APERTURA MADRID 2023
Entre el 14 y el 17 de septiembre se celebra la decimocuarta edición de Apertura Madrid, con 56 exposiciones, repartidas en diferentes barrios de la ciudad como Chamberí, Salesas, Lavapiés, Letras y Salamanca.
Las galerías abrirán durante todo el fin de semana con un horario ampliado: el jueves de 12:00 a 22:00 h, el viernes y el sábado de 11:00 a 20:00 h y el domingo de 11:00 a 14:00 h. A esto se une un programa de actos en los espacios de las galerías así como otras actividades destinadas a poner en valor el arte contemporáneo
Como en las últimas ediciones, en Apertura Madrid la participación de las artistas roza el 40 %.
DR. FOURQUET/LAVAPIES
Silvia Bächli, Campos poéticos, galería Maisterra Valbuena, c/ Hospital 8. Hasta 4 de noviembre 2023.
La exposición de Silvia Bächli estará conformada por más de 20 obras de gouache sobre papel, de distintos formatos y periodos, incluyendo trabajos recientes que se muestran por primera vez.
El montaje, diseñado por la artista, toma prestadas estrategias expositivas de la instalación como género artístico y constituye un componente clave en esu trabajo, a través del que enfatiza la importancia de la experiencia física de los espectadores.
Bächli realiza intervenciones bidimensionales sutiles y no invasivas, creando las condiciones para encuentros con la obra de arte como ambiente. En la relación entre los dibujos y la arquitectura se resaltan también los vacíos visuales, sin embargo cargados de información, es decir, de la memoria del movimiento del cuerpo de la artista al pintar, presente en la continuidad invisible de las proporciones armónicas y el ritmo de los trazos. La obra de Bächli es repetición, representación y presencia del cuerpo, donde la artista utiliza la línea y lo plano como síntesis poética de lo básico expresivo, y donde las dimensiones del papel transmiten los límites orgánicos de los gestos físicos durante el proceso creativo, desde el acto performativo, hasta el diseño y montaje de la exposición.
Bächli i (Suiza, 1976) tiene una larga trayectoria de exposiciones internacionales y ha recibido prestigiosos premios y reconocimientos. Su obra está en colecciones de instituciones como: Centre Georges Pompidou, Dallas Museum of Art, Musée d’art moderne et contemporain (París), MoMA (Nueva York). En el 2009 representó a Suiza en la Bienal de Venecia.
Belén Rodríguez, I danced myself out the womb, galería Juan Silió, C/ Dr. Fourquet 20. Hasta 11 de noviembre 2023.
Durante el último año el trabajo de Belén Rodríguez ha sido creado bajo una misma intención, servir para adquirir y proteger un bosque de Cantabria. “Se trata de una masa de hayas, robles, eucaliptos y acebos, cercana a la residencia de la propia artista, cuyo dueño, recientemente fallecido, deseaba preservar en lugar de explotarlo para ganadería y madera, como pretenden sus herederos”.
Así, muchas de sus obras están compuestas por telas tintadas con elementos naturales procedentes de ese bosque: roble, eucalipto, castaño, abedul, nogal, laurel… A través de los cuadernos de registro de cada prueba de color, a medio camino entre un herbario y un muestrario textil, y de las obras en las que telas trenzan delicadamente el bastidor, realiza un retrato del bosque y, al mismo tiempo, su trabajo recoge la herencia de la pintura y la escultura como arte, traduciéndolo a las necesidades actuales, reconciliando su función, la materia de la que se sirve y la práctica artística.
Además de lograr el objetivo principal del proyecto, completado con la compra del bosque y el compromiso de la artista en protegerlo, las nuevas obras que presentará en Apertura giran en torno a los elementos y la vida que permanece salvaje y libre.
Inmaculada Salinas, Voces en el bosque, 1 Mira Madrid, C/ Argumosa 16. Hasta 11 de noviembre 2023.
Si feminizar un cuerpo es situarlo en el lado pasivo de la vida, es decir, privarlo de cualquier atributo que lo distinga como amenazante, con Voces en el Bosque Inmaculada Salinas traza —a través de largas series en las que se reúnen dibujos, textos e imágenes— una especie de genealogía política del cuerpo femenino, que le sirve de vehículo para que formas de producción de poder y placer que pueden ejercer las mujeres y son censuradas hablen o se resignifiquen a través de sus obras.
