuyo resultado se expone en el edificio Villanueva.
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Mária Švarbová. Galería BAT Alberto Cornejo (Madrid)
La fotógrafa Mária Švarbová (Eslovaquia, 1988) estudió restauración y arqueología, pero desde el 2010 la fotografía se convirtió en su profesión. Švarbová ha trabajado para revistas de gran impacto como Vogue, Forbes o The Guardian. Además, ha obtenido importantes premios, entre los que destaca el Hasselblad Master 2018. Sus obras, con su estilo limpio y directo, no solamente nos muestran la figura humana sino que captura el sentido de la psicología del sujeto. Mária se aleja del retrato tradicional y se centra en la experimentación con el espacio, el color y la atmósfera. La obra de Mária Švarbová ha participado en numerosas ferias y exposiciones de todo el mundo como México, París, Praga, Bratislava, entre otras.
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Lantomo, Nin Jiom Pei Pa Koa, 2016. Grafito y pastel sobre papel encolado a madera, 73 x 50 cm
Lantomo. Galería BAT Alberto Cornejo (Madrid)
Antonella Montes, más conocida como Lantomo, es una artista de procedencia italiana y arquitecto de formación. Estudió la carrera en la Universidad de Roma aunque actualmente reside en Barcelona mientras realiza el Máster de Escenografía y diseño de exposiciones. Tras una larga temporada en China que influyó mucho en el desarrollo de su técnica, decidió entregarse a su pasión. El dibujo es su herramienta de expresión, directo y descifrable. En sus retratos en blanco y negro con clara influencia asiática, existen multitud de matices, potenciados por la presencia de toques de color rojo. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, llegando a exponer en ciudades como Beijing o Barcelona.
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Alessandra Rebagliati, Donut Wheel, 2018. Fotografía, 20 x 70 cm
Alessandra Rebagliati. O’Art Project (Lima)
La fotógrafa Alessandra Rebagliati (Lima, 1972) regresó a Lima después de un recorrido de 13 años que la llevo por diversas ciudades de Europa. En 2006 obtuvo una maestría en Arte en Central St. Martins College of Art, Londres. Con el colectivo VERN realizó exposiciones en galerías en Madrid, Berlin, Hamburgo, San Francisco, Walker Point Center for the Arts en Milwaukee y 55 Mercer Gallery, Nueva York. Su primera muestra individual “Paisajes mentales” tuvo lugar en la galería Vértice en 2008. En 2009 presentó una videoinstalación “A Shed and a Half” Gallery en Londres. Su segunda muestra “El Juego y la Ilusión” se realizó en el Centro Cultural Inca Garcilaso de la Vega. En 2012 participó en “Código Postal” y “Paisaje en Ruinas” en el marco de la Bienal de Fotografía de Lima. Ha creado el colectivo X-Change Art Project que luego se convirtió en O’Art Project, con quien ha participado recientemente en ferias como Odeón, Bogotá, PARC Lima o Scope Basel.
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Carolina Bazo, Patrones 3, 2017. Fotografía, 20 x 70 cm
Carolina Bazo. O’Art Project (Lima)
Carolina Bazo (Lima, 1968) combina grabado, pintura, escultura e instalación. Estudió en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú PUCP de la que egresó de la especialidad de pintura y realizó estudios en la Akademie der Bildenden Kunste de Munich con el Profesor Weisshar. Ha expuesto muestras individuales en las galerías peruanas Cecilia González Arte Contemporáneo, Forum, 80m2 y Artco; en las galerías Sara León y Centro de Presa Canaria de España, y en la galería La Fábrica de Guatemala, entre otras.
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Jessica Schneider, Vía Láctea, 2018. Técnica mixta sobre lienzo, 120 x 160 cm
Mónica Dixon, Interior Geométrico, 2018. Acrílico sobre lienzo, 150 x 150 cm
Monica Dixon. MH Art Gallery (Bilbao)
Monica Dixon (New Jersey, 1971) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Rutgers en 1997. El elemento dominante en sus pinturas es el uso, comprensión y manipulación de la luz, la sombra y el espacio. Sus paisajes provienen de granjas típicas de estilo americano en paisajes vastos y planos, lo que refleja un fuerte sentido de soledad y fortaleza. Mónica ha ganado varios premios de arte en España y Estados Unidos. Sus obras se encuentran en muchas colecciones públicas y privadas a nivel internacional, incluyendo la Universidad de Rutgers, el Museo de Bellas Artes de Valdepeñas en Ciudad Real, la Colección La Mancha de La Comunidad de Castilla-La Mancha, así como los ayuntamientos de Manzanares, Miguelturra, Cambre, Pola de Siero, Padrón y Oviedo.
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Andrea Torres Balaguer, Gazelle, 2018. Técnica mixta, 123 x 92 cm
Andrea Torres. Galería Miquel Alzueta (Barcelona)
La fotógrafa Andrea Torres (Barcelona, 1990) es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. La técnica de transcripción de los sueños y el surrealismo influencian su obra y sus referentes en el mundo de la fotografía son Duane Michals, Annie Leibovitz y Sally Mann. Tores ha recibido numerosos reconocimientos como el Premio de Fotografía en el 2017 por la exposición colectiva en el Palau Solterra así como el Primer Premio Nuevos Talentos de la Galería Artevistas.
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Liliana Golubinsky, Mi aguita, 2011. Marcador sobre lienzo, 190 x 200 cm
Liliana Golubinsky. Galería Kreisler (Madrid)
Liliana Golubinsky (Buenos Aires, 1954) se formó en la Academia de Bellas Artes Augusto Bolognini y en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Ha sido distinguida con más de cuarenta premios nacionales e internacionales. Su obra se exhibió en numerosas muestras individuales y grupales, en importantes galerías, museos e instituciones de Argentina y del exterior. En su trabajo aparecen vivencias pasadas, siluetas de múltiples personajes de la realidad o del ensueño, todo en superposición de planos. Sus esbozos de historietas cotidianas, caracterizados por sus trazos vividos y directos, nos hablan de una manera de entender la pintura que toma como referente el mundo real y que busca dentro de la propia vida la inspiración creadora.
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Cristina Alabau, Nº5 Espacio interior, 2018. Acuarela, 35 x 70 cm
Cristina Alabau. Galería Alba Cabrera (Valencia)
Cristina Alabau (Valencia, 1963) entremezcla lo natural y lo abstracto, la luz mediterránea cobra el mayor de los protagonismos. Esta artista emplea un lenguaje de la abstracción más poética, sus obras se adentran en las emociones y pensamientos más íntimos. En el Museo de Vilafamés, el Ministerio de Cultura español, el Palau de Valencia o la Universidad Politécnica de Valencia podemos encontrar parte de su obra. Alabau ha formado parte de exposiciones colectivas como Atarazanas en Valencia o Galería color Elefante. Ha participado en multitud de exposiciones en ciudades tanto nacionales: Madrid, Girona, Valencia; como internacionales: Berlín, Dusseldorf, Colonia, Tokio.
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