Voces en el Bosque plantea otras problemáticas más dependientes de la condición y vocación de pintora de la artista. «Mi trabajo —dice— es un proceso que requiere tiempo, que toma el tiempo como uno de sus temas y que me permite, mientras lo hago, pensar». Con estas palabras afirma su compromiso de desprenderse de cierta «nostalgia formal», dependencia de estilos, lenguajes y técnicas instalada en gran parte de la escena artística andaluza en la que opera. Para escapar de esta «melancolía» y abrir el horizonte en torno a la representación, sus obras y series acumulan una gran cantidad de trabajo, rehúyen las especializaciones, no establecen ningún tipo de diferencia entre materiales producidos y reproducidos, entre dibujos, textos, formas o ideas.
Los proyectos de Inmaculada Salinas (Guadalcanal, 1967) rehuyen de la especialización, no establecen distinciones entre obras producidas y reproducidas, entre dibujos, textos, formas e ideas y, sobre todo, ensayan tentativas orientadas a despertar de la nostalgia formal donde se ha instalado la escena artística contemporánea.
María Tinaut, Y septiembre es claro y azul de nuevo, galería Rosa Santos, C/ San Cosmee y Sanm Damián 11. Hasta 11 de noviembre 2023.
Y septiembre es claro y azul de nuevo es el título de la segunda exposición individual de María Tinaut en la galería Rosa Santos, la primera en la sede de Madrid. En esta ocasión mostrará sus nuevos trabajos que se encuentran entre la fotografía y la pintura. En este cuerpo de trabajo, el desplazamiento y el desdibujado de los fundamentos de representación en los lenguajes fotográfico y pictórico nos permite plantear preguntas sobre la autoría.
María Tinaut es una artista licenciada en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València y tiene un Master of Fine Arts por la Virginia Commonwealth University. Su trabajo ha sido expuesto de manera individual y colectiva en Estados Unidos, México, Polonia, Alemania y España.
Mariú Palacios, TUYO, galería Xavier Fiol, C/ Mallorca 9. Hasta 10 de noviembre 2023.
¿Cuál es la exacta distancia entre el dolor y el deseo –o acaso estos estados a veces se confunden irremediablemente, de tal manera que son indistinguibles?– Es posible que esta exhibición en Madrid contenga algunas pistas recogidas en ese oscuro intervalo. Y es que cada una de las obras que conforman TUYO, de Mariú Palacios (Perú, 1976) —exhibición derivada de 7 langostas y un espejo presentada en Lima hace unas semanas— pareciera habitan ese tormentoso intervalo. Allí, donde la herida se vuelve coraza y los remiendos sentimentales emblemas de permanencia, la obra de
Palacios florece, enredándose en la espesa niebla que casi siempre (re)cubre la transformación de aquello que nos aflige en una pulsión primaria, húmeda de vida.
Por ello, en la muestra conviven precariamente fotografías, piel y escritura, azulejos pulidos y raíces secas y claro, espejos y tambores —criaturas del polvo que va dejando la vida. El espectador hará bien en hurgar en cada una de estas contradicciones hasta desorientarse pues aquí, en medio de la nítida exuberancia de este desierto, bajo su opaco sol, solo nos encontramos perdiéndonos.
Ivana de Vivanco, La Yegua de Santiago, galería THE RYDER, c/ Miguel Servet 13. Hasta 11 de noviembre 2023.
El relato histórico siempre se ha alimentado de la épica de una clase guerrera y aristocrática: héroes que ganan batallas a lomos de su caballo, reyes que pelean con reyes. Poco a poco esa épica de la violencia y el abuso se instaló en nuestro relato del pasado, llevándonos a pensar que esa forma de “hacer historia” era la única posible. Con La Yegua de Santiago, Ivana de Vivanco nos invita a pensar que tal vez nos equivocábamos.
Ivana de Vivanco (1990) es una artista chileno-peruana asentada en Alemania. Con una gran influencia del Barroco Latinoamericano, su práctica artística conjuga escenas teatrales con atmósferas misteriosas repletas de metáforas y referencias sociopolíticas. Su práctica propone una lectura distinta de lo colonial, el cuerpo femenino y la utopía como forma de curación histórica y personal.
De Vivanco ha expuesto recientemente en Instituto de Visión, Bogotá; Santiago Museum of Contemporary Art, Santiago; Kunsthalle Darmstadt, Berlin; Galerie Anita Beckers, Frankfurt; Art Cologne; Bank Mab Society, Shanghai; Persona Curada, Paris; The RYDER Projects, Madrid. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas en todo el mundo, como por ejemplo Xiao Museum of Contemporary Art Rizhao (China) y Jorge Pérez Collection (El Espacio 23 / Pérez Art Museum Miami).
LETRAS/CENTRO
Elina Brotherus, Artist as Clown, galería Cámara Oscura, C/ Alameda 16. Hasta 23 de diciembre 2023.
“Después de veinte años ‘usándome’ en mis fotografías, sentí que había hecho todas las poses qu podía hacer con mi cuerpo. La salida de este callejón sin salida llegó a través del Fluxus. En 2016 en mi nominación para Prix Elysée, empecé a usar los event scores de Fluxus y otras instrucciones de artistas como la base de mi trabajo. La serie Meaningless Work en la que se basa esta exposición es un proyecto aún en curso. Me mantiene curiosa y me permite realizar nuevos descubrimientos, todo mientras continúo haciendo lo que mejor conozco. Me posibilita volver delante y detrás de la cámara a la vez. Citando a Arthur Köpcke: “La gente pregunta: ¿Por qué? Yo pregunto: ¡Por qué no!”.
Elina Brotherus (Helsinki, Finlandia, 1972) trabaja con fotografía y vídeo. Es la artista más reputada de la influyente Escuela de Helsinki y probablemente la mejor fotógrafa europea de media carrera en la actualidad. Su trabajo ha ido alternando enfoques autobiográficos e histórico-artísticos.
Aimée Zito Lema, Puedes oír los corazones golpeando al unísono?, galería The Goma, C/ Fúcar 12. Hasta 9 de noviembre 2023.
La memoria intergeneracional y el material de archivo es el punto de partida en la investigación de Aimée Zito Lema. En esta exposición se presentan una serie de obras basadas en los periódicos originales del Juicio a las Juntas militares, llevado a cabo en Argentina a principios de la democracia en 1985. A través del aprendizaje de símbolos y escritura escenográfica, Zito Lema reconfigura el contenido de las imágenes de estos diarios.
A diferencia de estas obras, de un lenguaje gráfico y con referencias directas al archivo histórico, la artista también plantea una lectura sobre la transmisión intergeneracional desde un lenguaje poético.
Propone un acercamiento a la historia en donde el aprendizaje es clave, no desde estructuras preestablecidas, sino desde lo sensible, resaltando la memoria como forma de justicia y apelando a la ternura como modo de transmisión de conocimiento. Así, en la película en 16 milímetros que da título a la exposición, ¿Puedes oír los corazones golpeando al unísono?, muestra las manos de una madre y un hijo tocando el piano, en un diálogo disonante por momentos material y otras veces simbólica.
Aimée Zito Lema (Ámsterdam, 1982) trabaja en torno a la memoria histórica. Fue artista residente en la Rijkakademie, Ámsterdam, en 2015/16. Su obra ha sido exhibida en Mercer Union, Toronto; Whitstable Biennale; Grazer Kunstverein; Trienal de Artes Sorocaba; Museo Calouste Gulbenkian, 11.ª Bienal de Gwangju y MACBA Barcelona.
Lola Bosshard, Lola Bosshard [1965-1975], galería José de la Mano, C/ Zorrilla 21. Hasta 27 dee octubre 2023.
Lola Bosshard (Valencia, 1922 – Thalwil, Suiza, 2012) estudió en la Escuela de Bellas Artes San Carlos, ampliando su formación en Suiza y Francia en los años 40. Las últimas investigaciones sitúan sus primeras obras abstractas en 1948 y las geométricas en 1962. El clímax de su trayectoria tendrá lugar entre 1967 y 1968, con su muestra ambiental de raíz mínimal en la galería Edurne y su participación en la colectiva de tesis Arte Objetivo, ambas en Madrid.
Se trata de una de las artistas mujeres pioneras de la abstracción en España, con una obra que en algunos momentos se centra en la abstracción geométrica y, en otros, en el informalismo (primera mitad de los años 60 y años 80 y 90). La presente exposición en la Galería José de la Mano, comisariada por Isabel Tejeda, se centra en sus trabajos de finales de los años 60, hasta hace poco des-/ aparecidos y recientemente descubiertos.
Cecilia Edefalk, galería Carlier / Gebauer, C/ José Marañón 4. Hasta 25 de noviembre 2023.
Cecilia Edefalk es una de las artistas más célebres de Suecia. Su práctica intuitiva y profundamente personal se inspira a menudo en cosas presentes en su vida cotidiana, ya sea un campo de dientes de león, una novela o los recuerdos de una visita a una iglesia en Italia. El enfoque de Edefalk combina lo íntimo y lo analítico. Su elección de temas suele surgir de una intuición rigurosa y extraña que afina para emprender exploraciones en serie de un único motivo experimentando con la duplicación, la escala y la instalación.
Edefalk considera la repetición como un medio para expresar diferentes ideas. Aísla momentos transitorios de percepción multiplicando y dividiendo las formas que surgen de ellos para crear meditaciones visionarias sobre la naturaleza, la mutabilidad del tiempo y los ciclos naturales de crecimiento y decadencia.
La obra de Cecilia Edefalk (Norrköping, 1954) se mostró en una importante retrospectiva en 2020 en el Museo de Arte de Norrköping y en 2016 en Prins Eugens Waldmarsudde, Estocolmo. Edefalk ha realizado numerosas exposiciones individuales en museos como Moderna Museet de Estocolmo, el BAMPFA Berkeley Art Museum, el Crystal Palace en Estocolmo, Parasol Unit en Londres, The Art Institute of Chicago, Malmö Konstmuseum, Lunds Konsthall en Suecia, Kunsthalle Kiel en Alemania y Kunsthalle Bern. Su obra ha participado en numerosas exposiciones colectivas en diversos centros internacionales.
BARQUILLO/ SALESAS
Elo Vega, Un estudio de la forma ideal, galería Juana de Aizpuru, c/ Barquillo 44. Hasta 23 de octubre 2023.
Tomando como referencia el subtítulo de la célebre obra de Kenneth Clark – The Nude, a Study in Ideal Form – esta exposición reúne una selección de obras derivadas de la investigación que la artista viene desarrollando en torno a la diversidad, y la recurrencia, de determinadas inflexiones y dinámicas intertextuales en la representación del cuerpo femenino, desde las prácticas artísticas principalmente, pero también en otros medios contemporáneos de producción iconográfica a través de los cuales se busca, literalmente, dar cuerpo a los sueños y fantasías, las aspiraciones y los temores de una sociedad en mutación.
Elo Vega (Huelva, 1967) es una artista visual e investigadora, doctora en Investigación en Artes y Humanidades. Su trabajo aborda cuestiones sociales, políticas y de género desde una perspectiva feminista antipatriarcal, a través de proyectos artísticos que son a la vez dispositivos de crítica de la cultura como instrumento político. Concibe la práctica artística como un instrumento de investigación experimental que tiene como objetivo fundamental la producción de pensamiento crítico.
Inma Femenía, Aire Magenta, galería Max Estrella, c/ Santo Tomé 6. Hasta 28 de octubre 2023
La trayectoria artística de Inma Femenía profundiza en los valores plásticos del espectro visible, aquellos que conforman nuestra experiencia perceptiva habitual. Sin embargo, en esta exposición la artista va más allá, investigando los espectros invisibles propios de la luz ultravioleta e infrarroja y haciéndolos perceptibles materializando sus propiedades.
Paralelamente, Femenía ha experimentado la recreación de realidades a través de los medios tecnológicos, trabajando con el flujo de información de imágenes digitales y su manifestación lumínica.
Aire Magenta yuxtapone elementos materiales y digitales para dar lugar a una experiencia visual, acercándose al umbral de aquello que consideramos realidad.
El trabajo de Inma Femenía (Pego, Valencia, 1985) se caracteriza por la relación entre materia y percepción visual, evidenciando su conexión con el ámbito digital. Su obra forma parte de las colecciones de instituciones como Fundación “la Caixa”, DKV, la Col·ecció Per Amor a l’Art, la Generalitat Valenciana o el MACA.
Ana Barriga, Contigo aprendí, galería Yusto Giner, c/ Barquillo 25. Hasta 17 de octubre 2023.
En su trabajo, la artista Ana Barriga intenta encontrar el equilibrio entre la razón y la emoción, dos áreas aparentemente contradictorias que crean un tipo de energía al unirse que toma como punto de partida. El humor, el juego, y la ironía, son tomados por Barriga como formas de apreciar la realidad de un modo inesperado y diferente con el rompe las normas preestablecidas.
Contigo aprendí es la tercera exposición individual de Ana Barriga (Jerez de la Frontera, 1986) en la galería Yusto/Giner. En ella, Ana Barriga presenta una nueva serie formada por siete lienzos en los que continúa su trabajo pictórico enfocado siempre a la diversidad de puntos de mira y en torno al establecimiento de diálogos entre el lienzo y el público, dando claves por medio del lenguaje, el juego y el humor para sembrar ideas en su obra que han de ser desarrolladas posteriormente por la audiencia de la misma. Pretende indagar en la imagen traducida a la pintura, en un proceso no lineal
y flexible que amplíe el abanico de posibilidades plásticas. Aplicar la idea de laboratorio, asumiendo el error y el hallazgo como método de investigación. En estos trabajos se pretende remarcar el carácter de la pintura, todo se simplifica con el fin de llegar a la pintura misma. Es por tanto, que la finalidad no resulta programada, más bien es una secuencia de lucha paulatina del arte por su autonomía, reflexionando sobre cada una de las decisiones tomadas desde el principio, comenzando por la más esencial, la propia elección de la pintura como medio.
Koo Jeong A, an + bn = cn, galería Albarrán Bourdais, C/ Barquillo 13. Hasta 3 de noviembre 2023.
Koo Jeong A está constantemente en órbita y vive y trabaja en todas partes. Koo es una artista multidisciplinar, que ha desarrollado una amplia y dinámica obra desde principios de la década de 1990.
En su práctica los elementos arquitectónicos, textos, dibujos, pinturas, esculturas, animaciones sonido, cine, instalaciones, palabras y olores, desempeñan un papel importante. Con estos diversos elementos, Koo crea intervenciones e instalaciones poéticas, inmersivas pero mínimas. En Albarrán Bourdais, Koo ha realizado varias obras nuevas, obras que muestran claramente el interés de Koo tanto por las cuestiones matemáticas como por los temas astronómicos. El propio título de la exposición,
an + bn = cn, es una pieza matemática, por lo que incluso antes de encontrarnos con las
obras propiamente dichas, Koo nos insinúa lo que está en juego.
A lo largo de los años, Koo ha investigado y desdibujado los límites entre su obra y el espacio que ocupa. La obra añade nuevas capas a cualquier espacio y Koo consigue fusionar pequeñas experiencias íntimas y obras inmersivas a gran escala. Para Koo, el arte funciona como un transformador que incita constantemente a la sorpresa del descubrimiento, la implicación del público y la alteridad, extendiéndose hacia un imparable estado de dinamismo siempre oscilante, tembloroso y vibrante. Koo domina tanto las pequeñas experiencias íntimas como las obras impresionantes a gran escala, pero sus gestos mínimos y su enfoque conceptual son siempre elegantes, atractivos,
multisensoriales, estéticamente agradables y, lo que es más importante, incitan a la reflexión.
Lucía Loren y Bárbara Fluxá, Producir mundo entre redes y marañas, galería Lucía Mendez, C/ Bárbara de Braganza 10. Hasta 18 de noviembre 2023.
En Producir mundo entre redes y marañas, Lucía Loren y Bárbara Fluxá indagan sobre cómo los procesos humanos que producen “mundo” son absolutamente interdependientes de las relaciones sistémicas que sostienen la red de la vida. Las artistas nos proponen, a través de una mirada relacional, ver el paisaje como esa maraña de organismos, ecosistemas y ciclos geoquímicos que conforman la Tierra. Sus instalaciones multidisciplinares producidas a través de vídeos, dibujos, fotografías, intervenciones, esculturas y materias naturales ponen el foco en promover y reivindicar
esa trama de interdependencias. Una red de creatividad expandida entre humanos y no humanos que ahora, más que nunca, debemos mantener en equilibrio.
Bárbara Fluxá es una artista multidisciplinar especialista en nuevas estrategias y prácticas artísticas contemporáneas en torno a la crisis sistémica medioambiental y las relaciones actuales entre humanidad, tecnología y naturaleza.
La línea de investigación de Lucía Loren se articula en torno al binomio arte y ecología con prácticas que integran una reflexión socio-ambiental de nuestra relación con el territorio, articulando praxis colaborativas, procesos de intervención social e integrando estas experiencias en contextos educativos inclusivos que generan un intercambio de experiencias y conocimientos.
Fernanda Fragateiro, Escola clandestina, galería Elba Benítez, c/ San Lorenzo 11. Hasta 1 de noviembre 2023.
Creada a partir de fragmentos de mampostería recogidos por la artista de demoliciones de muros en Lisboa, una gran pieza cubre una pared y anuncia el espíritu “deconstructivo” de la exposición y, simultáneamente, revela un método de trabajo en el que la ciudad es utilizada como lugar de pensamiento y laboratorio de creación. Empleando materiales usados de estructuras urbanas, cargados de memoria e historia, la artista ancla su obra en el aquí y ahora de la ciudad. Es de un método de trabajo que toma la realidad como punto de partida, utilizándola como base de la acción y el pensamiento, un laboratorio de recogida de materiales en el que la artista actúa como una arqueóloga, transformando restos en esculturas y utilizándolos como punto de partida de nuevas historias.
Fernanda Fragateiro (Montijo, 1962) vive y trabaja en Lisboa. Actuando en el campo de la tridimensionalidad y desafiando la tensión entre arquitectura y escultura, su obra potencia la relación con cada lugar, ubicando al espectador en una posición performativa. Algunos proyectos resultan de colaboraciones con arquitectos, paisajistas, artistas y performers.
Nancy Spero, galería NoguerasBlanchard, C/ Beneficencia 18B. Hasta 11 de noviembre.
En una carrera innovadora que superó los 50 años de práctica y abarcó movimientos artísticos y culturales como el arte conceptual, el posmodernismo y el feminismo, Nancy Spero convirtió la experiencia femenina en el centro de su práctica artística y desafió las convenciones estéticas y políticas. Su lenguaje procede de su inmersión en la historia de las imágenes, especialmente de Egipto, la Antigüedad clásica, la Prehistoria y los medios de comunicación contemporáneos.
Combinó, fracturó y reutilizó imágenes encontradas y adoptó textos para comentar acontecimientos contemporáneos e históricos como las monstruosidades de la guerra de Vietnam, el exterminio de judíos durante el Holocausto y la tortura de mujeres en Chile. Con cruda intensidad, Spero realizó obras sobre papel e instalaciones que resisten como declaraciones sin remordimientos contra el omnipresente abuso de poder, el privilegio occidental y la dominación masculina.
En NoguerasBlanchard presentamos una selección de obras sobre papel pertenecientes a los últimos 30 años de trabajo y vida de la artista, en los que su actividad artística fue más intensa y su obra se nutre de figuras danzantes extraídas de motivos de la arqueología universal.
Elena Goñi, Los espacios ocupados, galería Utopia Parkway, c/ Reina 11. Hasta 3 de noviembre 2023.
“Un bodegón puede ser representación de unos objetos teatralizados, convertidos por la mano del artista en personajes de una obra. Colocados sobre un escenario, transcritos al lenguaje pictórico.
Sin embargo, en mi caso, sucede lo contrario. Yo soy la que me sitúo ante mi espacio cotidiano. Miro mi entorno y veo. Las cosas que me rodean no son objetos inertes. Las transforma el tiempo, la luz, el instante en que las observo. Yo las puse ahí en un determinado momento, pero ahora no solo las habito, también me habitan. Dan sentido al espacio en que me muevo, lo cubren de una identidad que es la mía. Se han convertido en un reflejo de mi ser, en un espejo. Constituyen referencias de personas que también viven en mí, de momentos que me construyen.
En ese espacio que ocupo hay un tiempo lento. Es el que me permite escuchar su sonido, apreciar el ritmo poco marcado de las horas sin movimiento aparente. En él es donde se produce la repetición del gesto inconsciente que, sin pretender, conquista un lugar en el imaginario de nuestra memoria. Es tiempo disfrazado de quietud; en realidad, sigue siendo demoledor, inexorable, transformador de los objetos que me rodean y de mí misma. Por esto mismo es tiempo vivo, vivido. Es el que construye
los espacios ocupados”. Elena Goñi
La artista ha recibido becas como la del Ministerio de Cultura para el Colegio de España en París y premios como el ABC de pintura en 2000. Su obra está presente en instituciones y colecciones tanto públicas como privadas como el Museo de Navarra, la Colección de Arte Contemporáneo de Pamplona, la Colección de Arte Contemporáneo de Prensa Española (Madrid) o el Museo de Albacete.
Gina Arizpe, Deshecho y omisión, Galería Freijo, c/ Zurbano 46. Hasta 28 de octubre de 2023.
Este proyecto opera como una suerte de recorrido de recorridos en el que el transitar se convierte en la trama y urdimbre de un tejido que a medida que crece ante nuestros ojos va ocultando la realidad de la que forma parte. Como Víctor Gallego nos recuerda siempre: «Hacer y deshacer todo es hacer» y es en este hacer donde el desecho y la
omisión toman forma.
La segunda ley de la termodinámica sostiene que todos los procesos que ocurren en el universo se realizan de manera que siempre aumenta el desorden, y por tanto la entropía, a nivel global y a nivel local, en un espacio pequeño y/o en un intervalo de tiempo pequeño. De un bulbo de algodón a un hilo, de un hilo a un tejido, de unas frías coordenadas aparentemente azarosas a un nombre propio, de un nombre propio a un tejido. Así, unos pasos nos llevan a un camino que a veces preferiríamos no recorrer, pero que Gina Arizpe nos toma de la mano para adentrarnos en ese camino que
preferiríamos no conocer. Esta muestra se articula a partir de dos piezas y la tensión que se genera entre ambas: “Cuestión de tiempo” y “Nombres y coordenadas”. Entre ambas, una serie de trabajos relacionados con este contexto.
VILLANUEVA /SALAMANCA
Cristina Almodóvar, Plenitud y vacío, galería Fernández-Braso, c/ Villanueva 30. Hasta 8 de octubre 2023.
Esta exposición es una reflexión filosófica a través de la escultura. En ella la tarea de esculpir se convierte en una búsqueda para que la materia se trascienda a sí misma, para que hable de algo inmaterial, adquiriendo plenitud al abrirse y relacionarse con el espacio vacío. Hay mucho de angustia existencial en esa lucha creativa para conseguir que lo sólido y corpóreo se trascienda y salga de la limitación de lo concreto.
En esta exposición lo dicho se une a lo sugerido. La no presencia evoca la presencia. La materia trata de hacerse plena perdiendo su materialidad, trascendiendo sus límites para llegar así a ser escultura. La obra se vuelve paradoja, como lo hace la sombra de algunas piezas al escapar de ellas y llegar, etérea y contundente, sobre los planos del espacio expositivo. Las obras reunidas en Plenitud y vacío son muy concretas y, a la vez, muy abstractas. Los referentes naturales habituales de la obra de Cristina Almodóvar juegan con los límites plásticos para ser sólo motivos que ya no se representan a sí mismos, sino que se vuelven conceptos abstractos.
Cristina Almodóvar (Madrid, 1970) es Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de escultura. Partiendo del trabajo en hierro, ha ido realizando una constante investigación técnica multidisciplinar, uniendo imágenes de inspiración natural a conceptos racionales, a través de lenguajes plásticos con los que acerca su obra a lo poético.
LAS ROZAS
Loren Amorós, Sisters of Tomorrow, galería Adora Calvo, c/ Epidauro 53, Las Rozas. Hasta 31 de octubre 2023.
En el proyecto Sisters of Tomorrow, Lorena Amorós combina varios soportes como dibujo, vídeo y pintura como parte de una extensa investigación sobre el fenómeno de la ciencia ficción y los productos de serie B. Mediante un análisis de sus patrones estéticos e iconográficos, la artista reelabora portadas de las publicaciones Pulp y Sci-fi para crear complicidades autobiográficas y socialmente reconocibles. Alterna los títulos y las imágenes de tal modo que los dibujos envían mensajes inquietantes que, agrupados, conforman un coro de profecías descontextualizadas sobre los destinos personales y colectivos.
Las obras elaboradas con grafito se integran en una instalación que abarca el conjunto del espacio expositivo de la galería. Podrán verse, asimismo, piezas de vídeo y pintura producidas desde el universo afectivo e iconográfico que ha movido la investigación de la artista.
Lorena Amorós es artista visual, investigadora y profesora titular en la Universidad de Murcia. En sus proyectos artísticos ha analizado las situaciones límite de la autorrepresentación, los reversos de la autobiografía en los álbumes familiares y la construcción de la subjetividad femenina. También ha abordado el mundo imaginario del fan y sus proyecciones sobre la música rock y punk.
